中国古曲在钢琴演奏中表现出的美学意蕴与价值取向

大舞台45摘要：中国古曲，千百年来一直在音乐艺术圣殿中占据着重要地位，其典丽深绵，具有独有的古韵风雅。

钢琴可以说代表着西洋音乐的最高成就，通过改编古曲并将其移植到钢琴中并进行演奏，中国古曲延伸了钢琴生命的触角，生发出崭新的艺术魅力，同时也是其艺术演奏的一种历史性突破。

关键词：中国古曲；钢琴改编曲；历史性突破钢琴来演奏中国古曲，其重要的是所散发的浓郁的古曲韵味，所表达的审美意蕴，往往使我们感发兴起，荡气回肠。

本文通过钢琴改编曲《梅花三弄》《流水》《阳关三叠》共性，探究中国古曲在钢演奏中所表现出的美学意蕴价值取向。

中国古曲改编钢琴曲之代表作钢琴曲《梅花三弄》，由王建中改编。

作曲家王建中从梅花的动态和静态两方面描写逼真，通过傲骨的梅花创造出美妙的意境，表现出人高洁轩昂的情操。

而且《梅花三弄》这首钢琴曲再现并发挥了原曲的艺术内容，在原曲旋律的基础上，通过钢琴将原曲精神内涵作了阐释。

钢琴曲《流水》由陈培勋改编，作曲家这样自我描述这首作品“内容描写流水的动态及人与大自然搏斗的激动意象。

”古琴曲《流水》通过描绘流水铮铮的小溪和波涛彭湃的江河，抒发作者热爱祖国壮丽河山的真挚感情。

钢琴曲《阳关三叠》由黎英海改编，是一首三段体结构的变奏曲，是根据唐代的琴歌改编创作而成的。

这首改编曲保留了古琴的音乐特色，又发挥了钢琴的特点，在原古琴曲的基础上，运用不同类型的织体语言，丰富的和声语汇等，尽可能添加了音乐的层次感，充实了单旋律线条的音乐。

（一）从音乐语言上看：这三首钢琴曲利用立体化、多声化的钢琴语言，以古琴音乐为鉴，创造出独特的美感。

这三首钢琴曲文化特色之一就是与传统文化发生联系，对音乐的每一个基本要素进行修饰，利用音高、音区、音色的变化表现出含蓄、深沉的音乐特性，使音乐的表现产生了温静恬淡的音响效果。

古曲是传统音乐的典型代表，其旋律音调具有传统音乐最古朴的特征，改编钢琴曲的旋律音调在古曲的旋律音调基础上做了继承和发展，使其不失古曲的特色，又能适应现代钢琴的演奏。

通过钢琴曲音乐旋律与古琴所产生的内在的联系，制造悠远深邃的效果，表现出音乐风格的内在涵量，从而让乐曲显得余韵无穷。

作曲家在吸收了古琴音乐表现手法的基础上进行了大胆的创新，在对古琴音乐的演奏技巧继承和吸收的同时，这三首钢琴改编曲则对中国传统文化的继承更加注重。

在创作中作曲家可以说抓住了古琴音乐的特点，而中国传统美学讲究借景抒情，寓情于景，情景交融。

作为优秀的中国钢琴曲也是如此，景色总是与一定的情感相连，景又总是一定的情中之景。

（二）从东西方音乐比较来看：西方音乐是以凝固的和声团块为基础，形成立体的音乐思维，而中国音乐以生动的旋律线表现为主旨，形成线性的音乐思维。

西方的立体思维与科学相关，以动机分裂为旋律展开的原则，所以比较注重音与音之间的逻辑联系，比较严格地遵循规律性，不允许有过多地随意性。

中国传统音乐的发展基本没有动机展开的迹象，旋律常是任其自然地发展，形成一种行云流水，浑然天成的美。

（三）从旋律特点看：这三首作品还十分明确地抓住了古琴旋律的典型特点，在钢琴上表现虽然古琴的旋律无法完全体现古琴旋律的风貌。

一方面保留了古琴去掉的神韵，并把握了古琴旋律的基本特点；另一方面古琴旋律的特色在钢琴上难以体现而被淡化，因演奏手法与形制的不同。

因而在钢琴上体现古琴的旋律，更多的是在继承古琴旋律特点基础上的创新。

中国古曲改编钢琴曲之意义（一）推动钢琴艺术在中国的普及虽然钢琴作为一样外来乐器传入我国已有近一个世纪的历史，中国钢琴事业在一代代作曲家，演奏家的共同努力下逐渐走向繁荣，各个时期优秀的钢琴作品的问世和中国选手多次在国际钢琴比赛荣获佳绩是向我们展示的最好历史证明。

可是我们还看到：中国听众对钢琴的音色仍有种陌生感，更重要的是还在于钢琴音乐与中国传统音乐之间，在审美、思维方式上有很大不同，其中最根本的不同在于钢琴音乐以多声思维为根本特征，而中国传统音乐则以单声思维为其根本形态，这就使很大数量的中国听众从审美意识上与钢琴艺术存在一定的距离，特别是从接受反应理论这一角度来看，我国的大多数接受主体的文化水平、思想修养、审美情趣参差不齐，在此条件下，他们接受音乐作品的心理机制表现为联想。

他们往往将听到的熟悉的古曲音调，类似自然的音，强弱快慢的旋律和标题示意相连，用自身的知识和生活体验去联想，用其获得的视觉形象和感情共鸣去感受和接受音乐作品，所以，情感型、情节型、描写型的音乐最合适这个接受主体。

所以中国钢琴改编曲很适合在中国推广普及钢琴艺术。

（二）丰富传统的钢琴演奏技法和音色表现力将古曲改编为钢琴曲，这里就存在一个创作方式上的“钢琴化”问题。

所谓“钢琴化”就是指适合钢琴演奏，能够发挥钢琴这件乐器的性能。

然而钢琴与我国的古曲乐器不论从形制，还是律制上都存在着相当大的差异。

这种差异导致了两类乐器在弹奏方法上的极大不同。

钢琴属于固定音高中国古曲在钢琴演奏中表现出的美学意蕴与价值取向王欣然 （浙江师范大学音乐学院 321000）音乐大舞台大46摘要：贝多芬（1770—1827)，是德国伟大的作曲家。

他创作的32首钢琴奏鸣曲在钢琴艺术史中拥有非同反响的地位，同时也把钢琴奏鸣曲这一形式发展到了一个新的高峰，提高了钢琴奏鸣曲的艺术表现力。

关键词：贝多芬；钢琴奏鸣曲；风格；创作特征贝多芬是德国著名作曲家、钢琴家，是集古典主义之大成、开浪漫主义之先河的一代大师，被尊称为“乐圣”。

一生中创作了大量的各类作品被人们称为钢琴音乐文献中的圣经，在钢琴艺术史上有着独领风骚的地位，是世界艺术史上的伟大作曲家之一，努力突破古典奏鸣曲形式的约束，他的奏鸣曲古典传统，手法新颖，在传统基础上突破创新发展。

一、作品的创作道路及背景1.波恩时期（1770—1792）贝多芬童年时就在父亲的强迫下开始学习钢琴和提琴，八岁就开始在听众面前公开表演，但他并非是莫扎特式的神童，他所受的音乐教育也和莫扎特很不同，11岁起贝多芬才真正认识了德国民族音乐传统的重大意义并开始学习巴赫的《平均律钢琴曲》。

整个波恩时期创作有二首简易钢琴奏鸣曲，风格上类同于海顿、莫扎特式的。

1792年离开故乡定居维也纳。

2.维也纳初期（1793—1802）贝多芬成为青年钢琴家出入于社会中的贵族，情感上发生了大的变化以及对革命的淡漠。

但时代的不同使他有着更成熟的资产阶级自觉性和更强烈的自尊心，矛盾与阶级使他对现实不满对命运的抗争。

这一时期有了著名的《悲怆》和《月光》。

3.成熟时期（1803—1814）成熟时期的阶段有了《英雄交响乐》的诞生，乐曲的形式上扩大的乐思的扩展性和戏剧性，创作上新的发展获得了当时许多进步人士的注意和大力支持，爱国火花进一步深刻地注入了他的心底。

4.危机时期晚期（1815—1827）这一时期四年内，贝多芬的作品很少，《庄严弥撒》《第九交响乐》，但总的说晚年的创作艺术构思更深刻、细致和复杂了，创作形式也更自由和复杂化了，复调因素大大加强，曲式结构也倾向了即兴多种结构混和运用。

古典的奏鸣曲原则被新的形式代替。

贝多芬的钢琴奏鸣曲共三十二首，创作时间超约三十年，在音乐的风格和创作内容上，都被看作贝多芬的音乐自传。

其中还多多少少带有前人的社交色彩。

第二十八首以后的五首晚期作品，地位极高，蕴涵深刻。

第二十八首和第二十九首被人们尊称为“101”和“106”，后者更是全部钢琴奏鸣曲文献中的宝典。

三十二首钢琴奏鸣曲分为三个时期：1.早期作品，早期的风格特征一方面延续并发展了海顿、莫扎特的质朴、严谨、富哲理性等古典传统，同时他的旋律继承海顿式的动机开展的手法，又吸收莫扎特旋律的深情，形成简洁、粗犷、质朴、热情的特征。

另一方面初步形成了自己的独特个性，节奏上频繁的变换、切分和休止造成的动力性、不平衡感；和声、调性上不谐和、不稳定范围的扩大；力度上大幅度的起伏等，构成贝多芬音乐的强烈感染力。

2.中期作品，中期作品世界的和平，人类的幸福，成为浅析贝多芬钢琴奏鸣曲的创作特征石 莹 （山东省菏泽学院音乐系 274000）的键盘类乐器，采用了十二平均律制，不同于中国传统古曲乐器所普遍采用的五度相生律或纯律，不能如一些中国古曲乐器那样做出细微的音高变化，以体现丰富多变的古曲调式色彩和细致的韵味；钢琴的发音原理类似打击乐器由琴褪击弦发音，发音后琴弦的振动不可逆转地衰减，导致音量迅速减弱，不能如古曲乐器那样通过弓弦成气息压力变化自如地改变音的强度，不能如中国的古曲乐器那样通过手指在琴弦上的抹动或气息支持下演奏非常连贯的滑音或连奏；钢琴的音色是乐器本身决定的，虽然可以通过触键的细微变化产生细致的音色差别，但与我国传统的古曲乐器那种以不同演奏手法产生的各种音色韵味来表现音乐内涵的丰富性有很大差别。

由此可见，钢琴在表现中国古曲风格时必然受到局限。

如何表现中国的传统乐曲中大量滑音、装饰音、音乐韵味等就成为作曲家在移植、改编钢琴曲时需要解决的重要问题。

（三）拓展音乐作品的审美价值既然经过了改编，必然会失去些原貌，不再是标准的原汁原味。

但是，与此同时，改编曲又会增添新的审美情趣，否则就没有改编的必要。

而增添的，正是钢琴所独有的审美意蕴。

改编并非对原曲简单的移植，每一首改编曲都倾注了作曲家的创造性活动，在不同的层面给原曲增添了新的审美因素，使改编曲具有新的韵味和审美价值。

在中国钢琴音乐创造实践中，如何使形式与内容完美结合，用钢琴这一外来乐器表现中国音乐风格，在钢琴音乐中体现古曲气质是作曲家和钢琴家在中国钢琴音乐的创造与演奏中孜孜以求的。

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