西方不同时期的艺术美学及音乐特点

2015.6黑龙江教育·理论与实践理论思考作者简介：郭映彤（1991－），女，辽宁人，硕士在读，研究方向：音乐美学。

探究古典主义音乐的美学特征一、古典主义音乐的产生由于18世纪启蒙主义思想的进入，在时代不断的变换中，西方音乐呈现出多种多样的形式。

而此时音乐艺术的欣赏者不再局限于上层社会,社会平民也都去剧场和音乐厅欣赏表演、陶冶艺术情操，并且他们提出了新的音乐需求。

之前古板的音乐风格不再能满足人们对音乐的渴望，古老的音乐风格渐渐发生了巨大的变化。

这种变化在两个方面得到了体现：一个是庄严宏伟的巴洛克音乐风格变为奢华轻巧的洛可可风格，第二个是单一的巴洛克意识变为丰富的洛可可风格，这些变化都为古典音乐的诞生提供了必要条件。

维也纳作为奥地利的首都，是欧洲的音乐文化中心，也是古典主义音乐的发祥地。

维也纳的作曲家写了很多交响曲、协奏曲、奏鸣曲等广为流传的作品，他们在西方音乐史上取得了令人瞩目的成就。

例如莫扎特，他从小接受音乐熏陶，并且在资产阶级启蒙思想的影响下，创作出很多经典的乐章，他的创作风格吸收的经验，将更多乐器融为一体，成为后世音乐创作的楷模。

二、古典主义音乐的美学特征（一）重视音乐的社会功用古典主义时期音乐的主要音乐特征就是对“自然”的追求，由于当时社会笼罩着的哲学思想就是回归自然，所以这也成为古典主义时期音乐的又一特征，它反对愚昧和神秘主义，否定迷信和各种违反自然规律的东西，认为宗教信仰必须以理性为依据，不能是盲目的迷信。

上帝作为世界的造物者，在造物之后，就不干预世界的任何事情，让世界按照它自身的规律存在和发展。

这种理论主张用自然规律的方法去代替宗教迷信，人们对此很支持并且提倡自然的生活所给人们带来的清新及愉悦。

海顿是古典主义典型田园风格作曲家的代表，他的创作大都是按照四季的景象去创作的，作品中对大自然各种声音的模仿十分形象，并且贝多芬、莫扎特也受到海顿的影响，写出了很多田园交响曲。

每郭映彤（黑龙江大学哲学学院，黑龙江哈尔滨150080）摘要：古典主义时期推动了音乐艺术事业的前进，丰富了音乐的形式，这个时期的音乐由于社会生活、政治生活、哲学思想的不断涌入，音乐的时代性特征表现极为明显，至今还具有很深远的影响，出现了莫扎特、海顿、贝多芬等音乐大师。

一、学科的建立：1美学学科的建立：1750年德国出版了该国学者鲍姆嘉通的著作《美学用“aesthetics”命名。

“美”是“感性”中的一种。

2。

1806年德国出版了是诗人、音乐家舒巴尔特的《音乐美学的思想》。

3。

19世纪中叶开始，从汉斯力克《论音乐的美》（1854）至里曼《音乐美学要义》（1900）等专著相继问世，标志着音乐美学学科的成熟。

4。

1920年蔡元培在刊物上发表介绍西方音乐各个学科的文章时列举了“美学”。

二、学科的性质：1。

音乐美学史音乐学的分支，也是美学的分支；是音乐学和美学的交叉学科。

2．音乐美学是基础理论学科。

三、研究对象：1。

听觉感性需要极其满足的规律。

2。

实践中的没学问题。

3。

相关历史：音乐美学思想与实践的历史;音乐美学学科的历史。

四、研究方法：1。

哲学的方法2。

社会学的方法3。

心理学的方法4。

音乐学分析的方法五、音乐美学概要：“自律论“认为，音乐的内容就在形式之中，音乐美否由音乐自身决定，“他律论”认为，音乐的内容在形式之外，音乐美否有音乐自身决定。

“他律”、“自律”主要是理论概括上的划分，实际情形存在着明显可以划分的类型，也存在着综合的类型或难以明确归类的情况，需要具体分析，特别是对中国或其他非西方地区的音乐现象，避免生搬硬套。

六、艺术功能：表现功能和呈现功能。

在艺术功能中，任何音乐构成非功利的关系，音乐史直接被需要的东西，是“目的物”。

1。

表现功能：音乐是被用来表现人的思想情感时，具有表现功能。

它包括难以言传的感悟或自由思想的表达、情绪的渲染、情感的表达或寄托等等。

因此，音乐是人的精神家园之一。

2。

呈现功能：指向的是音乐自身包含的内容。

呈现性音乐只有音乐形式中所包含的内容，而没有音乐之外的内容。

Y艺术的精神并不在于模仿外界事物，音乐尤其如此。

七、实用功能：音乐被用于狡猾、宣传、教育、认识、宣泄、科学利用等等目的时，人与音乐发生的就是功用关系，音乐自身不是作为目的被需要，而是作为工具被需要的。

一：真实主义歌剧：19世纪末，音乐家们以真实主义文学为鉴，向现实生活索取题材，以下层小人物作为歌剧的主人公，以他们生活作为舞台表现的中心，产生了真实主义歌剧。

从某种意义上讲，真实主义歌剧的产生是意大利人对瓦格纳乐剧的一种反抗。

真实主义歌剧具有后期浪漫主义音乐的特征，它反对歌剧采用虚幻的神话题材，也反对篇幅无限制地扩展以及音乐的重蚀繁杂的夸张，主张取材与现实生活，特别是描写社会底层的小人物，力求简洁明快的手法，组织起强烈的戏剧场面。

真实主义歌剧也具有局限性，它侧重对现实生活作直观的反映，没有触及社会矛盾的本质，与真实主义文学相比还缺乏思想深度。

真实主义歌剧的出现，以它的真实和朴质，动人的的特点以及浓厚的民族风格，有力地抵抗了瓦格纳的影响，使意大利歌剧重新走上了传统之路。

（代表人物：普契尼，马斯卡尼）。

二：无终旋律，是德国音乐家瓦格纳在他的乐剧中采用的一种音乐手法。

在以这种音乐手法所写成的戏剧中，音乐没有咏叹调、宣叙调的之分，自始至终不停向前发展。

声乐富有朗诵性，在叙述的同时也带有抒情性，这种不间断连贯发展的乐剧音乐形式被称为“无终旋律”。

三：交响曲：是器乐体裁的一种，是管弦乐队演奏的包含多个乐章的大型（奏鸣曲型）套曲。

交响曲的前身是巴洛克时期的意大利歌剧序曲(sinfonia)，18世纪上半叶作曲家们采用意大利歌剧序曲的快—慢—快结构谱写管弦乐作品，并将其称为交响曲。

从此，交响曲逐渐取代了巴罗克风格的乐队协奏曲，成为音乐会中主要的器乐形式。

四：交响诗（symphonic poem）：一种单乐章的标题交响音乐，脱胎于19世纪（1 850年）的音乐会序曲，强调诗意和哲理的表现。

交响诗的形式不拘一格，常根据奏鸣曲式的原则自由发挥。

交响诗是一种自由形式的单乐章的标题交响音乐，它的前身是音乐会序曲。

交响诗在构思上，或体现一个哲学思想，或体现一种诗的意境，或和一定的文学题材相联系。

交响诗创始于十九世纪中叶，创始者是匈牙利作曲家李斯特。

中西方艺术的审美差异艺术是人类文明发展的产物，不同文化背景下的艺术作品呈现出不同的审美特征。

中西方文化之间存在着悠久的历史和传统，这些历史和传统在一定程度上影响了人们对艺术的审美情趣。

中西方艺术的审美差异不仅体现在具体的艺术形式上，也体现在观念和情感上。

本文将就中西方艺术的审美差异进行全面分析。

一、艺术风格的差异中西方在艺术风格上有着显著的差异。

在古代，中西方艺术的差异主要表现在风格和表现手法上。

西方艺术以写实主义和透视原理为主，追求形式上的真实和立体感。

例如文艺复兴时期的绘画，是以人体解剖学和透视原理为基础的。

而中国古代绘画则更加注重表现情感，强调意境和空间感。

中国古代山水画和花鸟画重在情景的描绘和意境的渲染，通常体现出一种抽象的审美情趣。

西方有雕塑艺术，而中国则有陶瓷艺术和传统的中国式山水园林。

当代艺术中，中西方的艺术家们在表现形式上也有着巨大差异。

西方的现代艺术更加偏向于激进的表现形式，例如废铁雕塑、行为艺术等，这些表现方式更加强调对社会现实和政治问题的关注。

而中国的当代艺术则更加偏向于中国传统文化的审美表达，在中国当代美术作品中可以看到很多传统文化符号和元素，例如中国的传统山水画、国画、水墨画等。

二、美的观念的差异中西方的美的观念在某种程度上也存在着差异。

西方美学强调个体的独特性和个性化的表达，认为美是万变不离其宗的，强调审美意识的主观性。

而中国古代美学强调整体和谐，注重意境和情感的表达。

中国的美学观念一直注重道德伦理，儒家文化中有“礼乐尚节俭，以观德行”的观念，这对中国古代艺术的审美标准产生了深远的影响，使得中国的传统艺术不仅注重技巧的表达，也注重内在的道德和情感的表达。

这种内在的美学追求在中国传统绘画中有着明显的体现，例如中国传统山水画强调意境和空间感，而西方风景画更加注重写实的绘制。

中西方文化的宗教和哲学背景也对美的观念产生了深远的影响。

西方基督教文化强调个体与神的关系，因此西方艺术往往带有宗教色彩，例如基督教教堂中的壁画和雕塑。

西方音乐史知识点复习一古希腊音乐古希腊人对音乐的关注是与美学、哲学联系在一起的，是体现并来源于着对神的崇拜，它伴随着戏剧、史诗、诗歌、乐器、声乐、绘画、雕塑等艺术文化的发展，发展的全面性和多样性可谓是古代人类文明的巅峰。

一、古希腊的音乐发展状况1、音乐与神的崇拜对于古希腊人来说，音乐实际上被视为神灵的礼物。

特定乐器的发明归属于特定的神：爱马仕的竖琴，潘瘘管（排箫）和阿西娜的aulos （长笛）。

在希腊神话中，缪斯人将音乐的各种元素拟人化（用广义的希腊语来说），据说是为了娱乐神山。

奥林匹斯山以其神圣的音乐，跳舞和唱歌。

与音乐密切相关的其他神话人物是酒神狄俄尼索斯（Dionysos）和他的追随者萨蒂尔和梅纳德斯。

Amphion 和Thamyres都以演奏kithara（吉他）的技巧而闻名，而Orpheus 被誉为出色的歌手和七弦琴演奏家。

古希腊神话中记载着艺术之神阿波罗和管理九种艺术的muse缪斯以及琴师奥菲欧的传说2、诗歌的繁荣（1）史诗:荷马的史诗《伊利亚特》（公元前6世纪得以文字记录，口头吟唱进行流传）和《奥德赛》（2）抒情诗歌的繁荣较早的抒情诗作者萨福（独唱抒情诗的女诗人）、达罗斯（合唱抒情诗的代表，颂神歌、酒神歌、迎神赛会和唱歌、竞技胜利者颂歌等）阿西乌斯、泰潘德。

3、古希腊的戏剧（1）特点：希腊的“悲剧”（奴隶时代的鼎盛时期）集音乐、诗歌、舞蹈、表演于一体，是一种综合性艺术；音乐（尤其是声乐）在其中占有重要的地位，许多独白或对白都是用歌唱来表达，歌唱的同时也有器乐简单伴奏；合唱是载歌载舞的；舞蹈动作简单。

（2）古希腊三大悲剧作家：埃斯库罗斯、索福克勒斯、欧里匹得斯（想了解更多古希腊戏剧的知识，可关注公众号Liz音乐录）二、古希腊的乐器希腊的乐器主要有弦乐和管乐两类，弦乐的代表是lyres里拉琴,管乐的代表是aulos阿夫洛斯管。

三、古希腊的音乐理论1、音阶和调式理论在当时的古希腊，音阶的构成以四音音列为基础。

概述一般的西方音乐史书都将追溯的起点放在古希腊，它是欧洲最早创造文明的国家，从文史哲、政治、经济到宗教、艺术等方面，都为西方世界奠定了发展的基础。

确切地说，在当时希腊并不是一个国家的概念，而是一个文化地理概念（就像今天的阿拉伯一样），我们来看一下古希腊的地理区域图：它以爱琴海为中心，包括希腊半岛、爱琴海中的众多岛屿以及小亚细亚半岛的沿海地带。

这一位置便于它接触东方和西方的文化，从而在东西方文化的碰撞中展现出文明古国的特殊韵味。

古希腊的文化生活：神、诗歌、体育、戏剧、音乐一、神：对神的崇拜体现在他们的生活中，而不是思想中，对多神的祭祀，神是人性化的，具有人类的衣食住行和喜怒哀乐，具有人的品格如勇敢与懦弱，善良与残忍，宽容与嫉妒。

二、诗歌：史诗和抒情诗三、体育：奥林匹克运动会古代希腊神话传说：居住在奥林匹斯山上的天神宙斯主宰着天地万物、整个世界。

为了表达对宙斯的崇敬祈求，希腊人在奥林匹亚举行盛大的祭祀。

他们进献上整牛整羊作为祭品，载歌载舞，欢庆宴饮，同时还要进行短跑竞赛活动。

到公元前７６６年时，希腊规定每隔４年在奥林匹亚举行一次竞技大会，也就是运动会。

这就是最初的奥林匹克运动会。

最早的竞赛项目只是２００码（大约１８２米）短跑，后来逐渐增多，有：摔跤、掷铁饼、投标枪、赛马和赛车等。

运动会结束，竞赛优胜者要戴上用橄榄枝编成的王冠，这就是人们常说的桂冠。

戴着桂冠的优胜者比国王还要受到人们的崇敬和爱戴。

有人甚至把他们当作神一样来崇拜。

奥林匹克运动会是古代希腊生活中一项极为重要的事件。

甚至战争也要为运动会让路。

交战的双方会暂停攻击，等到５天运动会结束以后再继续开火。

后来，休战期延长到一个月，最后延长到３个月。

最令人难以理解的是，即使在外敌入侵的时候，希腊人仍把运动会放在第一位。

竞赛期间是希腊全国性的节日，每个希腊人都把能看到奥运会当作一生幸福的大事。

运动会还促进了希腊文化艺术，特别是雕刻艺术的发展。

希腊著名雕刻家迈伦塑的掷铁饼者，肌肉健壮，线条流畅，准确生动地表现出一个青年运动员在掷出铁饼前一刹那间的紧张状态，被誉为不朽的艺术珍品。

巴洛克一词被广泛的用于音乐是在《巴洛克时代的音乐》这部著作产生后，也就是1947年文艺复兴结束后，巴洛克音乐产生了。

受到当时政治以及文化的影响，巴洛克时期产生的音乐作品风格都比较奢华。

在这个君主专制的时代，音乐艺术在宫廷中不断的发展。

由于长期工作在宫廷华丽的环境下，使作曲家们在创作的过程中都追求精致的音色效果。

一、巴洛克时期音乐发展相比于中世纪和文艺复兴时期，巴洛克时期的音乐作品在情感上的表达要更多一些。

但与浪漫主义时期的音乐作品不同的是，巴洛克时期的音乐作品中所表现出的情感要更节制，而浪漫主义时期作曲家的音乐情感表达则更为丰富，个人的情绪表达较为突出。

也是在这个过程中，大量著名的演奏家相继涌现。

拉莫（Jean-Philippe Rameau,1683-1764）、亨德尔（G.F. Handel,1685-1754）、巴赫（J.S.Bach,1685-1750）、斯卡拉蒂（D. Scarlatti，1865-1757）是巴洛克时期的音乐发展中最具代表性的人物，这四位作曲家都对巴洛克时期音乐的发展起到了巨大的推动作用。

他们不仅创作了大量的音乐作品，在古钢琴的演奏方面也非常的出色。

《音乐理论的新体系》和《和声学》是著名法国音乐家拉莫在音乐理论上的成名作，他在书中从科学的角度为人们讲解了和声的原理，为后世的和声学研究提供了理论基础。

虽然巴赫和亨德尔都是巴洛克时期的音乐家，但他们的创作特点却截然不同。

亨德尔出生在一个普通的家庭，其音乐作品大多是主调音乐，这些音乐通常带有世俗性，且情绪比较主动、激昂。

由于在巴赫创作的时期这些作品一般都是为教会创作的，音乐还只局限在上层阶级，被教会利用，民众对音乐的接触较少，因此巴赫的音乐创作具有宗教性，在音乐情绪上的表达比较含蓄。

巴赫不像亨德尔那样去过意大利、德国等欧洲国家，他的活动范围很有限，没有去过德国以外的其他国家，但这并没有影响巴赫音乐创作。

出生在音乐世家的他，受家族的影响，创作了大量优秀的音乐作品。

【第一讲】前柏拉图美学思想——从毕达哥拉斯到苏格拉底（约前6世纪到前5世纪）一、西方古代文明三大形态（一）希腊文明：工商业社会，城邦制，哲学发达（从米利都学派到智慧王朝），文艺以人本主义和理性主义为特点。

（二）希腊化文明：经济形态介于前后两者之间，王国制，科学发达（亚历山大里亚），文艺上缺乏创新。

（三）罗马文明：农业社会，共和制和帝国制，政治学发达（罗马法），文艺在共和向帝国转型时出现黄金时代。

二、美学上的三大流派（一）美的客观说毕达哥拉斯学派的自然美学，主张“美在和谐”。

（二）美的主客观统一说赫拉克利特、德谟克利特等人的艺术美学，主张“模仿自然”。

（三）美的主观说苏格拉底的伦理美学，主张“美即功利”。

三、自然美学创始者毕达哥拉斯（约前580-约500），其学派综合了哲学、宗教和政治，该学派自创立起到公元4世纪一直很活跃，其贡献主要在数学方面（如几何学中毕达哥拉斯定理即勾股定理、黄金分割比例等）。

毕达哥拉斯认为数是宇宙的基元，整个宇宙是由数组成的，没有数就没有宇宙，这一观点又被称为唯数论。

毕达哥拉斯学派的美学思想即建立在唯数论的基础上，认为：（一）音乐的美在于数的和谐。

毕氏本人发现音乐的质的差别是由发音体的量即频率的差别所决定的，认为最和谐的音调的频率的比例是1:2:3:4，3:2的五音度和4:3的四音度比不上2:1的八音度，看中4和10。

（二）宇宙中存在天体音乐。

毕氏认为天体音乐跟天体运动的速度和天体之间的距离都有关系，从地球到月球的距离在天体音乐上是全音程，从月球到水星是半音程，普通人之所以听不到天体音乐是因为“大音希声”，不少后世科学家如克普勒认同其观点。

（三）音乐有净化灵魂的功用。

毕氏认为人间音乐是模仿天体音乐的，人的心灵对应于外部的大宇宙乃是一小宇宙，大小宇宙之间是同类相应的，因此人间音乐之于人类同天体音乐之于大宇宙。

四、艺术美学古希腊人对艺术的认识经历了从神话式的观点到散文式的观点的转变。

西方美学知识点总结1. 古希腊美学古希腊是西方美学发展的起源地之一，其美学思想在西方文化中占据着重要的地位。

古希腊的哲学家们对美的本质进行了深刻的思考，形成了美学的初步理论。

其中最有代表性的就是柏拉图和亚里士多德对美的思考。

柏拉图认为美是一种超越现实的理念，而不是一种物质形式。

他强调理念的永恒、完美和纯粹，并将美的产生归因于这些理念。

亚里士多德则认为美是一种对称、秩序和和谐的表现，是一种特定形式的完善表现。

古希腊的美学思想对后世的美学哲学产生了深远的影响，成为了西方美学的重要组成部分。

2. 文艺复兴美学文艺复兴时期是西方美学发展的重要时期，对人们的审美观念产生了深远的影响。

文艺复兴时期，人们对古希腊和古罗马的文化进行了重新发现和理解，并以之为基础形成了一种新的审美观念。

在文艺复兴时期，人们开始强调对艺术作品的欣赏和品味，追求对美的深入理解。

例如，莱昂纳多·达·芬奇和米开朗基罗等文艺复兴画家通过对人体结构和比例的深入研究，创造了许多具有深刻美感的艺术作品。

文艺复兴时期的美学思想对后世的美学发展产生了深远的影响，成为了西方美学中的一个重要时期。

3. 哥特式艺术美学哥特式艺术是中世纪欧洲文化的一种重要艺术风格，其美学思想体现了宗教信仰、民族精神和审美情趣。

哥特式艺术强调对神圣主题的表现和对宇宙秩序的思考，通过对艺术形式和结构的精确把握，创造了许多具有宗教意义和美学价值的艺术作品。

哥特式艺术对后世的艺术创作和美学理论产生了深远的影响，成为了西方美学中的一个重要组成部分。

4. 巴洛克艺术美学巴洛克艺术是欧洲文化中的一种重要艺术风格，其美学思想强调对情感和气氛的表现，通过夸张、动态和复杂的表现手法，创造了许多充满戏剧性和运动感的艺术作品。

巴洛克艺术在审美观念上强调情感的表达和细腻性的追求，展示了一种充满张力和热情的审美情趣。

巴洛克艺术对后世的美学理论和艺术风格产生了深远的影响，成为了西方美学中的一个重要时期。

浪漫主义时期钢琴艺术的美学特征分析作者：孙妃来源：《艺术评鉴》2018年第21期摘要：浪漫主义音乐产生于19世纪，在西方钢琴艺术发展史上是属于极其重要的时期。

浪漫主义钢琴音乐是西方钢琴艺术史上最具有代表意义的，浪漫主义音乐的创作深入人心，抒发音乐家对于理想世界的热烈追求，体现他们的心理情感变化。

钢琴艺术史上，浪漫主义时期的钢琴艺术较钢琴在各个发展阶段的艺术特征更具艺术性和现代性的特征。

本文以浪漫主义钢琴艺术起源为切入点对其特征进行了分析，在此基础上基于浪漫主义钢琴艺术的价值研究了浪漫主义时期钢琴艺术的发展进程，从而对浪漫主义钢琴艺术的表现进行了深入分析，加深大众对于这一时期钢琴艺术的了解。

关键词：浪漫主义钢琴艺术美学特征中图分类号：J624.1 文献标识码：A 文章编号：1008-3359（2018）21-0065-0219世纪是钢琴音乐盛行的时期，也是浪漫主义音乐发展的顶峰时期。

浪漫主义广义上指的是人类为了追求自身的理想而选择在艺术上进行自我思想的表现和刻画，在各行各业的逐步发展中钢琴领域也才能浪漫主义的一个重要方面，艺术家们通过浪漫主义音乐来表达自己对于理想世界、奇妙世界的追求。

这一时期，每一个钢琴艺术作品都具有强烈的主观感情和个性特征，每一位作曲家的音乐作品都具有鲜明的烙印。

浪漫主义钢琴音乐打破了古典音乐的程式化限制，更加创新、自由，不再受到固定形式的约束，更加抒情，情感表达更加强烈。

一、浪漫主义时期钢琴艺术的特征（一）钢琴艺术演奏技巧达到顶峰时期浪漫主义时期出现了许多技艺高超的钢琴音乐家，例如贝多芬、舒伯特、肖邦、李斯特、车尼尔等，他们发挥自己的优点，使钢琴自我的表现形式在艺术方面加深了其浪漫主义的色彩。

欧洲古典钢琴艺术的发展下对于浪漫主义钢琴艺术表现技巧也形成了多元化的趋势，这种趋势使得欧洲的音乐风格逐渐形成了浪漫主义的流派。

浪漫主义时期以前，人们对于钢琴演奏的技巧并没有多大的要求，在古典音乐发展的过程中钢琴演奏的范围普遍在八度以内，钢琴的练习曲和钢琴教材在古典音乐时期本身不具备音乐的独立性。

1 比较柏拉图和亚里士多德的音乐思想。

相同：都肯定了社会的教化作用。

不同：柏拉图提倡体育训练体质，音乐训练心态，不提倡新音乐，只是为了教育服务，没有娱乐功能。

亚里士多德肯定了音乐的教育功能，又肯定了音乐的教育功能。

2 罗马音乐与古希腊音乐的异同。

3 古希腊音乐对后世的影响。

古希腊人在音乐创作与表演上的即兴传统；在美学思想上认为音乐具有影响人的思想和行为的力量，而不仅仅是一种纯粹的美的音响；在音乐理论上科学地建立起来的一套声学理论和基于四音音节的音阶系统，以及音高、音程、调式、旋律和节奏等一系列音乐术语，后来都成为中世纪音乐理论的基础。

4 格里高利圣咏的定义、特征、运用和历史意义。

定义：公元6世纪罗马教皇G一世为拥有一种统一的教廷仪式及礼仪音乐而编写的。

称为格里高利圣咏。

特征：①纯男生演唱单声部无伴奏。

②有独唱和齐唱。

③用拉丁文演唱，用教会调式，纽姆记谱。

④节奏旋律自由无固定的音乐依照，歌词韵律的长短抑扬而定。

运用：教会的礼拜仪式主要有两大类：日课和弥撒。

日课是教会每天按照一定的时间，程序而做的祈祷功课，是信教徒每日必做的宗教活动，一般包括祈祷、唱诗篇歌和读经等内容。

弥撒是天主教会大型的礼拜仪式，一般包括特定弥撒和常规弥撒。

历史意义：G称为西方音乐文化遗产中的一批古老的珍宝，同时也是西方音乐发展的一个重要基础。

我们将会看到，正是从这些单声部的圣咏中，逐渐孕育和发展出一种丰富的复调音乐的传统，对后来西方音乐的发展产生了很大的影响。

5 记谱法的发展。

①公元4世纪古希腊‘字母记谱’②公元9世纪纽姆记谱法③公元11世纪后来出现了一线普和二线普④公元12到13世纪出现有量记谱，三分法。

⑤公元14世纪出现二分法。

6 法国游吟诗人游吟诗人的创作大多为单声部歌曲，结构清晰规整，常采用伴奏的形式。

内容以爱情体裁为中心：①康佐②晨歌③田园歌④辩论歌⑤讽刺歌⑥悲歌⑦记功歌。

特点：①自己填词进行曲调创作，创作特点具有各地区音乐特点。

西方音乐史名词解释(全)名词解释勃艮第乐派15世纪开文化艺术先河的是一批欧洲大陆北方的作曲家，西方音乐史上把文艺复兴早期出自欧洲北方的第一代作曲家称为勃艮第作曲家。

勃艮第乐派的体裁是：弥撒曲、经文歌、尚松。

尚松：是14世纪~16世纪以法国的世俗诗歌谱写的复调歌曲的概称。

勃艮第时期的尚松是以清新优雅为特点。

吟游诗人：并不是街头卖艺的流浪汉，大多是贵族骑士，在法国南部和北部出现了许多吟游诗人，他们有的自演自唱，有的作词谱曲，有别人演唱。

他们拿着乐器，在王宫和贵族家中吟诗歌唱，内容主要是：爱情，享乐和道德风尚的题材。

法国游吟诗人：游吟诗人：12世纪法国出现的世俗音乐家，中世纪方言歌曲更重要成就体现于法国游吟诗人的歌曲。

游吟诗人的构成：包括宫廷贵族、骑士阶层，还有下层有才华的诗人音乐家。

游吟诗人的歌曲题材：以爱情题材为主“宫廷之恋”的题材非常流行。

特点：特罗巴杜尔反映出教会和世俗旋律风格影响，大多是单声的，常加上乐器伴奏，即兴地弹唱。

历史上第一个特罗巴杜尔，是阿坤廷公爵纪尧姆九世。

他是作诗和唱歌的能手。

帕里斯特里纳帕莱斯特里纳是宗教改革时期的一位重要的音乐家。

他在罗马天主教音乐原则的限制下，继承吸收佛兰德乐派的复调技巧，创作出一种具有独特美学意义的复调合唱风格。

作为一位宗教音乐作曲家，他一生服务于教堂，写了大量弥撒曲和经文歌，其中的《马赛路斯弥撒》等作品得到教会的承认，成为罗马天主教音乐的典范。

作品多为四至六个声部的无伴奏合唱。

其中清晰的声部缓缓而动，主调与复调相结合。

听来和谐、庄重、虔诚，成为宗教无伴奏合唱音乐的典范。

帕莱斯特里纳的学生和他的音乐风格的追随者，后来形成了盛极一时的罗马乐派。

格里高利圣咏（格里高利圣咏）成为影响最大的教会音乐流传至今。

特点：格里高利圣咏是吸取了（古代东方），（古希腊）以及（民间音乐）的特点而形成的是（无固定节拍），（无乐器伴奏）的（单音）音乐，内容选自（圣经），用（拉丁文）演唱，为（宗教礼仪音乐），分为（弥撒）和（日课经文），共1600曲以上。

音乐风格知识：巴西音乐的文化特征和表现形式巴西音乐是指起源于南美洲巴西的一种音乐艺术形式，它深刻地反映了巴西文化的独特性和多样性。

巴西音乐风格广泛，包括许多流派，如莫德纳（modinha）、萨巴（samba）、福克洛雷吉（forró）、博萨诺瓦（bossa nova）等等，这些音乐风格艺术独特、具有情感激荡、明亮活泼、性格鲜明的特点，深受世界各地人们的爱戴。

巴西音乐的文化特征1.多样性巴西音乐的文化特征之一是多样性。

巴西音乐包含多个音乐流派和样式，这反映了巴西文化的多元化。

它是由多个不同的文化和音乐风格组成的。

充满了丰富多彩的色彩，这体现了巴西文化的多样性和包容性。

2.融合性巴西音乐同时也具有融合性。

它吸纳了各种民族音乐元素，如非洲、印度和欧洲等，为音乐增添了动感和魅力。

它的音乐形式还结合了许多西班牙和非洲的鼓和节奏，这种音乐元素能唤起人们深藏于内心的情感和情绪。

3.色彩浓郁除了多样性和融合性，巴西音乐还充满了浓郁的色彩。

它是一个充满活力、火热和激情的文化。

巴西音乐的鼓点和吉他弹奏与法国和伊比利亚音乐结合，创造出一种独特的声音和美学表达。

巴西音乐创造了许多优美的旋律，它的节奏感极强、速度快，这种音乐风格给人以极高的感官享受。

4.社交性巴西音乐还具有很强的社交性和舞蹈性。

许多巴西音乐流派，如博萨诺瓦、福克洛雷吉、萨巴等，在演奏时人们经常舞会跳舞，这种音乐性格使其深入到人们的生活中。

5.艺术性最后，巴西音乐还具有很强的艺术性和表现性。

巴西音乐从早期的弦乐器、木管乐器到泛音以及现代的电声等等音乐表现方式，一直不断地在探究音乐创新和发展。

它的音乐经常伴随着贝斯吉他、打击乐器和键盘等，在表现和传达音乐时，充满艺术性和表现性。

巴西音乐的表现形式1.萨巴萨巴是巴西最具代表性的音乐形式之一，源于巴西的非洲裔居民。

萨巴音乐强调鼓和打击乐器，表现出灵性、情感和悲伤。

人们常常在萨巴音乐的节奏下跳舞和互动。

2.博萨诺瓦博萨诺瓦是巴西的另一个著名音乐形式，充满了和谐、优美和浪漫主义的气息。

西方音乐史中的罗曼化与比德迈尔时期作者：刘经树来源：《音乐生活》2023年第09期在先前两期文章里，我们谈到了音乐史分期法及其命名的几个时段。

它们在上一个时段里，古典的概念和罗曼的概念先后组成了共同的特点，并延续至少到19世纪。

由于“浪漫主义”的错误汉译，迄今以汉语出版的西方音乐史书，把它错误地译为“维也纳古典乐派”与“浪漫主义时期”。

这是在西方语言里并不存在的一个“时期”。

这个时期从“维也纳古典”开始，由罗曼的音乐参与的整个长时段，直至20世纪初。

今天我们讲19世纪上半叶，德国罗曼的音乐参与“维也纳古典”的一个更小的时段，即“比德迈尔时期”。

比德迈尔时期仅在德文的音乐史书里见到，出现在德国19世纪上半叶“复辟时期”——1815年至1848年的文学史上。

但在音乐史分期法上，只能采用上述第五种特殊的命名方式，即由音乐内部概念平行命名，称为“罗曼化与比德迈尔时期”[1]。

在这个名称里，音乐参与了“罗曼化“，”比德迈尔“则与音乐无关[2]。

我们先要解释一下。

这个时期，代表性的作曲家们是施波尔[3]、勒韦[4]、施奈德[5]、克罗伊策[6]、弗朗茨[7]、洛青[8]、冯·弗洛托[9]、尼古莱[10]等人，有些德语音乐史书把他们称为“次要的罗曼者”或“次要的古典者”，而正是“比德迈尔”的特点共同组成（根据上述第五种命名原则）了他们作品的特征[11]。

如果在音乐史上运用比德迈尔，除了上述作曲家之外，我们能看到音乐演出的“机制”与“维也纳古典”不同——前两章讲过舒伯特、肖邦创作的艺术歌曲、钢琴特性乐曲等是罗曼的音乐典型体裁，它们要求公开演出的“机制”[12]。

在这个时期里，优秀的音乐已转向罗曼者圈子，迫切要求更开放的音乐。

音乐观念史上很少能表达比德迈尔概念，在汉德（Ferdinand Hand）的《音乐艺术美学》（Ästhetik der Tonkunst，1837年—1841年）里，被描写为比德迈尔美学，比德迈尔确立在歌唱协会、艺术歌曲晚会、音乐节的系统里。

中西方传统美术的审美特点和表现形式的共性和不同学院：经济管理学院班级：经济163 姓名：林颖学号：201610710082内容提要：中西方文化发展历程可谓“同中有异”、“异中有同”，这使得作为文化表现形式之一的中西传统美术在审美特点和表现形式两个方面亦存在着共性和不同。

关键词：中西方传统美术审美特点表现形式共性和不同传神和谐表现语言苏东坡有诗云：“欲把西湖比西子，浓妆淡抹总相宜。

”于美术而言，此理亦通。

中国与西方的艺术家以自己置身抑或是想象中的世界作为的描绘对象，赋以其各自独特的风格，将大千世界的美通过他们的妙手得以表现、定格、留存。

而西方美术之“浓”、中国美术之“淡”以及两者的浓淡相交却又是一个复杂包容的概念。

下面我仅从两者的审美特点和表现形式浅谈一下它们的共性和不同。

一、中西方传统美术之审美特点(一) 共性今日，无论是中国人参观西方的美术馆，还是西方游客阅赏中国的古代画作、雕塑等，双方都深为对方美术的精妙所折服。

这点在现代美术的中西借鉴融合上也可见一斑。

为中西方各自审美观所影响的人们能由衷发出一声赞叹，由此可以想见在交流尚少的古代，中国同西方的美术在审美标准和审美理想上也应具有“心有灵犀”般的共通点。

1.中西方美术对传神的推崇有些人认为中国美术的写意重在写神，而西方美术的写实在于摹形。

但其实无论是中国还是西方都对美术的传神，即表现所绘对象的内在精神与风采神韵极为注重。

在描绘客观对象，尤其是人物、动物这类活物时，中国历来讲求“气韵生动”。

南齐画家谢赫在《古画品录序》中提出的“六法”其一便是“气韵生动是也。

”元代美术史论家杨维桢亦在《图绘宝鉴序》中写道：“故论画之高下者，有传形，有传神。

传神者气韵生动是也……写人者即能传其精神。

”举其画例便如马远之《秋江渔隐图》，绘一老翁怀桨酣睡之态。

画家在老渔翁的眼窝、鼻唇处巧以墨色晕染，更借清淡两弧墨线勾勒其睡梦中的瞑目，加之嘴角的一抹微勾，似有笑意。

将一以隐逸为乐，怡然安睡的老者情态表现得淋漓尽致。