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海顿“降E大调第62号奏鸣曲”与巴赫《平均律钢琴曲（上册）第21首赋格曲》演奏浅析
作者：刘东月
来源：《世界家苑》2018年第08期
摘 要：通过对《降E大调第62号奏鸣曲（Hob.XVI：52）》《平均律钢琴曲（上册）第21首赋格曲》三部作品深刻的分析、理解、演唱，以音乐会的形式全面检验自己的钢琴表演综合能力。
关键词：作者简介；曲式结构；音乐特征；演奏提示
一、海顿“降E大调第62号奏鸣曲（Hob.XVI：52）
古典主义音乐，首先映入人们脑海的人物肯定是海顿、莫扎特、贝多芬。三位大师的的音乐虽然相互影响，但是又各具特色。
人们亲切的称海顿为“海顿爸爸”，因为海顿的一生过得相对安稳，虽然有时对周围的环境感到痛恨，但是他却能安于现状，乐在其中。海顿一生经历了音乐史上的巴洛克时期、古典主义时期、浪漫主义前期，所以其音乐也经历了风格上的巨大演变。他一生共创作了62首钢琴奏鸣曲，其音乐风格朴素、自在，并且充满活力和幽默的气息，作品中没有反映强烈的矛盾对比，而更多的是对世态风俗性的描述。
海顿的“第62首奏鸣曲海顿的 《降 E 大调奏鸣曲》（Hob.XVI/52）是其最后一首钢琴奏鸣曲，于 1794 年—1795 年间完成，”[1]是演奏会上最经常听到的曲目，也是海顿所有的钢琴奏鸣曲中最艰难的作品。不论是曲调还是技巧方面，都取得了长足的进步。这种精湛的技巧和大胆的和声进行，使该曲产生了很高的艺术价值。
整部作品共分為三个乐章，第一乐章共有116小节，降E大调，奏鸣曲式结构。这个乐章的结构非常庞大，素材较之前变化丰富，调性对比频繁，大量的使用远关系调。不仅仅是单一的旋律流动或饱满的和声语汇连接，还有更多的交响性和幽默性穿插其中。呈示部一开始就不断的突出主题，并且将这一简单的乐思形象不断的扩展，直至形成一个庞大的音乐结构，这一点与贝多芬的奏鸣曲有很多相似之处。，展开部音乐引入新的素材，附点音符和装饰音成为本段落的一大特色。
d大调奏鸣曲海顿钢琴谱
D大调奏鸣曲是海顿为钢琴而作的美妙乐曲之一，它旋律优美、动情激荡，广受乐迷的喜爱。以下是该乐曲的简介、演奏提示和谱例：
一、简介
D大调奏鸣曲是海顿钢琴奏鸣曲中的经典之作，作于1774年。乐曲由两个乐章组成，分别为急板与慢板，全长约十分钟。整个乐曲极富个性，旋律优美、音乐层次感强，一度被誉为海顿最具表现力的作品之一。
二、演奏提示
1. 初学者可以从简单的音符和音符的延长开始练习，先慢后快的练习方式非常适用。
2. 配合速度的变化来表现节奏上的强调。
3. 注意每个乐章的氛围转化 —— 急板对决慢板。
4. 重点练习手指的迅速转换，以及音调的连续性转换，从而达到美妙的效果。
三、谱例
以下是D大调奏鸣曲的第一乐章急板的部分谱例：
(见图片)
以上是D大调奏鸣曲海顿钢琴谱的简要介绍，希望这篇文章对广大钢琴爱好者有所帮助。
海顿《D大调钢琴协奏曲》艺术风格初探
奥地利作曲家海顿（Franz Joseph Haydn，1732－1809）被世人称为“交响曲之父”，他的创作将交响曲等题材高度发展为古典主义风格范式，标志着古典主义风格的形成。在海顿一生创作的十几首钢琴协奏曲中，《D大调钢琴协奏曲》是其钢琴协奏曲音乐风格的典型代表，具有永久的魅力和不朽的艺术价值，至今被广泛流传，并成为音乐会常用曲目。其节奏轻快幽默，旋律流畅自如，充满了古典主义独特的美感。
一 《D大调钢琴协奏曲》创作的文化成因
“音乐创作是一种受审美经验支配的创造性劳动，是一种表达时代的精神和思想的社会实践。而作曲家的创作情绪的由来和灵感的激发都是基于对生活的感受”，即音乐创作不但受到作曲家创作想象力的制约，同时也受到其审美标准及社会审美标准的制约，由此形成作曲家独特的个人艺术风格。海顿于1732年出生在奥地利东部边境的罗劳小镇，从小就在音乐方面表现出才能。从他的音乐中，可以明显地看到风格上的演变过程，即晚期巴洛克风格音乐风格向古典主义音乐的过渡。海顿是古典主义时期的重要代表，他的音乐艺术风格的形成有其历史渊源和社会渊源。
18世纪，维也纳作为奥地利国的首都，云集了各方面的音乐家和民间艺人。他们给维也纳带来了多种文化传统及民间音乐，让这个城市像一个大熔炉，在吸收不同音乐文化的同时，也孕育了古典主义的诞生及发展。在当时的时代背景下，音乐风格发生了很大变化，如：审美观念要求音乐具备通俗易懂的民间风格，且要取悦于听众；把旋律的作用放在首位，以一条旋律线为主，讲究精美典雅、流畅明快。《D大调钢琴协奏曲》创作的依据是克罗地亚起源的舞会音调，其节奏轻盈诙谐、旋律自然流畅、格调清新淡雅，充分体现了古典主义的审美。新的美学原则和大众审美标准对海顿的创作思维影响深刻，从海顿的这部《D大调钢琴协奏曲》中，我们看到很多民间音乐的因素，感受到雅俗共赏的大众化音乐风格，它体现了海顿鲜明的音乐个性、非凡的音乐创作能力，是海顿性格力量与远见卓识的具体体现。
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浅谈海顿《C大调奏鸣曲NO.60
Hob.XVI/50》中力度、速度的选择和装饰音
作者：陈万祥
来源：《北方音乐》2019年第16期
【摘要】对于钢琴音乐作品的演奏诠释，著名钢琴大师Claudio Arrau曾经说过：“处理和诠释作品的关键是在作品所允许的范围内，把演奏者的想象力发挥到最广和最深的程度。把谱子当成神圣而不可侵犯的东西以至于缩手缩脚或者不尊重作曲家的本意都是错误的。”本文主要从速度、力度、装饰音这几个方面分别讨论如何更准确地诠释《海顿C大调奏鸣曲》。
【关键词】音乐作品;《海顿C大调奏鸣曲》
【中图分类号】J616.3; ; ; ; ; ; ; ; ; ; ; ; ; 【文献标识码】A
一、演奏速度的选择
海顿并没有在作品上标注精确的速度，演奏海顿奏鸣曲原则上需要把握好整体统一的速度。在海顿去世不久的1816年，Maolzel发明了节拍器，从那时起速度成为了一个精确的概念。海顿的作品中不可能有节拍器速度符号，所以为了避免呆板的演奏，在适当的时候可以运用一点渐快、渐慢、延长的方法，尤其是在慢乐章中，从头到尾都用节拍器一般机械的速度演奏是不可取的。可是另一方面需要注意的是，运用这些方法不能过多，具体做法需要根据具体的情况而定。
十八世纪时期的Allegro并不像后来人们要求的那么快，这个单词在意大利语当中往往只是指一种比较欢快的情绪而已，许多人认为，演奏古老的音乐需要放慢速度。赵晓生先生总结说：演奏海顿钢琴奏鸣曲一排四个音符不超过126，通常在一拍120～126之间，慢板乐章速度较慢，一般在八分音符=48～50，若一拍有八个音，相当于八分音符=100左右，更快或更慢的速度都比较少见。总之，对于速度的处理，慢速的部分不可慢到观众对旋律感到厌烦，快速的地方不能快到观众听不清旋律。
