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绵阳南山重点学校2022级高二上期12月月考语文试题总分：150分时间：150分钟注意事项：1．开始作答前，考生务必将自己的姓名、班级、准考证号填写在答卷上。
2．作答时，将答案写在答卷上，写在本试卷上无效。
一、现代文阅读（35分）（一）现代文阅读I（本题共5小题，17分）阅读下面的文字，完成下面小题。
材料一：乡土文学是“五四”新文学革命以来，中国文学收获最丰的领域。
自上世纪二三十年代的鲁迅、茅盾、废名、沈从文、萧红，到四十年代的赵树理、孙犁，再到六七十年代的柳青，以至八十年代以后的汪曾祺、古华、韩少功、张炜、莫言、贾平凹、路遥、陈忠实……众多乡土小说家为文学史贡献了一大批经典作品，形成了具有浓郁地域风情和民族特色的乡土小说创作流派。
对乡土中国历史与现实的书写最大限度地保留了中国作风与中国气派，是乡土小说最能代表中国新文学创作成就、同时也备受世界文坛关注和认可的原因之一。
而上世纪90年代以来，随着中国城市化进程的加快，作为乡土文学赖以存在的物质基础和反映对象的乡村开始逐步萎缩。
相应地，乡土文学也面临着前所未有的危机。
乡土文学的末日是不是会随之而来？对此许多人是深表忧虑的，甚至直接给出了“乡土文学消失成必然”的断语。
但我以为不必过虑，城市化并不会必然带来乡土文学的消亡。
首先，对于城市化进程加快、乡土空间趋于萎缩的问题应理性看待。
乡土中国的转型并不能随着乡变镇、县改市就一劳永逸地解决。
住进楼房、“被市民化”后的农民，离真正从思想意识上“市民化”还有相当长的路要走。
事实上，农民的思想意识和生活习惯还会保留甚至影响到数代以后。
乡土小说赖以存在的乡土空间的萎缩程度，可能并不像数字所显示的那样悲观。
这种情况也可以从创作者一方得到佐证。
许多写乡土小说的作家都自称是“农民”，沈从文一直以“乡下人”自居，即便在进城多年，做了北大教授后也是如此。
莫言也说自己的创作是“作为农民的写作”……这类说法往往容易受到一些质疑，因为进城多年的他们早已远离农民生活，不再熟悉现实中的农民和乡村，“作为农民的写作”是个伪命题，这种质疑或许会有一定道理。
重庆市九龙坡区2023-2024学年高三上学期期中考试语文试题现代文阅读(35 分)(一)现代文阅读I (本题共5小题，19分)阅读下面的文字，完成1~5题。
材料一习近平总书记说：“中国有坚定的道路自信、理论自信、制度自信，其本质是建立在5000多年文明传承基础上的文化自信。
”文艺以最直接的方式反映文化内涵，塑造文化形象，并且以审美的方式积淀成丰富多彩的文化形式。
当文化自信被赋予最基本、最深沉、最持久的力量时，它理应得到文艺化的表达，在这种表达中，文艺又自觉地成为文化自信的独特力量。
其实，文艺表达的最高境界就是文化表达，而文艺家只有拥有了文化自觉与文化自信，才能够将文化作为自己创作的追求。
古今中外的文艺史说明，只有具备了充分的文化含量的文艺作品才能成为经典，优秀的文艺作品不但能够传承文化，将人类文明发扬光大，而且能够参与文化的创造。
《诗经》只是一首首诗作？不是，它同时创造了诗经文化。
《楚辞》只是一首首歌？不是，它同时也创造了楚辞文化。
汉代的石雕是汉代磅礴大气的象征，而“元四家的山水则是典型的文人隐逸文化的代表。
《兰亭集序》只是一篇序言？只是一幅书法作品？不是，它是对生命的发现、对自然的礼赞、对宇宙的敬畏。
更不要说四大古典名著了，它们博大精深，直至今天，仍然在影响着我们的文化和教育。
这些经典都超越了有限的题材与主题，在文化层面创造价值，构建新精神。
所以，在文艺创作中，一直有这样一种定律，不管你从哪儿出发，也不管你将镜头与画笔对着什么，是否有文化追求将决定你创作层次的高低。
实际上，文艺创作是有层次的。
许多文艺家以为表现什么，就把什么表现好就行了，这种看山还是山的创作是无法具有超越性的。
只有不断地向高处攀登，向深处开掘，你才能从有限走向无限，也才能写出精神，写出文化。
文化是所有成功文艺作品的光辉。
文化表达是文艺创作的最高境界，这样的境界看上去似乎难以达到，其实，就看我们有没有这样的追求，有没有这样的自信与自觉。
人生感悟故事（精彩10篇）人生感悟故事篇一你只有先做，先迈出一步，才能看得到上一层台阶上的风景，看得见更大的江河，才知道下一步要怎么走。
有人说要成功，选择大于努力。
可对年轻人来说，更糟糕的是，过度选择。
在你看不到全貌时，别靠臆断拼凑，对自己做的所谓重大选择，好像只有這样的形式感才算对自己负责任。
其实30岁之前，只要你聪明努力人品好，并愿意专注十年只做一件事，选什么，你都会做成的。
年轻的你，还远远没成熟到有资本做选择。
以你当前的智慧和眼界，看不见楼上的风景，看不见更大一局棋，更看不到偶然，看不到意外，看不到机遇和风险同在。
你住在20岁的身体里，却非要以超前成熟的头脑设想自己一定要在35岁走上人生巅峰，推测出未来15年的每一天都该如何精准投资。
你永远拼不出一个进可攻、退可守的万全计划；如果有，那一定是个死于中庸的伪战略。
别害怕改变、失去、未知、失控、急转弯、被挑战，甚至——不知道自己在害怕什么的害怕。
这些害怕，都来自你对成功的渴望、安全感的缺失和壮志未酬的焦虑。
年轻时别想那么多，没用。
你得花一分钟迈出第一步，而不是花一年、两年去计算得失风险。
年轻的时候，你没有什么输不起的。
怎么输，你都赚了。
你一无所有，世界会给你所有。
想要从世界手中得到所有，先从脚下一步一步做起。
做了再说，是年轻人的大智慧。
如果说30岁之前，有一定要做的选择，那么只有：每一个十字路口，都跟随你的心。
听内心的声音，你绝不会后悔。
人生感悟故事篇二一位外国总统问一位活了104岁的老奶奶长寿的秘决时，老奶奶回答说，一是要幽默，二是学会感谢。
从25岁结婚起，每天说得最多的两个字就是“谢谢”。
她感谢丈夫、感谢父母、感谢儿女、感谢邻居、感谢大自然给予她的种种关怀和体贴，感谢每一个祥和、温暖、快乐的日子。
别人每对她说一句亲切的话语，每为她做一件平凡的小事，每送她一张问候的笑脸，她都忘不了说声“谢谢”。
八十年过去了，是“谢谢”二字使老奶奶快乐长大，使老奶奶幸福长久，使老奶奶生命长久。
从前威尼斯双年展不带中国玩,后来中国艺术家扎堆威尼斯双年展01. 什么是威尼斯双年展?威尼斯双年展、德国卡塞尔文献展、巴西圣保罗双年展并称为世界三大艺术展, 这三大艺术展览里威尼斯双年展在其资质上排行第一, 被称为艺术界和建筑界的嘉年华盛会, 奇数年为艺术展, 偶数年为建筑展。
展览分为国家馆与主题馆两部分, 主要展览当代最前沿的艺术成果, 引领着艺术潮流, 威尼斯电影节也是该展览的一部分, 是一个拥有上百年历史的艺术展览, 在这一百多年的发展历程中也不是一帆风顺, 也从有过混乱和丑闻。
02. 威尼斯双年展起源1893年4月19日, 喜剧作家、威尼斯市长里卡尔多·塞尔瓦蒂科为了庆祝意大利国王翁贝托一世与王后玛格丽塔的银婚大典, 除此之外因为从文艺复兴时期以来在艺术领域意大利一直处于领先地位, 然而到了19世纪, 法国艺术的兴起并把意大利远远甩在身后, 巴黎成为"世界艺术中心", 面对如此大的反差, 意大利人的内心是不好受的, 就如同我们中国曾经是曾经是世界最强大的强国到后来被其它国家蹂躏的感觉。
为了寻求突破, 意大利政府希望向全世界艺术学习, 鼓励国内艺术家和其它国家进行交流,于是威尼斯市议会决定策划一个意大利的艺术双年展, 1894年4月22日第一届双年展拉开帷幕, 1895年4月30首届威尼斯双年展开幕, 吸引了20多万名观众, 引起了艺术界的轰动, 也极大的推动了艺术的发展。
03.比利时在1907年建立了自己的国家馆, 是一个拥有自己展馆的国家, 接着在1909年到1914年期间, 匈牙利、德国、英国、法国、荷兰和俄国相继建立了自己的展馆, 而中国馆的建立在2003年才正式建立, 但是那年因为 "非典" 原因, 中国艺术家的作品未能进入中国馆, 然后就在国内广东展示了, 2005年第51届双年展中国国家馆才正是启用, 这与最先建立自己展馆的一些国家相比, 落后了将近100年。
马六明：自由的躯体摘要：中国当代艺术开始真正意义上走向国际, 不过是近年的事情。
在这短短的时间内, 中国艺术可以说是吸取了西方艺术史过去100年迂回发展的经验,疾驰在“高速公路”上。
其中, 马六明的艺术经历更与当代艺术舞台上中国艺术的特殊现况紧密相连。
他的艺术经历可分为行为艺术和绘画艺术两大部分。
关键词：马六明行为艺术绘画艺术毕业于湖北美术学院油画系的马六明是国内著名行为艺术家。
上世纪九十年代初搬到北京郊区的东村后开始了他的行为艺术创作。
其中最著名的作品之一是在1995年，由马六明在内的10位来自北京“东村”艺术区的自由艺术家联袂创作的《为无名山增高一米》。
这个作品不仅成为了中国当代行为艺术的经典之作，更在中国摄影史上留下了浓重的一笔：在一座无人的山头，10位男女艺术家以裸体的“面貌”出现，按照体重的顺序，从下而上以3、2、2、2、1的人数层层叠趴，最重的人趴在最下面，最轻的伏在上面，叠加出1米的高度。
如今，说起这件作品，大多用了这样的一句阐释：它把人与人、人和自然以及男女两性，重新置于关爱和怜悯的维度上来探讨本源性的存在关系，给出了身体艺术前所未有的“中国经验”。
从东村时代起, 马六明就开始了男扮女装的裸体表演。
而这种表演也成为他行为艺术的一个标志性名片。
“一次和朋友喝酒聊天时, 很偶然的和女性艺术家朋友换装并拍了照片, 如果只看照片, 肯定觉得我是个女的。
在给老师、前辈看时, 他们纷纷说也许这是一个特别想法, 谁知道脱去衣服后, 我的表演逐渐往裸体行为艺术发展了。
男扮女装后的我仿佛被另一个自己附体, 于是诞生了‘芬·马六明’这个形象。
‘芬’字在女孩名字中很常见, 我在‘芬’字和‘马六明’中间加了一个间隔点, 因为我想赋予它们同等比重的意义。
”《芬·马六明》中, “芬”字与粉妆的“粉”和分离的“分”字近音异义。
自此以后, 以女性形象粉妆登场的男性, 也就是像变性人一样的角色开始出现于他的行为艺术中。
康定斯基的金字塔理论与设计教育创新之路作者：胡兰凌来源：《湖北经济学院学报·人文社科版》2023年第09期摘要：瓦西里·康定斯基是盛行于全球范围的抽象表现主义绘画创始人之一，除了创作出大量抽象表现绘画作品之外，他还长期致力于对抽象艺术理论的研究和著述。
此外，康定斯基还有一个重要的身份被世人所熟悉：他曾在德國包豪斯学院担任“形式大师”，康定斯基的设计教育思想对现代设计教育做出了重要贡献。
瓦西里·康定斯基在1910年提出的金字塔理论和艺术分层观念至今仍有重要意义，值得我们反思在当今中国高校设计教育中对前卫艺术和实验艺术课程设置缺失的现状，这或许是阻碍我们设计创新的因素之一。
关键词：设计创新;艺术分层;设计教育;包豪斯;前卫艺术中华人民共和国的设计教育经过近40年的发展，已经日臻完善并取得了显著的成果。
我们在大力倡导“设计创新”之时，有必要审视当前设计教育体制存在的不足。
设计创新不应该仅停留在对“传统图案”的变化和改造，也不应该满足于对艺术表现形式和设计“花样”的变化，甚至不应该仅停留在美学层面的狭隘探讨，而更应该关注对艺术本体核心观念的突破和富有创见的开拓，设计创新应该是对设计思潮最前沿领域的颠覆和引领。
一、精神世界的金字塔：艺术分层理论的形成瓦西里·康定斯基在其著作《论艺术的精神》一书中富有创见地提出了“金字塔理论”：康定斯基认为人类的精神生活可以用一个巨大的锐角三角形（金字塔）表示，这座金字塔用水平线分割成不等的若干部分，处于塔尖位置的部分最为狭窄，距离塔基越近的部分越宽，面积越大。
“在这个精神世界的金字塔塔尖上，常常站立着一些受尽辱骂的孤独者，人们无法理解他们的情感和思想，也无法理解他们创造的艺术。
”康定斯基还富有洞见地观察到在艺术分层中存在的层级流转现象：在某些领域，艺术成了一种“反艺术”的力量，一些浮躁的艺术家热衷于寻求新奇的风格和表现形式，批量生产出无数缺乏热情的作品。
2023届高三语文现代文阅读提升专练（第18练）基础题组现代文阅读I阅读下面的文字，完成1-5题。
材料一：“留白”艺术使中国画体现出含蓄内敛的审美特征。
当代画家李可染曾说：“空白，含蓄，是中国艺术一门很大的学问。
”潘天寿认为：“中国画要求有藏有露，即所谓‘神龙见首不见尾’。
必须留下发人想象的余地，一览无余不是好画。
”追溯中国画的发展史，从理论上和创作实践中，乃至传统哲学思想都可以得到明确的印证。
郭熙指出：“山欲高，尽出之则不高，烟霞锁其腰则高矣。
水欲远，尽出之则不远，掩映断其脉则远矣。
”就是说以无示有，以断示连，而“留白”就是以空白表示无限，形成隐约含蓄的绘画表达。
齐白石画虾，追求神似，不见水波，却有水中游弋的感觉。
南宋马远因只画一个角落而被称“马一角”，画面没有填色的空白处，可以是天空、水流、远山等，任由想象，如《寒江独钓图》，只是一叶小舟，一个垂钓渔翁，却让人有烟波浩渺之感，就是空白之处，给人留下充分的想象余地。
以空白含蓄表达隐藏的内容、内心的情绪，也与中国画整体趋于写意、趋于精神层面的表达相一致。
和西方绘画原则和审美精神不同的，中国画更趋于对精神气质的表达，要求符合内在精神，是倾向于“善”的原则，而西方绘画倾向于对客观世界的理性追求与表达，更趋于求“真”。
中国画论中“似”和“真”的观念，然而其中的“真”，在很多论述中，仍然不是西方的“真”，即与事物客观存在的状态或者规律相一致的意思。
五代画家荆浩曾说：“似者得其形，遗其气，真者气质俱盛”，“真”即完整表现对象的风度气质。
中国画在审美上超越了对事物外形相似的要求，而是追求深层的神韵，“留白”恰是因此应运而生的。
西方油画中，表现黑夜就要用颜料涂抹出黑色来，而中国画对黑夜的表现可能就是画一轮明月，明月的周围全是空白，这是含蓄的表达，是中国式的通过心理感受获得的效果。
“留白”的含蓄表达，一是留下对未以笔墨呈现的景物的想象空间，一是对绘画作品感受上留下很大的余地。
2022年中考语文一轮复习：现代文阅读专项练习题1遍地应答韩少功文本一打开院子的后门，从一棵挂满红叶的老树下穿过，就可以下水游泳了。
风平浪静之时，湖面不再是水波的拼凑，而是一块巨大的整体镜面，让人不知如何是好。
你在水这边敲一敲，水那边似乎也会震动。
你在水这边挠一挠，水那边似乎也会发痒。
若是有一条小船压过来，压得水平线撑不住，镜面就可能倾斜甚至翘起－这种担心一度让我紧张。
在这个时候下水难免有些踌躇，有些心怯。
扑通一声，令宝贵的镜面破碎，实为一大暴行。
好在碎片经过一阵揉挤，一阵折叠，一阵摇荡，只要泳者不动，待倒影从层层褶皱中逐一释放，渐次舒展和平复，湖面又会成为平滑的极目一镜。
在通向山外的公路修通之前，这里有很多机船，每天接送出行的农民，还有挑担的，骑脚踏车的，以及活猪活牛。
眼下客船少了，只有几只小渔船偶尔出现。
船家大多是傍晚下网，清晨收网，手摇船桨轻点着水面，静悄悄地来，又静悄悄地去，留下冷清和落寞的湖面，一如思绪突然消失的大脑。
水边常有两样“静物”，那是垂钓的老人和少年。
据说老人身患绝症，活不了多久了。
但他一心把最后的时光留在水边，留给自己的倒影。
少年呢，中学生模样，总在黄昏时出现。
他也许是特别喜欢吃鱼，也许是惦记着母亲特别喜欢吃鱼，也许不过是要用这种方式来积攒自己的学费。
谁知道呢？阵雨扑来时，雨点敲打着水面，打出满湖的水芽，打出升腾的水雾，模糊了水平线。
如果雨点敲醒了水面的花粉，水上就冒出一大片水泡，冷不丁看去，像光溜溜的背脊上突然长满疖子。
几只野鸭惶惶地叫着，大概被这事儿吓着了，很快钻入草丛。
不远处，一条横越水峡的电线上，有个黑物突然直端端砸下，激起水花四溅。
我以为有什么东西坠落，过了片刻才发现，那不是坠物，而是一只鸟突然垂直俯冲，捕获了什么以后，带水的翅膀扑棱扑棱，又旋回高高的天空，在阳光中播下一串闪闪的水珠。
我不知道这种鸟的名字，只记住了它一身蓝绿相杂的迷彩。
还有一只白鹭在水面上低飞，飞累了，先大翅一扬，再稳稳地落在岸石上，让人想起优雅的贵妇，先把大白裙子一提，再得体地款款入座。
《为无名山增高一米》的横空出世与中国公众对当代艺术的理解作者：王陌潇来源：《文艺生活·文艺理论》2014年第03期摘要：《为无名山增高一米》可以说几乎是中国当代艺术最知名的作品，其成功和它的创作观念、形式还有艺术家自身的影响力是密不可分的。
实际上作为一个艺术作品，其本身的艺术价值是有限的，但是其代表的中国公众对当代艺术的理解和看法却是值得讨论的，一方面排斥颠覆简直关的作品一方面被日新月异的形式所吸引，这些都是值得关注的现象。
关键词：当代艺术；行为艺术；公众中图分类号：J05 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2014）08-0028-02一、引言作为中国当代艺术的旗帜性作品《为无名山增高一米》在中国当代艺术领域拥有巨大的知名度和影响力，本文致力于探究改作的成功的内在原因和艺术价值。
由于篇幅原因和笔者自身的知识水平有限，外部原因暂不做仔细研究。
作为该作品呈现给公众的载体的照片中，在一个山头上，11个全裸的男女按照体重的顺序，从下而上以3、2、2、2、1的人数层层重叠，重叠大约为1米的高度，为无名山增加了1米。
该作品创作于1995年，由北京东村的一群艺术家包括王世华、苍鑫、高炀、左小祖咒、马宗垠、张洹、马六明、张彬彬、朱冥、段英梅、吕楠一共十一人共同参与创作完成。
之后该作品在1999年的威尼斯双年展上大获好评，“横空出世”，身价暴涨。
由于作品版权问题的纠葛，创作的核心观念和创意到底是谁提出来的并不能确切知道，但是这一点并不影响本文对其成功要素和其造成影响的探讨。
二、创作观念与形式该作品的创作团队中到目前最为出名的几个艺术家无非是苍鑫、左小祖咒、张洹、马六明。
而且，以上几个艺术家的成名也很大程度上托本作的福。
虽然版权有所争议，但是从各自的记叙来看这部作品毫无疑问是诸位艺术家共同参与讨论与创作的，所以艺术家们的观念对这幅作品必定是各有影响。
我在一个拍卖网站上看到一篇作者不详的评论将该作品划为了苍鑫的作品，其中有一段苍鑫的自述是这样的：“我的艺术活动包括两种性质：既是高级祭司，又是科学研究者。
做为高级祭司，是从北方游牧民族原始宗教——萨满教教义引申出来：对疾病的救治愿望，对人种繁衍不绝的愿望，对动物交感互动而产生某种形而上的感悟。
使我的作品并不是自然物体或变化过程的展示，而是运用它来表达一种基本哲学前提：现代的原则是…功能决定形式‟，相反后现代的原则是…理念决定形式‟。
……如今面临来自科学领域的竞争，艺术转而接受了以往科学才有的参照、准确的特徵，把表达虚构化，表达素材和自然生长的感官可受性做为自身的任务。
”从以上苍鑫的叙述我们很容易发现他是一名拥有完备理论思想的艺术家，并且抓住了当代艺术一些关键。
如他提到的“高级祭司”和“科学领域”，一方面抓住了当代艺术中的精神内核，一方面抓住了艺术家的身份转换问题；而后又提到了后现代的“理念决定形式”，突出了他对当代艺术中观念的重要性的认识。
《为无名山增高一米》这一作品本身能够感受到苍鑫的理念。
几个艺术家的身体重叠相对于表演成分更像是一种融入自然的祭祀活动，人物（动物）之间的交感互动，裸体行为对生殖繁衍的影射，这些都有着萨满教的影子。
这件作品的创作从技术层面来讲几乎是毫无技术可言的，其形式乍一看之下也非常普通（为什么说“乍一看”下文会有更多分析），那么该作能够引起轰动其创作观念就成为了非常重要的因素了。
作品中的人都是裸体的，除了以上提到了所受苍鑫的理论影响，这一点还很符合中国当时的行为艺术背景——容易“一脱成名”。
可以认为这是身体艺术的本质，回归身体，关注艺术家的身体，但其实作品中的人就算是穿着衣服也可以“为无名山增高一米”，不用去关注身体。
脱掉衣服无非有两个解释：一是讲求人体与自然的关系要浑然一体，完成前文提到的“祭祀活动”；二就无非是要惊世骇俗追求冲击力。
马六明和张洹都是相当出色的行为艺术家，其中马六明尤其关注人的身体，其最出名的作品《芬-马六明》系列，几乎都毫无保留地使用了他自己的身体作为媒介。
而张洹也和他多有合作，但是张洹的创作思想更为激进，他在作品《12平方米》蹲在厕所里让苍蝇爬满自己全身就是一个例子。
所以可以推测《为无名山增高一米》一作中全体艺术家裸体出镜的这一形式很大程度也可能是出自于这两人的想法。
众多艺术家聚在一起来创作这个作品很可能是一种身体主题和身份主题的重合。
“身体带有大量标记着我们自己和他人的关于年龄、性别、人种以及其他各种身份的视觉符号。
因此那些希望揭示我们身份的丰富多样性的艺术家们，时常将注意力投向身体意象。
”①这种身份丰富多样性的展现恐怕也是该作的核心内容之一。
“与一些人认为行为艺术是乱搞胡来恰恰相反，在任何有效的范围内，一件行为艺术作品是否能够获得成功，是否具有智慧起到十分重要的作用，智慧，是一个必要条件，它不仅显示出艺术家强烈的个性，还使其有别于其他作品。
”②在讨论该作的巨大影响力时怎样解释其内涵并不是最重要的事情，因为当代艺术中内涵深刻的作品越发繁多了，这幅作品成功靠的绝对不是其深刻的内涵，而是创作观念和形式。
刚才已经提到了观念，现在来谈一谈形式。
前文中说过乍一看该作的形式也是十分简单的，因为这不过就是通过一幅照片记录的“集体裸露”行为艺术作品。
实际上这样的解释是停留在了表象之上。
从翻译的角度来看，行为艺术的英文名是Performing Art，更为直接的翻译应该是“表演艺术”，顾名思义，行为艺术应该是一种注重现场表演的艺术，因此该艺术门类与现场观众的互动是非常重要的部分，可是本作不仅没有互动甚至连现场观众都没有。
但是另一方面行为艺术的记录需要依靠影像手段，因此很多行为艺术又回归了视觉艺术，从而也形成了新媒体艺术。
而那个时代的中国行为艺术很多都是这样的形式，如果说本作只是一幅单纯的所谓新媒体艺术的话，也就是说只是突出这一张照片本身含义与价值的话那么毫无疑问绝对是一个失败的作品，一个如此简单的、摆拍式的“摄影作品”也不可能在展览上获得轰动，脱颖而出。
这一点的例子就是同样出自创作团队中主要艺术家之一左小祖咒之手的作品《左小祖咒与地安门》专辑封面：照片中的年轻女子在庄严的天安门广场上撩起自己的裙子露出内裤，乍一看似乎也是一种行为艺术，但是最终却只是一件挑战传统的摄影作品罢了，其原因就是缺少与观者的互动，而且其观念和过程都被忽略掉了，引人注目的只有色情低俗的内容，最后展现出的影响力是远远不及《为无名山增高一米》的。
再仔细分析回到原点，从其最简单、最表层的东西出发——作品题目，我获得了一些有用的信息。
作品为什么要叫做《为无名山增高一米》而不叫其他名字呢？从语法的角度来讲，这个题目中被强调的对象是无名山，被突出的内容是对无名山的改造（增高）。
所以本作实际上可以解释为艺术家们使用身体来改造了大地。
这一点是极为与众不同的，既不同于当时中国的身体艺术，也不同于国际上的大地艺术。
事实上中国的大环境是不太允许大地艺术的，其中国家体制、土地资源、艺术氛围等等因素限制了艺术家通过直接对大地进行大规模地改造和创作。
但是本作却另辟蹊径，通过人体进行了对自然的改造，从某些意义上来说使得这件作品成为了一个大地艺术。
除此之外，从图像上来讲照片中的十一个人体虽然甚至有几名女艺术家在团队之内，但十一个艺术家都是身体朝下重叠的，能够明显感觉到这样重叠的方式其目的并不在于人体的表现和强调，而在于强调“增高”。
综合以上林林总总的原因这个作品就几乎是独树一帜了。
三、作品的成功与影响参与创作的艺术家之一马六明在一次采访中说道：“《为无名山增高一米》不是一下子成名的，而是慢慢被关注的。
”这一点似乎与当代艺术重视过程的要素遥相呼应。
该作在国际上装置艺术的大潮下显得有些落后，艺术语言单一，作品最终的媒介仍然十分简单没能脱离平面，我认为它依然能够引领中国当代艺术最重要的原因之一就是作品的创作过程没有被遗忘，这一点也使得这件作品富有价值。
该作品创作过程的文字记录和影像记录陆陆续续都被发表出来，最后一个完整的过程和可推测的创作观念都渐渐清晰起来。
作品最终能够如此吸引公众眼球除了版权之争的沸沸扬扬，最大的功臣可能当属左小祖咒。
相对于作为一个当代艺术家，左小祖咒更多的作为一个摇滚音乐人出现在公众视野之中，不可否认其个人在公众间的知名度和影响力是另外几个艺术家难以匹敌的。
虽然参与了创作，但是我几乎可以断定左小祖咒的创作观念对该作的影响是很小的，至少是大大不如苍鑫的。
根据他的文字作品中没有明确的理念大多是调侃性的记叙，当代艺术作品（多是摄影作品）大多是挑战传统的虚张声势，音乐的歌词也像是意识流的小说一般零碎——基本可以总结出他更主要是一个音乐人而不是重视方法论的艺术家，虽然他也知道“我觉得当时的行为艺术搞得乱七八糟，很多都是瞎搞，没多大意思。
”但很明显他对当代艺术的理解是模糊的、不深刻的。
“看到现在的煤矿老板、房地产商、餐饮巨头也都热爱起了当代艺术，所以，你可以爱，我可以爱，猪也可以爱。
”这样的言论可以看出他对当代艺术抱有蔑视的态度。
与参与创作相比，他对《为无名山增高一米》的贡献在于该作品的传播和影响力的扩大。
左小祖咒曾在《北京东村》一文中提到：“……我们经常扯西方艺术史，我跟他们扯扯大门，他们跟我扯扯安迪·沃霍尔。
”安迪·沃霍尔基本上是唯一一个左小祖咒在他的文章中提起的外国现当代艺术家的名字。
我们可以推断安迪·沃霍尔对现当代艺术理解有限的左小诅咒有非常巨大的影响。
众所周知，安迪·沃霍尔是波普艺术明星，而波普艺术主要特点就是大众化、传媒化，大量利用各种经典元素进行挪用、拼贴，并广为传播。
我们可以明确的知道左小祖咒也走上了成为一个“艺术明星”的道路，同时《为无名山增高一米》也渐渐通过这条道路成为了一件明星级的艺术作品。
2007年，左小祖咒在《我也爱当代艺术》中发表了一幅形式与原作相同的恶搞作品，这件作品中的人体被置换成了猪。
不管这是他对其他艺术家的嘲讽还是什么，但这种经典元素的置换手段深得波普艺术的精髓，也使得《为无名山增高一米》的影响力在类似的变异中再度获得提升。
“不少艺术家仅仅把挪用当做一个当代艺术时尚，对其不加批判地利用。
”③左小祖咒无意中引领了挪用该作的风潮，各个杂志、公众争先进行改造模仿，虽然模仿的作品大多都是在追求趣味性，可这样却使得《为无名山增高一米》的价值超出了其本身，左小祖咒在有意识或无意识中利用巨大的影响力将该作推向了一个新的高度。
在这里重要的已经不是作品的本意，更不是模仿作品的含义，而是作品造成的影响——对公众如何认识中国当代艺术的影响和对中国当代艺术走向的影响。
这样的影响使得中国当代艺术的大众化的程度加剧了，当代艺术作品争相吸引大众的眼球，从而削减了当代艺术本该具有的实验性、先锋性，弱化了对于艺术语言的理解、运用和对精神性、科学性等内涵的追求。
