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浅析戏曲元素在古典舞中的应用1. 引言1.1 戏曲元素在古典舞中的意义戏曲元素在古典舞中扮演着非常重要的角色，它们不仅丰富了古典舞的表现形式，还使得古典舞更具中国传统文化特色。
戏曲元素的引入，不仅为古典舞注入了新的生机和活力，也为观众带来了全新的艺术体验。
通过将戏曲元素与古典舞相结合，不仅可以展现出古典舞的优美和华丽，还能够展现出中国传统文化的深厚底蕴。
戏曲元素在古典舞中的应用，可以使舞蹈更加具有戏剧性和表现力，使观众更容易理解和感受舞蹈表达的情感。
戏曲元素的运用还可以提高古典舞的观赏性和趣味性，使得舞台表演更加生动和引人入胜。
戏曲元素在古典舞中的意义不仅在于丰富舞蹈的表现形式，更在于展现出独特的艺术魅力，使古典舞更具有魅力和吸引力。
戏曲元素的融合与运用，为古典舞赋予了更加丰富多彩的文化内涵，也使得古典舞更好地传承和发扬光大中华民族的传统文化。
2. 正文2.1 戏曲元素的传承与融合戏曲元素的传承与融合在古典舞中起着至关重要的作用。
古典舞作为中国传统文化的瑰宝，承载着丰富的历史积淀和文化底蕴。
而戏曲作为中国传统戏剧形式之一，也是我国文化传统的重要组成部分。
在古典舞中，戏曲元素得以传承和融合，使其具有更加丰富多彩的表现形式。
戏曲元素的传承不仅体现在舞蹈动作中，还表现在舞者的表演技巧和表现方式上。
古典舞中的舞蹈动作往往融合了戏曲的动作曲折和情感表达，具有戏曲舞台上的细腻和张力。
舞者在表演时，可以通过细致的肢体动作和面部表情，传达出戏曲中特有的情感和内涵，使观众更加容易沉浸于舞蹈的氛围之中。
古典舞中的服饰与化妆也融合了戏曲的特色。
舞者的服饰常常采用传统的戏曲服装，如华丽的发饰、彩色的衣袍等，以突出舞蹈的戏曲气质。
化妆方面也借鉴了戏曲的化妆技巧，通过浓艳的妆容和夸张的表情，突显舞者的戏曲性格和角色特征。
戏曲元素的传承与融合丰富了古典舞的表现形式，使其更具中国传统文化特色。
戏曲元素在古典舞中展现了独特的艺术魅力，为观众呈现出别具一格的舞台魅力。
《艺术概论》考试试题一、名词解释1．外师造化，中得心源2．艺术典型3．艺术语言4．意境5．风格6．旋律7．艺术创作8．艺术鉴赏9．艺术风格10．艺术流派11．艺术意蕴12．艺术起源的“模仿说”13．审美教育14．建筑艺术15．“造型艺术”二、简答题1．艺术的主要的审美特征有哪些？2．为什么说音乐艺术专注于表现情感是由音乐本身的特性决定的？3．电影艺术与电视艺术的主要特征有哪些？4．艺术家应具有哪些修养及审美创造能力？5．简述美术中现实主义艺术创作方法的特征及代表人物和作品。
6．简要论述艺术的起源。
7．为什么说艺术教育是美育的核心？8．简要概括德国18世纪著名美学家席勒的美育理论。
9．如何解释中国传统艺术精神。
10．简述德国18世纪著名美学家席勒的美育理论。
11．艺术的节奏性与韵律美。
12．散文的重要特征主要是什么？13．你是怎样认识艺术起源的多元决定论的？14．为什么说艺术教育是美育的核心？15．艺术教育在当代社会生活中的重要意义是什么？《艺术概论》考试试题及参考答案一、名词解释1．外师造化，中得心源答：艺术家创作的艺术作品直接来自于艺术家的审美意识和审美创造，间接来自但最终来自社会生活。
2．艺术典型答：艺术典型就是高度真实和高度概括的艺术形象。
3．艺术语言答：艺术语言指的是艺术家在创作过程中用来塑造艺术形象、表达其思想情感所采用的独特的表现方式和表现手段。
4．意境答：意境就是作品中情与景、物与我的交融与统一。
是艺术家的思想、审美观念及审美理想与客观景物的融合。
5．风格答：风格就是艺术作品的因于内而符于外的风貌，是艺术作品在整体上呈现出的具有代表性的面貌。
6．旋律答：音乐最主要的表现手段，它把高低、长短不同的乐音按照一定的节奏、节拍以至调式、调性关系等组织起来，塑造音乐形象，表现特定的内容和情感。
旋律具有很强的艺术表现力，它可以表现出音乐的内容、风格、体裁，甚至还可以体现出音乐的民族特色和地域特征，因此，人们常把旋律称为音乐的灵魂。
舞蹈鉴赏论文舞蹈是一种用身体来完成各种优雅或高难度动作的表演艺术，为八大艺术之一。
它一般借助音乐，也借助其他道具，以有节奏的动作为主要表现手段。
以下是为大家整理的舞蹈鉴赏论文【四篇】,欢迎品鉴!第1篇: 舞蹈鉴赏论文一、心理发展特点青年时期的心理发展是人第一个重要的转折时期。
在这一时期他们既独立又依赖、既自觉又叛逆，各种矛盾在他们身上交错。
特别是步入高校，学生身心各方面才开始趋于成熟、稳定，逐渐跨入成人行列。
心理发展的一般特征可概括为“四性”、“四高峰”：社会性：心理发展很大程度取决于社会环境。
时代的高速发展，科技的日新月异，使得他们对社会信息的接收越来越容易，越来越广泛，反映到他们身上体现出来的就是自我意识的高速发展，对父母、老师不再是迷信、依赖甚至是依恋，他们开始独立思索，用自己独特的的见解和行为方式传达自己的独立意向。
闭锁性：不再像高中学生那样单纯、幼稚、一切外露了，他们开始有了自己的“秘密”，不再轻易地表露自己的内心世界。
他们的情感也开始有了一定曲折和文饰的特点，自我调节能力增强。
动荡性：青年时期学生的情绪、情感两极性十分明显，容易激动，时而热情似火，时而冷若冰霜，所以容易出现冲动行为。
敏感性：处在身体、视野快速发展的阶段，在这一时期，人生观、世界观、价值观已经初步形成，他们精力充沛，兴趣广泛，思想活跃。
对人、对事、对社会现象具有较强的敏感性，易接受新事物、新信息、智力发展高峰：与生理发展，特别是与神经系统发展的成熟相适应，逐渐达到智力发展的高峰。
据研究，若以100作为智力发展的最高水平，初中的知觉能力即可达到100；初中到高中，记忆能力从95逐渐达到100；比较、判断能力，初中时为80左右，到高中时达100；动作及反应速度也从初中时的90左右发展到高中的100。
社会需求高峰：青年处于富于理想、充满追求的时期。
对知识的求索、对人的思索、对理想的追求、对各种情感的向往等精神方面的需求及衣、食、住、行等物质方面的需求都急剧上升。
文艺理论86一、汉唐舞简介中国的《采薇》舞的开端追溯其源头可到夏商时期，也或许更早。
早期，古代人经常以非常有用的目的跳舞。
他们觉得跳舞是与上帝说话的唯一方式。
今天中国古老的宫廷音乐和舞蹈可以上溯到中国的汉唐舞蹈。
根据测试数据，人们发现了夏朝最早的宫廷音乐。
与西方不同，一名男子最早出演芭蕾舞表演。
而女性的音乐和舞蹈，是中国宫廷音乐和舞蹈的开始。
在春秋战国时期，领导者发现他们可以通过奴隶和音乐礼物实现强大的政治目标。
作为维护政治的一种手段，大量的音乐和舞蹈奴隶开始被作为礼物被剥削和交换。
楚舞从这个时候开始产生。
作为古代宫廷女乐的基本形式，楚舞的“嬛嬛一袅楚宫腰”可谓起到了举足轻重的影响。
据传说，楚王喜欢细腰，而对于楚王的选择，很多女性都在争相适应。
这是古代女性宫廷音乐的一个特征。
即使是现在，谈到汉唐舞蹈，“腰”仍然是一大特色。
经过现代“肩膀”的发展，魏晋开始加入童话与宗教元素，使汉唐舞蹈之一的审美舞蹈加入了神秘的东方元素。
二、汉唐舞特点作为法庭政治的附庸，唐舞是该计划的主要内容。
虽然真正的程式化舞蹈始于中国舞蹈史上的宋代团队舞蹈和大规模的歌舞，但信息相对清晰。
但是，我们可以在周朝的宫廷仪式中明确地看到，王室将音乐作为一种综合形式进行研究。
汉朝的精品女乐《盘鼓舞》也已经具备了一定的程式性。
首先奠定了基本的姿态是“翘袖折腰”。
以单舞和团体舞的形式，特定情节的表现不是传统的。
此外，在技能方面，已经确保必须在盘子和鼓上跳舞才能获得出色的技能。
按照乐府的设定旋律，跳舞也是必要的。
与现代舞相比，宫廷音乐舞是汉唐初期的基本形式，以满足王室的品位，增加后代的音乐和舞蹈。
这是固定模式的变化。
所以《采薇》舞相对于其他舞种会更显模范和正规，同时经历过历代历史的冲刷，往往留下来更精细的模样呈现在后人的眼前。
出于东方舞蹈的审美论，相对于日本舞蹈的“拙”，印度舞蹈的“媚”，中国的《采薇》舞更多的是“雅”。
“雅”“意境”“韵味”，构成了风格独特的汉唐舞。
春江花月夜舞蹈赏析（实用版）编制人：__________________审核人：__________________审批人：__________________编制单位：__________________编制时间：____年____月____日序言下载提示：该文档是本店铺精心编制而成的，希望大家下载后，能够帮助大家解决实际问题。
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戏曲表演中的舞蹈元素有哪些？一、婉约舞蹈婉约舞蹈是戏曲表演中最为经典的舞蹈元素之一，它以温柔婉约的姿态和优雅的动作为特点。
在戏曲中，婉约舞蹈往往用于表达女性角色的柔美与娴静，如《西施》中西施的扇子舞，以及《莞莞汉宫》中皇后娘娘的宫廷舞蹈等。
婉约舞蹈通过流畅的身体动作和舞姿，展现了女性角色的柔情和温婉，给观众带来了美的享受。
二、动势舞蹈动势舞蹈是戏曲表演中一种富有张力和冲动性的舞蹈形式。
它通过强烈的舞蹈动作和力量感的展示，传递出角色内心的激情和冲动。
在戏曲中，动势舞蹈常用于表现英雄人物的豪情壮举和战斗场面，如《长坂坡》中关羽的长刀舞和《断桥残雪》中白衣秀士的长剑舞。
动势舞蹈具有强烈的视觉冲击力，能够给观众带来激动人心的感觉。
三、象征舞蹈戏曲表演中的象征舞蹈是一种富有象征意义的舞蹈形式，通过舞蹈动作和姿态的表现，传递出角色或情节背后的深层含义。
戏曲中的象征舞蹈常常用于表达思想、表现梦幻场面或隐喻情感，使得戏曲舞台更具艺术表现力。
例如，在《红楼梦》中，黛玉的凤冠霞帔舞蹈象征了她的痛苦与无奈，以及对命运的抗争。
四、神韵舞蹈神韵舞蹈是戏曲表演中一种独特的舞蹈形式，它强调气韵生动和神鬼迷离的氛围。
在戏曲中，神韵舞蹈常用于表现神仙、妖魔等非凡之物，如《白蛇传》中的白娘子舞蹈和《牡丹亭》中的神仙仙女舞蹈。
神韵舞蹈通过舞蹈动作和音乐的融合，使得观众感受到超凡脱俗的神秘力量，增添了戏曲舞台的神奇色彩。
五、鬼怪舞蹈鬼怪舞蹈是戏曲表演中一种独具特色的舞蹈形式，它以恐怖和诡异为特点。
在戏曲中，鬼怪舞蹈常用于表现魔鬼恶魔的形象，如《九天玄女》中的凤皇鬼和《梁祝》中的穿山甲鬼等。
鬼怪舞蹈通过可怕的舞蹈动作和扭曲的身体形态，给观众带来一种诡异的感觉，增加了戏曲表演的戏剧性和张力。
总结：戏曲表演中的舞蹈元素包括婉约舞蹈、动势舞蹈、象征舞蹈、神韵舞蹈和鬼怪舞蹈。
这些舞蹈形式通过不同的动作和姿态传递出角色的性格特点和情感表达，丰富了戏曲表演的艺术魅力。
从春江花月夜看诗歌与舞蹈的关系吴兴兰【摘要】诗歌与舞蹈都是人们内心情感宣泄与表达的艺术形式,自古以来它们一直以两种不同形态的艺术存在于社会发展当中,诗歌与舞蹈作为古老的艺术形式,是由共同的韵律与节奏结合而成的同源的生命体,它们在美学上呈现出许多相同之处,但又各自彰显着自身的独特之处,探析诗歌与舞蹈二者之间的关系,对当代艺术发展来说具有极其重要的意义.《春江花月夜》是一首诗歌,它也有其对应的舞蹈,因此,从同名的诗歌与舞蹈——《春江花月夜》入手,分析诗歌与舞蹈,能够更为深刻与透彻地理解诗歌与舞蹈二者之间的关系.为此,本文从《春江花月夜》的概述以及诗歌与舞蹈的含义入手,来分析《春江花月夜》诗歌与舞蹈的关系.【期刊名称】《产业与科技论坛》【年(卷),期】2017(016)017【总页数】2页(P200-201)【关键词】春江花月夜;诗歌;舞蹈【作者】吴兴兰【作者单位】四川省犍为职业高级中学学前教育专业教研组【正文语种】中文(一)《春江花月夜》的概述。
《春江花月夜》是张若虚(中国唐代诗人)仅存的一首著名诗篇，全诗一共有三十六句，每四句一换韵，诗句主要以富有生活气息的清丽之笔，创造性地描绘出春天夜晚江畔的美丽景色，寄寓着游子思乡的离别之苦，其词句优美且富有韵味、词清语丽且脍炙人口。
因此，《春江花月夜》被称为“孤篇盖全唐”的佳作。
我国著名新月派代表诗人闻一多先生将《春江花月夜》这首诗称为“诗中的诗，顶峰上的顶峰。
”这首诗被我国当代著名音乐家彭修文改编成了一首耐人寻味的民族管弦乐曲，并因此在民间广为流传。
(二)诗歌的含义。
诗歌主要以“意向”作为诗情表达的基本单位，借助于新奇的比喻和丰富的想象，具有强烈音乐性与节奏感的语言，诗歌主要是诗人主体对生活由衷咏叹以及对人生深刻理解的高度概括的文学体裁。
诗歌起源于上古的社会生活，因劳动生产、原始宗教、两性相恋等按照一定的韵律、音节要求而产生的一种富有丰富的感情色彩且韵律十足的语言形式。
课程档案42EDUCATOR节奏感对幼儿发展具有重要意义。
通过培养节奏感，可以有效提高幼儿的音乐理解能力和表达能力。
幼儿跟随节奏律动，有助于提高运动技能和身体协调能力。
同时，参与音乐活动可以促进幼儿情绪表达，提高社交能力。
奥尔夫音乐教育理论是一种以幼儿为中心的音乐教育方法，旨在通过趣味的音乐活动培养幼儿的音乐能力和综合素质。
广东省深圳市宝安区西乡街道中心幼儿园基于奥尔夫音乐理念，引导幼儿感受不同的节奏，助力幼儿综合能力的提高。
运用游戏，吸引幼儿体验节奏。
一是舞动游戏，挑选韵律明快的乐曲，引导幼儿跟随音乐的节奏舞动，并逐渐加快音乐的节奏，鼓励幼儿根据节奏展示相应的动作。
二是节奏打击游戏，要求幼儿以规定节奏使用手掌拍打桌面、地板或其他平面，并逐渐增加节奏的复杂度和速度。
三是节奏盲盒游戏，将一些可以发出声音的小物件，比如铃铛、小鼓等，藏在不透明的盒子中，再引导幼儿按照猜出的物件，击打相应的节奏。
四是节拍传递游戏，幼儿站成一个圆圈，每个人按照规定的节奏拍手。
然后，幼儿将节奏传递给下一个人，直至回到起点。
借助身体运动，鼓励幼儿感知节奏。
一是音乐动作游戏，选择具有显著节奏特征的运动，引导幼儿跟随节奏展示身体动作，拍球、跳绳、踢毽子、跳皮筋等是较好的选择。
二是舞蹈与律动训练，鼓励幼儿积极参与基础的舞蹈和律动练习，比如踏步、挥手、摆臂等。
三是节奏感巡游，策划一场巡游活动，要求幼儿按指定的路线行进或跑步，同时根据给定的节奏执行动作。
推进音乐教育，助力幼儿理解节奏。
第一，欣赏并理解音乐。
选择含有明显节奏元素的音乐作品，引导幼儿关注其中的节奏元素。
第二，练习打击乐器。
向幼儿提供简单的打击乐器，如小鼓、铃铛、发声器等，并教授一些简单的节奏模式。
第三，节奏表达训练。
向幼儿提供具有节奏感的音乐或声音，引导他们运用身体动作、语言或绘画等方式进行个性化表达。
借助乐器演奏，引导幼儿表现节奏。
首先，选择恰当的乐器。
手鼓、木琴等打击乐器，口琴、手风琴等吹奏乐器，这些均具有易于上手的特性，适合幼儿操作。
道教对音乐的影响摘要：道教音乐所独具的阴柔幽静之美，在很大程度上集中体现了中华民族的音乐审美精神，许多道教的很多音乐至今仍在宫观传唱的经韵曲目，是历代传统音乐的积淀，具有十分宝贵的历史价值。
道教音乐至今在中国人民的精神生活中仍然发挥着净化心灵、修养身体的重要作用。
近年来，道教音乐作为民族器乐集成的内容而被纳入了音乐采录搜集的范围，由于道教音乐本身具有的艺术魅力和珍贵价值，道教音乐的学术研究也逐渐广泛。
本论文主要探讨了道教音乐的起源与特征、发展历程与传承，并重点分析总结了道教音乐对当今音乐的影响。
关键词：道教音乐，音乐发展，道教思想，艺术传承，宗教音乐引言道教音乐丰富多彩，博大精深，除了需要掌握较深厚的音乐学与道教学这两门基础学科的知识，还要懂得历史学、文献学、文化学甚至人体科学等方面的相关学科知识，才可能逐步认清道教音乐的真相。
道教音乐学是系统描述研究道教音乐全貌和本质特点的一门新兴学科领域，也是一门跨学科性质的学问。
道教音乐最重要的当代价值在于她的活文物性质，即古老传统韵味的保留，在当代社会条件下，道教音乐特色已在受到各种世俗趣味的冲击，诸如所谓现代化、社会化、大众化、专业化等改造思想，不光在音乐专业圈内有所表现，也不可避免地渗透到道教内部中。
如果我们不坚守一个保留传统特色的信念，那么一旦道教音乐失去了她固有的传统模式和特色，她的艺术价值和当代意义也必将不复存在。
因此有必要对于道教音乐作为一种重要的艺术形式加以研究分析，厘清其对于音乐的影响，并进行有效应用，让道教音乐能够得到良好发展与传承。
1 道教音乐的起源与发展1.1 初萌阶段初萌阶段的道教音乐起于下层社会，其形态简朴，具有强烈的民间性。
尽管这种仪式音乐实践因为本身的局限和统治阶级的打压而未形成传统，但它毕竟标志了道教音乐的开端。
早期道教发端于下层民众，史称民间道教。
汉末政治凋敝、战祸迭起，天灾人祸交迫而至，民间道教遂乘机兴起，他们组织教团，以符水治病、驱妖捉鬼、祈祥攘灾，施行各种法术活动，在民众中广泛蔓延。
学术天地艺术与美学·ART AND AESTHETICS36 PACKAGING Collection 2015舞蹈是人类生命中最为重要、最活跃、最充分直接的情绪，是人类历史上最基本古老的艺术，它表现了人肢体运动的艺象美。
歌舞在我国具有悠久的历史，舞蹈同人类其他进步文明一样，都是社会发展的表现。
舞蹈不是一种仅仅靠身体来表达情意的形式，而是通过与音乐节奏结合组成的一种文化艺术，我们的一切情绪如喜怒哀乐都可以以舞蹈的形式表现出来。
舞蹈艺术来源于生活，并反映生活，是一种既通俗又高雅的艺术。
舞蹈表演通过肢体语言的变化、节奏音乐的渲染和情感因素的融入来完成艺术的展现。
舞蹈表现人的内在情感、理想、思想等方面，它以内在的心动、情动去驾驭外部的形动。
舞蹈和舞蹈审美有着密不可分的关系，因为舞蹈艺术本身得以产生舞蹈审美。
审美特征是体现一部舞蹈作品艺术高低的重要标准，要求作者在创作过程中紧紧把握住独创性这一点，在选取舞蹈题材和主题上标新立异，同时还需要加入抒情性因素，带给观众生动形象的舞蹈欣赏。
1情感美情感作为一切艺术的共同审美特征，早已被人们所认知。
而舞蹈作为艺术中的重要一种，情感自然是其题中应有之义。
事实的确如此，舞蹈美千真万确是舞蹈艺术的重要审美特征之一。
许多舞蹈艺术精品充分而有力地证明了这一点，例如，舞蹈《红绸舞》表达了中国人民翻身得解放、当家做主人的欢欣鼓舞之情；舞剧《红楼梦》表达了林黛玉与贾宝玉的真挚、复杂、曲折、悲剧的爱情……不胜枚举。
因为情感性的存在，可以让人从欣赏舞蹈的过程中尽情感知舞蹈所蕴含的美感。
舞蹈艺术的创造主要是结合人们日常的情感进行的创作。
它来源于人类的日常生活，主要是通过人体动作来对其情感进行充分表达。
舞蹈艺术情感美的审美特征，要求所有舞蹈创编人员，满怀激情地选择富有情感含量的题材，从而创作出含情量极高的舞蹈作品。
由此可见，情感美的审美特征对于舞蹈艺术而言，是何等重要。
2 独创美独创美赋予舞蹈作品一个独立可行的空间，无论是题材还是主题，都必须展现与众不同的一面，这就要求作者在艺术构思过程中紧紧抓住创新点，不能死搬硬套舞蹈艺术的固有模式。
音舞同韵论舞蹈与音乐的关系
一、音乐对舞蹈的作用
尤其在舞蹈中，对舞蹈的意义比灯光和舞美显的更为重要。
音乐在舞蹈中起着烘托气氛反映主题的功能。
而舞蹈的目的在于将自己对生活最真的一面表现出来,这就需要对音乐有很好的理解，通过与音乐的配合进一步深化内心情感的表达。
因此,笔者将从以下几个方面来论述音乐对舞蹈的重要性。
1、音乐的外在作用
首先,舞蹈离不开音乐的情感激发。
舞蹈与音乐是一对姊妹艺术，它们既可以是独立的个体存在，同时又有着不可分割的关系。
音乐主要是时间、空间、听觉为主的艺术,而舞蹈是以空间、视觉为主的艺术。
音乐与舞蹈也是密不可分的，没有了音乐的衬托,舞者的肢体将不再生动,情感和个性将不能更好的去体现。
其次,节奏是舞蹈和音乐相结合的共同点。
纵向来看,从古至今,舞蹈、音乐一直以来都是完美结合的艺术。
节奏是舞者肢体表现情感的基本因素,也是美妙旋律的基本因素。
换句话说,它们能够密切的结合在一起,节奏是连接它们的基础。
最后,离开了音乐的配合,成功的舞蹈或舞剧作品将不复存在。
对于优秀的舞蹈作品，人们如何来评价,又是如何去理解的呢？换句话说,例如：舞剧《天鹅湖》创俄国著名作曲家柴可夫斯基，音乐刚创作出来的时候，没有人会想到它将是一部成功舞剧的经典之作。
后来舞者在音乐的完美配合下跳出了激情，舞出了冲动,最终引起了观众的共鸣，同时也成为了舞蹈音乐的典范。
综上所述,有舞蹈存在的地方必将有音乐的伴随。
因此，笔者认为，舞蹈演员不仅应有舞蹈表演的功底，而且更要对音乐有一定的认识和了解。
2、音乐的内在作用
众所周知，音乐、舞蹈是一对不可分割的好姊妹。
要想一个舞蹈的情感内涵更加饱满,只有通过一曲好的音乐去衬托，进一步提升舞蹈动作的完美体现、集中抒发舞者的情感,才能使舞蹈的语汇更加凝练,从而舞者的思想性也更加丰富。
在舞蹈作品中，音乐不仅可以提供美妙动人的旋律，而且还可以使舞者打动观众。
作为艺术门类的舞蹈和音乐,不仅可以抒发情感,而且在剧情中刻画着人物的形象。
同时，音乐的思想和内涵可以通过舞蹈作品表现的更加活跃,扣人心弦。
其次，音乐不但起着辅助的作用，而且能够淋漓尽致地表现舞蹈的主题和氛围，也就是说,在舞蹈中音乐是为动作而存在的。
在舞蹈的创作中，一般是由编导与作曲家共同协作,对每段舞蹈所要表现的内容进行沟通，在达到某种默契后由作曲家首先开始创作音乐，而舞蹈编导同时开始构思舞蹈的动作与画面,在音乐创作完成后舞蹈编导会对照音乐来进行编排，从而达到高度协调。
当然在舞蹈编排的过程中，舞蹈也要对音乐进行选择，舞蹈编导在编舞过程中还可以对音乐提出修改意见,在舞蹈编导与作曲家不断协商与沟通后，舞蹈和音乐才能更好的融合在一起,共同塑造相同的艺术形象，丰富艺术内容。
3、音乐的情感作用
只有得到音乐的完美配合，成功的舞蹈篇章才能够给观众展现一种美妙的艺术享受。
同时,每一位编导在创作过程中编排手法各不相同，但是他们对于音乐的要求基本一致,众所周知，舞蹈是一门肢体艺术，它所要表达的思想主题是需要舞者用自己的身体非常直观的展示出来，所以它在某种时候是很难
将主题很清晰的表达出来,这时就需要音乐的配合，因为音乐是听觉艺术，可以用它特有的音乐旋律将观众带入一种想象的意境中去，在这种音乐的氛围里观众随着舞者肢体动作的呈现就能在视觉和听觉双重的感知下感受编导所要表现的主题思想,从而能够更清晰,更准确的把握舞蹈与音乐所要展示的美的享受。
如在舞剧《乌纱魂》创作中，编导在开始创作时并没有单纯的用音乐的节拍去编排舞蹈的动作，而是先把作曲家完成的音乐进行反复的倾听，所谓听,就是用心灵去感知音乐，在旋律中去体味,去寻觅动作的源头。
在经过反复无数次的聆听后,编导对于音乐的理解已不是单纯的节拍和音符了,他似乎听到了音乐在诉说着一个故事，故事里有悲有喜，有激动，也有失落。
这时编导便在这种类似于“凝固”了的音乐气氛中如痴如狂的开始编排。
这时舞蹈随着音乐驰骋，动作从胸中流出。
—部舞剧的创作在很短的时间内就创作完成了,其中音乐与舞蹈的丝丝紧扣是该舞剧成功的一大亮点，在剧情展示中如惊雷一现时,舞者的身体刚好是猛的收缩,在舞者得意洋洋时,音乐又是一种喜悦的曲调，如此种种都是因为舞蹈与音乐完美结合的产物。
舞蹈完成了自己肢体动作的诉说,音乐更是在舞蹈用肢体诉说故事的同时帮助舞蹈完成它衬托剧情的任务,从而使舞剧更加精彩和完美。
二、舞蹈中音乐的重要性
舞蹈本体的组成部分是离不开音乐的，在音乐与舞蹈相结合的漫漫之路上，“和谐一致的融洽关系”可以与它们相匹配，它们的共同点就是用直接、强烈、细腻的手法表现人的内心情感,坦露人的心灵。
不能够说音乐是舞蹈的全部,也不是它的核心,但不可否认的是，它对舞蹈肢体的精彩表现起到了非常重要的“辅助”作用。
1、音乐对舞蹈主题的影响
音乐与舞蹈本身是两个完全独立的艺术种类，音乐运用音符的不同组合,形成乐曲展示的是一种听觉的美妙享受,本身它是可以独立存在的，而舞蹈是用人的肢体来表现人的丰富、复杂的感情世界的,是一种升华了的“肢体语言”。
然而,在具体的表现中，音乐可以运用自己特有的美妙旋律来展示自己所要展示的主体和思想,若有舞蹈的衬托则更加完美，然而没有舞蹈的衬托也可以很好的诠释其想要诠释的优美。
舞蹈是视觉艺术，虽然它也可以在没有音乐的伴奏下起舞,可以利用肢体的不同动作完成自己想要展示的主题和思想，但这样就会使舞蹈显的单一而没有活力，没有音乐相伴的舞蹈就像是冬天的河水完全是凝固的，而有音乐相伴的舞蹈则像春天的河水那么有活力，像夏天的河水那么的汹涌，像秋天的河水那么多姿多彩。
在舞蹈中肢体的动作是第一位的，而音乐就是紧随其后为舞蹈提供保障的不二选择，没有音乐的陪伴舞蹈是苍白的，是无力的,是无法感染观众的无声的肢体艺术。
人们常说“音乐是舞蹈的灵魂”“灵魂”说是适应西方芭蕾舞剧创作的一种规律和要求。
在此本人也非常赞同这一说法，因为音乐对舞蹈的帮助不是相辅相成,而是舞蹈离不开音乐，我国古代所说的“乐”就是对音乐、舞蹈、诗歌相互结合为一体的总称。
从而充分证明无论是西方的芭蕾舞还是我国古代的乐舞，它们一直遵循的就是乐舞同行这一永远不变的规律在进行着舞蹈艺术的创作。
2、音乐对舞蹈感官的影响
比如说,我们平时看到的、接触的、嗅到的、听到的等这些都是人对事物的直接感受,也就是感觉器官在发挥着作用。
优美的音乐旋律可以愉悦人的心理，再加上舞者的完美配合,
还可以给人的视觉上提供一种艺术美的享受，因此说,舞蹈的好姊妹音乐是人体感觉器官的一种需要。
实践证明，能够给人留下深刻印象并且具有一定影响力的舞蹈作品，它本身除了具有鲜明的主题思想、深刻的思想内涵、生动的艺术形象、新颖的舞蹈语言、独特的风格韵律以及精心的服装和灯光设计外,关键还要有优美、抒情、和谐的音乐。
如舞蹈《踏歌》的音乐,既有古曲的雅韵,又有欢快流畅的旋律，它那古朴优雅的律动节拍一下就将人的思想带回到了那久已远去的汉代渭水之畔，使人快速的联想到一群身着绿色长裙的少女在水中嬉戏的场景，同时舞者以其特有的古典舞蹈律动相随起舞,跳动的节奏,活泼的旋律，舞者们情不自禁的荡溱起来。
这正说明了听觉艺术和视觉艺术的结合可以使人们产生对艺术的无限遐想，同时更能激起人们对于美的追求。
3、音乐对舞蹈发展的影响
众所周知,舞蹈与音乐有一个最为显著的共性就是节奏，无论是民间小曲还是大型的交响乐曲，在其演奏时无论他的演奏和歌唱的技巧多么的复杂，它必须在节奏的控制下完整的将乐曲展示出来。
而舞蹈同样也是,无论是民间秩歌还是大型舞剧，在其表演的过程中不管它的舞蹈动作有多么的密集或单一，它也必须是在节奏的控制下呈现出来才能体现它的主题思想。
试想如果一部乐曲或舞蹈没有节奏,那将是一种什么样的景象，那将是没有生命的艺术，是混乱的艺术，是无法表现思想的艺术。
所以说无论音乐还是舞蹈它们的共同规律就是都在节奏的不同变化中来完成其要表现的主题思想的。
而当它们的节奏产生碰撞后,就能产生生命的火花，带给观众无限美的享受。
舞蹈演员虽然不需要像专门从事音乐工作的音乐家一样精通音乐的艺术,但却需要通过肢体语言来诠释音乐。
舞蹈随音
乐而动，音乐作为舞蹈中重要的一环,对于提升舞蹈演员的能力素质是不容忽视的重要问题。
