芭蕾舞蹈中的肢体语言
所有芭蕾舞开始和结束的动作都用这五种姿势中的一个。这些姿
势是在18世纪创造的，是为了达到平衡并使脚显得优美。
传统的古典芭蕾技术建筑在外开、伸展、绷直的审美基础之上的。它包括：脚的5种基本位置、3种基本舞姿：如“阿拉贝斯” （arabesque）、“阿提秋”（attitude）和“伊卡特”（ecarte）；
腿部技巧：各种“巴特芒”（battements）——包括腿的伸展、打开
以及rond de jambo（腿的划圆圈）等；各种幅度和舞姿的跳跃；各种旋转；击腿技巧；各种舞步和连接动作；女子的脚尖舞技巧；双人舞
的扶持和托举等技巧；以及“泼德布拉”（port de bras）等。古典
芭蕾的这些基本动作（元素），就像字母一样，编导使用这些“字母”写出不同角色的个性、身份、情绪以及角色在剧情发展中的地位和作用，把这些元素按特定的结构手法加以编排、组合、组成形象化的舞
蹈语汇来表达剧情，创造出各种富有艺术魅力的舞蹈形象。
脚部的五个基本位置：
第一位：两脚跟紧靠在一直线上，脚尖向外180度
第二位：两脚跟相距一足的长度，脚部向外扭开，两足在一直
线上
第三位：两脚跟前后重叠放置，足尖向外张开
第四位：两脚前后保持一足的距离，两足趾踵相对成两直线，
腿向外转
第五位：两脚前后重叠，两足趾踵互触，腿向外转
手部基本位置：
1.瓦卡诺娃派（俄国派）
第一位：双手在正面的腹前成自然圆
第二位：双手在旁侧伸，在视线范围内，手心向内
第三位：双手上举在头上方的视线内
2.却革底派（意大利派）
第一位：双手垂下成自然圆，手指轻触在大腿旁的位置
第二位：双手在旁侧伸
第三位：一手在身体前手心向内，另一手在旁侧伸
第四位：一手在身体前与横隔膜保持相同的高度，然后同时上举在头的上方
芭蕾舞蹈中的肢体语言 所有芭蕾舞开始和结束的动作都用这五种姿势中的一个。这些姿 势是在18世纪创造的，是为了达到平衡并使脚显得优美。 传统的古典芭蕾技术建筑在外开、伸展、绷直的审美基础之上的。它包括：脚的5种基本位置、3种基本舞姿：如“阿拉贝斯” （arabesque）、“阿提秋”（attitude）和“伊卡特”（ecarte）； 腿部技巧：各种“巴特芒”（battements）——包括腿的伸展、打开 以及rond de jambo（腿的划圆圈）等；各种幅度和舞姿的跳跃；各种旋转；击腿技巧；各种舞步和连接动作；女子的脚尖舞技巧；双人舞 的扶持和托举等技巧；以及“泼德布拉”（port de bras）等。古典 芭蕾的这些基本动作（元素），就像字母一样，编导使用这些“字母”写出不同角色的个性、身份、情绪以及角色在剧情发展中的地位和作用，把这些元素按特定的结构手法加以编排、组合、组成形象化的舞 蹈语汇来表达剧情，创造出各种富有艺术魅力的舞蹈形象。 脚部的五个基本位置： 第一位：两脚跟紧靠在一直线上，脚尖向外180度 第二位：两脚跟相距一足的长度，脚部向外扭开，两足在一直 线上 第三位：两脚跟前后重叠放置，足尖向外张开 第四位：两脚前后保持一足的距离，两足趾踵相对成两直线， 腿向外转 第五位：两脚前后重叠，两足趾踵互触，腿向外转 手部基本位置： 1.瓦卡诺娃派（俄国派） 第一位：双手在正面的腹前成自然圆
第二位：双手在旁侧伸，在视线范围内，手心向内 第三位：双手上举在头上方的视线内 2.却革底派（意大利派） 第一位：双手垂下成自然圆，手指轻触在大腿旁的位置 第二位：双手在旁侧伸 第三位：一手在身体前手心向内，另一手在旁侧伸 第四位：一手在身体前与横隔膜保持相同的高度，然后同时上举在头的上方
舞蹈身体语言教育 舞蹈身体语言教育 "舞蹈身体语言"这一概念的提出是最近一百年 来舞蹈理论和实践观念变化的产物."身体语言"很 早就已经作为一门独立的学科而存在,但这门学科引 入舞蹈理论界却是在现代舞蹈观念产生之后. 舞蹈艺术在产生之初就是作为人类情感的一种发 泄方式,是人类内心情感的外化.但随着舞蹈作为 一 种艺术形式固定下来,舞蹈的形式逐渐地占据了主 要地位,舞蹈动作本身所具有的美感和艺术性几乎成 为舞蹈的全部意义所在.以古典芭蕾为例,足尖舞 技巧以及演员们在舞台上的跳跃与旋转已经固定下来 成为一种"有意味的形式",而很少有人去追问这 些动作形式背后蕴含着什么样的意义,表达了什么样 的情感.观众们一次又一次地去剧院欣赏《天鹅 湖》,绝不是为了了解这部舞剧的故事情节,他们 中的大半是为了欣赏演员们高超的舞蹈技巧和优美的 动作造型而来的. 现代舞先驱们意识到了古典芭蕾的这种形式化的 趋向,他们开始反对足尖技巧对舞蹈表珊隋感能力的 限制,主张把人类的情感表现放在舞蹈的首位,而 纯粹的形式美则应该退居其次.在这种观念的驱使下,"现代舞之母"邓肯开始光着脚,身穿宽大的 "图尼克",在舞蹈中自由地宣泄自己的情感.现 代舞让舞蹈回到原初的意义价值上,让舞蹈的动作又 重新为人类的情感表达服务.
正是在这种向情感回归的舞蹈观念支配下,"身 体语言"的概念逐步进入到舞蹈艺术领域,成为当 前舞蹈理论界研究的热门话题. "语言"是一种符号载体,人类的语言把一定 的声音符号和一定的意义内容联系起来,建构起了一文/李燕 个语声的符号体系.人类的身体语言也是人类交流的一种重要方式,据统计,人类通过身体语言交 流的信息要占信息交流总量的一半以上.与有声语言不同的是,身体语言是以人类的肢体为媒介的. 这样,从身体语言的角度来讲,人类的动作往往 是其内心的真实写照,是人类情感的象征符号. 舞蹈作为一门动作艺术,也属于身体语言的一 种形式.舞蹈身体语言与其他的一些非语言交流方式有着许多相似的地方,因此我们也可以借用一些身体语言方面的研究成果来界定舞蹈身体语言的特点:它是"不说话的交流";"是对面部表情, 时间,姿势,气味,眼神等等的研究". 比之日常身体语言,舞蹈身体语言的信息还有 两个显着特点,一个是审美感,一个是文化感. 尽管日常身体语言中也有文化差异,但舞蹈中的文化感是属于风格性的,进入到美学的范畴.舞蹈 身体语言的审美感集中表现在高难度的动作技巧上.人们欣赏舞蹈,既欣赏舞蹈表演的美,也欣 赏高难度的舞蹈技巧的美,并从中得到精神上的升华.下面我们分别从三个方面入手来谈一下舞蹈身体语言教育的具体内容. 一 ,
浅谈舞蹈教师肢体语言 舞蹈是有生命的、运动中的人体艺术。舞蹈教学是艺术教育的重要内容和途径之一,从本质上可以说它是一项塑造人的工程。舞蹈教育的最高水平应该是无声胜有声，身教重于言教。因此，舞蹈教师有着用肢体语言和教态语言传递美的内涵的得天独厚 的机会和能力。 一、舞蹈教师的肢体语言 肢体语言（body language）又称身体语言，是指经由身体的 各种动作，从而代替语言而达到表情达意的沟通目的。肢体语言的含义是运用四肢和躯干的协调合作来代替由语音、词汇和语法构成的一定系统，是人类独特的表达意思、交流思想的工具，是直接参与感知事物、了解社会、认识世界的手段。 肢体语言在教学中十分重要。有研究资料表明,在信息的传达 中说一句话,词语只表达了百分之七的内容,声音占百分之三十八,余下的百分之五十五则来自说话者的姿态、表情和动作这些 肢体语言,所以肢体语言在教学中非常重要。舞蹈的肢体和文学 中的语言都是人们自我表达的媒体，在我们日常生活中，当我们用语言和文字难以传达或不能透彻表现某种思想和感情时，我们往往用人体的动作和姿态简单明了地表达出来。这些比拟式的动作可以代替文学中的语言，有时还可以获得比语言更好的效果。．
在舞蹈教学中肢体语言又有着特别的意义。舞蹈教育是舞蹈教师通过肢体语言的教育。肢体语言在舞蹈教学中非常重要，是老师教授学生舞蹈的重要方式。肢体语言亦可称之为“身教”。“身教”重于“言教”，其他学科的教师把所教授的内容用语言文字的形式传递给学生，而舞蹈教师是通过肢体语言来示范动作传递肢体艺术进行教学活动以便达到舞蹈内涵所要达到、所要表现的最佳状态。 二、舞蹈教师肢体语言的特殊功能――美育功能 舞蹈教育主要是培养人的形体协调姿态优美，应把美的理想、美的情操、美的品格、美的素养更好地实施于舞蹈教学之中， 通过舞蹈教学教育培养人的形体美、心灵美和艺术美。所以美是舞蹈的内涵。舞蹈教师利用肢体语言把舞蹈、教育和老师本身的内涵表现出来，所以舞蹈教师肢体语言的运用对学生又有着特殊而重要的美育功能。它不仅带给人们精神上的愉悦和美的享受而且还具有欣赏价值和对学生的美育作用，更重要的是可以激发学生学习舞蹈的兴趣和欲望，成为一种动力。 舞蹈是美育的基础，美育也参与并渗透于舞蹈之中。舞蹈的美育价值不仅体现在学校教育中，同时还体现在社会之中，不仅体现在人的外表，同时还体现在人的心灵之中。在异彩纷呈的世界里，舞蹈以其独特的美，表现传达着人类共同享受共同追求的情感，当我们跳起美好的、生动的、诗一般意境的舞蹈时，我对真善美的渴求以对和平的向往、们体验到的是对人类的热爱、．
摘要：随着我国的文化事业不断发展，舞蹈在我国的艺术领域占据着重要的地位。舞蹈通过人类的肢体动作，将人类内心的思想和美好的希冀生动形象的表现出来，推动着人类社会进程的发展。而舞蹈编导的水平决定了舞蹈的表达的内容和价值，只有舞蹈编导的水平不断提升才能体现艺术的内涵和舞蹈的价值。 舞蹈是通过舞蹈演员的肢体动作塑造形象、传情达意的一种艺术方式。舞蹈演员的每一个动作甚至是面部动作都在塑造、传递舞蹈的精髓，舞蹈演员的肢体动作是观众衡量作品的优劣，感受作品的意境的最直接的因素。 一、肢体语言 肢体语言又被称为身体语言，是经过身体的动作，代替语言来达到表达、叙事的目的。舞蹈中的每一个词汇都是通过人身体的部位相互配合而产生的具有动态美的肢体动作，是经过概括、加工、提炼和美化的肢体动作，形成独具特色的舞蹈动作。 二、舞蹈编导 舞蹈编导常常被理解为两种含义：一是指在基于舞蹈的中心思想的基础上设计和创作出符合要求的肢体动作，并且组织舞蹈演员依照设计出的动作进行联系;二是编排、导演舞蹈的组织人员，类似于电视剧或者电影中的导演一职。舞蹈编导是一项复杂而系统的工作，它的工作流程包括：确定舞蹈题材—确定舞蹈主题—确定理念—编排舞蹈结构—设计舞蹈动作-组织练习。这些流程缺一不可，每个环节都联系紧密。由此可见，舞蹈编排人员是一个舞蹈的核心，必须具有相应的创作能力，将“编”和“导”进行高度的统一。在创作过程中，创作人员要深入生活，从细节之处捕捉舞蹈形象，将他们恰当的设计、组织、编排形成舞蹈，最终通过舞蹈演员在舞台上彰显其艺术价值。 三、舞蹈演员的开发 (一)舞蹈演员的内在开发 舞蹈演员的内在条件是决定成败的关键，它决定了舞蹈演员能否真正的站在舞台上进行表演，决定了舞蹈演员能否将理论知识和生活相结合表现出舞蹈的核心。这对舞蹈演员有极高的专业要求。 1、舞蹈演员的表现和发挥能力 舞蹈演员的表现力就是舞蹈演员的表演技巧，它包括了舞蹈演员的面部表情、眼神、肢体动作等，是表演的重要手段。这种表现技能是依靠舞蹈演员的表演功底和对舞蹈的整体把握和理解，它直接体现了一个舞蹈演员的艺术修养和情感体验的高低。一个优秀的作品需要一个好的舞蹈演员去演绎，但是一个优秀的舞蹈编导会挖掘出演员潜在的表演能力。有些舞蹈看起来很简单，但是对演员表演时身体肌肉表现有很高的要求，这就说明舞蹈编导对演员的能力的开发很到位，使得舞蹈演员利用自身的各个部位去展现舞蹈，长久下去，舞蹈演员的表现能力得到了充分的提升。 2、掌握舞台空间的能力和训练身体素质 对于一个舞蹈演员而言，舞蹈得基本功、舞感和舞台掌控的经验缺一不可。舞蹈演员的基本功是一位职业舞蹈演员的基本要求，需要付出大量的时间、精力和汗水才能收获。舞台的掌控经验则需要演员把更多的表演投入到舞台之中，在面对台下观众的表演中不断积累经验，达到对舞台空间独有的掌控技能。而提高舞蹈演员在这方面的提升和对舞台空间的掌控的直接影响因素就是舞蹈编导。舞蹈编导在设计动作时考虑提高舞蹈演员的身体对变化的节奏的把控能力以及肢体的灵活度。而舞蹈演员对整个舞台的掌控是基于舞蹈编导对作品的处理，使得舞蹈演员对各种舞台的掌控能力在实践中得到提高。 3、演员的再创造
芭蕾舞蹈学习：芭蕾舞中的肢体语言 传统的古典芭蕾技术建筑在外开、伸展、绷直的审美基础之上的。它包括：脚的5种基本位置、3种基本舞姿：如“阿拉贝斯” （arabesque）、“阿提秋”（attitude）和“伊卡特”（ecarte）； 腿部技巧：各种“巴特芒”（battements）——包括腿的伸展、打开 以及rond de jambo（腿的划圆圈）等；各种幅度和舞姿的跳跃；各种旋转；击腿技巧；各种舞步和连接动作；女子的脚尖舞技巧；双人舞 的扶持和托举等技巧；以及“泼德布拉”（port de bras）等。古典 芭蕾的这些基本动作（元素），就像字母一样，编导使用这些“字母”写出不同角色的个性、身份、情绪以及角色在剧情发展中的地位和作用，把这些元素按特定的结构手法加以编排、组合、组成形象化的舞 蹈语汇来表达剧情，创造出各种富有艺术魅力的舞蹈形象。 脚部的五个基本位置： 第一位：两脚跟紧靠在一直线上，脚尖向外180度 第二位：两脚跟相距一足的长度，脚部向外扭开，两足在一直 线上 第三位：两脚跟前后重叠放置，足尖向外张开 第四位：两脚前后保持一足的距离，两足趾踵相对成两直线， 腿向外转 第五位：两脚前后重叠，两足趾踵互触，腿向外转 手部基本位置： 1.瓦卡诺娃派（俄国派） 第一位：双手在正面的腹前成自然圆 第二位：双手在旁侧伸，在视线范围内，手心向内
第三位：双手上举在头上方的视线内 2.却革底派（意大利派） 第一位：双手垂下成自然圆，手指轻触在大腿旁的位置 第二位：双手在旁侧伸 第三位：一手在身体前手心向内，另一手在旁侧伸 第四位：一手在身体前与横隔膜保持相同的高度，然后同时上举在头的上方
肢体语言在舞台表演中的重要性 摘要：伴随着当今社会科技的发展，越来越多的高科技、新材料的出现让舞台的呈现愈加的丰富，也让如今的舞台表演艺术水准以及意境都得到了较大地提升。在这种环境下，经过一代代舞者的创新发展，舞台表演中舞台呈现的方式不断多样化、其水平也不断提升。但是，在当下越来越注重舞台呈现效果的同时我们似乎却忽略了舞蹈的肢体动作同时也对这个舞蹈艺术呈现的重要作用。面对这个问题，我们一定要予以重视，只有了解了肢体语言在这个舞台艺术舞台呈现过程中的重要性以后，才能更加重视肢体语言的表达并不断探索舞台表演的发展路径以及创新形式。 关键词：肢体语言；舞台表演；重要性 Abstract:With the modern dance in the stage of new materials, high-tech and other elements of the increase, now the art of dance performances and artistic conception have been greatly promoted, in this context, through the efforts of all the way, dance performance in the way of the continuous diversification, its level is also rising. However, at the present time, we pay more and more attention to the performance of the stage, while we seem to ignore the important role of the dance performance in this dance, and even the emergence of creative dance performance lag, lack of talent reserve and other issues. In the face of these problems, we should pay more attention to it, I think, only understand the importance of dance performance in the process of the dance art stage, in order to pay more