观察、善于发现的眼睛,美是到处都有的,在不断地观察中随时都能捕捉到创作的元素,当自己的主观愿望与所观察到的现象或物象发生共鸣时就会从有意达到有思,因为卓越的创意构思往往寓于平凡之中,小中能见大,弦外有余音。如果说有意是以感性为基础,那么在具有了理性的联想和思考以后,才能使较模糊的主题概念变的越来越清晰,经不断的追寻和反复的锤炼,最终使思维升华,并将自己的思想物化成可感、可视的设计作品。
2.设计师的创新思维不但与观察联系在一起,而且与自我生活的体验和实践密不可分,感悟生活的丝丝缕缕,日积月累形成感受,产生灵感,进而在感悟的基础上形成领悟与理解,明白真理,悟出真谛,最终进展到突破性的顿悟阶段,此时的思维将是豁然开朗,别有洞天。
3.设计师在在观察和体验生活的同时,与同行、大师、客户的交流是必不可少的。设计师长期的封闭自己和闭门造车,只能使自己的设计创意停滞或枯竭,在交流中求创新,才能达到求同、求异和求和的目的。求同可以摆正自己的心态,使学习更加具有主动性;求异就是质疑,理性的反思和大胆的怀疑是成功的开始;求和是思想的交叉,是优势的互补与综合。
4.如果把艺术设计比喻成带刺的玫瑰,那就决定了设计师不但是智者,同时还必须是冒险家。冒险精神是胆识的直接体现,不入虎穴、焉得虎子,胆识造就了见识,见识的积累筑就成学识,反过来,学时也成就了胆识。设计师在同时拥有了胆识、见识、学识后,所增强的就是理性判断能力。创新思维需要设计师的智能结构具有一定的广度和深度,其大脑思维要达到感性与理性共存。
5.产生创新思维的因素虽然很多,但值得注意的是,优秀的设计师总是能把自己置身于一个恰当的环境中进行够构思与创作,在这里,所谓环境就是情境、心静和意境。将自己置身社会、投入自然,不同的情景会激发不同的心灵震撼;进入到一个情感激越的心境中,就会无限增强自己的感应能力,使心与景产生互动;意境是心境的升华,是思维的最高层次,此时的自己会浮想联翩,激情无限。
设计的本质是创造,创造来自于设计师的创新性思维。心理学家巴特利特认为:“思维本身就是一种高级、复杂的技能。”素质、方法和环境是形成创新思维的三要素,充分掌握创新思维的形式、特征、表现与训练方法,使创新性思维更具科学化和理性化,并贯穿于具体的设计实践中,这是设计师走出一昧模仿和了无创意泥潭的必经之路。艺术设计是智慧演绎。设计师要善于积累生活感受,善于观察和联想,不论是原创型、组合型还是模拟型的图形,都是
设计师有意、有思、有破的结果,是思维升华、思想物化的结果。将熟知的变为生疏的,将平凡的升华为永恒的,将概念的物化为形象的,将具体的概括为抽象的,将现实的演绎为浪漫的,虽然创新思维的过程伴随着艰辛、快乐与激情,但设计师的大脑思维只有达到感性与理性的高度融合,才是真正的创新性思维,以创新性思维创作出的艺术设计作品才会具有高度的文化内涵和实际应用价值。
创意素描与设计功能的关系分析 自从绘画艺术诞生以来，单色绘画，也就是素描，就一直存在于造型艺术相关的各个领域。如果抛开在美术史的早期，作为油画的创作初稿中标示明度变化的功能，素描基本上一直被用作创意的表达。甚至到后来素描成为一种独立的艺术门类。它依然是画家创意的直接表达。 当设计艺术渐渐与纯艺术分离，素描也渐渐分化，在设计领域中它往往被作为设计草稿或者设计辅助，甚至是设计师对脑中一闪而过的想法的直接纪录。所以他的侧重点更偏向于创意的概念表达而不是艺术审美情趣的表现。 从绘画技巧上说，创意素描与传统意义上的素描有着一些区别。虽然在一开始都是讲究形体内部结构与外部光影线条的统一。但是当触及设计与美术的分流时，它们表现力就有了明显不同的走向。
早在文艺复兴时期，许多画家都留下了大量的素描作品。比如丢勒，比如达·芬奇。这两个人的素描作品（有趣的是这两个人的素描都是以线条见长）正反映了创意素描与艺术素描的表现力上的区别。丢勒的素描很少用到复杂的明暗表现，但是从边缘线条的软硬粗细交叠中，欣赏者可以从自己的视觉经验中补足作品中没有完全表述出来的部分。这就构成了一种审美情趣。在这里，素描务求的是从有限的语言中获得无限的含义。它依赖的是欣赏者的理解能力，不同的欣赏者或许会产生不同的审美侧重点和整体印象。 而达·芬奇的大量关于坦克、载人飞行器、火炮等的设计图纸，也是素描作品。这些素描作品可以说就是早期的创意素描。它务求的是一种可重复性，也就是说，观看者可以根据这些素描图纸制造出达·芬奇本人所创意的事物。并且是唯一的。任何人看到后产生的关于所描绘的物体本身的想法都是一样的。 这就是创意素描与艺术素描的区别之一：表达信息的唯一性。 在学生进行素描绘画时，老师会强调学生的三面五调、远近透视关系、构图和画面虚实。这些都是从美术方面来要求的。它是要求从光影变化中体现所描绘的对象。美观是第一位的。 而创意素描的侧重点则不在于此。创意素描的首要任务是
使观者能够直接了解画者的构思。把无法完全用语言描述的实体用画面表现出来。在这里，画面的美观与否并不依赖于画面本身，而是描绘对象的形体是否美观。它不需要绘画者去发掘本来平凡无奇的对象不为人知的美。而是直接诚实地展现一个物品。 同样是一组静物。在美术专业的学生笔下应该会有各种各样不同的画面出现，而在设计专业的学生笔下，每个人的画面所传达的信息应该都是一样的。 这是创意素描与艺术素描的第二个区别：表达信息的准确性。
工欲善其事必先利其器。设计师是从美术家里分离出来的一部分人。他们在具有专门设计能力的同时也具备美术家的基本素养。这一点在对于设计师的教育的一开始就要体现出来。
落实到具体素描教学的时候，面对的不同专业的学生，素描教学的侧重点要有有所区别。 当刚入学的设计类专业学生进行素描基础训练的时候，考虑到他们以往的素描学习习惯，马上进行设计素描的学习可能遇到如下问题： 学生的素描基本功水平差异；对于绘画与设计的区别的混淆不清；对于素描的理解停留在光影表现上等。 所以在刚入学时的素描课程应保留传统绘画素描的学习上。通过这段时间的学习。教师可以了解学生的绘画水平，纠正一些以往留下的不良习惯。使功底比
较差的学生可以有一段继续打基本功的时间，并略过一些用光影表达对象的练习阶段，直接获得用线条表现形体结构的手法。而对于基本功比较扎实的学生则可以慢慢引导他们透过光影关系学会观察内部结构在形体线条上的差别。 这一段传统素描的学习过程并不是要求他们在绘画素描上有所突破，而是让他们在转入结构创意素描的学习之前有一个转换思维方式的缓冲期，调整整体水平。以便正常进入创意素描的学习 当这段缓适学习期结束，要求学生做到：改变入学前对于绘画与设计的不正确关系定位；整体上把握结构素描的基本了解。素描表现手段由光影转变为对象结构；可熟练使用线条表现对象。 当上述目标基本达到时，可进入创意素描学习阶段。 首先可以进行一些默写素描、速写的练习。与以前的课程做一个衔接。在观察一组景物之后，学生脱离对象进行多角度、不同构图的假想设定，并用结构画法表现出来。 完成这一步骤后，可安排一些复杂机械零件的速写与假想角度的默写。以确保学生的表达能力与思维的一致性。 接下来的课程可以就学生喜欢的商品进行理想化改进，比如：包装设计、产品设计、服装设计、空间构成设计等。要求有设计原型的默写稿和改进
设计的表现稿，并简单附带改进说明（改进设计说明是为了训练其设计能力，在设计教育的一开始杜绝胡思乱想）。 第四个教学步骤可以让学生带着课题进行。参照学生的不同专业拟定一个命题。让学生发挥想象，完成对这个命题的想象，同时让他们运用所有学过的素描手段对自己的想象进行描绘（不限结构、光影等手段）。使学生能够真正是用素描手段自由表达自己的设计创意。 创意素描的学习其实是伴随学生整个设计学习的始终的。入学初期的集中训练的目的是使学生对于创意素描有一个根本性的观念转变，并熟练掌握创意素描的基本手段和方法。在以后整个设计学习过程中还要使学生能够根据自己的设计创意不断丰富、总结素描手段。并不沉迷于创意素描本身，健康的用创意素描为自己的设计服务。 创意素描在美术家与设计师之间奇妙的达成了一种默契的协调 以素描为基础 去发挥自己的想象结合自己的思想，去表达一份自己想要的作品 就是把创意和素描结合起来，就是把你的创意用素描的方式表达出来
其实说白了就是手绘设计效果图的速写. 只不过是用素描 的形式表达而已 有的人就喜欢把简单的事情弄的别人都不明白.不用里他 创意素描是一种有感觉的有想法的写生方法。重要的不是对所被描绘事物的客观照抄，而是从主观出发，加入自己的想法，和自己对事物的认识，发挥想象力 创意素描与传统素描的区别是：前者探询主观性而后者是重塑客观；前者探索“未知”，后者是再现“所见”；前者是通过对形体的变异、并置、错位、重叠、嫁接等方式以获得虚拟境界，也就是艺术境界，后者是对形体的比例、透视、体积、空间、光线等进行塑造。 开设创意素描课程的目的在于开发学生的创造意识，通过学习获得归纳的方法。 创意素描是通过课题进行教学的，课程中不安排模特儿等可以“看”的物象，而是通过课题和图片解析让学生了解课题相应的要求。作业的过程是从构思、小稿、讲评、草稿、讲评、正稿这么一个流程进行的，然后汇总 创意素描与传统素描的区别是：前者探询主观性而后者是重塑客观；前者探索“未知”，后者是再现“所见”；前者是通过对形体的变异、并置、错位、重叠、嫁接等方式以获得虚拟境界，也就是艺术境界，后者是对形体的比例、透视、体积、空间、光线等进行塑造。 开设创意素描课程的目的在于开发学生的创造意识，通过学习获得归纳的方法。 创意素描是通过课题进行教学的，课程中不安排模特儿等可以“看”的物象，而是通过课题和图片解析让学生了
解课题相应的要求。作业的过程是从构思、小稿、讲评，草稿、讲评、正稿这么一个流程进行的，然后汇总。在这样的过程中，我们在学生的草稿中可以发现每个人的立意和特征，有的出乎意料的好。 第一课题是“表情字典”素描组画，这一课题是通过同一肖像的表情与夸张的系列，使其描述不仅停留在一点、一个瞬间上。而是多点多瞬间，也就是对同物异时的整体把握。该课题是基于写生素描的基础上的，换言之，是通过写生完成的。如果学生热衷于对某种形式的偏好，都可以根据自己的设想和判断进行描绘。这看似自由表达，关键在于切入点是否到位。 第二课题是“异物同构”。课题本身要有渐进性及互通性，如变异、并置、错位、重叠，嫁接等等，包容量很大，历史，文化、宗教、政治，几乎是无所不包，此外又互有关连。在布置课题时，我们常常是通过课堂讨论来展开想像以加强和丰富对课题的理解和消化，如图形的效果来源于原始图像，经过艺术加工，转换成另一种具有叙事或隐喻成分的图形，在叙事或隐喻中传达出一种暗示的视觉作用。又如采用嫁接与拟人化的手段展现另一种视觉可能。 达到这点，通常所说的造型能力是不可缺失的。我想强调的是这种造型能力是在写生和创作的两种过程和状态中逐渐获得的，任何单一的训练都难以达到预期的效果，其原因，我想是所谓的。心，手”的互补和完美合一。 比如解剖、透视的知识在创意素描的运用中也同样被体现出来，表情与夸张素描中，这些被变形或夸张的肖像，看似轻松简洁的图形，都是建立在对内在运动关系的理解中，根据一定的规律进行变化和组合的，同时，来自对透视和比例的把握，合理运用角度的变换使作品更具有视觉效果。 第三课题是“形态转换”。在通常的课堂练习中，所常用的工具和材料缩小了学生对工具使用的范围，因而也限制了作品表现的强度。不同的工具材料所传递出来的形体空间和质感是不一样的，对多种材料的运用，增强了学生对造型语言领会的深入。
第四课题是”自作主张”，是对前三个课题的总结，使学生能独立完成创作。图形的使用来自各种媒介。当代世界是一个图像的世界，现代美术经历百年的历史中，其视觉表达方式层出不穷。对于素材的搜集和运用是创意素描的重要手段。创意的形象创造力并非空穴来风，而是借助某种特定形象与自身的造型判断进行组合加工的。
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