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数字化技术对传统绘画的影响与融合传统绘画在人类的艺术史上有着重要的地位，是文化传承的重要一环。
然而，数字化技术的发展正在日渐影响着传统绘画，数字技术已经深刻改变了绘画的制作方式、表现形式和传播方式。
本文将从以下几个方面探讨数字化技术对传统绘画的影响和融合。
一、数字化技术对传统绘画的影响1. 制作方式数字化技术改变了绘画的制作方式，创造了更多创作方式。
传统绘画需要画师凝神静心完成，而数字绘画软件则能够允许画师自由创作、修改和完善。
同时数字化技术的出现让绘画创作变得更加实用和易于传播。
作品可以电子邮件或者上传至网络，以便世界各地的人们欣赏和收藏。
2. 表现形式数字化技术能够帮助画师实现自己的创意和想法，使得线条的质感和颜色的纯粹性更为丰富。
数字绘画软件具有更强的可控性和便利性，可以让画师快速的表达出自己的创意和想法。
同时，数字技术还可以通过后期处理等方式为画作添加特效和元素等细节，使得绘画作品更加生动和立体，这是传统绘画所不能达到的。
3. 传播方式数字化技术的发展也让绘画作品在时间和地域上都得到了扩展。
数字绘画软件能够处理、保存和分享绘画作品，艺术家可以将作品上传到网络平台获取更广泛的粉丝，并在各种平台上进行交流、比赛和展览。
传统绘画在传播上的限制要远远大于数字绘画。
二、数字化技术与传统绘画的融合1. 集成数字技术的传统绘画很多画师在传统绘画基础上结合数码技术进行创作，如通过扫描手绘画作品转化为数码文件，利用数码分层技术进行修饰和优化，进而通过激光印刷，完成高精度的印刷版画品等等。
这种融合方式让画师有更多的灵活性和创造性，同时也增加了传统绘画作品的生产和销售途径。
2. 数字技术创新的传统绘画数字技术的发展为传统绘画注入了新的生命。
现在的画家可以通过平板电脑、高清晰度液晶屏幕等设备进行模拟绘画。
这些工具不仅可以轻松地把作品传输到各个平台上，还可以在后期对图片或视频进行处理和修饰，从而大大丰富数字与传统绘画的融合样式。
可编辑修改精选全文完整版中国山水画中的元素在中国现当代摄影中的继承摘要：1839年，摄影术顺应了历史的车轮轨迹，衍衍而生，没有人预料到它在今后的百年间会对现世产生怎样的影响。
最初的摄影被人们发现是无意间通过暗箱操作看到的不一样的大自然的景观，但是真正要将我们看到的大自然的景观存留下来，确是需要人工合成材料感光元素才能记录下来。
1844年，摄影术进入中国，此后50年，摄影术在中国大力发展，但大多国人都处于学习西方技术。
直到1892年郎静山诞生，41年后带有浓厚的中国山水风格的摄影集锦出现在全世界面前。
1879年，曾拜郎静山为师的单雄威定居美国，具有中国传统山水浓厚风格的摄影作品一张张的走向世界，那种充满意境与美感的作品从表面继承了山水画的气象，所谓气象，指的是自然山水的氣象和作者内心的气象。
关键词：山水元素；儒家思想；继承一、郎静山集锦摄影郎静山年生于江苏淮阴，他的父郎锦堂是一个充满了浓厚士大夫闲逸思想的人物，对于朗静山产生了不少的影响。
1906年，郎静山进入上海南洋公学预科读书，跟随国画老师李靖兰学习绘画、摄影原理以及暗房技巧，从此和摄影结下不解之缘，绘画对于郎静山的摄影，尤其对他日后所创造“集锦摄影法”，有着非常深远的影响。
郎静山在创作过程中致力于寻找在摄影中表现景物自然美的方法，这种方法需要把美的保留，把不美的舍弃，于是就产生集锦的理念。
而在郎静山心中，集锦摄影要表现的是中国山水景物中最美的一面，他在中国成熟的中国山水水墨画中找到了归宿，郎静山将科学摄影技术与中国传统绘画理念相结合，并且融入中国《六法论》画作里“传移摹写”理念，和“取舍万殊，去芜存菁”之法，开始了自己的艺术摄影尝试。
郎静山在自己的山水集锦摄影作品中，充分借鉴了中国传统绘画的艺术理论，采取”两断”“三叠”的构图形式，巧妙地运用了散点透视，留白，虚实，疏密的方法，使它们相辅相成，影像画面与题字、印章有机结合，将中国绘画的意境美表现得淋漓尽致，完美完成了风光摄影与中国山水水墨画的无缝嫁接。
感受现代绘画展览的心得与感悟作为一个对艺术有着浓厚兴趣的人，我一直对绘画艺术情有独钟。
近日，我参观了一次现代绘画展览，给我留下了非常深刻的印象，让我对绘画艺术有了更深入的认识。
进入展览馆，首先吸引我目光的是那幅巨大的油画作品。
这幅画形象生动，充满了力量感，色彩鲜艳而富有层次感。
我仿佛被画中的场景吸引过去，感受到了作者的创作激情和对生活的热爱。
这让我不禁想到，现代绘画作品不再局限于描绘现实的真实性，而是更注重表达艺术家的内心情感和对世界的思考。
接着，我看到了一系列的抽象画作。
这些作品的线条和色彩充满了想象力，画家将自己的情感和心境融入其中，给人一种难以言喻的美感。
就像一幅抽象的音乐作品一样，观赏者可以自由地感受和解读其中的意境和氛围。
这些作品给我带来的感觉就像是在一片无垠的领域中自由驰骋，恍惚间仿佛与艺术家的灵魂相接，从而在心灵深处得到一种触动。
除了抽象画，展览中还有许多超现实主义作品。
这些作品脱离了现实的含义和形式，充满了幻想和超乎寻常的想象力。
在这些作品中，我感受到了艺术家对于生活的反思和对于世界的质疑。
通过独特的视角和形式表达，艺术家传递了一种与常规思维相悖的信息。
与此同时，我也感受到了一种对于未来的期待和向往。
这些超现实主义作品让我认识到，艺术不仅可以再现现实，还可以超越现实，去探索人类心灵深处的秘密和无限可能。
在现代绘画展览中，我还注意到了一些装置艺术作品。
这些作品通过布置和活动的安排，将观众引入一个特定的空间和时刻，激发观众的思考和情感。
装置艺术作品在表达形式上与传统绘画有所不同，更具有互动性和实验性。
通过这些作品，观众可以参与到艺术的创作过程中，与艺术家一起去感受和思考。
这种参与感让我感受到了艺术的力量和魅力，艺术作品不再是只供欣赏的展示物，而是一种桥梁，连接了艺术家和观众之间的情感和思想。
参观现代绘画展览，让我对绘画艺术有了更深刻的认识。
绘画作品不仅是艺术家的创作结果，更是一种表达情感和思想的媒介。
艺术探讨视界观OBSERVATION SCOPE VIEW77浅谈中国传统艺术对当代艺术的影响肖扬（天津美术学院，天津300143）摘要：随着时代的发展,现在中国的艺术形态越来越像西方艺术靠近，美术馆里到处可见西方的艺术形态，装置艺术、影像艺术、架上绘画艺术。
在学术界有着不同的看法。
笔者认为现在的艺术形态过度西化了，失去了中国原本的东西。
形式上不该过度创新。
而有的学者则觉得是形式上的创新，内容表现还是会有中国的内涵。
笔者认为中国的传统艺术形态不会被抹去，只有通过创新来更加具有活力。
关键词：传统艺术；西方艺术形态；创新中国传统艺术发展到现在，有很多已经淡出人们的视线甚至永久性消亡。
中国当代艺术在发展过程中受到了很多西方的影响，吸取西方的当代表达方式和观念。
慢慢中国传统艺术与当代艺术脱节。
使得人们对于传统艺术的理解和表达有了很大的变化。
一、中国传统艺术的历史中国的传统艺术表现在人们衣食住行的各个方面。
最早的传统艺术只是注重他的使用价值，并未过多在意他的审美，从石器时期的工具再到后来青铜器、铁器以及后来的瓷器，随着人类生活质量的提高，人们也渐渐考虑其审美，分类和功能也更加齐全，形成了艺术形式的雏形。
随着生产水平的提高，中国传统艺术也都急速发展，对于人们的生产生活发挥着很大的用处。
印刷方面，活字印刷的产生大大发展了印刷业。
为了印画更加方便发明了木板水印，也大大提高了人们的生产速度，直接促成了后来年画的产生。
年画的产生是人们对于迎新年，祈求平安幸福的美好愿望。
它反映出人们古代对于鬼神的敬畏，采用大红、大黄的鲜艳喜庆的颜色。
宗教方面，在魏晋南北朝时期，战争比较频繁，百姓民不聊生，但却让佛教得以发展，佛教美术得到兴起。
佛教成为当时人的信仰。
留下了许多艺术造诣极高的壁画和雕塑。
二、中国传统艺术的关联1.文化的关联中国传统艺术文化源远流长，文化习俗宗教观念的不同造就了中国传统艺术的独特性。
青铜器的饕鬄纹是人们对于神灵的崇敬。
图像影响下的现代绘画作者：高俊杰詹秦川来源：《现代装饰·理论》2013年第05期摄影的出现，把画家从以绘画再现事物形象的角色中解放出来。
“图像”往往代表了一种现实。
在摄影图像深刻影响人们现实生活的当代，绘画是无法回避其影响的。
法国人尼埃普斯在1826年拍摄了一张照片，这是世界历史中现存最早的照片。
他第一次将影像固定在纸上，成为摄影术发明的标志。
摄影术的出现为艺术世界的发展开辟出了一片新的天地。
摄影对于绘画有着继承性。
早期的摄影是绘画具有记录意义这一因素的一种技术性延展。
寻求的是对于绘画的一种模拟，是某种可以取代肖像绘画的“一种特殊的绘画技术”，并且在视觉上追求素描般单纯的美感。
随着科学技术的发展，摄影技术的日益完善，摄影在写实程度上甚至超越了写实性的绘画。
摄影的出现，把画家从以绘画再现事物形象的角色中解放出来。
在写实领域则更多的成为摄影表现的主题，被摄影的表现方式所占据。
这一现实使得画家不得不考虑艺术创作的新出路，画家开始探索表现内心感受的新领域，将客观现实和个人想象力结合起来成为艺术表现的新契机。
在当代，图像的发展远远超乎我们的想象，几乎在我们的生活中无处不在。
在摄影图像深刻影响人们现实生活的当代，绘画是无法回避其影响的。
故而绘画反而会借鉴、参考摄影的一些表现语言以延续自身的艺术发展。
艺术家对图像的关注早在19世纪末就已经开始了。
人们普遍认为，现代艺术在20世纪早期的兴起，是受到照相术代替了绘画的再现功能这一因素影响下的自然转变。
当初，摄影术出现的时候，给写实主义油画造成极大的冲击，致使绘画艺术大举转向。
将写实功能让位给了摄影，去开拓自己新的形式语言，将重点放在了更为自由的表达艺术家的精神世界。
因此后印象主义、表现主义和抽象主义的绘画随之产生。
照相术的真正魅力，不仅在于它能更经济、快捷的再现图像，而且还在于它的“索引性”。
照片似乎与对象存在着更为紧密的联系，以至于当初人们认为照片会摄取被拍者的灵魂。
浅析数字绘画对小学美术教学的影响【摘要】数字绘画是一种利用数字技术进行绘画创作的方式，在小学美术教学中扮演着重要角色。
数字绘画可以提升学生的绘画技能，增强他们的审美能力，促进创造力的发展，拓展美术教学内容，提高学习兴趣。
通过数字绘画，学生可以在虚拟环境中进行绘画实践，体验不同材质与颜色的组合，展现他们的想象力和创造力。
数字绘画不仅改变了传统美术教学的方式，还为学生带来了更多可能性和乐趣。
数字绘画对小学美术教学有着积极的影响，它在课堂中的价值不可忽视。
数字绘画的发展不仅促进了小学生在美术领域的综合素养提升，还为他们未来的艺术发展奠定了坚实基础。
【关键词】数字绘画，小学美术教学，影响，提升技能，增强审美能力，促进创造力，拓展内容，提高学习兴趣，积极影响，价值，发展意义1. 引言1.1 数字绘画的定义数字绘画是一种利用数字技术进行创作的艺术形式，通过电脑软件或者平板设备进行绘画创作。
数字绘画的特点是可以利用各种数字工具和特效来创造独特的艺术作品，同时也能够方便地进行修改和调整，使得绘画过程更加灵活和自由。
与传统绘画相比，数字绘画具有更多的可能性和创作空间，能够实现一些传统绘画难以实现的效果和技巧。
在当代社会，随着数字科技的发展和普及，数字绘画在艺术领域的应用越来越广泛。
它不仅可以为艺术家提供新的表现方式，还可以为广大人群提供更加便捷和多样化的艺术创作体验。
数字绘画的出现，打破了传统绘画的束缚，为艺术创作注入了新的活力和可能性。
在小学美术教学中，数字绘画的引入也为学生提供了更丰富多彩的艺术体验，激发了他们对艺术的兴趣和热情，有助于培养他们的创造力和审美能力。
数字绘画在小学美术教学中的应用具有重要的意义和价值。
1.2 小学美术教学的重要性小学美术教学的重要性不可低估，它不仅是培养学生审美能力、创造力和想象力的重要途径，更是促进学生全面发展的关键一环。
在小学美术教学中，学生通过创造性的绘画、手工制作等活动，可以锻炼他们的观察力、表现力和沟通能力，同时也可以培养他们的想象力和创造力。
绘画传统与影像素养产生的影响(一) 一、关于影像艺术的“基因性”问题 丹尼尔·贝尔的断言大家早已耳熟能详：“当代文化正在变成一种视觉文化，而不是印刷文化，这是千真万确的事实。”①当影像符号的书写、表达、接受和理解日益成为重要的传播手段与生存方式的时候，国内“大多数视听从业者，仍然不懂视听语言的基本规律和思维方式。他们的思维方式仍然属于传统艺术语言的思维方式尤其是文学的思维方式”。②著名栏目《东方时空》甚至需要从景别、轴线这些最基本的概念开始，训练自己的创作队伍。③在电影界，类似批评也不绝于耳：“我们目前有很多影片的电影语言太陈旧了。”④“如何解决好叙事问题，已经成为中国电影不可回避的课题”。⑤近年火爆上演的《夜宴》、《无极》、《英雄》等大片虽然标志着中国电影工业在运作机制上与好莱坞逐渐接轨，但在原创性、叙事力、影像造型等方面却多受诟病。《无极》被指责“故事单调，内容太空”⑥；《夜宴》则“显出中国导演对电影语言审美感悟及表现力的贫乏”。⑦有人甚至认为以陈凯歌、张艺谋为代表的第五代导演“具有叙事上的基因性缺陷”。⑧那么，我们的影像文化是否真的存在某些基因性问题呢？在视觉素养日渐受到关注的今天，我们尝试从一些基础性问题上展开对我们视觉文化传统的思考和审视。 由于视觉艺术的相通性，不同艺术形式的视觉思维方式和表现方式也具有内在的稳定性和承传性，并积淀到我们的视觉语言中。绘画是中国传统文化中主要的视觉艺术形式，它与影像艺术都是在二维空间创造三维形象，关系密切。因此我们认为，作为影像精神具体体现的机械复制技术，正如本雅明所言——“与绘画作一下比较仍然是有意义的”。⑨我们尝试在东西方绘画艺术的发展中挖掘一些本源性的元素，试图从中寻找影响国人影像素养的一些原因。 二、对东西方传统视觉观念的反思 通过光电转化或光影转化，影像符号被看做真实物象的摹写，是物质世界的复原和现实的渐进线。从再现特征来看，影像更接近西方视觉艺术的写实传统。从亚里士多德的模仿说开始，西方的雕塑、古典绘画在透视、明暗、色彩等方面始终追求对真实的摹写。从13世纪到巴罗克时期，写实绘画追求形似。安·马尔罗认为，“巴罗克艺术拼命追求的，不是改变画面本身，而是一种连环画。一门艺术如此迷恋于剧场性效果并求助于表情动作和情绪，它最后以电影为归宿是毫不足怪的”。⑩到文艺复兴初期西方美术家写实之风渐盛，达·芬奇甚至“拜镜子为师”，并在其《画论》中声称：“最可夸奖的绘画是最能形似的绘画。”到十七八世纪，荷、意画家设计“暗箱”作为绘画辅助工具，到19世纪后半期，写实绘画更是发展壮大形成体系。因此有学者言：“西方绘画从文艺复兴期以来趋于写实而接近摄影术，实在是一股十分强大的历史潮流。”(11)西方古典绘画所积淀的深厚的写实精神和精湛的写实技巧为旨在“再现物质世界”的影像艺术做了精神和物质上的铺垫。 在中国，《墨经》上虽然有光学八条，汉武帝时有灯影戏的传说，〔宋〕沈括《梦溪笔谈》、〔元〕赵友钦《革象新书》中进一步解析过光学折射现象，但是上述观念像中国其他萌芽状态的科技思想一样，最终没能促成现代影像技术的诞生。作为一种重要的视觉艺术形式，两千多年来传统中国绘画中所折射出的美学思想和审美方式，与直接催生了“完美复制现实”影像技术的欧洲视觉艺术思想有相当大的差异。可以说，在一些基本特点上，中国人与欧洲人在影像认知上的差异，与传统中国绘画和西方绘画的差异存在某种精神上的一致性。 在中国文化史中，“言”—“象”—“意”三者之关系和地位似乎经历了一个戏剧性的此消彼长的过程。《老子》第二十一章“道之为物，惟恍惟惚。惚兮恍兮，其中有象”，对“象”作出了初步规定，“象”为“道”所包含。《易传·系辞传》上有言，“圣人立象以尽意，设卦以尽情伪”。不仅突出了“象”这个范畴，而且将之置于语言之上，强调了形象在概念表述上对语言的优越性。但是，在之后中国文化的实际发展中，言与象的工具地位却发生颠倒。刘师培指出，“秦汉以降，士有学而工无学，卿大夫高谈性命，视工艺为无足轻重”，(12)在以训练科场技巧为目的的公私教育机构中，绘画一科根本没有插足之隙，官僚士绅阶层绘画趣味和绘画技巧的训练，往往被视为超乎世俗功利的自我精神满足。在儒家实用理性思想的擢拔下，语言在治国平天下的过程中地位逐步提高，文字成为求取功名的唯一工具，以至“立象”的活动“在文字占据主流优势之后（约在汉魏以后），颇受批评，逐渐被挤压成了旁支，成为较次要的表意方式，甚至还被贬抑”。(13)而绘画艺术只有在文人士大夫修身养性的琴棋书画中才能找到其存在空间。 从画论上看，南朝画家谢赫的“六法论”中“气韵生动”居六法首位，而“应物象形”处于较次要位置。到了北宋苏轼已是“论画与形似，见与儿童邻”了。(14)克莉丝特娃(JuliaKristeva)认为西方文化在13世纪到15世纪之间发生了从象征到符号的转化过程，她认为这是人们抵制抽象的概念，而以可视化的形象符号代替的演变过程。(15)而就在这个时候，东方中国的绘画却正在由写实的“象物之作”向写意的“空摹之格”转变。宋以后中国绘画的三大传统形式：文人画、工匠画、宫廷画当中，“文人写意画广泛流行并最终蔚为画学‘正宗’”。(16)在传统绘画中对写意的独尊掩盖并导致了写实造型能力的弱势，在色彩、明暗、透视等方面技法单一、观念保守已成为后期主流绘画的一个不争事实。 绘画艺术与影像艺术并不是一回事，从总体上来看，电影和电视是一种视听传播媒介，影视在发展过程中形成了自己独特的视听语言系统。光、声、时空、运动构成了视听语言的几大基本元素。但是，“始终贴切的活语言仍然把电影叫做‘活动图画’，或者简称为‘图画’”。(17)影像元素与绘画元素仍然具有某种精神一致性。从一些基本元素的具体解析中，我们可以看出传统绘画艺术对影像文化的一些潜移默化的影响。 (1)空间意识 西方人惯于在平面上创造三维空间。西方许多绘画原理如透视法、人体解剖学、明暗投影法等，与电影、电视一样都是艺术与科学交叉的产物。创造纵深空间，还世界以立体的原貌，一直是摄影（像）师们的共同追求。相比之下，中国画不注重从固定角度刻画空间幻景，而是追求“可行，可望，可游，可居”的境界。(18)在传统绘画的创作中，中国画家利用与焦点透视相异的散点透视的方式达到创作的自由，使得在有限空间营造万里之势成为可能，这一点已经成为共识。然而，从在平面上塑造虚幻的三维空间的角度来说，散点透视比较焦点透视要弱。宗白华先生认为，“西洋透视法在平面上幻出逼真的空间构造如镜中影、水中月，其幻愈真，则其真愈幻”。(19)这种由真入幻的路径，正是电影这种造梦机器的基本特征。 西方电影心理学者认为，“中国和波斯的画家们不知道或瞧不起深度、纵深、布光和表现。欧洲已在绘画的功能观念上与其他地方殊异。而在巴罗克时期结束之后，西方艺术和所有其他艺术（包括过去的和现在的）之间便存在这个根本性的分离：前者致力于探求一个立体的世界”。(20)当西方绘画与摄影这两种视觉艺术形式进入中国的时候，东西方视觉观念的冲突就变得格外鲜明。清代邹一桂在《小山画谱》中说： 西洋善勾股法，故其绘画于阴阳远近，不差锱铢。所画人物屋树，皆有日影。其所用颜料与笔，与中华绝异。布景由阔而狭，以三角量之。画宫室于墙壁，令人几欲走进。 这种“令人几欲走进”的高度写实的再造立体空间效果，的确让中国的画师大感殊异。东西方两种艺术观念的碰撞，反映出长期艺术心理积淀下焦点透视与散点透视两种成像方式的差异性（沈括在《梦溪笔谈》中曾批评透视画法，“似此如何成画”）。焦点透视与散点透视不仅是两种不同的造景手段，同时也体现了两种不同的艺术空间观。但是纵深构图所带来的空间感与影像世界更接近，同时景深镜头使单个镜头的信息量更大，含义也更丰富。相形之下，国内不少影视作品在镜头的空间意识和构图表现上不同程度地呈现出单一、平面化等不足，不能不说与中国绘画几千年来追求平面效果所形成的单一的空间意识与技能有着渊源关系。宗白华先生在《中国美学史中重要问题的初步探索》中指出，“中国和欧洲绘画在空间观点上有这样大的不同，值得我们的注意”。(21)在此我们和宗白华先生一样无意对这两种伟大艺术传统的空间意识比长较短。但不可否认，欧洲绘画艺术的空间意识与影像艺术的空间观念之间能够轻易地转化，而对于散点空间艺术观的中国艺术家来说，这种转化相对要困难得多，这种能力直接影响了影像画面的构图和镜头内的场面调度能力。 (2)光影造型 在摄影造型规律和表现方法中，光影成为最重要的成像因素。我们从西方经典的影视作品中可以欣赏到创作者对光影这一艺术语言运用的娴熟与精彩，而这种娴熟与西方绘画之间也具有相当明显的传承关系（美国导演西席·地密尔就坦言曾师法伦勃朗绘画的用光方式，创造了其影视风格(22)）。 西方绘画一直强调光影、明暗的重要性。黑格尔说：“如果要问绘画所用的究竟是哪一种物理的因素，回答就是光。”(23)光不仅仅是一种照明的技术指标，更是一种艺术手段和体现艺术风格的视觉语言成分。光线丰富的艺术表现潜力，成为影像思维的一个重要元素。通过对不同性质、强度和方向的光线的光效处理，体现出作者的创作风格（荷兰画家伦勃朗因此被称作“光的诗人”。法国雕刻家罗丹的韵律也被称为“光的韵律”）。 传统西画中至关重要的光影变化不是中国传统绘画青睐的对象。“中国画是线的韵律，光不要了，影也不要了”。(24)笔墨成为中国画之灵魂。古人云：“凡画，气韵本乎游心，神采生于用笔”，(25)“笔墨之妙”造就了传统国画独特的艺术风格，然而，中国传统绘画这种追求笔墨韵味，平面、无光影变化的审美风格也深深地影响了国人的影像观念。当摄影术刚刚进入中国之时，中国早期摄影师很不适应，在摄影用光上，一般中国照相师只用平光照明，明显受到了中国传统绘画的影响。另外，中国早期摄影师在日光拍摄中，为了避免过高的反差，多应用散射光，拍出的照片，类似国画的效果。1906年摄影家施德之提出：“顾士人论像，贵白而不贵黑。不知白为光，黑为阴。非阴不起白，非黑不浮。骨骼高耸，精神外露，必藉黑以施其巧，倘白太多，则像与纸平，焉能浮凸。”(26)这种见解，指出了国人光感的缺乏和光影造型能力的缺失，以及中国绘画论和摄影造型规律的某些带根本性的区别。电影是光影的艺术，如何在胶片上创造出中国意境的画面，对我们来说尚是一个需要学习、研究的问题。 (3)色彩表现 色彩作为一种重要造型因素，在影视艺术中的作用是毋庸置疑的，从古典主义的写实到印象主义的表现，西方人以科学的精神将色彩作为一门独立的学科进行了系统而深刻的研究，可以说西方对于色彩的认识与运用在绘画领域已达到相当的高度。宗白华先生认为，“西洋油色的描绘不惟幻出立体，且有明晴闪耀烘托无限情韵，可称为‘色彩的诗’”。(27)现代影视中的色彩不仅仅是如布列松所言的使影像有力、令实在更真的手段。色彩作为一种语言已经上升到哲理思考的层面，色彩不仅是现实层面，更是精神层面的象征。 马尔丹在《电影语言》中指出，“所有生理和心理方面的试验都证明，我们更多感受的是色彩的价值，而不是色彩本身。”(28)“色彩的价值”即是色彩的表现性。但是在深受老庄哲学影响的中国传统绘画观念里，五色令人目盲，更习惯从黑白浓淡中寻找心与物的体验。“中国绘画的主流是文人水墨画，理论上对绘画色彩的研究也基本以‘黑色’为主”(29)。如果说南朝时宗炳《画山水序》中尚注意色彩作为一种造型语言的作用和它与自然物象的关系，认为“画家布色，构兹云岭”，“以形写形，以色貌色”，到了唐朝张彦远《历代名画记》中则变为弃色求墨，支持运墨重于用色的水墨一体，称赞“草木敷荣，不待丹碌之采，云雪飘扬，不待铅粉而白。山不待空青而翠，凤不待五色而翠”。这种墨可胜色的实践与理论，最终演化为中国绘画“意足不求颜色似”的审美追求与批评标准。即便是青绿山水与工笔花鸟，仍然是在有限简约的色彩中表现大千万象。所以有批评者认为，“魏晋以降关于色彩的讨论，实际上是一个淡化色彩意义的过程”。(30) 现代影视中的色彩作为一种语言已经越来越摆脱简单的外部描摹而进入人物的内心世界。康定斯基认为，“一般说来，色彩直接地影响着精神。”(31)由于色彩所具有的情感含义和表意
