高中美术鉴赏论文

梵高——一个纯粹的自我无论是初中还是高中，美术课上总会有一个画家的名字频频出现，他就是梵高。

一开始看他的画作，我感受到的是常人无法理解的癫狂，色彩明艳，表情夸张，尤其是那金灿灿的向日葵，似乎就像一个个闪耀的小太阳，硬是要把光亮深深刺进你的胸膛。

但慢慢的我发现即便看过许多名家作品，梵高依然是心头最爱。

不，应该是：越是对比，越是觉得梵高可贵，越是爱。

不可否认的，梵高是一个天才，是一个有一颗“金子般的心”的人，他的画将情感和美感融入，偏偏特别动情，偏偏特别美。

一件艺术作品的价值，要结合艺术家创作时的背景和心境。

一个艺术家的成就，要看他对后人的启发。

梵高在1880年决定开始正式画画，那时候他27岁，他搬去乡下跟他的父母住。

作为一个没有工作的单身狗，被爸妈嫌弃是必然的。

那时候的梵高，虽然在画画，但是日子过的很压抑，这可以从当时给弟弟提奥的信里看出，他自嘲自己过的连条狗都不如。

当时的作品普遍比较灰暗，颜色比较单一。

但是在这样的情况下，他画出了《吃土豆的人》。

准确地说，这幅画是1885年画的，但在那之前，画家已经开始构思练习了。

吃土豆的人为什么是名作？蒋勋说，梵高当年画矿工画农民，是一种救赎，他想救赎自己，而他拿起画笔的时候是在画他无法救赎的人。

而我最感动的是，梵高在自己被人嫌弃无法救赎的时候，居然还有怜悯之心去同情他人。

吃土豆的人里，柔和的灯光，昏暗的房间，“我想传达的观点是，借着一个油灯的光线，吃马铃薯的人用他们同一双在土地上工作的手从盘子里抓起马铃薯——他们诚实地自食其力”。

梵高在1886年去巴黎，可以说，这家伙终于踏上了艺术这条不归路。

当时是个什么情况呢？莫奈，马奈，毕沙罗，罗丹等等艺术家在巴黎正以“先锋艺术”的形象大展头脚。

梵高就像一个小粉丝一样，怀着一颗惴惴不安的心，住进巴黎蒙马特。

那段时间，他开始形成自己的艺术风格。

他开始经常出门去画这个城市，画市郊，画静物。

这时候他的作品开始出现明媚的颜色。

对梵高来说，油画就跟文字一样，只是另一种表达方式。

1.1931年的一个晚上，达利由入口即溶的卡曼贝乳酪晚餐带来“超级柔软”的各种联想，脑子里忽地闪现出一幅描写柔软的画。

他望了白天画了一半的利加特港的风景画。

画面上的岩石被夕阳的光线照亮，前景是一棵截断的无叶橄榄树，他觉得应当把他作为某种观念的背景。

在关灯走出画室的一瞬间，“两只熔化了的软表”占据了他的头脑，其中一只悲哀地挂在橄榄树枝上。

他只用了两小时就完成了作品。

这幅画就是《记忆的永恒》。

《记忆的永恒》是一幅能给人带来巨大震撼，给人无限遐想但也抽象难理解的超现实主义作品。

受到弗洛伊德的精神分析影响，它表现了一个错乱的梦幻世界。

《记忆的永恒》可谓超现实主义的经典作品，也是达利的代表作品。

我们可以看到，整幅画的背景是遥望无际，无限延伸的荒凉海滩，给人以虚幻冷寂，怅然若失之感。

远处有朦胧的光照射过来，仿佛是破晓时分，但也有可能是黄昏。

整幅画的颜色基调是比较暗沉的，但又似在描绘阳光明媚的风景。

近处是无序地散落了一地物品，这些物品不像是我们平时看到的东西，只是类似我们所知道的东西，或者说是作者对这些东西的理解，被赋予了特殊的意义。

躺在地上的是一只似马非马的怪物，它的前部又像是一个只有眼睫毛、鼻子和舌头荒诞地组合在一起的人头残部。

它的旁边是一个平台，平台上长着一棵被砍断一截的枯死的树，树上完全没有树叶。

平台上还有一个类似红色陶瓷瓶的东西。

最特别的是画中有好几只湿面般软塌塌的钟表，它们有的贴在怪物身上，有的挂在树枝上，有的半搭在平台上，剩下的一半挂在空中，软得仿佛会滴水一样。

这些本应该坚硬的金属制品仿佛因为时间太久而变得松垮，疲惫不堪．仔细看，还会发现水滴，手表等东西。

也许第一次《记忆的永恒》会觉得很难理解，将这些看似毫无联系的东西画在一起是什么意思呢？要理解这幅画需要从作者本身以及当时的时代背景去进行剖析。

萨尔瓦多·达利（Salvador Dali），西班牙超现实主义画家和版画家。

以探索潜意识的意象著称，与毕加索、马蒂斯一起被认为是二十世纪最有代表性的三位画家。

【个人简历范文】美术鉴赏课是整个美术课程领域中的一门必修课程，对学生正确审美观的树立、身心的健康发展都有较好的帮助。

下文是为大家整理的关于美术鉴赏3000字论文的范文，欢迎大家阅读参考!美术鉴赏论文3000字篇1浅谈高中美术鉴赏课教学对策的深思【摘要】高中美术鉴赏课作为美术教学的必修课程，经历了从以前的无到现在的有，从简单的照图描型到现在的多元化教学，从简陋的印刷挂图到现在的多媒体教学等过程，与此同时，美术鉴赏教学在现代科技的推动下也在不断地变化与革新。

本文拟从高中美术鉴赏课的“教”与“学”两大方面，结合丰富的教学实践，探讨美术鉴赏课教学的新发展、新思路，以期对今后的美术教育提供新策略、新策略。

【关键词】美术鉴赏;教学;策略著名艺术社会学家豪泽尔说过“人生来就是艺术家，但要成为鉴赏家却必须经过教育。

”高中阶段专门开设美术鉴赏课，其目的在于通过鉴赏教学，启迪智慧，陶冶情操，提高学生的艺术修养，推动学生人文素养的提升及身心的健康发展。

一、中西艺术交融，了解文化差异关于高中美术鉴赏课的教学内容，中国传统绘画与西方传统绘画这两方面都可进行，因两者皆有其特点与魅力所在。

中国传统绘画可以让学生充分体验了解中国绘画的特点，更深入地体会中国绘画艺术博大精深、哲学化的审美倾向。

中国传统绘画其门类也很多，可以从其中挑选其一种或两种进行教学。

例如花鸟画中可选梅兰竹菊，也可选简单的山水画等。

西方传统绘画也可以进行教学，学生从中可以学到西方的绘画理念，了解西方造型艺术的特点及其规律，学习西方的审美观。

在教学方面也可以选取其中的素描、速写、色彩等进行实际教学。

中国传统绘画与西方传统绘画同步教学能让学生真正全面地了解东西方文化艺术的差异，在欣赏与鉴赏中逐步获得审美愉悦，受到教益和启迪。

二、合理利用资源，开发特色课程在美术鉴赏课中一般比较重视对理论知识的探讨和理解，令学生感到乏味，我们可以利用学校周边现有资源，适当开展一些取材容易而又操作简易的手工制作课，让学生自己创作艺术作品，把成功的体验与众人分享。

美术鉴赏论文2000字
（未细分论题）
对于现代人来说，艺术已不是奢侈品，而成为我们日常生活中不可或缺的部分。

艺术
有着自己独特的语言和表达方式，以此来表现作者的观点和创意。

对于观众或欣赏者来说，欣赏艺术也是一种沟通方式。

细读艺术作品，我们不仅可以了解到创作者，也可以了解到
自己，了解自己的思想和内心世界。

在艺术鉴赏的过程中，我们需要具备一定的专业知识。

例如可以从色彩学、构图学、
线条学等方面来分析和解读一幅画作。

当我们能够看到画作中的线条、颜色和形状时，自
然而然地会去考虑创作者的主题和意图。

这个过程需要我们慢慢的去琢磨，深入了解，才
能达到对作品的深度理解和感悟。

艺术的崇高之所以能感染我们，正是因为它具有无限的想象力，创造力，和表达力。

这些艺术元素可以帮助我们更好地感受作品，更深刻地理解作品中所蕴含的意义和精神内涵。

同时，艺术也可以帮助我们增强自我认知和情感体验，从而从中汲取生命的智慧和启示。

最后，艺术是一种文化传承和创新的形式。

在艺术鉴赏中，我们需要重视传统艺术与
当代艺术的结合，不断挖掘和创新。

艺术的魅力在于它的多样性和变化性。

无论何时何地，都可以找到自己喜爱的艺术形式和表达方式。

在整个鉴赏学习过程中，带着真诚的态度，认真的去感悟和理解艺术，才能真正的体
会到艺术所带来的美好与乐趣。

高中美术鉴赏课程教学论文概要：新课程改革背景下的高中美术鉴赏教学，不应当在是对画作单独的欣赏，而是要与我们的实际生活联系到一起，脱离了社会与生活的美术鉴赏课程是不具备活力的，只有将二者有机结合到一起，才能帮助学生更好的理解美术创作的真正意义。

在传统美术鉴赏课堂中，教师教育方法单一，讲解较为粗浅枯燥，致使学生在美术鉴赏中难以提起兴趣，不乐于听甚至是听不懂教师讲解的内容，这不但不能帮助高中生缓解压力，还会给其带来不小的心理压力，十分不利于新时代高中生个人素养的发展。

虽然我国一直倡导新课堂改革，但是受传统教育的影响高中美术鉴赏课堂的有效开展，还需要美术教师创新性的教学方法与引导，逐渐缓解传统课堂遗留下的弊端。

1.新时代高中鉴赏课堂活动设计的基本理念（1）以学生为本新课程改革背景下教学活动的设计应当充分考虑高中生的认知水平，以学生原有认知水平为原点，通过新知识的引导不断发散学生思维提升认知水平，在学习理解新知识的同时不断巩固原有知识。

同时新课程改革背景下教学活动的设计要以学生为主体，以学生的整体核心素养的发展为最终目标，那么教师就要考虑到何种活动能够引发学生主动学习的兴趣，如何才能让学生更好的适应社会发展的需求。

①把学生综合素养的发展作为教学设计的准则高中美术鉴赏课程的开展是拓展学生知识面的最好时机，在美术鉴赏课程中学生们能够了解到美术大师的思想，在美术世界中缓解文化课带来的压力；同时学生通过对于美术创作背景、立意的了解，树立新的思想观念，在鉴赏中不断提升个人的核心素养。

②增强学生对于事物的理解与解决能力高中美术鉴赏课程不仅仅是对学生进行单方面的知识传输，更应当是师生间形成互动交流的形式。

身为教师应当充分尊重学生理解事物的能力，在师生交流中能够自主发现问题、分析问题、解决问题，同时教师要考虑到课堂中学生的真实感受，出现问题时及时与学生沟通交流并寻找解决方案，以此为基准不断增强学生的创造力与理解力。

（2）教师是学生学习的引导者与促进者新课程改革背景下的高中美术鉴赏课堂中，教师是学生学习的引导者与促进者，学生才是课堂的主人居于课堂主体地位。

我对高中美术鉴赏教学的几点看法美术鉴赏课不仅能传授知识、培养能力、提高学生素质，还能促进学生的自由和谐发展，为造就合格的人才服务。

一个不懂得美的真谛，不会欣赏美、审美的人，不会成为一个心理健康，人格健全，受社会欢迎的人。

怎样达到这样的教学目的？作为一名美术教育工作者，我在这里结合自己的教学实践，谈谈自己的一些感受。

一、精心备课，预设精彩课堂一节鉴赏课，好的开头是关键，教师应该注意讲究导课的艺术。

比如短小的故事，有趣的新闻、富有哲理性的格言警句等，都可以作为导入，将学生带入学习的情境，并且有利于开启学生的思维，一开始就专注教师的引导。

比如《心灵的慰藉》，我先让学生听一首歌曲《南无阿弥陀佛》，让他们猜猜是哪位歌手演唱的。

学生听了都猜不到，他们很好奇，问到底是谁唱的？我告诉他们是李娜出家后唱的，并展示李娜出家前和出家后的图片，介绍李娜出家前曾经唱过《好人一生平安》《嫂子颂》《女人是老虎》《走进西藏》等影视歌曲。

学生就问“她为什么出家呢？”这其实也是我做课件时的一个疑问，就找到了答案。

学生有了强烈的兴趣，新课内容就得以顺利展开。

教学中，教师要善于引导学生观察、感受、体验，为学生创设审美的情境，激发他们的学习热情。

教师充满活力的精神面貌、富有感染力的语言，都会影响学生。

鼓励学生大胆表达感受，敢于用自己的语言表达对作品的理解。

教师要对教材作品事先分析：哪些做重点分析鉴赏，哪些点到为止，哪些让学生阅读鉴赏或课后自查资料鉴赏。

鉴赏教学应当引导学生发掘每件作品最突出、最本质、最感人的地方，并对其做深入分析，让学生在剖析中发挥想象力，逐渐培养他们的艺术修养。

二、教师的授课方式应该灵活多样，以此激发学生的兴趣在授课过程中，学生是学习的主体。

学生只有在主动参与了学习活动，才能充分发挥自身的主观能动性，调动自身的创造潜能。

1.上课时，教师出示鉴赏作品后，不要立即讲解，可以让学生读画几分钟，也可以分组讨论。

请他们说说自己对作品的第一印象。

由《清明上河图》谈美术鉴赏的意义一、对中国画的认识首先我想说对于我们建筑学来说，对国画的认识是更有裨益的。

各类的中国画首先给人一种意境美和音乐美，在使人在了解画的同时，也得到审美能力的锻炼。

在着我就谈一下自己对中国画的认识，我觉得了解中国画首先应该了解中国画的产生，发展及其内在精神。

山水画萌芽于晋朝，顾凯之在《魏晋胜流画赞》中第一句就是“凡画，人最难，次山水，次狗马”山水画已成为一个主要表现题材，我觉得人对人自己认识太深才觉得每幅画人的言态表现得不尽人意，山水可夸大其气势表达出其意境即可，狗马只须表达出其形而已从顾凯之仅有的山水画《洛神赋图》中可以窥见当时山水画初期形态的端倪，基本上如唐代张彦远在《历代名画记》中的所记载的样子，传本〈洛神赋图〉中的山水部分，确实如其所言“群峰之势，若细饰犀拮”，或“水不容泛，人大于山”无论是山水还是树石，都表现为高度的概括化，比如树的表现，银杏树仅象征性地以三五片银杏叶概括，树枝的“列植之状”也是“若神臂布指，离现实生活中真实的印行树有很大距离，正如前边所论“凡画，人最难，次山水，次狗马”。

山石仅以“高古游丝”线条勾勒，而没有皴法，但我认为，水法和云法的表现是极为纯熟的，水云的流态动势相当完美，由此可见，山水画的表现在当时已达到的艺术水准只是没有后来的布局合理罢了。

初期的山水画往往是人物活动的背景，配景，即使独立为一个专门画种也是需要一个发展过程的，山水画初期的这种形态是不足为奇的，虽然我们现在已不能得睹六朝时期的山水画作品而且见于史料的早期山水画家也不是很多，顾凯之，宗炳，王微等人关于山水画论的发展为当世山水画的发展和成熟作了理论上的准备历隋唐，五代诸朝，山水画渐盛。

他们可谓山水画的先驱，六朝时期是中国山水画的真正起点，虽说是中国历史上政治最黑暗的时期，却导致了美学上的最灿烂，我认为这应该归功于当时不忍心目睹石灰的琴棋书画的隐士，且当时类似于陶哦渊明，谢灵运的隐逸思想普遍流行，此时人们对自然美有了更深的认识更促进中国山水画的发展，谢灵运《山居赋》中所记载的始宁山就是典型的例证，他的山水诗开拓了山水诗写实的审美之路，王维的“诗中有画，画中有诗”也正说明了中国山水画的发展也益于诗的发展和衍生。

唯美微笑之《蒙娜丽莎》姓名：***专业:市场营销（品牌管理与推广）班级：61132P学号：182012 年11 月30 日唯美微笑之《蒙娜丽莎》关键词：蒙娜丽莎、达．芬奇、卢浮宫、疑问、猜测摘要：（1）《蒙娜丽莎》是文艺复兴时代画家达.芬奇所绘的丽莎.乔宫多的肖像画。

它代表达芬奇的最高艺术成就。

它融于美术，光学，对传统绘画技巧的创新于一身，洋溢了文艺复兴时期对新事物的追求和探索，因而被世代传颂。

（2）蒙娜丽莎，这是一个永远探讨不完的问题。

于美、智慧、永恒，三位一体，极致的搭配，再无超越的可能。

就这样，蒙娜丽莎带给人们无限美好的遐想，也给人们无限沉重的压力。

自问世至今，将近五百年，后人不知做过多少品评和揣测，留下越来越多的迷局。

正文：蒙娜丽莎，这是一个永远探讨不完的问题。

世上有很多人都在研究《蒙娜丽莎》，同时也有百部书籍来介绍她，然而她终究是个不解之谜。

时间的推移不会使疑团得到解决，只会随着研究的深入，将更多的疑惑留给后人。

蒙娜丽莎，这是一个永远探讨不完的问题。

人们常常惊叹：列奥纳多，这个拥有上帝一样的智慧的人，才能采集那么多美的元素，将众多美好合为一个完美。

就这样，蒙娜丽莎带给人们无限美好的遐想，完美的将美、智慧、永恒，三位一体，极致的搭配，再无超越的可能。

因而人们过分的喜爱她，无止境地探讨她那难以觉察的、转瞬即逝然而亘古不变的微笑，那洞察一切而又包容一切的眼神，那端庄沉稳的姿态，高贵而朴素的装束，以及无懈可击的完美构图。

人们既愿意栖身她的庇荫，吸取滋润的营养；又渴望走出她的阴影，呼吸自由的空气。

多少年了，无数醉心绘事的人，都为这一重矛盾所困扰。

有人说这幅艺术作品是一个不朽的传奇，与其说是个传奇不如说是一个令人追求的神话，它虽然与与达·芬奇有着密切的联系，但在更多的程度上来说这完全是后人制造的。

神话像雪球，随着时间的推移不断滚动，无限膨胀。

如今，蒙娜丽莎坐在卢浮宫一处显要的位置，隔着厚厚的防弹玻璃，每天以我们熟知的、神秘而永恒的微笑迎候数以万计的来访者。

美术鉴赏论文：齐白石的书画特色XXX是我国传统书画技法的继承者，他通过对生活的深入观察并加以提炼，形成了自己独特的艺术风格，对传统绘画的发展做出了卓越的贡献。

其中，XXX的草虫画是他绘画的一个重要表现形式。

他在绘画中一直运用精细工笔和粗笔写意两种画法，其中精细工笔类的变化不大，但粗笔写意类的变化非常丰富。

这种现象适应了齐白石个人风格的产生和发展。

齐白石草虫画的表现形态有工笔的、小写意的、大写意的、工写结合的等，其在齐白石绘画中的主体位置往往是艺术表现的灵魂。

XXX的绘画作品中，龙以虾、蟹、鸡雏最为精炼，被公认为“三绝”。

据说他一直在案头的水盂里蓄养长臂青虾，每日数次进行细心观察或写生，认真研究虾的体态结构和活动规律，对虾的前进后退、急游缓泳、戏斗跳跃等等了然于心。

他数十年如一日地进行实践探索，终于总结出一套能充分发挥生宣纸的特点，恰如其分地掌握用笔、用墨、用水，既表现出虾体透明质感，又表现了须、臂弹性力度的成熟技法。

这是画家对生活和艺术的热爱高度融合的结晶，也体现了中国民族绘画最优秀的历史传统。

XXX的代表作——虾，画上有重要的三段变法。

第一阶段是如实画来，写实，宗法自然，更像写生；第二阶段最重要，虾身主体简化为九笔，其中包括双眼、短须、长须、大钳、前足、腹足、尾和一笔深墨勾出的内腔。

这种结构是齐白石虾的重要风格。

第三阶段是画上的墨色不均一，笔先蘸墨，然后用另一支笔在笔肚上注水，把虾的“透明”画了出来，XXX的虾一下子就活了。

XXX的虾由生活中的六段成了画纸上的五段，这包含了一个极重要的艺术原理：一定是五段的虾，在比例上在画面上摆出合理，最好看，最美。

终于，五段由六段中飞腾了起来。

这个飞腾非常重要，非常伟大，因为五段是艺术的真实，是一种超越，是一种非常，是比真实还美丽的璀璨，这就是XXX变法的深刻。

XXX一定试验过，六段不成，四段也不成，非五段不成；于是，五段便成了艺术的必然，也衍生了一个有普遍艺术规律的美学原理。

谈高中美术鉴赏教学中的体验摘要：“体验”是高中美术教学的手段，也是提高学生美术素养的方法。

在实际教学中，教师应挖掘教材中的生活成分，鼓励学生进行综合实践活动，在活动中指导学生去观察生活，去感受生活，表达生活乐趣，让学生全身心投入，让他们感受真实，并用真实的笔头记录，让他们能够在充分体验中享受美术鉴赏的乐趣。

关键词：高中；美术鉴赏；体验教学中图分类号：g633.955 文献标识码：a 文章编号：1006-3315（2013）06-045-001“体验”是高中美术教学的手段，也是提高学生美术素养的方法。

《普通高中美术课程标准》中写道：“美术是一门注重体验和实践的学科，在普通高中的美术教学过程中，将鉴赏与体验、鉴赏与动手实践结合起来，能更有效地提高学生的美术鉴赏能力和创作能力。

”一、什么是体验体验，就是亲身以历，就是联系自身的体会。

联系新课程标准的基本理念及高中美术课改趋势，我认为：“体验是主体在自身所处的认知情境或操作活动中产生的心理激活状态及其产生的相关效应，诸如情绪感受，意义体悟，价值判断等。

”美术鉴赏中的体验是注重学生实践性的，即体验只能在学生自身直接参与实践活动中产生，只能在学生自身的感知或操作行为中产生。

只有通过学生的实践，在实践中体验，才能获得审美感受。

二、高中美术鉴赏教学中，体验的重要性和必要性体验在高中美术鉴赏中是必不可少的。

现在高中美术教学中学生对作品的感知、体会能力较差，课堂教学呈现出学生缺乏兴趣、枯燥的现象。

之所以会这样，源于学生缺乏对美术作品、对生活的体验。

学生鉴赏的作品来源于生活，只有当学生充分感悟生活，留意身边的所见所闻，对经历的事有所思有所感，才能感受到作品的成功之处。

只有学生的生活素材丰富了，有可感的东西了，才不会觉得鉴赏的枯燥。

学生的生活是丰富多彩的，运动、文艺、游戏、民俗生活、媒体涉入等。

教师应该指导学生去观察生活，去感受生活，教给学生记录经历人和事的方法，激发他们表达这种感受生活乐趣的欲望。

油画《父亲》鉴赏看到这幅画，想到了很多，想到了曾经田中劳动的的父亲，感触油然而生，想到了而今仍然默默耕耘在黄土地上的千千万万的农民同胞，也正是他们才养育了我中华民族万万千千的儿女，它从此冥刻于每一个有良知的炎黄子孙心中。

关键词：父亲罗中立农民精神中华民族正文：鉴赏油画《父亲》一、作者介绍罗中立，1948年出生于重庆郊区，幼年在父亲影响下学画，1968年从四川美院附中毕业后主动到大巴山农村生活10年。

1980年四川美院学画，以一副超级写实主义作品《父亲》而一举成名，该作品以纪念碑式的宏伟构图，饱含深情地刻画出了中国农民的典型特征形象，深深的打动了无数中国人的心，也由此被誉为二十世纪八十年代中国画坛的一面旗帜。

1982年从四川美术学院油画系毕业，现为中国美术协会理事，四川美术学院院长。

曾获第二届中国青年美展金奖、四川优秀作品奖。

作品藏于中国美术馆、比利时国家历史博物馆、台湾山美术馆。

作品藏于中国美术馆、比利时国家历史博物馆、台湾山美术馆。

出版画册有《罗中立油画集》、《罗中立油画选》。

二、油画《父亲》诞生的背景“农民是这个国家最大的主体，他们的命运实际上这个名族和这个国家的命运。

”罗中立说。

《父亲》这幅画构思的产生，是罗中立从看到的守粪农民后开始的。

他说“我要为他们喊叫”这就是我构思这幅画的最初冲动。

开始画了守粪的农民，以后又画了一个当巴山老赤卫队员的农民，最后才画了《父亲》。

他说我国是一个农民的国家，但为农民说话的很少，老实话就更少，他们是我们的衣食父母，是这个国家的真正主人。

我采用领袖像的尺寸画农民，就是为了更充分地表现细节。

我尽量搜集各种特征，如鼻子旁边的痣，老百姓都叫“苦命痣”，他们的确认为命中注定一辈子受苦；“卷耳朵”老百姓说是怕老婆，我用来表现农民的天性善良、驯服，不会反抗。

画干裂的嘴唇，手指上的倒刺，锯过得粗瓷碗，以及脸上的每一条皱纹都是精心推敲过的。

这位农民的形象，实际上在我脑中是多少农民形象的概括。

米勒《拾穗者》赏析1849年，35岁的米勒举家迁往巴黎郊区的巴比松，在那里度过他的余生。

在这段时间里，他对农村生活有了更深刻、详细的理解和认识，并对劳动者产生了一份特殊的深厚感情。

他每天需要长时间参见田间劳动，然后空闲的时间呆在家里作画。

除了一些田间的劳动成果，他几乎没有任何收入来源。

但这些并没有使他放弃自己对绘画艺术的热爱和执着的追求，如果没有钱买颜料，他就自己制造木炭条画素描。

《拾穗者》就是在这一时期的这种生活状态下完成的。

他将风景画的新突破带入到人物画里，致力于观察田野、大地，以及在上面辛勤劳作、繁衍生息的人，尽量捕捉他在乡间的所见所闻，哪怕是别人眼中极微小琐碎的事物，米勒也富于感情地把它表现出来，铭记在心并强烈地传达给别人。

据说站在米勒作品面前，多情的人会闻到野草和土地的气息，夹杂着牛粪的味道，会对着画面上一个土疙瘩掉眼泪，而勾起对乡村生活无限美好的畅想。

《拾穗者》便是最能够代表米勒风格的一件作品，它没有表现任何戏剧性的场面，只是秋季收获后，人们从地里拣拾剩余麦穗的情景。

画面的主体不过是三个弯腰拾麦穗的农妇而已，背景中是忙碌的人群和高高堆起的麦垛。

这三人与远处的人群形成对比，她们穿着粗布衣衫和笨重的木鞋，体态健硕，谈不上美丽，更不好说优雅，只是谦卑地躬下身子，在大地里寻找零散、剩余的粮食。

然而，这幅内容朴实的画作却给观众带来一种不同寻常的庄严感。

三个主体人物分别戴着红、蓝、黄色的帽子，衣服也以此为主色调，牢牢吸引住观众的视线。

她们的动作富于连贯性，沉着有序，布置在画面左侧的光源照射在人物身上，使她们显得愈发结实而有忍耐力。

或许长时间的弯腰劳作已经使她们感到很累了，可她们仍在坚持。

尽管脸部被隐去了，而她们的动作和躯体更加富于表情——忍耐、谦卑、忠诚。

在这幅画中，米勒没有正面描绘这些劳动者的表情，甚至没有清晰的刻画他们的面部。

但沉着的色彩和丰富细腻的暖调子，使作品在淳朴浑厚中，具有憾人的力量。

美术鉴赏论文：毕加索的艺术特色引言本文旨在探讨著名艺术家毕加索的艺术特色。

毕加索是20世纪最具影响力的艺术家之一，他以其独特的风格和创造力而闻名于世。

我们将从几个方面分析他的艺术特色。

立体主义的突破毕加索以其在立体主义领域的突破而成为艺术史上的重要人物。

他在他的作品中以一种非传统的方式描绘了人物和物体，将现实世界分解为几何形状的构成要素。

通过这种独特的表现方式，他呈现了多个角度和视角的同时存在，打破了传统艺术的局限性。

毕加索的立体主义作品展示了他对形式与结构的深刻理解，给观众带来了全新的视觉体验。

颜色与情绪的表达除了立体主义外，毕加索在色彩运用方面也有着独特的艺术特色。

他善于运用大胆鲜明的颜色来表达情绪和情感。

他通过色块的巧妙组合和对比，创造出视觉上的冲击力。

毕加索的作品不仅仅是静态的图像，它们还通过色彩的运用传达出一种强烈的情绪，触动观众的内心世界。

主题与符号的多样性毕加索的作品涵盖了各种各样的主题和符号。

他对人物、动物、静物等多种对象进行了艺术上的诠释。

毕加索的作品承载了他对社会、政治、战争等议题的思考和关注。

他通过使用符号和隐喻，对现实世界进行了寓言式的揭示。

这种多样性的主题和符号使得毕加索的作品具备了丰富的内涵与深层次的意义。

结论毕加索以其独特的风格和创造力在艺术史上占据了重要地位。

他的立体主义突破、颜色与情绪的表达以及多样性的主题与符号，使得他的艺术作品引人入胜。

毕加索的艺术特色激发了观众的思考与想象，对后世艺术家产生了深远的影响。

> 注意：以上所述只是对毕加索的艺术特色的简要探讨，无法穷尽其全部内涵。

要对毕加索的艺术进行全面深入的鉴赏和研究，还需要进一步阅读相关资料和作品分析。

美术赏析摘要丰腴雍容中的雅致，正是盛唐美人所独有的。

帝国的繁荣，绽开在那些花样面容上，流光溢彩，令人颠倒沉醉。

在唐代人物画中，也许没有哪一种题材更像仕女画那样，可以淋漓尽致地传达出这一盛世的声色风貌。

在这一时代，魏晋士大夫所推崇的“秀骨清像”也已了无踪影。

丰肥雍容中的雅致，是盛唐美人所独有的。

这种充满繁荣、自信、满足、大气的风貌，前无古人，后无来者，体现了一个时代的精神状态。

关键词唐代仕女画《簪花仕女图》周昉目录唐代具有对各种文化艺术兼容并蓄的非凡气度 (3)唐代的工艺美术具有健康、明朗、活泼的美学风范 (3)盛唐以后特别是描绘仕女生活情态的风俗画得到发展。

(3)《簪花仕女图》 (3)周昉，中国唐代画家。

字景玄，又字仲朗。

京兆（今陕西省西安市）人。

(3)《簪花仕女图》描绘的是春日阳光下几位贵妇赏花游园的场 (3)簪花仕女的意思是头戴花朵的贵族妇女，而《簪花仕女图》的得名便来源于此 (4)从图中仕女丰盈的体态中我们还了解到唐朝以富态为美的审美标准 (4)唐代的女性尤喜红色 (4)按时间来看，周昉创作这幅画的时代，刚刚经历了安史之乱 (5)在《簪花仕女图》之前，绘画大多表现的是那种亦仙亦幻的美 (5)唐代仕女画的气氛是轻松与美艳的 (5)正文由于唐代具有对各种文化艺术兼容并蓄的非凡气度，唐代美术在民族传统的基础上又容纳了一些外来的艺术形式，丰富和发展了民族艺术传统，赋予作品一种丰富、健康、生气勃勃的时代精神。

唐代初年，人物画坛上，一是对传统艺术的继承和发展，扩大了表现题材，创造了一些表现当时人物和生活的作品，风格也更趋于雄健；一是在与西域美术交流的基础上，丰富了表现技巧，为盛唐美术的发展奠定了重要的基础。

唐代的工艺美术随着手工业的繁荣和对外贸易、文化交流的频繁，也获得了生机，有了大的发展。

纺织、陶器、漆器、金银器以及雕刻等工艺门类，同绘画一样融合中外艺术精华，奇艺骈罗，具有健康、明朗、活泼的美学风范。

学习通美术鉴赏论文哇，画画真好玩！就像在纸上跳舞一样，用五颜六色的笔，画出我心中的世界。

我最喜欢画彩虹，因为它有好多颜色，就像我心情好的时候一样，闪闪发光。

记得有一次，我画了一个大大的太阳公公，它笑眯眯的，好像在说：“小朋友，你画得真棒！”我还画了小草和小花，它们在风中摇摆，好像在跳摇摆舞。

妈妈说，我的画里有春天的气息。

画画的时候，我感觉自己像一个小小探险家，去寻找那些藏在心里的秘密。

有时候，我会画出一些奇怪的东西，比如长着翅膀的鱼，或者有好多眼睛的树。

虽然它们看起来有点奇怪，但我觉得它们很特别，因为它们是我的想象。

有一次，老师教我们画静物。

我画了一个苹果和一个橘子。

我仔细看它们，发现苹果是圆圆的，像一个红红的气球，而橘子是扁扁的，像一个小月亮。

我试着用不同的颜色去表现它们的质感，感觉我好像真的可以摸到它们一样。

画画的时候，我还会听故事。

故事里的公主和王子，他们住在美丽的城堡里，有好多神奇的事情发生。

我一边听，一边画，我的画里就有了故事。

我画的公主穿着漂亮的裙子，她的裙子上有很多闪闪的星星，就像夜空一样。

我还喜欢画我的家人。

我画妈妈，她总是笑眯眯的，像一朵温暖的太阳花。

我画爸爸，他很高大，像一棵强壮的树。

我画自己，我是一个小小的探险家，手里拿着望远镜，眼睛里闪烁着好奇的光芒。

画画让我开心，也让我学会了观察。

我看到的世界，和大人看到的可能不一样。

在我的画里，天空可以是粉红色的，云朵可以是绿色的，因为我觉得这样更有趣。

每次画画，我都像是在和纸张做游戏。

我用手指点点，颜色就跳出来了；我用笔刷刷刷，线条就跳舞了。

画画让我变得勇敢，因为我不怕犯错。

就算画得不好，我也可以重新开始，就像游戏一样，可以玩很多次。

画画还让我学会了分享。

我把我的画给妈妈看，给爸爸看，给老师看，甚至给我的小朋友们看。

他们都说我的画很特别，我很开心。

我希望有一天，我的画可以挂在墙上，让更多的人看到，也许他们也会觉得我的画很有趣。

总之，画画就像魔法一样，它让我快乐，让我想象，让我表达自己。

美术鉴赏论文2000字美术鉴赏是一门综合性的学科，是对艺术作品的审美、感悟和品味。

在艺术作品面前，我们不仅要了解作者的意图和技法，更要懂得欣赏作品所蕴含的情感和思想。

美术鉴赏的目的在于培养人们的审美情趣，提高审美能力，增进对艺术的认知和理解。

在这篇论文中，我将以2000字的篇幅，就美术鉴赏进行探讨和阐述。

美术鉴赏与艺术创作息息相关。

艺术家在创作作品时，需要有自己独特的艺术语言和表现方式，而观众在鉴赏作品时，则需要有相应的鉴赏能力和审美情趣。

艺术创作和美术鉴赏相辅相成，相互促进。

艺术家通过作品表达自己的情感和思想，而观众则通过鉴赏作品来体验和感悟艺术家的创作意图。

美术鉴赏不仅是一种技能，更是一种对艺术的理解和感悟。

美术鉴赏需要从多个方面进行分析和理解。

在鉴赏一幅艺术作品时，我们可以从形式、内容、题材、风格等多个方面进行分析。

形式是指作品的构图、线条、色彩、光影等视觉元素，内容是指作品所要表达的主题和寓意，题材是指作品所描绘的对象和场景，风格是指作品所代表的艺术流派和风格特点。

通过对这些方面的分析和理解，我们可以更全面地把握作品的内涵和外表，并从中找到艺术家的创作意图和艺术特点。

美术鉴赏需要注重情感的体验和体会。

艺术作品是艺术家对生活的感悟和表达，也是观众对艺术作品的情感共鸣和情感体验。

在鉴赏作品时，我们不仅要理性地分析和理解，更要用心去感受和体会。

只有在情感的共鸣中，我们才能更深刻地体会作品所要表达的情感和思想，也才能更真切地感受到艺术的魅力和力量。

美术鉴赏需要不断地学习和实践。

艺术作品是时代的产物，也是艺术家对时代的反映和表达。

在鉴赏作品时，我们需要了解作品的历史背景和社会环境，也要与时俱进，不断地学习和实践。

只有在不断地学习和实践中，我们才能更全面地了解和把握艺术作品，也才能更深刻地体会和领悟艺术的内涵和意义。

美术鉴赏是一门综合性的学科，需要从多个方面进行分析和理解，也需要注重情感的体验和体会，更需要不断地学习和实践。

中国美术鉴赏2000字论文篇一：中国美术鉴赏毕业论文中国美术鉴赏学号：20223206709 姓名：xxx学院：计算机信息工程元、明、清时期文人画获得了突出的发展，题材上山水、花鸟占有绝大比重。

文人画强调抒发主观情趣，提出“不求形似”、“无求于世，不以赞毁挠怀”，不趋附社会大众审美要求，借绘画以自鸣高雅，表现闲情逸趣，涌现出难以数计的文人画家和作品，许多画家借绘画抒写高尚情操，发泄对黑暗腐败势力的不满，艺术上敢于突破陈旧成法的藩篱，注意师法自然，勇于创造革新。

文人画注意笔墨情趣及诗文书法相结合的题跋。

此一时期具有代表性的画家中，既有为正统文人画奉为典范的赵孟□、元四家（黄公望、吴镇、倪瓒、王蒙）、沈周、文徵明、唐寅、董其昌及“四王、吴、恽”，又有带有鲜明个性的徐渭、陈洪绶、朱耷、石涛及扬州八怪中的郑燮、金农等人。

民间绘画的书籍版画插图和年画进入繁荣兴盛时期。

人物画在隋唐占主要地位。

著名画家有阎立本、吴道子等。

吴道子一生在京洛画寺观壁画300余堵，变相人物，千变万态，奇踪异状，无有同者，具有天衣飞扬、满壁风动和自然高出缣素的效果，世称为“吴装”。

中唐周□善画天王和菩萨，创造了“水月观音”这一具有鲜明民族特点的宗教画新样式，一直为后代沿袭，被称为“周家样”。

唐代人物画反映了当时的重大政治事件，如《步辇图》；有描绘功臣勋将的，如《凌烟阁功臣图》；相邻民族，如《西域图》、《职贡图》；皇室贵族，如《玄宗试马图》、《虢国夫人游春图》；文人雅士，如《醉学士图》。

唐代山水画有着多种风貌，金碧青绿与水墨挥洒并行，专门山水画家日益增多，山水画即将进入成熟阶段。

隋代展子虔所画山水具有咫尺千里之妙，唐代李思训、李昭道父子的山水画技巧上更有提高。

而吴道子于佛寺壁上画怪石崩滩，达到“若可扪酌”的真实效果，又因一日之内能在大同殿壁上画出嘉陵江三百里的山水，而与李思训之作“皆尽其妙”。

王维也以水墨山水著名。

花鸟画开始兴起，唐代花鸟画侧重描绘鹰鹘、仙鹤、孔雀、雉鸡、蜂蝶及花木竹石，大都工整富丽。

美术鉴赏论文范文美术鉴赏课对提高学生的感知、审美、创新等能力有着重要意义，紧靠教师的讲解和培养的远远不够的，所以在开展鉴赏活动过程中，教师要为学生构建出轻松和谐的自主课堂，使学生能够自觉主动的去分析、鉴赏和创造，让学生在自主鉴赏过程中，深刻感受到美术作品的魅力，以及接受美术教育的意义，从而对学习美术产生浓厚的兴趣。

一、构建美术鉴赏自主课堂的重要性美术鉴赏课程是高中美术教育的关键组成部分，也是美术教育课程的进一步拓展和补充，它将具有创造性的思想活动和实践活动有机结合，让学生在对美术作品进行鉴赏、评价过程中，不断的提升自身的审美意识，深刻感受到本民族的文化精神和魅力，并且能给予西方文化足够的理解和尊重。

新课标也在不断强调，教师要多开展与美术鉴赏课程相关的实践活动，引导学生积极主动的参与其中，进行独立的思考和鉴赏，并且能够对鉴赏内容进行更深层次的探究和评价，从而获得不同层面的启发和感受。

另外，美术鉴赏课程的开展，也能够帮助学生不断巩固所学到的美术知识和鉴赏技能，在欣赏美术作品过程中，也能够引导学生树立正确的学习态度，形成积极的个人情感和价值观。

自主课堂的主要学习形式，就是组织学生通过合作学习的方式，对美术作品进行自觉主动的探究学习，从而让学生在轻松、自由、愉快的学习环境中学习和积累美术知识。

二、高中美术鉴赏自主课堂的实施策略1、提高课堂氛围，激发学生鉴赏兴趣和积极性兴趣是学生学习美术知识，参与鉴赏活动的关键动力，也是实施自主课堂，培养学生自主学习、探究、鉴赏能力的重要前提。

在高中美术教学中，教师应该及时的更新教学理念，根据教学内容和要要求，开展不同形式的自主课堂，让学生成为鉴赏课堂真正的主人，使学生在鉴赏、评价过程中感受到艺术作品的魅力，从而促进学生自觉主动的参与到鉴赏活动中。

例如：在带领学生鉴赏印象派作品时，传统教学方式一般都是先由教师为学生讲解作品是艺术境界和创作手法，以及创作者的思想感情，然后在引导学生对作品进行进一步的欣赏。

《美术鉴赏》论文——《亚威农少女》系部：专业：学号：姓名：指导教师：《亚威农少女》—毕加索引言:本学期我选修了美术鉴赏这门课程，学习了这门课程让我对美术有更深层次的理解，我有了很大的收获，其中毕加索的《亚威农少女》给我很深的印象，这幅画刚刚创作的时候，不被他人理解，直到很长一段时间之后才被人们所接受，让我们一起深入体会这幅画的内涵。

正文：毕加索是以为生活在西班牙的画家，他是现代艺术的创始人，西方现代派绘画的主要代表。

他于1907年创作的《亚维农少女》是第一张被认为有立体主义倾向的作品，是一幅具有里程碑意义的著名杰作。

它不仅标志着毕加索个人艺术历程中的重大转折，而且也是西方现代艺术史上的一次革命性突破，引发了立体主义运动的诞生。

这幅画在以后的十几年中竟使法国的立体主义绘画得到空前的发展，甚至还波及到芭蕾舞、舞台设计、文学、音乐等其他领域。

《亚维农少女》开创了法国立体主义的新局面，毕加索也成了这一画派的风云人物。

《亚威农少女》创作于1907年，标志着毕加索立体主义风格的开始。

画面描绘的是一家妓院的妓女形象。

因为当时有很多人在性病中死去，画家本意是要通过这幅把放纵性欲和死亡联系在一起的画作，警告人们性病的危险，以警示那些放纵性欲的人们。

画面上的五个妓女都裸露着病态的身体，搔首弄姿，摆出招摇和引诱的姿态。

然而她们的身躯却明显被病魔缠绕着，呈现出恐惧的憔悴脸色，其中一个的脸上笼罩的黑影正是病魔的影子，另一个女人的脸简直被描绘成了病毒的样子。

因而，这些丑陋、病态、变形的女人形象，确实给人一种狞厉可怕的艺术表现力，给人以深刻的印象。

当然，这些具体的形象是不重要的，关键是毕加索的表现手法。

过去的画家都是从一个角度去看待人或事物，所画的只是立体的一面。

而毕加索则是以全新的方式展现事物，这是真正崭新的绘画语言，这语言是从事物的内涵去认识和解析，而不再只是从事物的视觉表象来描绘事物的形象了。

他从几个角度去观察，从正面不可能看到的几个角度去观察，把正面不可能看到的几个侧面都用并列或重叠的方式表现出来。

美术鉴赏论文2000字 3篇绢本,重设色,纵 28.7 厘米,横 335.5 厘米,藏故宫博物院顾闳中,江南人,五代时期南唐画院待诏。

他绘制的《韩熙载夜宴图》,构图严谨精妙,人物造型秀逸生动,线条遒劲流畅,色彩明丽典雅,在技巧和风格上比较完整地体现了五代人物画的风貌。

五代十国(公元907-960年),在中国历史上是一个动荡、分裂的年代,而在绘画艺术上却是一个承前启后的重要时期。

对意境的追求和对情趣的探索,使山水画与花鸟画得到新的发展,预示着绘画将由叙事状物转向抒情达意的更高层面。

五代人物画也更为精进,融汇了秦汉的纯朴豪放,魏晋的隽永含蓄,逐渐将大唐的恢宏绚丽淡化疏朗简雅的风尚。

然而人物画并未能摆脱“宣教化、助人伦”的世俗功能,要求生动地再现现实的事件和人物,在客观上直接促进了写实技巧的发展。

从古代人物画中,我们不仅可以了解一些历史事件,还可以通过那些或禾农丽丰腴、或柔淑温婉的生动形象了解那个时代的面貌和人们的精神境界。

据《宣和画谱》记载,《韩熙载夜宴图》是顾闳中奉南唐后主李煜之命,夜至韩熙载的宅第窥视其夜宴的情景而作的。

画中的主要人物南唐中书舍人韩熙载,出身北方豪族,避难来到南唐,李后主欲命其为宰相,而韩熙载见国事日非,不愿担当此任,遂终日纵情声色,与宾客作长夜之饮,画中的其他人物也大多真有其人,如状元郎粲、和尚德明等,都是韩常的常客。

画卷里,韩熙载虽放浪形骸,但始终双眉紧锁,难掩忧心忡忡。

桌案都比较低矮,正是由席地而坐到垂足高坐的过渡时期,琵琶箫鼓、秀墩床榻,室内的陈设器物无不体现了时代的特点。

现实主义的题材要求画家深入地观察生活,捕捉生活细节,目识心记,悉心体会,然后艺术地再现,把自然形态上升为艺术形态。

《夜宴图》采用了我国传统表现连续故事的手法,随着情节的进展而分段,以屏风为间隔,主要人物韩熙载在每段中出现。

通过听乐、观舞、歇息、清吹、散宴等情节,叙事诗般描述了夜宴的全部情景。

画家在构图上作了精心安排,每段一个情节、一个地点、一个人物组合,每段相对独立,而又统一在一个严密的整体布局当中,繁简相约,虚实相生,富有节奏感,图中三个屏风绝不雷同的处理方法体现了画家巧妙的构思。