动画影片分析作者分析：宫崎骏：生于1941年1月5日，四兄弟中排行第二。
1963年宫崎骏从大学毕业，进入东映动画工作。
1985年，吉卜力工作室创立，宫崎骏开始了他个人动画生涯中最为辉煌的十年。
在日本，吉卜力工作室的电影常常成为迪斯尼的竞争者并多次获奖。
在宫崎骏的哲学中，他认为日本应该自己创造他们想让小孩看的东西。
宫崎骏的作品多是天马行空之作，但含有深远的寓意，都是始自对现实的不满。
宫崎骏说：“我希望能够再次借助具有一定深度的作品，拯救人类堕落的灵魂。
”在宫崎骏的童话中，主题无非是人与自然，战争与和平，将自然与和平带到观众心中，宫崎骏的作品本身就有纯洁人心的力量。
宫崎骏的每部作品都将梦想、环保、人生、生存这些令人反思的讯息融合其中。
作为横跨60~90年代的动画大师，宫崎骏先生历经日本动画从发展、顶峰及反思的时刻，其一生成就可归结为其亲自监督的六部作品《风之谷》、《天空之城》、《龙猫》、《魔女宅急便》、《红猪》和《幽灵公主》。
宫崎骏的思想风格不但在其本人及吉卜力作品中得到展现，更深刻影响着同代和后背。
大友克洋：1954年生于日本宫城县登米郡。
作为科幻派大师，代表作有《同梦》、《AKIRA》、《沙流罗》等。
他是日本第一代动画电影总监、导演，也被誉为电影感最强的日本漫画家。
他坚持“故事和主角突出才能吸引读者”。
大友克洋作品多讽喻现实，其真实的人物形象、细致的描绘，加上讽刺政治和社会的风格，使其受到了各界人士的欢迎。
迪斯尼：1923年迪斯尼公司成立，几乎以每年一部经典动画的速度满足世界人民的需求，正式独特的娱乐形式和标新立异的题材使迪斯尼独树一帜，逐步树立了全球性的著名形象和品牌。
迪斯尼的每部作品几乎都是独立完成，无论在动画配音还是配乐方面，动不动就请来超级巨星的加盟以扩大气势。
迪斯尼公司习惯收取世界名著为动画片的主要题材。
迪斯尼的人物形象总是那么鲜明耀眼，不同题材动画会有不同风格出现，使人不会有似曾相识的感觉，多样化的画风是迪斯尼动画能适应各个国家故事题材的重要原因。
一．动画片策划
制作策划：是指在真正进入动画片制作之前，对本部动画片的制作目的、主要面对的观众群体、对产品影响规模的把握、制作流程、上映之前的宣传以及上映后根据所产生的效应开发衍生产品等。
制片人经得原作者的同意后交出策划书，或者是哪一场最能吸引观众，然后制作一个庞大的数据表。
根据这些数据确定哪些作者创作的剧本比较受欢迎，哪些不受欢迎。
制片人还会在杂志上进行调查，了解片子主要面对的受众群和可以吸引观众的最关键因素，对以后的制作提供一个依据。
主题策划：主要是从动画片剧本的策划入手，从文学角度分析作者对动画片故事情节、人物设定、主题思想等各个方面的把握。
故事情节策划人物角色设定主题思想
二．动画剧本创作分析
电影剧本是优化名将输出来的故事，是电影赖以拍摄的蓝图和依据。
动画剧作的特点：故事的幻想性。
动画片为观众提供的是一个不同寻常的幻想世界，其中的角色也大都是神奇化了的卡通人物。
角色的理想化、拟人化。
动画片的角色大都不拘泥于现实是世界的“逻辑”，有着超现实的能力。
角色身上剧本着人性的特征，体现着人类自身的审美情绪和价值。
用纸和笔（今年开始用电脑）创造画面形象。
因此动画片具有高度的假定性，动画剧本的写作很大程度上就是要从不可能的事物中去发现乃至创造出可能性来。
另一方面，不管片中人物、场景如何离奇，必须做到内在逻辑的真实，使观众能够并且乐于接受。
所谓经典设计，是指围绕一个主人公而构建的故事，这个主人公为了追求自己的欲望，经过一段连续的时间，在一个连续而具有因果关联的虚构现实中，与主要来自外界的对抗力量进行抗争，直到以一个绝对而不可逆转的变化而结束的闭合式结构。
故事：一个常规动画片故事要按照开端、设置矛盾、化解矛盾、再设置矛盾、结局几个部分推进。
情节线索切记复杂，除了情节主线外最好不要再设置情节副线。
人物：动画片里的人物接近爱·摩·福斯特定义的扁平人物，特点
突出，容易给观众留下深刻印象。
人物形象和性格也可以渐次发展，人物性格展示和刻画要在动作中进行。
背景叙述：故事发生的时代背景、主人公以及其他人物的前史都需要作者花费一定的笔墨来交代，不是直接用语言去描述，而是通过画面来描述。
场面：从宏大的场面中看到影片所要表现的主题，这样的大场景、大制作才算是成功的。
三、角色造型设计
艺术表现风格：依据影片总体的艺术风格来确定角色造型的风格；依据剧情考虑这个角色所处时代、地域、民族特征；任何角色都会因为年龄、性格、职业、社会阶层的差异而使其外在的形象发生比较明显的变化；把角色在心里上的变化外化为他造型上的变化，使角色造型的演进很好地推动剧情的发展；往往是主角们无法完成的情节和趣味在这些配角身上可以得到淋漓尽致的发挥。
四、美术设计
主要由两个部分组成：一部分是主场景设计，另一部分是为角色设计的色指定。
主场景设计：符合剧本、符合剧本、剧情的时空要求；角色性格、年龄、性别、职业等因素对场景设计的影响；主场景的场面调度功能，设计多个角度便于戏的展开和角色的表演活动；场景空间与角色的比例及透视关系；主场景与分场景的位置关系应与设计风格相协调；注意细节的描绘和处理；合理设计光源与场景色彩的配置。
动画片中的色指定一般专指为角色设计色彩。
为适应现代动画片剧情的复杂和多边性，同一角色在不同段落中经常具有不同的色指定，它是使画面更加丰富，段落色彩更加协调多变的有效手段之一。
五、画面分镜头剧本创作
动画片分镜头剧本就是将动画片的文学剧本分解成一系列可供绘制成画面分镜头的一种剧本。
景别：远景可以向观众展示比较全面的空间环境；一个俯视的全景可以地表现角色与景物的位置关系；视点：略仰视可以避免周围庞杂的景物，使观众的视线集中在主要角色身上；镜头类型：中立的客观镜头便于观众客观地进入故事情节；主观镜头使观众用剧中角色的眼睛观察周围的景色，给人以身临其境的感觉；摄影镜头：固定镜头有利于表现角色的动作和突出角色的运动路线；衔接：切可加快镜头间的节奏，并使上下段落衔接紧凑。
用吊台技巧处理使背景模糊。
六、背景设计与绘制
写实风格：以追求环境、场景、道具的真实光影，色彩、质感、透视等元素为背景画面追求的美学目标，往往通过对生活原型的采风和实地考察，运用写生、拍摄等手段搜集素材，再依据剧本的要求对这些生活原型进行加工和处理，以达到符合动画片剧本要求的背景设计。
七、动作设计
设计角色动作时，除了符合基本动作规律外，还要注意造型和形体特征；角色年龄特征；角色职业特征；角色性格特征；角色情绪特征；特定情境特征；风格特征：角色要符合整部片子的基本动作设计风格：写实风格、夸张风格或简化风格；斯坦尼斯拉夫斯基倡导的体验派，在角色的表演方面注重以生活原型为蓝本，从生活出发，体验角色在当时、当地特定情境下的情绪特点和情绪变化，强调向生活学习，从生活中提取和概括，使观众在观看角色表演时有身临其境的真实感。
八、动画影片的声音
根据电影史记载，最初是美国人把声音带入电影。
1927年由华纳公司拍摄的音乐故事片《爵士歌王》的上映，标志着有声电影的诞生。
电影声音分为音乐、音响和语言。
动画影片声音中的音乐分为纯音乐类、歌舞类与非歌舞类。
非歌舞类：人物不会有歌唱段落，乐曲起到渲染气氛塑造人物的作用。
主题音乐：运用旋律对影片内容或某一主要人物高度概括，旋律动机常常以变形、变奏或是延展、紧缩等方式表现，配合剧中人物性格展开，人物情感发展，衬托场景和环境变化，为剧中戏剧冲突发展及高潮出现发挥重要作用。
背景音乐：对白背景
音乐音量较小，音乐起伏不大，属于音响的次要地位；动作性音乐解释说明画面，伴随画面动作进行，音符跳动较大，节奏变化多端。
两者多数穿插进行。
动画电影音乐中的要素：节奏、旋律、和声和音色；动画电影影月中的配器：通过对不同高低、强弱、长短的音色的配器进行编配，达到一种美妙的音响效果。
在配器中运用民族乐器表现异域风情是常用方法。
动画电影中的节奏：人物运动具有可闻可见的空间因素，是外在的；音乐运动是内在情感的抽象运动，两者运动内外节奏发生联系时便成了有情感的运动。
动画影片中的音响：音响最基本的作用就是增加影片的真实感。
录音师需要满足的是观众在看到画面时对声音的生理需求，这种生理需求源自于人们在生活中的经验。
动画影片声音中的语言：对白、旁白、内心独白、群声。
有意味的话外音：动画影片片长一般控制在90分钟之内，涉及内容一般不属于现实生活的范畴，运用旁白解说使剧情迅速进入矛盾潜伏。
动画影片的声音制作：录音工艺分为先期录音、同期录音和后期录音。
先期录音使音乐与画面准确到位地结合。
画内与画外：指音乐声源分别来自影片的画面内和画面外的音乐。
画内乐是屏幕上有发声乐器，或有主人公哼唱；画外乐表现在主题音乐与背景音乐上。
对位与平行：电影音乐与画面结合关系分音画同步和音画对位。
音画同步表现为音乐和画面的情绪一致，节奏吻合，音乐烘托、渲染画面；音画对位让音乐对画面做不同角度、不同情绪的表现，形成一种反差效果，加大画面张力，提升画面带给观众的感受。
