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小学美术中国画基础知识1、称“国画”，它用毛笔、墨和中国画颜料，在特制的宣纸或绢上作画。
2、墨色变化是中国画造型的基本手段之一，用清水和墨汁调出的焦、浓、重、淡、清等不同的墨色，可以适应不同的表现需要，使画面更加生动有趣。
3、中国画的用笔十分丰富。
中锋、侧峰是两种最基本的用笔方法。
4、湿变化是中国画造型的基本手段之一。
笔中含水的多少决定墨的干、湿。
干、湿变化可以更好的表现物象的特点，增强笔墨的表现力，使画面更加生动有趣。
5 、描是中国传统绘画的表现形式之一，它以毛笔为工具，用墨线勾勒对象。
白描中的线条有其丰富的表现力，线条有粗细、长短、变化，感觉上有滑润、流畅、干涩之别，具有生动的艺术效果。
6 、骨法：直接用颜色或墨画出脸、身体、五官和衣纹。
7 、填法：先用墨线勾画人物形象，然后填上相应的颜色。
8 、勒添色法：勾勒添色法是写意花卉的一种技法，先用线条勾勒物象轮廓，然后添色。
用笔放松，线条和色彩要有变化。
9、淡相破：运用宣纸独特的渗化性，在淡漠上加画浓墨或在浓墨上冲以淡漠，均可产生丰富的墨色变化。
控制水分是泼墨的关键。
浓破淡时，要控制好墨色变化和干湿程度。
淡破浓时，淡漠笔含水要多，否则难以冲开浓墨。
1.如何用笔,用墨.墨分五色，即焦，重，淡，浓，清，可用水来调节墨色的浓淡．２、在墨色中加入颜料可成彩墨3、彩墨画法多种多样，在作画过程中可以自由选择运用。
下面介绍两种画法。
4、徐悲鸿（1895年——1953年）是兼采中西艺术之长的现代绘画大师美术教育家。
擅长中国画、油画，尤精素描。
他的画作满含激情，技巧极高。
著名油画有《溪我后》、《田横五百士》；国画有《九方皋》、《愚公移山》、《会师东京》等。
最能反映徐悲鸿个性，表达他思想感情的莫过于他画马的画卷。
他对马的肌肉、骨骼以及神情动态，作过长期的观察研究，画了数以千计的速写。
所以他画的马图笔墨酣畅，奔放处不狂狷，精微处不琐屑，筋强骨壮，气势磅礴，形神俱足。
另有一些人物、狮、猫等题材作品，也是质优量大。
水墨画中的黑与白给你的启示作文800字全文共8篇示例，供读者参考篇1黑与白~白与黑你们有没有看过中国画呀?中国画就是用笔和墨渲染在纸上的,好看极了!最常见的就是山水画,有青山、溪流、小桥等等,整个画面黑白分明,很有意境。
你看,黑色是那些山石树木的轮廓,给人一种沉稳大气、永恒不变的感觉。
白色则是那些云朵、溪流,代表着活力和生机。
真不愧是"万物运行,阴阳不息"呢!阴阳、黑白,互为表里,共同组成了这优美的画卷。
我很喜欢看这些水墨画,因为它们不仅美,而且让我时常会反思人生的道理。
你想啊,黑白两色虽然完全不同,但互相依存、互为关键,缺一不可,正所谓"白之力黑而形,黑之质白而现"。
你看那山石虽是黑色,但若无那些白云白雾的渲染和映衬,怎能彰显出它们的厚重和气势威武?同理,只有黑色的山石作为背景,才能衬托出白云的那种湿润温柔的质感。
所以,黑白其实是相辅相成的。
这难道就不是人生的一个写照吗?我们的生命就像是黑白两色,有阴暗面、也有光明面,但它们并非对立,相反是互为因果、依存并存。
没有黑暗,我们无法体会光明的美好;也没有光明,黑暗就失去了意义……嗯,或许我们每个人都该向大自然学习,去珍惜生命中的"黑白两色",从而学会欣赏这种对比,品味其中的味道。
不过呢,要是问我更喜欢黑还是白色,我还是选白色吧!因为白色代表着希望、未来和无限可能。
就像溪流潺潺流淌、白云自在飘荡,充满着生机和活力。
尽管白色也有短暂和转瞬即逝的一面,可是我觉得只要抓住当下、用心体会,这时光便永恒美好了。
所以从现在开始,我会像白云那般逍遥自在,珍惜生命中的每一刻,去拥抱阳光,勇敢去探索这未知的未来!当然,有黑色的山石做陪衬和托底也很重要,代表着沉稳、踏实,让我时刻谦逊、脚踏实地。
总之黑白并济,方能达到至善至美!这就是我从水墨画中"黑白两色"的启示了。
你们有同感吗?快和我分享你们的体会吧!篇2亲爱的老师,同学们:大家好呀!今天我要和大家分享一下我从水墨画中的黑与白学到的一些启示。
中国画的艺术美学
中国画的艺术美学是中国传统绘画艺术的一个重要方面。
中国画注重表现意境，强调以笔墨表现形神，讲究意境、构图、色彩和节奏，追求绘画作品的整体美感和精神内涵。
中国画的美学观念是：形神兼备，墨韵生动；写生而不拘泥于形，概括而不失神；化繁为简，寓意深长。
其中，形神兼备是指作品既要表现物象的形态，又要表达精神内涵；墨韵生动则是指作品中所使用的墨色应该具有生动、活泼的特点，不同的墨色可以表现出不同的情感；写生而不拘泥于形指的是画家在写生的过程中，可以发挥自己的创意，不必完全按照实物的形态进行描绘；概括而不失神则是指画家在表现形态和情感时，应该追求简洁明快，不要陷入繁琐的细节之中；化繁为简则是指通过简单的表现手法，把复杂的情感表达出来；寓意深长则是指作品中所蕴含的精神内涵应该具有深刻的思想性和文化
内涵。
总之，中国画的艺术美学是一种综合性的美学理论，它不仅要求作品具有形态美和色彩美，还要求具有深刻的精神内涵和文化意蕴，这使得中国画成为了一种独具特色的艺术形式。
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第20卷第3期温州大学学报・社 会 科 学 版2007年5月V ol 20, No 3 Journal of Wenzhou University · Social Sciences May, 2007 中国古代水墨画“墨色”审美及其文化意蕴周斌(广西师范大学文学院，广西桂林 541004)摘要：中国水墨画的墨色审美起源，根植于原始农耕采集文化和阴阳五行思想，老庄和禅宗则为其奠定了主要基调。
中国水墨画对墨的艺术运用，完成了原始黑色向纯粹的审美境界升华的过程，最终形成了中国水墨画独特的墨色语言系统。
在万千变幻的“墨色”中，构成了一个个别具一格的“心象”和“墨象”同构的“墨境”世界，别有一番“墨韵”，具有高度的艺术审美意义和深厚的中国传统文化意蕴。
关键词：中国水墨画；墨色；审美；文化意蕴中图分类号：J01 文献标识码：A 文章编号：1008-309X(2007)03-0070-06一、中国古代水墨画“墨色”审美的起源黑色崇拜奠定了古代中国人对黑色的感知和运用基础，把水墨运用和发展为一种绘画材料，形成一种独特的“墨色”审美传统，也可以说是基于黑色崇拜的一种智慧性的发掘，而这个“墨色”审美传统的起源还要追溯到古代原始社会的采集、农耕文化和阴阳五行思想。
黑色崇拜是原始色彩崇拜中的重要内容，黑色在古代的中国，是众色之长，在《易经》中就被认为是“天”的颜色，为众母之色，在古代单色崇拜时期尚黑的时间最长。
新石器的黑陶，说明黑色是中国人最早选用的颜色之一。
半坡遗址出土的人面鱼纹彩陶盆染有黑色，这是当时氏族人对黑色崇拜的体现。
《韩非子・十过篇》中记载：“尧禅天下在，禹受之。
作为食器，斩山而材之，削锯修之迹，流漆墨其上：输之于宫，为食器……舜禅天下而传之禹，禹作祭器，墨染其外，朱画其内。
”这段文字也证明了中国远古时代的先民就已经崇尚黑色。
秦的统治制度确立了中国色彩观的发展，秦崇尚黑色，首次出现了以一种颜色为尚色，“以冬十月为年首，色上黑”，即位之后“易服色与旗色为黑”(《史记・封禅书》)。
中国画知识点中国画是中国传统艺术的一种形式，具有悠久的历史和丰富的文化内涵。
它以水墨为主要媒介，通过线条、色彩、质感等表现手法来创作。
以下是一些关于中国画的知识点，以便您更好地了解和欣赏这一艺术形式。
1. 历史起源：中国画源远流长，可以追溯到公元前4000年左右的新石器时代。
最早的中国画作品是出土的彩陶，展现了古代人们对自然和生活的描绘。
2. 五大要素：中国画包含了“墨、笔、纸、砚、色”这五大要素。
墨是主要的绘画颜料，由磨墨砚台和加水调制而成。
笔是绘画的工具，常用的有羊毫、狼毫和猪鬃毛等。
纸是画面的载体，一般使用宣纸。
砚台是墨的研磨工具，用于研磨墨块。
色是指水墨画中使用的颜色，通常使用灰、黑、淡墨等单色。
3. 传统题材：中国画的题材广泛，主要包括山水、花鸟、人物和动物等。
山水是中国画的重要题材，强调自然的美和人与自然的和谐。
花鸟画注重对植物和动物的描绘，追求生动和细腻。
人物画则着重刻画人物的神态和气质。
4. 传统风格：中国画有许多不同的流派和风格。
其中，工笔是一种细致入微的绘画风格，着重描绘细节和色彩的变化。
写意是中国画的另一种风格，注重笔墨的运用和意境的表达。
它强调意境和氛围的创造，有一定程度的抽象性。
5. 传统技法：中国画有许多独特的绘画技法。
其中，以“写意”、“洗墨”和“点染”为代表的技法是中国画的独特之处。
写意是用简练的笔触表现主体形象的技法，强调形神兼备。
洗墨是利用水墨的浓淡、湿度和笔触的变化来描绘不同的质感和层次。
点染则是以点、线、面的组合来表现画面的效果。
这些知识点仅是对中国画的基本介绍，中国画的艺术形式和技法非常丰富多样，需要长期学习和实践才能更好地理解和掌握。
希望这些信息对您有所帮助。
中国画的用墨方法用墨，是中国画的基本技法。
历来的画家都讲究用墨，大写意画的崛起和生宣的普遍应用，用墨与用笔便成为中国画的基本特色。
用笔和用黑是分不开的，所在称为“笔墨”。
用墨好，皆由于用笔。
中国画的用墨，主要是运用墨色变化的技巧。
由于笔中含水墨量的差异，便产生干、湿、浓、淡的变化。
以墨代色，产生了墨分五色的说法，唐张彦远《历代名画记》曰：“运墨而五色具。
”五色，即焦、浓、重、淡、清，而每一种墨色又有干、湿、浓、淡的变化，这就是中国画用墨的奇妙处。
此外，还有墨分六色之说，清代的唐岱在《绘事发微》中谈道：“墨色之中，分为六彩。
何为六彩？黑、白、干、湿、浓、淡是也。
”又云：“墨有六彩，而使黑白不分，是无阴阳明暗；干湿不备，是无苍翠秀润；浓淡不瓣，是无凹凸远近也。
”以中国画墨色变化的丰富程度是可想而知了。
没有变化的墨色必然呆滞板浊，成为没有生气的死画。
一个画家成功往往离不开用墨的精能，如齐白石画虾所以能妇孺皆知，一个重要的原因也就在于用墨的得当。
他画虾曾三变：“初只略似，一变毕真，再变色分深淡。
”如今我们所见到他笔下的虾形态栩栩如生，通体透明而坚韧的虾壳，特别是虾的头部，在脑壳墨色清淡处，浓墨一笔即为虾脑，真是妙到了绝处。
中国画用墨技巧，并不是体现在调色盘中能调出多少种墨色的变化，而是如何使不同的墨色在纸面上体现出来，其中尤为困难的是，如何使一枝笔中产生出各种墨色的变化。
随着中国画的不断发展，用墨的技巧也趋成熟，产生了“泼墨法”、“积墨法”和“破墨法”等多种表现手法。
中国画的常用墨法：破墨法——唐代王维、张燥等人的山水画，改单线平涂的画法为墨色有深浅层次的画法，当时称为“破墨山水”。
后世说的破墨法，是专指作画时，当前一墨迹未干之际，又画上另一墨色，以求得水墨浓淡相互渗透掩映的效果。
破墨法又可分为四法（浓墨破淡墨、淡墨破浓墨、墨破色、色破墨），各有不同的特点。
破墨时因笔墨先后有别又可分为六种用法：（1）浓破淡先施以淡墨点树叶树头部分，待半干时，穿插以浓墨树枝，立时枝叶交融，浑然一体，如天然生成。
浅析中国画的“墨与色”
一、中国画中“墨”的用法
墨在中国画中的地位是显而易见的。在中国画中，“墨”并不只被看成一种简
单的黑色，在一幅水墨画里，即使只用单一的墨色，也可使画面产生色彩的变化，
完美地表现物象。中国画中有“墨分五色”之说，即墨色有“干、湿、浓、淡、焦”
五种变化，如果再加上“白”，就是“六彩”。其中“干”与“湿”是水分多少的比较；“浓”
与“淡”是色度深浅的比较；“焦”，在色度上深于“浓”；“白”，指纸上的空白，二
者形成对比。
中国画用墨技巧，并不是体现在调色盘中能调出多少种墨色的变化，而是如
何使不同的墨色在纸面上体现出来，其中尤为困难的是，如何使一支笔中产生出
各种墨色的变化。当笔头蘸上饱和的墨水时，下笔速度要快些。当笔头水分极少
时，干笔淡墨，行笔宜慢，要惜墨如金，画好后会有氤氲明净的感觉，不管笔头
的干与湿，画时均须见笔。就如用笔之五字决：“清、润、沉、和、活。”所谓“清”，
即用笔用墨要笔路清澈，层层相积，无浑浊相；“润”即滋润，虽干犹湿，虽渴犹
润；“沉”即骨气沉厚而不浮胀，沉而易厚；“和”即墨色有变化，和而不同，浑然
和洽；“活”即自然一气。“和”和“活”，相近而又有区别，活更有生命化的意蕴。
由于毛笔的软硬不同，在含水含墨的分量上也有所区别。比如羊毫含水量较大，
宜用于大面积的泼墨铺水；而狼毫含水量则相对较少，宜表现笔迹清晰的笔画或
进行局部性的泼墨破墨等。再有墨的运用与笔法的提按、轻重、快慢、纸质的优
劣也是密切相关的。用湿笔时笔多提起，用干笔时笔多揿下，笔实则墨沉，笔飘
则墨浮。用墨的关键还在于用水，要使墨色丰富，要善于用水。墨经过水的调和，
就有浓淡、干湿的变化。墨色的变化在于水分掺的多少。蘸墨蘸水极为讲究，笔
头是先蘸水，还是后蘸水，效果是明显不同的。
随着中国画的不断发展，用墨的技巧也趋于成熟，产生了“泼墨法”“积墨法”
和“破墨法”等多种表现手法。
泼墨法——水墨淋漓，墨色变化丰富。此法的效果几乎是不可预期的，它和
信笔涂鸦是不同的，它要求画家凭借长期的绘画积累和对宣纸性能和水、墨、色
晕化的规律以及黑白、虚实、浓淡、疏密均衡等变化的认识。随后的整体收拾是
画家根据绘画经验的积累进行加工处理。可以说，最后的整体收拾往往是一个画
家笔墨功夫以及其他各方面能力的考验。行此法，毛笔要大一些。用饱含水的笔
头，蘸上浓淡适宜的墨汁，大胆落笔，运笔要胸有成竹，轻重得宜，可以重笔，
也可有飞白，随物形而变化，自然可获得墨色丰富、滋润生动的效果。张大千晚
年的泼墨泼彩，将泼墨法推到一个新的高度。
积墨法——积墨，即层层加墨。这种墨法一般由淡开始，待第一次墨迹干时
再画第二次、第三次，可以反复皴擦点染许多次。用积墨法，行笔要灵活，无论
用中锋还是侧锋，笔线都应参差交错，聚散得宜，切忌堆叠死板。要注意第一次
墨色与第二次墨色之间的差别，墨色的浓淡相差略大一些，才能看得出笔痕，不
至于干后糊涂一片。用得好的积墨法，能使画面有深厚凝重、繁茂丰富的效果，
而且始终保持墨的光泽，积墨愈多，光彩愈足；如果干后出现灰色的死墨，积墨
法就失败了。成功的关键决定于笔法，笔笔有力，行笔有度，墨色才能有神采。
总之，积墨法既要浑然一体，又要有笔迹墨痕可寻，墨色生动，光彩焕发，忌灰
暗板滞。
破墨法——破墨即是作画时，当前墨迹未干之际，又画上另一墨色，可以浓
墨破淡墨，或淡墨破浓墨，或湿墨破干墨，或干墨破湿墨，还有水破墨、墨破水
等，都是在将干未干时进行，以求得水墨浓淡相互渗透掩映，使墨色厚而不浊，
淡而不薄的效果。破墨的用法在于掌握好干湿的程度，过湿时加上去容易渗化得
太快太多，显得浮肿无骨；过干时则不易渗化，显得皮骨不相干，所以掌握干湿
程度是破墨的关键。此外，还有墨破色、色破墨等表现技法。
二、中国画中“色”的用法
中国画的色彩历史悠久，源远流长，经过数千年的不断创造与运用在色彩方
面取得了丰富的经验和巨大的成就。“随类赋彩”的方式逐渐形成了具有中国民族
特色的绘画色彩传统，在世界绘画艺术中占有重要的地位。中国画的着色总的来
说有三种方法：第一种方法是重彩着色，十世纪以前基本都是采用这个方式；第
二种方法是水墨淡彩，等墨韵上够的时候再敷色。这就是把大部分的墨色浓淡的
变化当颜色使用，以达到“墨中有色，色中有墨”的晕化效果。这是十世纪以后国
画着色的一大变化；近代的画家为了开拓探索更为广阔的路子，又逐渐使用泼彩
和淡彩，重彩并用的青色方法，使中国画的色彩表现力加强了。下面就详细介绍
几种中国画的着色方法。
以色貌色——中国画以固有色为主，来体现国画色调上的单纯、高雅、明朗、
洁净等富有装饰性的美感。以色貌色是指用颜料表现对象的基本色，使其显得逼
真。这就要求绘画者必须从生活中观察色彩，同时还要学会传统绘画的着色方法，
即前人是怎样观察物体的颜色，又是怎样把它加工整理的。
平染——用水把颜色在碟子里调匀后部分浓淡的平涂在画面上，叫做平染。
这种方法不需要用水做深浅的晕染，所以看起来比较容易掌握，但要做得涂得又
匀又细，特别是石青石绿等重彩颜料，也需要有一定的练习，才能掌握得好。平
染时，颜料不能调得过稠，一遍不足时可以再涂第二遍，直到表现出满意的效果，
但要注意不能出现水花。这种方法一般用在工笔画中，写意画很少出现。
碰染，也叫“承染”，是传统的老办法。碰染法多数应用在工笔熟纸上。方法
是手上同时握住两支笔，如画荷花时，一支笔蘸洋红，一支笔蘸白粉，到纸上互
相碰染，产生好看的颜色，比在色盘中经过调拌的色调鲜明，其意外效果全在于
碰，所以颜料不能调得太干，才能在色与色相碰時互相渗透而产生晕染效果。人
物面部用储石，而两颊可用曙红与储石相碰染，碰染一般一次完成，如果不足可
以碰染两次。岭南派画家全用此法，用工笔画青铜器也用此法。
分染——碰染是一次完成法，分染是把一道工序分成两道来完成。方法是把
碰染中的色调，按照阴阳向背，分作两次或数次来完成。如画月季花，在用洋红
烘染出阴阳反正后，下次再染白粉；画青绿山水，山石的根部先染赭石，下一步
用石绿画没有着色的下部，慢慢退晕到与礁石互相衔接。染色时，要求染得自然
而无痕迹。
罩染——国画家使用单色的矿物色及植物色时，如需进行间色的调配，常常
是通过罩染。用朱砂罩染胭脂使朱砂更红；兰色罩染朱砂，使朱砂变紫；石绿罩
染藤黄变成嫩黄，铅粉罩染胭脂变成粉红等。除去花青配藤黄可产生草绿外，大
部分复色预先调和好再画到纸上并不鲜明，因此，画家所理想的色调便通过罩染
来达到。也就是说，我们如要得到一种紫的颜色，可以先用胭脂涂上一层，再笼
罩一层花青，便产生了紫色。凡有火气的颜色，均可罩上淡墨以减火气。
中国画用墨和彩点染，堆积、泼洒能形成相互辉映的效果。特点就是在于似
与不似之间，墨、彩、水三者相互交融，在生宣纸上会产生干湿浓淡和水墨淋漓
的效果。
参考文献：
[1]刘金城.中国画——绘画提高训练丛书[M].北京：金盾出版社，2005.
[2]刘 源.中国画色彩艺术[M].重庆：西南师范大学出版社，1999.
