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论艺术的精神读后感第一篇：论艺术的精神读后感在康定斯基的《论艺术的精神》中，艺术完全由一个具有着亚裔血统欧洲人用“精神”的力量释放包围——艺术，在伟大的20世纪显现出了它前所未有的内在力量，被无数注重人性的艺术家和理论家重新解读与创造。
从这本书的总体风格来看，书中弥漫着沃林格尔对艺术表现的本质解释以及20世纪整个思想文化氛围下的尼采、叔本华等所提倡的自我意志的含混氤氲，这是把二元论作为世界观的典型体现，并且也是康定斯基的抽象绘画创作的思想源泉及理论基础。
自康德起，艺术就不断地寻找它自律的道路，像现代人寻找个人位置一样，艺术在欧洲经历了几百年的注重“写实”的探索之后，逐渐的开启了新的方法道路。
“为艺术而艺术”的口号，不但深刻影响了19世纪的法国文坛，同样在艺术领域里掀起了轩然大波。
直到20世纪，抽象主义作为主导艺术之一“决定着我们这个世纪的面貌”，叔本华在《康的哲学批判》一书中作了这样的描述“我们生活于其中的可见世界幻觉的产物，是一种骗人的巫术，一种把视觉幻想和空间加以比较所产生的无根基、即无自身本质的外观，这个可见世界是一层环绕着人类意识的浑浊的迷雾，它是那种同时是错误和真实的东西，这种东西人们可以在说他不存在的同时说他是存在的。
”康定斯基在欧洲19世纪末20世纪初的思想文化产生着巨变的背景之下，追求精神自由，强调内在力量的作用，成为了《论艺术的精神》的原动力与理论出发点。
论艺术的精神，是康定斯基的最重要的理论文献之一，这篇文章分为了概论与绘画两个部分。
概论中用引言、运动、精神转折点与金字塔四个小部分解释了他对于艺术品、艺术家等的定义与互动把艺术的过程与变化归结到精神的作用并以一种运动的方式把这个过程展现给读者。
“所以一件艺术作品的形式有不可抗拒的内在力量所举，这是艺术中唯一不变的法则。
一件优美的作品是内涵和外表统一和谐的结果：换句话说，一幅画是个精神有机体，他像一切物质有机体一样，是由很多部分组成的。
《论艺术的精神》读书笔记《论艺术的精神》是一部具有抽象主义宣言性质的理论著作。
学习啦小编为大家带来了《论艺术的精神》读书笔记，欢迎大家参阅。
这是康定斯基的代表作品之一，名为《红黄蓝》。
在文章开头看这样的一幅作品只是想要表达我所阅读本书主人翁的一个思想：“艺术家必须因感而发，有情可抒，因为对形式的驾驭并非目的，而是使形式与内在含义的相适应。
”“每个人应该按照自己的冲动来行动。
”这句话是我在周老师的课堂上听话的。
周老师的这个观点更使我坚定副了此篇论文的观点，通过查阅、整理了相关此书的资料后我更觉得”一个人应该去做能感动自己的事情，先把自己感动了，再让别人去说吧。
”康定斯基在1910年创作了第一幅抽象水彩画。
这也是现代绘画史上的第一幅抽象绘画。
在画面上，所有对物象的描绘性因素都不见了，大小不同跳跃的点，不同方向和力度的运动的线，粗野、激荡。
色彩和线条、形状相互穿插，让我们感受到一种内在的力量从画面中涌现出来。
同年，康定斯基完成了他的关于抽象绘画的重要论著《论艺术的精神》，开启了抽象绘画的序幕，明确了他的创作原则：内在需要原则。
而在20世纪艺术特征在总体上都趋向于音乐——含混、变形、抽象、直觉和梦导。
当时的艺术家们已经清醒意识到必须打破传统框架。
任何时代都没有像20世纪现代派艺术家们那样，以不同方式、在不同的领域共同背叛古典艺术——建筑、诗歌、小说、戏剧、舞蹈等。
我们可以从那时的许许多多实验中找到他们超越的指向：靠向音乐。
也正是在这样背景下，康定斯基发表了具有抽象主义宣言性质的理论著作《论艺术中的精神》。
在这本书中，康定斯基第一次系统地阐述了抽象绘画理论。
他一开始就宣称，时代的变化要求艺术形式进行相应的革新，20世纪的艺术已经不可能复原古希腊艺术，否则作品将毫无生气，因为时代在变化。
他在书的卷首第一行就说：“任何时代的艺术品都是自己时代的孩子”。
他认为，只有纯粹的艺术家，“力图在自己的作品中只传导内在的和本质的东西，同时，自然而然地绝弃了外在的偶然”，才能找到与这一时代精神相适应的艺术形式。
《论艺术的精神》一、为何介绍此书《论艺术的精神》（以下简称《精神》）是西方抽象艺术的鼻祖瓦西里．康定斯基早在1910年写成的；就连我手上的中文译本也是1987年出版的。
那么为什么要介绍这样一本主要讲绘画艺术的老书呢？理由如下：1、由于摄影艺术的年轻和中国艺术摄影领域对于总体艺术较缺乏系统的了解，导致我们今天面临的主要问题不是如何对艺术史中的经典理论进行扬弃，而是先要通过“了解”和“吸纳”的关口。
不能很好地完成这一过程，则很容易使“扬弃”和“创新”沦为奢谈。
而《精神》又差不多是了解抽象艺术这一重要艺术流派的必读之书。
2、中国摄影界的“纪实摄影热”已经持续了几年，这无疑会多少淡化了人们对于艺术摄影的关注和进行更深层的探讨。
我们希望的是“百花齐放”，所有不应“热”此“冷”彼。
否则，摄影的艺术功能将萎缩，而《精神》又是一本纯艺术范畴的读物。
3、艺术摄影和纪实摄影在目的、形式、题材、方法等方面有着一定的差别，而关于艺术摄影的探讨将包含着这种差别的探讨。
差别搞明白了，不但会促进艺术摄影的发展，还将以“反证”的方式对“纪实摄影”起到推动的作用。
4、抽象艺术作为艺术史中非常重要的一个流派，它不但具有“转折点”的意义，还深深地影响着现代艺术的诞生和发展。
虽然《论艺术的精神》素有“现代绘画的启示录”之称，但抽象艺术的影响事实上不仅局限于绘画，艺术摄影同样不应对之视而不见。
5、在形式上，摄影以“能够真实地记录客观物象”为主要特征，但艺术摄影也无法脱离“平面造型艺术”的范畴，此艺术范畴的发展规律和那些共性的特征同样作用于艺术摄影。
6、西画同样经历过“真实再现客观物象”的过程，这一过程的结束首先与摄影的诞生不无关系，继而又引发了关于艺术本质、艺术形式等方面一系列革命性的探索和实验。
那么艺术摄影应如何对待这些问题呢？就此有的人将摄影艺术美学建立在“客观再现美”“科技记录美”的基础上，这是很值得商榷的。
而通过《精神》了解抽象艺术的意义，将不仅局限于“抽象摄影”的范围，还对艺术摄影总体的艺术语言有着一定的启示作用。
论艺术的精神读后感5000《艺术的精神》是荷兰知名艺术史学家恩斯特·汉威尔撰写的一本书籍。
该书阐述了艺术的本质、精神和价值，探讨了艺术与人类文明的深刻联系。
本文将从几个方面出发，对这本书进行论述。
一、艺术的本质汉威尔在《艺术的精神》中将艺术定义为“创造性的表现”。
他认为，艺术家在艺术创作中，通过自己的想象力、创造力、独创性与表达力，将内心的情感、思想、感受等展现出来，达到与观众沟通的目的。
通过这种方式，艺术家能够创造出一种独特的存在形式，即所谓的“艺术品”。
艺术之所以能够产生如此强大的吸引力，正是因为它具有超越性、独立性和多面性。
艺术具有超越时空、跨越文化、打破常规的能力，不受物质的限制，可以通过各种形式来表达创作者的情感和思想。
另外，艺术还是一种独立于现实的存在，艺术作品不是现实世界的影子，而是对现实世界的重新构造和再现。
艺术作品还有很强的多面性，它可以是表达情感、思想的媒介，也可以是为了美的追求、传递知识、鼓舞士气等多种目的而存在。
二、艺术的精神汉威尔认为，艺术的精神不仅包括艺术家个体的精神，更是一种社会、文化的精神。
艺术的存在离不开对社会、历史和文化背景的反思和批判，是文化价值的体现。
只有体现出这种精神的艺术才是真正有意义的。
艺术的精神往往源自对社会现实、历史事件的反思和呼吁。
艺术可以让人们更有同理心，更深入地了解和反思自己、他人、社会以及人类历史等。
比如像毕加索的《格尔尼卡》、《游姿》从不同角度反映出战争背后的人间悲剧；王小波的小说《黄金时代》、小坂泰之的漫画《生命的庆典》通过对现实的批判和反思，传达了对人类自由、平等、幸福的向往，对于社会的改进具有积极作用。
除此之外，艺术的精神还表现在艺术家个人的追求上。
艺术家除了通过自己的作品表达情感、思想等，更是对于自我成长、追求艺术的圆满与自我实现的一种投入和追求。
正因为如此，艺术创作需要艺术家具备独立思考、反思能力、深度思维等多种素质，这种追求也间接地影响着社会的进步。
论艺术的精神读后感5000《论艺术的精神读后感》当我翻开《论艺术的精神》这本书，就仿佛打开了一扇通往奇妙世界的大门。
起初，我以为这会是一本充满高深理论、让人望而生畏的学术著作，但真正读进去后，我发现它更像是一位亲切的朋友，在和我娓娓道来关于艺术的种种真谛。
书中对于艺术精神的探讨，并非是那种遥不可及、虚无缥缈的空谈，而是深深扎根于生活与创作的实际之中。
作者以其独特的视角和敏锐的洞察力，揭示了艺术与人类心灵、与社会文化之间千丝万缕的联系。
这让我不禁想起了自己曾经的一段亲身经历，一段与艺术不期而遇的美好时光。
那是一个阳光明媚的周末，我闲逛在城市的老街区。
街道两旁的老房子，虽然略显陈旧，但却散发着一种独特的韵味。
斑驳的墙壁、生锈的铁门，仿佛都在诉说着岁月的故事。
就在我沉醉于这古朴的氛围中时，一个小小的画廊吸引了我的目光。
走进画廊，里面的空间并不大，但每一幅作品都像是拥有着自己的灵魂。
我在一幅油画前停下了脚步，画面上是一片金黄的麦田，麦浪在微风中轻轻摇曳。
阳光洒在麦穗上，闪烁着耀眼的光芒。
画家运用了细腻的笔触和丰富的色彩，将这片麦田描绘得如此生动，仿佛我都能闻到那泥土的芬芳和麦子的清香。
我站在那里，久久凝视着这幅画，心中涌起了一种难以言喻的感动。
那一刻，我突然明白了艺术的力量。
它不仅仅是一幅美丽的画面，更是一种能够触动人心、引发情感共鸣的语言。
画家通过自己的作品，将他对大自然的热爱、对生活的感悟传递给了每一个观赏者。
回想起来，那幅画中的每一个细节都让我难以忘怀。
那一颗颗饱满的麦穗，那随风飘动的麦叶，还有那天空中淡淡的云彩，都被画家精心地刻画出来。
每一笔每一划，都蕴含着画家的心血和情感。
这让我深刻地体会到，真正的艺术并非是随意的涂鸦，而是经过精心构思和反复琢磨的结晶。
再深入思考《论艺术的精神》中的观点，我更加理解了艺术创作的本质。
艺术不仅仅是对现实的简单复制，更是艺术家对世界的独特理解和表达。
就像那幅麦田的油画，画家并没有只是照搬现实中的麦田，而是通过自己的艺术加工，赋予了它更深层次的意义和价值。
论艺术的精神读后感艺术的精神是一种超越物质世界的精神境界，是一种对美的追求和对人性的探索。
在读完《论艺术的精神》后，我深深地感受到了艺术所蕴含的力量和意义。
艺术的精神首先体现在对美的追求上。
作者在文中提到，“艺术的精神是一种对美的追求，是一种对完美的追求。
”艺术家们通过自己的创作，不断地追求美的境界，力求将内心的情感和思想通过作品表达出来，使观者在欣赏作品时感受到美的力量。
正是因为对美的追求，才使得艺术作品具有了无穷的魅力，让人们在欣赏作品时感受到心灵的震撼和激荡。
其次，艺术的精神还体现在对人性的探索上。
艺术家们通过自己的作品，表达了对人性的思考和探索，使得作品具有了更深层次的内涵和意义。
在作品中，我们可以看到对人生、对情感、对社会现实等方面的思考，这些都是艺术家们对人性的深刻理解和表达。
正是因为对人性的探索，才使得艺术作品具有了更深刻的内涵和更广泛的意义，让人们在欣赏作品时感受到人性的复杂和多样性。
另外，艺术的精神还体现在对生活的热爱和对世界的关怀上。
艺术家们通过自己的作品，表达了对生活的热爱和对世界的关怀，使得作品具有了更加丰富和真实的情感。
在作品中，我们可以看到对自然、对人类命运、对社会现实等方面的关怀和思考，这些都是艺术家们对生活的热爱和对世界的关怀的真实表达。
正是因为对生活的热爱和对世界的关怀，才使得艺术作品具有了更加真实和感人的情感，让人们在欣赏作品时感受到生活的美好和世界的多姿多彩。
总的来说，艺术的精神是一种超越物质世界的精神境界，是一种对美的追求和对人性的探索。
通过对《论艺术的精神》的阅读，我深刻地感受到了艺术所蕴含的力量和意义，使我对艺术有了更深刻的理解和认识。
希望在今后的生活中，能够更加关注艺术，更加热爱艺术，让艺术的精神在我们的生活中发挥更大的作用。
康定斯基抽象中论艺术的精神姓名：张栋学号：15115479 班级：室内设计11-1班指导老师：陈真摘要：康定斯基认为，艺术重要的是精神，内在的音响。
客观物象损害了绘画，抽象绘画是"无物象的"表达形式，它比有物象的画更广阔，更自由，更富内容。
绘画和音乐之间有着密切的联系，你可以"听"色彩和看"声音"。
关键词：绘画风格.抽象绘画.点线面理论.艺术精神.现代设计引言康定斯基的艺术创作目的不是捕捉对象的外形，而是在于捕捉其内在的精神。
这就奠定了康定斯基高于普通人的艺术境界也为以后他抽象绘画开创思路。
康定斯基的绘画以抽象后的点线面为构成元素加以光和色进行整合创造，是精神感受最直接的表达。
其绘画创作艺术理论甚至对后来的包豪斯为核心的现代艺术设计教育产生了重大的影响。
作为初识艺术的毛头小生，只有从借鉴前人优势之处才能有所领悟有所建树。
个人认为康定斯基的点线面抽象绘画相对当代而言有些陈旧，构成类的表现技法绘画元素会有所过时，但是他所传递艺术精神境界待我们去思量。
简单的几句话不可能概述他的精神境界和艺术贡献，我就从康定斯基的艺术成长过程，作品风格和创作背景，绘画元素点线面和他与包豪斯现代设计的关系几个方面做论述。
一．康定斯基简介瓦西里·康定斯基俄裔法国画家，表现主义画家，热抽象主义画派创始人，艺术理论家。
1866年12月4日生于莫斯科，1944年12月13日卒于法国讷伊。
1909年发起建立新美术家协会并任该会主席，2年后又组织《青骑士》编辑部，而导致新美术家协会的分裂。
1917年回到俄国，十月革命后任莫斯科人民教育委员。
但因其艺术主张与苏维埃政策相抵触，1921年以接受德国魏玛包豪斯学院邀请为理由离开苏联执教于包豪斯对当代设计产生重大影响。
二．康定斯基的艺术成长过程---从自由抽象到几何抽象康定斯基的绘画有其创作的文化背景。
基于印象派绘画瞬间光和色的理性考虑，野兽派立体派鲜艳浓重的色彩的感情释放，奠定了其早期作品特征更偏于自由化表现称之为自由抽象。
论艺术的精神读后感5000论艺术的精神艺术，作为一种表达形式，一直以来都扮演着重要的角色。
它不仅仅是一种娱乐方式，更是人类思想、情感和文化的表达。
艺术的精神在于它的独特性、创造性和启发性。
通过艺术，我们可以感受到人类的智慧、情感和思想的深度。
艺术的精神在于它的独特性。
艺术作品通过艺术家的独特视角和创造力，展现出与众不同的美感和表达方式。
无论是绘画、音乐、舞蹈还是文学作品，每一种艺术形式都有其独特的语言和表达方式。
艺术家通过自己的创造力和想象力，将内心的世界转化为作品，让观众们能够从中感受到独特的美。
艺术的精神在于它的创造性。
艺术家们常常能够以非凡的创造力创作出独特而引人入胜的作品。
他们能够将平凡的事物赋予新的意义，将抽象的概念转化为具体的形式。
通过艺术，我们能够看到艺术家们对世界的独特理解和表达方式。
艺术的创造力不仅仅体现在作品本身，更体现在观众的解读和理解中。
每个人都可以从艺术作品中得到不同的启示和感悟，这正是艺术的魅力所在。
艺术的精神在于它的启发性。
艺术作品常常能够引发观众的思考和感悟。
通过艺术，我们能够看到世界的多样性和复杂性。
艺术家们通过作品表达自己对社会、人性和生活的理解和思考。
观众们在欣赏艺术作品的过程中，也会被艺术家们的思想所启发。
艺术作品能够唤起观众的情感和思考，让人们对自身和世界有更深层次的认识和理解。
然而，艺术的精神也面临着一些挑战。
在当今社会，商业化和娱乐化的趋势使得一些艺术作品缺乏独特性和创造性。
一些作品只追求商业利益和大众的口味，而忽视了艺术的本质和精神。
此外，一些政治和社会因素也会对艺术的精神产生影响。
一些国家和政府可能会限制艺术家们的创作自由，使得艺术作品缺乏真实性和深度。
然而，艺术的精神仍然是不可替代的。
它能够唤起人们内心深处的情感和思考，让人们对自身和世界有更深层次的认识和理解。
艺术作品能够让人们感受到美的力量，从而提升人们的生活品质和幸福感。
艺术的精神是人类文明的重要组成部分，它不仅仅是一种表达方式，更是一种精神的寄托和追求。
俄国画家、美学家康定斯基著的经典著作《论艺术的精神》，写于1910年，1911年在慕尼黑用德文出版，是抽象表现主义绘画理论和美学的代表作。
这本著作在国内已经有几个版本了，很难说那个版本在最好，就我所读的这一版而言，翻译很到位，且文笔优雅，但诚如一些朋友所说，其语言文气过重，带有一点古文的风韵，我们这代人读惯了大白话，一时觉得有点隔。
但该书最大的亮点却是序言。
可以说这篇序，让这本上个世纪的经典著作重新焕发了活力，也让我们从一个新的角度去看待和学习这本经典。
此文开篇就提出“康定斯基的《论艺术的精神》 (Concerning The spiritual In Art ) 一书问世已近一个世纪，今日旧作新读，意义何在？有历史的意义，更有现实的意义。
历史上，本书影响现代艺术百年，振聋发聩，惠泽深远；现实中，艺术面临与康定斯基时代同样的窘境，“内在生命”脆弱，“内在驱力”匮乏，精神内涵阙如。
”内在与外在一直是艺术界争论不休的话题。
整个艺术的发展也是围绕着外在的展现，向着内在的表达，再向着从外在物本身寻求突破，这样呈螺旋形前进态势。
而今天，我们在这个螺旋的态势中处于什么位置呢？是以外在为主导还是更重视内在的表现？很难有谁能说得清。
文中提到，在物质主义横行的年代，康定斯基借《论艺术的精神》叹惜，物质主义如噩梦般横行多年，掌控心灵，把人类生活卷入邪恶、无聊的玩乐旋涡。
今日重温其言，我们更当叹惜，今人非但未从物质主义中警醒，物质主义噩梦反而深入艺术和社会的肌骨，并成为主流意识形态。
康定斯基把印象派艺术看做物质主义艺术的集大成者，可叹他还未有机会一睹今天的波普派艺术(Pop Art)。
但换个角度，今天兴起的各种行为艺术，装置艺术，其对内在思想和驱动力的表达，远远大于了物质化的表达形式。
甚至从某种程度上说，已经不再纠结如物化表达形式或技巧的追求。
大有人人都可成为艺术家的趋势。
曾如卡斯比特所述，今天“最为严重的莫过于艺术信念的缺失。
论艺术的精神读后感艺术的精神是一种超越物质的精神力量，它是人类灵魂的表达和追求，是对美和真理的探索和追求。
艺术的精神是一种超越时空的力量，它能够打破束缚，超越现实，引领人们走向精神的高地。
艺术的精神体现在艺术作品中，它是艺术家对生活、对世界的思考和感悟，是对美的追求和表达。
在艺术作品中，艺术家通过形式和内容的完美结合，展现出自己的情感和思想，引发观者的共鸣和思考。
艺术的精神能够激发人们对美的追求和对真理的探索，使人们在感受和思考中得到心灵的净化和升华。
艺术的精神还体现在艺术创作的过程中，艺术家通过对形式和内容的不断探索和实践，不断提高自己的艺术修养和审美情趣，不断丰富和深化自己的艺术表达方式，使自己的作品更具有感染力和表现力。
在艺术创作的过程中，艺术家需要付出大量的心血和汗水，需要经历无数次的失败和挫折，需要不断克服自己的局限和困难。
然而，正是这种对艺术的执着和追求，使艺术家能够不断超越自我，不断创造出更加优秀和有价值的作品，使艺术的精神得以传承和发展。
艺术的精神还体现在艺术作品对人们的启迪和教育作用上。
艺术作品能够激发人们的情感和思想，引发人们对美和真理的追求和探索，使人们在感受和思考中得到心灵的净化和升华。
艺术作品还能够激发人们的创造力和想象力，使人们在欣赏和思考中得到灵感和启示。
艺术作品还能够激发人们的社会责任感和道德情操，使人们在感受和思考中得到人格的升华和完善。
正是这种对人们的启迪和教育作用，使艺术的精神得以传承和发展，使艺术成为人们精神生活中不可或缺的一部分。
综上所述，艺术的精神是一种超越物质的精神力量，它是人类灵魂的表达和追求，是对美和真理的探索和追求。
艺术的精神体现在艺术作品中、艺术创作的过程中和艺术作品对人们的启迪和教育作用上。
艺术的精神是一种永恒的力量，它能够激发人们对美的追求和对真理的探索，使人们在感受和思考中得到心灵的净化和升华。
艺术的精神是人类精神生活中不可或缺的一部分，它是人类文明的重要组成部分，是人类社会发展的重要动力。
论艺术的精神读后感当我翻开《论艺术的精神》这本书，就仿佛走进了一个充满奇幻色彩和深邃思考的世界。
这本书不是那种让人一眼就能看穿的浅薄读物，而是需要你静下心来，慢慢品味，如同品味一杯陈酿的美酒。
书中对于艺术精神的探讨，让我想起了自己曾经的一段经历。
那是一次参观画展的奇妙之旅，至今仍深深地印在我的脑海里。
记得那是一个阳光明媚的周末，我原本只是想随便出去走走，放松一下心情。
不知不觉中，我来到了一家美术馆前。
门口的海报上展示着正在展出的作品，那一刻，我鬼使神差地决定进去看看。
刚走进美术馆，一股宁静而庄重的气息扑面而来。
我放慢了脚步，仿佛害怕惊扰了这里的艺术精灵。
展厅里人不多，只有几个人在安静地欣赏着画作。
我首先被一幅巨大的油画吸引住了。
那是一幅描绘自然风光的作品，画面上是一片郁郁葱葱的森林，阳光透过树叶的缝隙洒下来，形成一道道金色的光斑。
画家的笔触细腻而生动，我仿佛能感觉到微风拂过树叶的沙沙声，能闻到泥土和青草的芬芳。
我不由自主地走近那幅画，想要看得更仔细一些。
我发现画家在处理光影的细节上简直是出神入化，每一道光斑的形状和亮度都恰到好处，让人感觉既真实又充满了艺术的美感。
在这幅画前驻足了许久，我又被旁边的一幅人物肖像画吸引了过去。
画中的女子眼神深邃而忧郁，她的脸庞被画家描绘得如此精致，每一条皱纹、每一个表情都仿佛在诉说着一个故事。
我不禁想象着这位女子的生活，她经历过什么，又在思考着什么。
这种通过画作引发的联想和思考，让我深深地感受到了艺术的魅力。
继续往前走，我看到了一组抽象派的作品。
说实话，一开始我真的有点看不懂，那些扭曲的线条和奇特的色彩组合让我感到有些迷茫。
但是，我并没有轻易放弃，而是站在那里，努力地去感受画家想要表达的情感。
渐渐地，我好像有了一点感悟。
那些看似混乱的线条和色彩，其实是画家内心世界的一种宣泄，是他们对于生活、对于世界的独特理解和感受。
在这个展厅里，我还看到了许多不同风格、不同题材的作品。
论康定斯基艺术的精神文艺评论论康定斯基艺术的精神祝亚楠(鲁东大学201o级文艺学研究生山东烟台264000)摘要:本文以康定斯基的《论艺术的精神》为切入点探讨康定斯基的艺术的精神的具体内容,分别论述了康定斯基的金字塔理论, 内在需要理论,内在因素和隐性结构理论.他的艺术理论是西方绘画获得了全新的自由,因此,从这个意义上说,康定斯基的艺术的精神是对自由精神的歌颂.关键词:金字塔;内在需要;内在因素;隐性结构瓦西里?康定斯基俄国画家,美学家,近代西方抽象主义绘画的代表,被称为抽象主义绘画之父,是最早强调以抽象形式表现内在精神即感情的画家,并对抽象艺术进行理论思考的美学家.他的美学精神主要体现在《论艺术的精神》这篇论文中,本文主要以《论艺术的精神》为切入点来探讨康定斯基的艺术的精神的具体内容,理解康定斯基艺术精神的意义.一,金字塔理论康定斯基的金字塔理论不仅描绘了人类的精神运动向前,向上的发展,同时也向我们展示了艺术领域各种艺术向前,向上的发展.他认为精神是世界的本源,物质不过是蒙在真实世界之上的一层面纱,因此,在他的金字塔内,物质主义和写实主义只能处于底层,而抛开了物质重负的表现主义和抽象主义正在一步步走向三角形的顶端,康定斯基的这种划分,既是他精神金字塔理论的运用,而且为他的抽象表现主义确立合法性.二,内在需要理论内在需要理论是康定斯基理论的基础,首先,从创作冲动来说,驱使艺术家投入创作活动的内在动力,康定斯基认为是内在需要,在这里内在需要就是内在动力,艺术的创造必须源于内在需要,即”表现客观’的不可抑制的愿望就是被称为’内在需要’的那种冲动,这一冲动是驱使艺术家前进的杠杆或弹簧”.其次,内在需要是抽象绘画的原则,即形式和色彩的选择必须依据内在需要原则,这就是抽象主义绘画为什么背离现实主义和写实主义去探索神秘的内在精神,为什么需要借助具有象征意味的形式和色彩传达内在生命力,因为”一个对象的选择(即形式的各种成分之一)必须取决于人类心灵有目的的反响,而这一对象的选择也得从内在需要的原则出发”“,因此内在需要足艺术精神的来源.三,内在因素理论内在因素,即感情,康定斯基认为感情是作品的灵魂,内在因素决定了作品的外在形式,抽象绘画的灵魂是感情的表达.康定斯基认为内在感情是最重要的,只要艺术家是为了表现内在感情,他的形式选择是绝对自由的,无论选择那种形式和色彩都是合理的.这一点我们从康定斯基的绘画中可以看出,他的作品即是有内在感情呼唤而来的形式和色彩的安排,他的作品突破了传统作品对故事性的依赖,专注于感情的表达,以鲜明的或对抗的色彩和形式,给观众以视觉的冲击和心灵的震撼与共鸣.四,隐形结构理论所谓隐性结构是一种更为含蓄的形式,它们似乎没有外在联系,仅由一些偶然性的图形组成,在一个不能理解形式的内在结构的人来看,隐性结构是毫无意义的游戏,是强加给观众的.然而,实际上它们是服从于内在需要原则,是内在含义的外观,服务于整个画面.对于能够理解这种隐性结构的人来说,这种隐性的结构蕴含着巨大的力量,画面中的线条,圆形,三角形,矩形的变化和流动,都是作者内心世界感情的微妙变化,它们之间看156似毫无外部联系,实际上证实了它们的内部存在,这种隐性结构是抽象绘画的独特形式,不仅将艺术家的感情隐秘,细腻地表达出来,而且它给观众留下的极大的想象和联想的空间,使内容更加丰富.五,艺术精神的意义康定斯基的《论艺术的精神》深入探讨了艺术的精神即他的抽象表现主义理论,是对古典写实主义的全方位的反叛,使西方绘画获得了全新的自由,进入了一个崭新的时代,因此,从这个意义来说,康定斯基的艺术的精神是对绘画自由的歌颂:(一)艺术的自由以康定斯基为代表的抽象表现主义理论使艺术获得了充分的自由,在绘画领域摆脱了自然主义和写实主义的束缚,开辟了表现内心世界的全新的艺术领地,扩展了绘画的表现空间,推动了绘画及绘画理论的跨越性发展,使整个西方绘画进入一个新时代.可以说康定斯基的绘画理论不仅为l9世纪末2O世纪初的绘画发展指明了方向,同时也反映了整个西方现代艺术对自身本体性地位的回归.(二)艺术家的自由1.物象的自由康定斯基的绘画理论实现了无物象创作,即摆脱了物象的束缚,物象不再是绘画中最重要的要素,取而代之的是色彩和形式,用对抗的或和谐的色彩强化或减弱隐性的结构,将艺术家的内在精神通过外在的色彩和形式加以表现,而不是局限于对物象的描绘.对物象的解放不仅扩展了绘画的表现空间,而且使绘画回归到纯粹和无功利的创作.同时,形式和色彩也摆脱了物象的束缚,成为独立的个体,成为有意味的单位,在康定斯基那里每一个点,线都获得了生命,这不仅扩展了艺术的表现空间,同时也拓宽了绘画的内涵.2.情感表达的自由康定斯基抽象表现主义理论的核心是对内在因素,即情感的表达,摆脱了物象的束缚,感情成为表达的中心.在自然主义和写实主义那里,感情是无形的,无法直接描述的,但是康定斯基确通过色彩和形式可以将感情表达出来,使作家的感情冲破了再现和模仿的束缚,直接付诸纸上.(三)观众的自由抽象主义绘画相对于自然主义和写实主义绘画有更多的想象空间和内涵空间,因此抽象主义绘画对于观众来说具有无穷的魅力等待他们去探索和挖掘,同时因为抽象画的模糊性,抽象性和含蓄性,可以使观众对画家传达的感情进行多角度理解,从而在精神上与画家或艺术家进行多方面的沟通和共鸣.综上所述,康定斯基用自己的实践和理论思考对抽象主义绘画的艺术精神进行了深刻的探索,对艺术的内在精神进行了充分肯定,把内在因素作为绘画的首要因素进行表达,同时对抽象主义绘画的外在因素——色彩和形式进行了内蕴和技术层面的探索,确立了自己的抽象表现主义绘画的合法性,开辟了新的艺术领地,开启了新的视觉空间.参考文献:[1】[俄]瓦西里?康定斯基.论艺术的精神[M].查立,译.北京:中国社会科学出版社,1987.f2J瞄】瓦尔特?赫斯欧洲现代画派画论选[M】.宗白华,译.北京:人民美术出版社.1980.。
康定斯基：《论艺术的精神》论艺术和艺术精神 (图)my painting: 酒，萝⼘and music康定斯基：论艺术和艺术精神关于艺术观念，康定斯基说：“艺术的内在因素，即情感，必需存在；否则艺术作品就变成了赝品。
内在因素决定艺术作品的形式。
”对于艺术作品的形式与情感、精神的关系：“只有凭借感情，艺术家和观众才能共同向前。
因循固守于某⼀种形式，则必然步⼊死胡同；唯有任凭感情驰骋，才能获得⽆限⾃由。
因为前者将⾃⼰局限于物质的存在，后者则追随精神；精神创造出⼀个⼜⼀个的形式。
”康定斯基将艺术形态⽐作⼀个⾦字塔，越是往上艺术家和作品就越少，就越接近三⾓形的顶⾓。
“三⾓形的顶端上经常站着⼀个⼈。
他欢快的⽬光是他内⼼忧伤的标记。
甚⾄那些在感情上和他最接近的⼈也不能理解他。
⼈们愤怒地骂他是骗⼦、疯⼦。
贝多芬⽣前就是⼀个受尽辱骂的孤独者。
”“即使是最伟⼤的天才，也会或多或少地被学院磨灭⼏分，⽽那些天赋较差的，会成百上千地遭到扼杀。
⼀个受过学院教育⽽天赋⼀般的⼈的特点在于：他虽然学得了⼀些实⽤的技法，但却失去了聆听内在共鸣的能⼒。
这种⼈虽然能画⼏幅 “正确的” 图画，但是这些画都毫⽆⽣⽓。
”精神如同⾁体，能够通过经常的锻炼得到加强。
⼈要是不注意⾝体，就会⽇渐消瘦，⾄孱弱⽆⼒。
如果精神得不到精⼼培育，也会枯竭衰败。
艺术家天⽣的情感才华，不能将其埋⼊尘俗之中。
艺术家要懂得如何陶冶他的精神。
”“有⼈说艺术是时代的产⼉。
但这种艺术，只能艺术地重复那些已被同时代⼈清楚认识了的东西。
所以它没有⽣命⼒，它仅仅是时代的产⼉，⽆法孕育未来。
那个养育它的时代⼀旦改变，它也就在精神上死亡。
除此之外，还存在⼀种能继续的艺术，它也发源于当代⼈的感情，然⽽它不仅与时代共鸣回响，还能崔⼈醒悟，预⽰和影响未来。
”关于⾊彩，康定斯基说： “如果⼈们持久注视着任何黄⾊的⼏何形状，它便使⼈感到⼼烦意乱。
他刺激、骚扰⼈们，显露出急躁粗鲁的本性。
随着黄⾊的浓度增⼤，它的⾊调也愈更尖锐，犹如刺⽿的喇叭。
论艺术的精神读书笔记论艺术的精神读书笔记1 在人民完全无权参加政府事务的国家中，人民会像管理国家事务那样为某位演员而狂热。
当没有阴谋诡计的时候，也预示着共和国的悲哀将至。
这一切发生在人民被人用金钱收买的情况下。
人民变成了冷血动物，他们迷恋金钱，不再热衷于国事。
他们并不为政府分忧，也不关心政府为何有打算，而是悠然地等着薪金。
也不知道老孟是如何在几百年前得出这样的语句的，但这不正是几百年后我们的写照吗？没有人关心国家、民族的前途，反而对超女、好男儿、明星绯闻有超于正常的热心。
媒体对政治的关注和监督，仅限于传话筒的作用，披露的都是有关部门愿意透露的，没有引导公众知情权存在的有效价值。
学生忙于考级、失业，哪有时间关心政治和国事。
有钱人也忙着在香港生小孩或者送孩子到国外，都不想呆在这里。
之所以谈他们，是因为他们是有能力有责任来关心国事。
从知识层面来说，他们只要不是太愚笨，就能形成自己对国事的观点并加以表达。
但先富起来的口号让人们的观念发生了改变，有奶就是娘，一切围着钱转，所谓感动哪一年的人物什么的评选没有任何意义，这不能触动心灵，人们不是已冷血了吗？法规、政策多多，为什么出台也没有人关心，相关部门不也总得找点事做出点成绩吗？没有民意的东西谁去管呢。
就拿个税自行申报的措施来说吧，有几个收入过12万的人主动申报来着，即使道德和良心水平达到了，认为该收，但谁又知道收了的税是否调节给了低收入者，而不是由贪官们挪用了？审计出的大问题不是不知道，没审计出的问题还不知道有多少呢！明明没有参加政务的实质，还挂了个主人翁的狗头名声，可怕的形式，不知是骗了先烈还是骗了世人。
只是不知道老孟说的悲哀将至是指的什么，也许是社会发展对自由、科学、民主的历史再倡导吧。
论艺术的精神读书笔记2 在《论法的精神》中，孟德斯鸠曾多次提及中国，并把中国作为专制政体的典型。
遗憾的是他并不曾亲自到过中国，书中所有有关中国的描写都来自于他人的转述。
据传记记载，孟德斯鸠在1713年曾访谈过一名名叫黄嘉略的中国人，1729年在意大利与到过中国的傅圣泽神甫交谈，他在1735-1738年间阅读过法国汉学家杜赫德的作品《中华帝国全志》。
论艺术的精神读后感5000《论艺术的精神读后感》读了《论艺术的精神》这本书，我仿佛被卷入了一场关于艺术本质和灵魂的深邃思考漩涡。
然而，与其说这是一场严肃的学术探讨，倒不如说是一次与内心深处艺术精灵的亲密对话。
书中对于艺术的剖析，就像是一把神奇的钥匙，打开了我记忆中那扇尘封已久的门，让我回想起曾经亲身经历的一段与艺术有关的奇妙旅程。
那是在一个阳光并不怎么灿烂的周末，我百般无聊地在城市的街头闲逛。
城市的喧嚣和人群的匆忙，让我的心情愈发烦闷。
就在我准备打道回府，结束这毫无意义的溜达时，一个毫不起眼的小巷口吸引了我的目光。
那巷口狭窄而幽暗，仿佛在召唤着我去探寻其中的秘密。
我鬼使神差地走了进去，没几步，眼前的景象却让我大吃一惊。
原本以为会是阴暗潮湿、堆满垃圾的小巷，竟藏着一家小小的画廊。
画廊的门面虽然不大，甚至有些破旧，但从窗户透出来的那一抹抹色彩，却像是有魔力一般，紧紧地抓住了我的脚步。
我推开门，门铃清脆地响了一声，仿佛在向屋内的艺术精灵们宣告我的到来。
屋内弥漫着一股淡淡的松节油味道，混合着陈旧木头的香气，让人心神一下子就安静了下来。
墙上挂满了各种各样的画作，有抽象的线条，有写实的风景，还有充满想象力的人物肖像。
我慢慢地在这些画作之间穿梭，目光被一幅画牢牢地吸引住了。
那是一幅描绘秋天森林的画，画家运用了丰富而细腻的色彩，将每一片树叶都描绘得栩栩如生。
金黄、橙红、深绿，各种颜色交织在一起，仿佛在我眼前奏响了一曲秋天的乐章。
我凑近去看，甚至能看到画笔在画布上留下的痕迹，那些或粗或细、或轻或重的笔触，仿佛在诉说着画家创作时的心情。
正当我沉浸在这幅画中时，一个声音在我耳边响起：“喜欢这幅画吗？”我转过头，看到一个头发花白、穿着朴素的老人正微笑着看着我。
我有些不好意思地点点头，说：“这幅画太美了，感觉就像真的走进了秋天的森林一样。
”老人笑了笑，开始给我讲起这幅画的创作故事。
原来，这位老人就是画家本人。
他为了画这幅画，在秋天的森林里整整待了一个月。
论艺术的精神读后感5000《论艺术的精神读后感》在翻开《论艺术的精神》这本书之前，我就像一个在艺术殿堂外徘徊的懵懂小孩，对那扇紧闭的大门充满了好奇与敬畏。
当我真正走进书中的世界，仿佛开启了一场奇妙的冒险，每一页都像是一扇通往未知的窗户，让我得以窥探艺术的深邃与神秘。
书中的观点犹如一道道犀利的闪电，劈开了我对艺术认知的混沌。
它让我明白，艺术并非仅仅是摆在画廊里供人观赏的静态作品，也不是高高在上、难以触及的缥缈之物，而是一种活生生的、能够呼吸的精神存在。
这种精神，它可以渗透到我们生活的每一个角落，每一个细微的瞬间。
就拿我自己的一次亲身经历来说吧。
那是一个阳光明媚的周末，我心血来潮决定去逛逛我们城市的老城区。
老城区的街道狭窄而曲折，两旁的建筑陈旧却充满了岁月的韵味。
我漫步其中，感受着那份独特的宁静与古朴。
走着走着，我在一个街角发现了一家小小的画廊。
画廊的门面不大，甚至有些不起眼，但那扇半掩着的门仿佛在向我轻声呼唤。
我忍不住走了进去。
一进门，我就被眼前的景象所震撼。
墙壁上挂满了各种各样的画作，有色彩斑斓的抽象画，有细腻逼真的人物肖像，还有充满意境的山水风景。
我一幅一幅地看过去，仿佛置身于一个五彩斑斓的梦幻世界。
在画廊的角落里，有一幅画吸引了我的注意。
那是一幅简单的素描，画的是一个坐在窗前的老人。
老人的脸上刻满了岁月的痕迹，眼神中透露出一种深深的孤独和沉思。
但最让我感到震撼的是画家通过寥寥几笔，就将老人内心的情感展现得淋漓尽致。
那一刻，我仿佛能感受到老人的心跳，能听到他的呼吸。
我站在那幅画前，久久不能离去。
我开始思考，这难道不就是艺术的精神所在吗？画家通过自己的笔触，将生活中的一个瞬间定格下来，赋予了它深刻的内涵和情感。
这幅画不仅仅是一幅画，它更是画家对生活的观察、对人性的理解、对世界的感悟。
离开画廊后，我的心情久久不能平静。
我开始更加留意身边的事物，发现原来艺术无处不在。
街头艺人的一曲悠扬的笛声，公园里孩子们天真无邪的笑脸，甚至是路边一朵绽放的小花，都蕴含着艺术的魅力。
《论艺术的精神》读后感瓦西里·康定斯基[俄国](Wassily Kandinsky,1866-1944): 现代艺术的伟大人物之一.现代抽象艺术在理论和实践上的奠基人.他在1911年所写的《论艺术的精神》、1912年的《关于形式问题》、1923年的《点、线到面》。
1938年的《论具体艺术》等论文，都是抽象艺术的经典著作，是现代抽象艺术的启示录摘要：1987年，由中国社会出版社出版的《论艺术的精神》是查立译，腾守尧校对的，是李泽厚的美学译文丛书中的一册。
此书收集了康定斯基的四篇论文，即：《论艺术的精神》、《点、线、面》、《关于形式的问题》和《论具体艺术》其中，《论艺术的精神》与《点、线、面》是比较著名的，也是康氏的美学理论精华《论艺术的精神》素有“现代绘画的启示录”之称。
本文是作者暑期读书计划中的一篇读书笔记。
从《论艺术的精神》的总体架构、知识内容以及对设计的帮助上做出了一定的理解和自我诠释。
在康定斯基的《论艺术的精神》中，艺术完全由一个具有着亚裔血统欧洲人用“精神”的力量释放包围——艺术，在伟大的20世纪显现出了它前所未有的内在力量，被无数注重人性的艺术家和理论家重新解读与创造。
从这本书的总体风格来看，书中弥漫着沃林格尔对艺术表现的本质解释以及20世纪整个思想文化氛围下的尼采、叔本华等所提倡的自我意志的含混氤氲，这是把二元论作为世界观的典型体现，并且也是康定斯基的抽象绘画创作的思想源泉及理论基础。
自康德起，艺术就不断地寻找它自律的道路，像现代人寻找个人位置一样，艺术在欧洲经历了几百年的注重“写实”的探索之后，逐渐的开启了新的方法道路。
“为艺术而艺术”的口号，不但深刻影响了19世纪的法国文坛，同样在艺术领域里掀起了轩然大波。
直到20世纪，抽象主义作为主导艺术之一“决定着我们这个世纪的面貌”（米歇尔.瑟夫）叔本华在《康的哲学批判》一书中作了这样的描述“我们生活于其中的可见世界幻觉的产物，是一种骗人的巫术，一种把视觉幻想和空间加以比较所产生的无根基、即无自身本质的外观，这个可见世界是一层环绕着人类意识的浑浊的迷雾，它是那种同时是错误和真实的东西，这种东西人们可以在说他不存在的同时说他是存在的。
”康定斯基在欧洲19世纪末20世纪初的思想文化产生着巨变的背景之下，追求精神自由，强调内在力量的作用，成为了《论艺术的精神》的原动力与理论出发点。
第一篇论艺术的精神论艺术的精神，是康定斯基的最重要的理论文献之一，这篇文章分为了概论与绘画两个部分。
概论中用引言、运动、精神转折点与金字塔四个小部分解释了他对于艺术品、艺术家等的定义与互动把艺术的过程与变化归结到精神的作用并以一种运动的方式把这个过程展现给读者。
第一部分概论“所以一件艺术作品的形式有不可抗拒的内在力量所举，这是艺术中唯一不变的法则。
一件优美的作品是内涵和外表统一和谐的结果：换句话说，一幅画是个精神有机体，他像一切物质有机体一样，是由很多部分组成的。
”艺术的原动力来自于强大的精神力量，这种力量积极向上、催人奋进。
在作者对人类自身的认知中，灵魂与肉体紧密相连，它通过各种感觉媒介产生印象。
演绎了欣赏艺术品的整个过程：感情（艺术家的）——>感受——>艺术作品——>感受——>感情（观赏者的）。
在这里，整个过程包含了几个概念：艺术家的感情，感受1，艺术作品，感受2，观赏者感情。
整个过程似乎揭示了作者的理论主旨：精神至尚。
艺术品的形式应该“内在的，所以它孕育着希望和未来。
”艺术作品包含着艺术家的灵魂，艺术家是“能够描绘一切事物的人。
”抽象的论述和高亢的基调铺垫了艺术精神的“运动”，精神生活所代表的“巨大的锐角三角形”，也许也是康定斯基绘画思维的产物，又也许是他抽象成果的宣言符号。
这个巨大的三角形需要冲破的，不仅仅是旧的“怎样表现”的向上的物理运动，同时在内部的形式里也有着层出不穷的关于艺术与艺术家的稳定结构。
随着三角形的运动，内部的结构似乎在一个临界状态开始动荡，带着摇摇欲坠和呼之欲出的惊悚，人类的精神终于出现了康定斯基所认知的“转折点”。
在“精神的转折点”一节中，蕴含着批判的影子，康定斯基提出了他对于时代思想混乱的出路及自己的艺术理论基础：通神学，并把人们的注意力转向了内心。
他标榜了布莱维斯基夫人的理论把梅特林克与瓦格纳作为了例证的典型从象征与重复的文学手法与结构等发掘了艺术精神的表现形式。
在他所引证的伟大的艺术家之中，有音乐家和印象主义、野兽派和立体主义画家，但无一不都指向了他所旨在阐明的艺术的内在精神力量即向上的，冲破传统追求自由的状态。
在“金字塔”一节中，充满了康定斯基近乎豪迈的对艺术的展望“‘自我分析’可以把每门艺术和其他艺术区分开来，它们之间的相互研究使他们的内在努力重新结合。
每门艺术均有其独有的力量，这是无法相互替代的。
最后，各门艺术的独有力量可以相互配合，而这种配合终将导致我们现在可以展望的一门新的艺术——真正史诗性的（monumental）艺术。
”第二部分绘画绘画是《论艺术的精神》中的第二个部分。
这个部分可以看成是第一部分的理论实践。
绘画是康定斯基在三十而立之后才开始追求和耕耘的艺术形式。
在这部分里，显然是康定斯基在此之前的，对于艺术的无尽热爱和探索的一个总结性的结晶成果。
这个部分分为以下几个小点：五色彩的效果，六形式和色彩的语言，七理论，八艺术家和艺术作品，九结论。
看康定斯基的画，我们不难理解这部分所诠释的内容，像他提倡的“感觉”一样，我们用内心的情感去感受他的画：丰富、跳跃的色彩，绚丽的、仿佛又节奏的音乐感……在这部分或者描述或者解释的理论中就能更深的了解作者所言的理念。
艺术是发自于人类的需要，绘画“色彩和谐统一的关键最终在于对人类心灵有目的的启示激发；这是内在需要的指导原则之一。
”而内在需要原则成为了超脱于非本质的、普遍存在和唯一纯粹的艺术标准和原则。
在第一部分中，康定斯基对于“金字塔”的理论揭示了他所理想的史诗性的艺术。
音乐和绘画的紧密联系必会使绘画在抽象性上发展，最终达到绘画构成的境界。
在“形式和色彩语言”中，有种种神秘的质感，那种说不清道不明又蛊惑着抽象艺术蠢蠢欲动的情愫围绕着心理学和形而上构成了“纯粹结构形式”最终提出了“数是各类艺术最终的抽象表现”理论。
“凡是由内在需要产生并来源于灵魂的东西就是美的。
”艺术家要具有的三大责任：1）他必须发挥出自己的天才；2）他的行为、情感和思想与常人一样，但他却必须用他们创造出一个精神境界，这精神境界要么情节纯净，要么掺进了杂质；3）他的行为和思想是创作的素材，他们将会对他创造的精神境界发生影响。
从这种互动式的纲领下，似乎隐含了康定斯基对于现代艺术的理解。
在最后的“结论”中，康定斯基表明了他的观点：“我们正在迅速临近一个更富有理性、更有意识的构成的时代，在这个时代中，画家们将自豪地宣布他们的作品是‘构成的’——这是与他们根本解释不了的印象主义者的主张相对而言的，宣布他们的艺术来自于灵感。
我们面临的是一个有意识的创造的时代，绘画中的这种崭新的精神正与思维携手并进，正在迈向一个伟大精神的纪元。
”不得不说，这是构成主义的宣言，抽象艺术的先锋理论之作“有人说，艺术是时代的产儿。
但是这种艺术，只能艺术地重复那些以被同时代人清楚地认识了的东西。
所以它没有生命力，它仅仅是时代的产儿，无法孕育未来。
这是一种被阉割了的艺术。
它是短命的，那个养育它的时代一旦改变，它也就立刻在精神上死亡。
除此之外，还存在着一种继续发展的艺术，它同样也发源于当代人的感情，然而它不仅与时代交相辉映，共鸣回响，而具有崔人醒悟，预示未来的力量，其影响是深远和广泛的。
”我们常讲：“艺术要反映时代精神”，康定斯基固然也没有否定艺术作品的时代感，但就艺术与时代的关系，他的认识却更加深入了一层。
在中国摄影界，一些人对于“艺术作品的时代感”的理解，还不能完全摆脱极左思潮的套路，这势必会对艺术创作产生一定的误导作用，进而使艺术作品丧失个性，沦为权力和时尚的标语口号。
在《精神》一书中，像以上这样的，关于艺术宏观方面的精辟昭示还有很多，而且在今天仍然没有过时，并完全适用于摄影艺术。
康定斯基对于平面造型语言基本元素（诸如点、线、形状、色彩、构成等）的精细研究，占据了《精神》一书的很大篇幅。
对于缺乏平面造型语言基础训练的一些艺术摄影家来说，这一部分尤其值得仔细品读。
即使你不想涉足抽象摄影，同样会从中受益的。
因为对于视觉基本元素的研究，是所有视觉艺术创作的基础。
这个基础薄弱，将使你永远与“艺术金字塔”的顶部无缘。
下面不妨让我们引上几段康定斯基关于色彩的论述，看看能否作为彩色摄影中处理色彩的根据：“如果人们持久注视着任何黄色的几何形状，它便使人感到心烦意乱。
他刺激、骚扰人们，显露出急躁粗鲁的本性。
随着黄色的浓度增大，它的色调也愈更尖锐，犹如刺耳的喇叭声。
黄色是典型的大地色。
它从来没有多大深度。
当它掺入蓝色而偏向冷色时，就会像我们前面所说的那样，产生一种病态的色调。
如果我们用黄色来比拟人类的心境，那么它所表现的也许还不是精神病的抑郁苦闷，而是其狂躁状态。
一个疯子总是漫无目标到处袭击别人，直到他精疲力尽为止。
换个比方：黄色使我们回想起耀眼的秋叶在夏末的阳光中与蓝天融为一色的那灿烂景色。
”那么黑色呢？“黑色的基调是毫无希望的沉寂。
在音乐中，它被表现为深沉的结束性的停顿。
在这以后继续的旋律，仿佛是另一个世界的诞生。
因为这一乐章已经结束了。
黑色像是余烬，仿佛是尸体火化后的骨灰。
因此，黑色犹如死亡的寂静，表面上黑色是色彩中最缺乏调子的颜色。
它可以作为中性的背景来清晰地衬托出别的色彩的细微变化。
这一点上，它与白色也不一样，如何颜色，只要跟白色相调和，就会变得混浊不清，仅剩下一丝微弱的共鸣。
”“蓝色是典型的天空色。
它给人最强烈的感觉就是宁静。
当蓝色接近黑色时，它表现出了超脱人世的悲伤，沉浸在无比严肃庄重的情绪之中。
蓝色越浅，它也就越淡漠，给人以遥远淡雅的印象，宛如高高的蓝天。
蓝色越淡，它的频率就越低，等到它变成白色时，振动就归于停止。
在音乐中，淡蓝色象是一支长笛，蓝色犹如一把大提琴，深蓝色好似倍大提琴，最深的蓝色可谓是一架教堂里的风琴。
”以上只是《精神》中对于抽象视觉元素最通俗浅显的论述，若想获得更系统的了解，也只能去看书了。
总之，《精神》是很值得仔细读来的一本书。
因为不是宏篇的纯理论专著，使得从事创作的艺术家们尤其喜欢它。
同时我也相信，此书同样会使从事艺术摄影的人受益非浅的－－即使你对抽象艺术及抽象摄影不感兴趣。
二、《精神》及其作者中文版的《精神》是李泽厚先生主编的“美学译文丛书”中的一本，由查立先生翻译，腾守尧先生校对，中国社会科学出版社出版。
该书共收集了康定斯基的4篇论文－－《论艺术的精神》《点．线．面》《关于形式问题》《论具体艺术》，其中以前两篇最为著名。
