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浅析中国文人画的发展脉络中国文人画，是中国画中的一个流派，主要是指以文人雅士为主体的画作。
文人画自唐朝代曲派画开始发展，形成独特的艺术风格，并从宋代起达到了巅峰。
文人画有着悠久的历史，融合了中国传统文化和艺术的特点，成为中国画的一种重要形态。
发展脉络：1.唐代：始祖曲派画唐代是中国文人画的远古时期，其前身是曲派画。
曲派画以唐代曲家为主体，广泛地表现了中国古代生活和自然景观。
唐代的曲派画师以笔力、用色、构图和人物描绘闻名于世。
2.宋代：舞文弄墨，文人画大行其道宋代文人画家大量出现，文人画由曲派画演变而来，同时也吸取了神韵派和虞山派的技巧和理念。
宋代文人画以“舞文弄墨”闻名，画家们在作品中不仅表现了美感，更重要的是表现了作品背后的思想和感情，为中国文人画的发展奠定了基础。
3.元代：文人画走向成熟，形成借古论今的新领域元代文人画艺术成熟，也出现了大量的岳飞画像和红山文化浮雕。
元代文人画与以前的文人画相比，走向了成熟和稳定，表现手法也更加细腻。
同时，文人画走向了“借古论今”的新领域，借助中国古代的文化遗产，表现当时的社会生活。
4.明代：文人画逐渐趋于多样化，颜料引进西洋明代文人画呈现出多元化的形态，不仅有山水画、花鸟画、人物画等传统作品，还出现了神怪画、小景画等新型作品。
同时，明代还引进了西洋颜料，并对文人画的颜色效果产生了转变。
5.清代：文人画进一步创新清代文人画不但承袭了前代文人画的传统和文化遗产，还在不断寻求创新和突破。
清代文人画家强调气韵、墨趣、动态的表现，开创了中国文人画的新局面。
同时，清代文人画也与珐琅画、剪纸等传统工艺融合，使文人画的形式更加多样。
综上所述，中国文人画是中国画中的一个重要流派，它凝聚了中国传统文化和艺术的精髓。
该流派自唐代的曲派画开始，历经了数百年的发展和传承，不断创新和突破，成为中国画史上不可忽视的瑰宝。
古代文人画的特点
古代文人画是中国绘画中的一种独特风格，其特点主要表现在以下几个方面：
1. 抒情意境。
古代文人画重视画的意境和情感表达，他们通过画笔表现自己内心的感受和思想，营造出一种抒情的氛围。
这种意境往往不是通过具象的手法来表现，而是通过笔墨的运用来传递。
2. 简洁而深刻的语言。
古代文人画中的笔墨运用非常简洁，但却能够深刻地表现出画家所想要表达的意思。
在构图上也往往采用简洁的手法，突出画面的主题和情感。
3. 重视自然和生活。
古代文人画强调自然和生活的表现，他们常常在画中描绘自然景观和人物生活，通过对自然的观察和对生活的感受来反映自己的感情和思想。
4. 线条显得柔和悠扬。
古代文人画的线条往往显得柔和悠扬，追求一种自然而然的效果。
这种线条不仅能够表现出画家的笔墨功力，而且能够表现出画家的情感和思想。
总的来说，古代文人画的特点是一种以情感表达为主，注重意境和画面情感的表现，通过简洁而深刻的笔墨和线条来表达自己的内心感受和思想的艺术风格。
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宋元文人画发展的艺术特点1.引言1.1 概述宋元时期是中国绘画史上一个重要的时期，也是文人画发展的关键时期。
在这个时期，文人画的艺术特点得到了进一步的发展和完善。
文人画的概念在宋代首次提出，并在元代达到了巅峰。
因此，研究宋元文人画的发展，对于理解中国绘画史的发展进程具有重要意义。
宋元时期，文人画逐渐形成了独特的艺术特点。
与传统宫廷绘画不同，文人画更注重个人意趣的表达和个性化的风格呈现。
文人画强调情感的表达和内涵的传递，作品主题通常是诗词、文学或历史故事的描绘，具有浓厚的文化内涵。
在绘画技法方面，文人画注重笔墨的运用。
文人画家追求笔墨的自由和随心所欲的表达，注重笔墨的境界和艺术感染力。
他们常常运用简练而具有表现力的笔墨，构建富有节奏感和意境的画面。
同时，他们注重用墨的韵味和墨色的变化，通过不同的墨色表现画面的光影效果，使作品更具生动性和立体感。
此外，文人画具有强烈的个人风格和匠心独运的特点。
文人画家以个人的审美追求和思想情感为出发点，注重在作品中体现自己的创作个性。
他们通过自由构图、变换视角和独特的笔墨表现方式，创作出与众不同的作品风格。
每位文人画家都有自己独特的创作特点和风格，使得文人画展现出极大的多样性和创造力。
总体而言，宋元文人画的艺术特点是注重个人意趣的表达和个性化的风格呈现，技法上追求笔墨的自由和墨色的变化，同时具有强烈的个人风格和创作特点。
这些特点使得文人画成为中国绘画史上独具魅力的一支流派，对后世的绘画艺术产生了深远的影响。
1.2 文章结构文章结构的安排对于一篇长文的编写至关重要，它能帮助读者更好地理解和把握文章的内容脉络。
本文的结构包括引言、正文和结论三个部分。
首先，引言是文章的开篇部分，我们会在引言中对于宋元文人画发展的艺术特点进行一个概述，简要介绍一下该主题的背景和重要性。
接着，我们会详细介绍文章的结构安排，包括各个章节的主题和内容，以引导读者对整篇文章有一个整体的认知。
其次，正文部分是详细展开讨论宋元文人画发展的艺术特点的部分。
中国画的精神境界：洗尽尘滓，独存孤迥古人崇尚清奇、简静、淡雅的画风，追求笔墨的纯净与透明，实际是追求心灵的质量。
为了与自然一致，古来大多画家的生命态度保持着一种低调的寻常状态。
低调是一种境界，很像一种信仰：艺术与生命合一，成为生命的展开与完成，而不是换取世俗利益的手段。
只有这样，笔墨塑造的形象才能净化自己及他人。
在中国画中，由法而理，由理而道。
道，便是中国画的最高学问。
老子说：“形而上者谓之道；形而下者谓之器。
”六朝王微说，绘画是“以一管之笔，拟太虚之体”。
[1]这个“太虚”，大约就是“道”。
同时代的宗炳说得更明白一些，“圣人含道暎物”，“山水以形媚道”。
[2]这些早期的经典理论，规定了中国画的大致特点——“追太虚之体”。
这是亲自然而远世俗，造型取其意象而淡于写实，强调精神主导，以道心观物。
宗炳又说，绘画的目的是“畅神而已”。
[3]董其昌疏林茅屋图按老子和庄子的哲学，笔墨的修为离开世俗越远越好，尤其山水画，最好按“天人合一”的方向走下去，人间烟火气越少越好，从而实现“独与天地精神相往来”的境界。
这种观点颇类今天的生态环境意识。
所以，中国画不追求快节奏和高效率，而是从容不迫，如行云流水，是静下来、淡下来、慢下来的艺术。
宋人“五日一石，十日一水”的观点便是这种一咏三叹的状态。
这有些像太极拳，不绝如缕而又绵里藏针，令人周身通泰，体强心健。
按历来的画论，中国书画从来就长于纯净心灵、陶冶灵智。
所以，儒家把琴、棋、书、画作为造就理想人格的修为手段。
而书画一途更能“涤烦襟，破孤闷，释躁心，迎静气”[4]，是祛病增寿的良药。
董其昌作品西方人对中国画有着浓厚的兴趣，但他们更看好的是清代以前的中国画。
他们虽然不易看懂山水画笔墨艺术的形式，但他们能感受到中国山水画里的精神旨趣，理解人对自然界的向往。
他们完全接受中国画不表现张力，不强调形式感，不注重视觉冲击的特质。
接受着那种与西方绘画不同的另一种趣味。
中国画追求内美，初看可能很平常，但会久看不厌，人们能看见画家的心灵在笔下浮动。
中国文人画宋代文人画文人画[1]（Southern School），也称“士大夫甲意画”、“士夫画”，是画中带有文人情趣，画外流露着文人思想的绘画。
画中流露着浓烈的文人思想。
早在魏晋南北朝时期，文人画的某些创作思想和艺术实践就出现了，但是文人画作为正式的名称，是由元代画家赵孟頫提出的。
目录简介历史发展基本特征艺术风格绘画主张历代名家艺术特性展开简介历史发展基本特征艺术风格绘画主张历代名家艺术特性简介南宋李迪《风雨归牧图》明文徵明《绿荫清话图》泛指中国封建社会中文人、士大夫所作之画[2]。
明代文徵明称道“文人之画”，以唐代王维为其创始者，并目为南宗之祖。
别于画院待诏、祗候等所作的院体画。
明朝唐寅《六如画谱·士夫画》：“赵子昂问钱舜举曰：‘如何是士夫画？’ 舜举答曰：‘画家画也。
’”但旧时也往往借以抬高士大夫阶层的绘画艺术，鄙视民间画工及院体画家。
唐代张彦远在《历代名画记》曾说：“自古善画者，莫非衣冠贵胄，逸士高人，非闾阎之所能为也。
”此说影响甚久。
近代陈衡恪则认为“文人画有四个要素：人品、学问、才情和思想，具此四者，乃能完善。
”通常“文人画”多取材于山水、花鸟、梅兰竹菊和木石等，借以抒发“性灵”或个人抱负，间亦寓有北宋刘松年《四景山水图》对民族压迫或对腐朽政治的愤懑之情。
他们标举“士气”、“逸品”，崇尚品藻，讲求笔墨情趣，脱略形似，强调神韵，很重视文学、书法修养和画中意境的缔造。
姚茫父的《中国文人画之研究·序》曾有很高的品评：“唐王右丞（维）援诗入画，然后趣由笔生，法随意转，言不必宫商而邱山皆韵，义不必比兴而草木成吟。
”历代文人画对中国画的美学思想以及对水墨、写意画等技法的发展，都有相当大的影响。
[3]明唐寅《秋风执扇图》画中带有文人情趣，画外流露着文人思想的绘画形式，叫文人画。
它包含中国画三门：山水、花鸟、人物并列，不在技法上与工或写有所区分。
他是中国绘画大范围中山水、花鸟、人物都好的一个交集。
文人画指的是中国历史上以文人学士为主要创作力量的绘画流派。
它的发展历程可以概括为以下几个时期：
1.唐宋时期：唐代的文人画以诗经画为主要形式，宋代的文人画则呈现出多种流派和
变化。
北宋初年的文人画以极简主义为特点，后来逐渐发展出了各种风格，如“南宗”、“北宗”、“崇雅”等。
2.元明时期：元代文人画主要承袭了宋代画风，并在此基础上发展出了新的风格，如
“水墨花鸟”、“写意山水”等。
明代文人画则更加强调个性化、自由化的表现方式，如“文人山水”、“黄公望派”等。
3.清代时期：清代文人画对传统文人画风格进行了批判性反思，并试图推动其发展。
清代文人画家主要分为两大流派，“四王”和“八大山人”。
前者注重笔墨技法和题材表现，后者则更加追求自由、豁达的精神境界。
总的来说，文人画的发展历程呈现出不断变化和演进的趋势，既承袭了传统文化的精髓，又吸收了外来文化的影响，形成了独具特色的艺术风格。
萧条淡泊，此难画之境。
画者得之，览者未必识也，趣远之心难形！中国传统文人画是画中带有文人情趣、画外流露文人思想的绘画。
它自产生就带有属于文人阶层“适意”和“墨戏”的特色，与工匠画或宫廷绘画保持着明显的距离。
绘画在文人画家或士大夫阶层看来不是满足物质生活或沽名钓誉的工具，而是借以抒发性灵与抱负、宣泄情感与思想的有效途径。
画家独特的精神涵养、生活情趣及审美理想决定了文人画作品讲求“拙规矩于方圆，鄙精研于彩绘"，强调神韵，重视才情，而这些反映到画面上就是其对画中“虚静淡泊”意境的缔造。
历史上中国传统文人画所追求的“意境"，并非一般意义上所说的单纯客观的、有限的“景”，而是包含“喜、怒、哀、乐”等主观因素的存于人心中的一种“境"。
如果说“景”是“象"，那么“境”就是“象外之象"，它是相对于有限的“景”和“象”而言，具有无限意味的更高层次的境界。
外师造化，中得心源，“造化”和“心源”的合一，即客观存在的自然世界与“自我”情感、心境、思想、精神等内部世界的交融渗化，是意境产生的前提条件。
画家除了必须具备丰富的生活积累、充足的理论修养以及聪颖的艺术领悟力之外，更懂得了怎样与自然和睦相处，不受外界的束缚与诱惑，自由游历于客观物象之中。
清代方士庶在《天慵庵随笔》中说：“山川草木，造化自然，此实景也。
因心造境，以手运心，此虚景也。
”山川人物、鸟兽草木这些都是处于我们视觉范围之内的真实可见的自然之景，也就是客观存在着的“实景”；而“因心造境，以手运心”的“境”却如同老子的“道”，大化、无形、至简、至虚，不可见，是一种“非常名，非常道”的“虚境"。
“景”是自然物象，“境”则是建立在这自然物象基础之上的一种生命情调，它体现了生命个体对宇宙天地的体悟和深层次诠释。
这种体悟与诠释是对自然规律的和谐遵循，在这里，大的宇宙可以小到极致，而小的个体也可以大到容纳下整个宇宙。
宋代是中国历史上文人画发展最为繁荣的时期之一。
宋代文人画强调个体情感的表达和意境的追求，具有独特的美学理念。
以下是宋代文人画的美学理念的一些重要特点：
1. 以自然为师：宋代文人画家强调以自然景物为创作的对象和参照，追求表现
自然的真实和神韵。
他们注重观察自然景物的细微之处，追求表现自然的变化、气息和神韵，力求使观者感受到自然的美。
2. 以心传神：宋代文人画追求以个人情感和内心体验来表达艺术创作。
画家注
重通过笔墨和构图的处理，以及细腻的笔触和用色来表现个人的情感和心境。
他们通过笔墨的运用来揭示心灵的世界，使观者在观赏画作时能够与画家产生共鸣。
3. 追求意境：宋代文人画强调意境的追求，即通过画面的氛围、构图和笔墨的
处理来表达情感、意义和意蕴。
他们注重用寥寥数笔、简练的线条和留白的技巧来表现画面的空灵和意境的深远，使观者在静心欣赏中产生联想和感悟。
4. 崇尚雅致：宋代文人画崇尚雅致的审美追求，追求文人气质和品味。
他们在
创作中注重选择高尚、清新的题材，讲究构图的平衡和和谐，追求简约、素雅和典雅的艺术风格。
5. 倡导意境超脱：宋代文人画主张追求超脱尘世、超越日常的意境。
他们试图
通过画作表达自己对人生、自然和宇宙的思考和感悟，通过艺术来追求内心的宁静和超越尘世的境界。
这些美学理念在宋代文人画中得到了广泛的体现，使得宋代文人画成为中国绘画史上一个独具特色的时期。
中国历代文人画心境探析摘要文人画是中国封建社会文人、士大夫所作，包含文人情趣，流露文人思想情感的绘画。
本文试把文人画心境分成重意轻形、自娱超逸、自鸣宣泄等几个类型，通过这个视角我们可以充分了解画家精神世界与社会生活的关系，能够更好把握画作的意蕴，以一个新的视点开展美术史研究，拓宽美术史研究的空间和领域，构建美术史研究新的话语和范畴。
关键词：文人画心境重意轻形自娱超逸自鸣宣泄中图分类号：j205 文献标识码：a一文人画概述文人画是中国封建社会文人、士大夫所作，包含文人情趣，流露文人思想情感的绘画，它与民间画工和宫廷画院职业画家的绘画有很大区别。
文人画多取材于山水、花鸟、梅兰竹菊和木石等，标榜“士气”“逸品”，崇尚品藻。
文人画更注重水墨自身的特色，讲究笔墨情趣；脱略形似，强调神韵，把表现事物的内在神韵作为艺术追求的最高标准。
文人画也重视诗词、书法、钤印修养，潜心缔造作品意境，形成了返朴归真、大巧若拙的美学风格。
因此，文人画不考究艺术技巧上功夫，多注重画外之意。
美术史家都认同唐代王维是文人画的鼻祖，王维以诗入画，画中有诗，《辋川图》《雪溪图》等作品被认为是文人画的滥觞。
二心境的内涵一般来说，心境是艺术家思想感情和心理结构的表现，是人在一定时期之内持续存在的某种情绪状态，并作为人心灵世界的一部分。
绘画作品是画家思想感情和心理结构的外化，因而从文人画可以窥见文人的心境。
笔者认为，历代文人画所表现的心境并非是一种混沌模糊的状态，人们通过作品可以感知和把握。
心境在人的心理历程中，它也是多样化的。
但对大多数画家而言，心境大体上有一个固定的状态，当完成创作之后他们的心境就转化为作品中的形象和意境，这些形象和意境就是我们认识画家心境的手段，又是观赏者揣摩画家心境的客观依据。
画家的心境是一个动态的、与外部世界密切联系的体系，既与画家所处的时代环境，政治气氛，文化制度相关联，又与画家个人独特的生活经历、个性气质、禀赋学养相联系。
三文人画心境表现1 宋代重意轻形宋代中期后，画坛出现了一股重理轻形，强调表现主观意趣的艺术思潮，这股思潮成了中国美术史上文人画理论的先声。
宋代文人画的产生和政治、哲学等上层建筑领域有关。
北宋初期，建立一套专制主义中央集权制度，思想上以程朱理学为根本，受集权专制制度和程朱理学影响，尤其受后者影响，宋代文人开辟了绘画史上新的篇章。
一些文人士大夫积极探索表现情感的新形式，他们创造出一种新的造型方式，既不追求惟妙惟肖的写实，又不脱离真实物象的过分夸张或变形，他们尊重客观对象，在此基础上对所表现的形象进行适当处理，表现画家的主观意趣，这就是今天所说的水墨写意。
这种新的绘画艺术表达方式改变了宋代文人的审美情趣。
魏晋以来，老庄思想在士大夫阶层中产生了广泛而深刻的影响，崇尚自然，脱略形似，反对精巧的审美趣味在宋代文人画中得到了较好的体现。
如果我们把宋代画院和民间的画作比着“现实主义”绘画，那么，宋代的文人画就可比着为“表现主义”绘画。
宋代的文人画不太注重物象的客观面貌和真实形态，他们崇尚笔墨、形式的意趣，强调寓意抒情，重意轻形，这是宋代文人画最为显著的特征。
宋代文人画的题材主要是水墨梅、竹，其代表人物是文同、苏轼、扬无咎、赵孟坚、郑思肖等，文同对后世影响最大。
米氏父子另辟蹊径，自成一家，后人称他们的作品为“墨戏”。
文同，字与可，他现存作品不多，《墨竹图》《纡竹图》是其传世之作。
文同笔下之竹是名副其实的文人画。
总体上看，宋代文人画派不求形似，而重意兴抒发，但文同的墨竹作品仍然重视竹的自然形态。
他常常画一两竿修竹，数枝茎与竹节浑然一体，顺势而发，沉着劲利。
文同的绘画最特出的特点是采用比兴寓意的手法，借助竹的艺术形象表现人的品德与节操，胸怀与际遇。
比兴寓意的审美表现方式是儒家文化的审美表达方式，儒家文化常常以“山水比德”，儒家常把山水的自然属性与人的思想品格、道德修养等相比附。
中国古典诗词中常常见到这种审美表达方式，特别在《诗经》中，比兴寓意的手法是其最重要的表现手法。
文同等宋代文人化用诗词创作中比兴寓意的手法，进行绘画创作，成了后代中国画创作的重要表现方式和审美方式，使文人画以全新的面貌登上了绘画艺术殿堂。
在文同眼中，竹的多节清虚被比附为“劲节清虚”，他还把竹的荣、枯、贫、瘠与人的悲、欢、穷、达相照应，用竹的形象状写人的精神状态，他画的竹洋溢着活泼的生命力，他首创了缘情借物，比兴借喻的绘画方式。
据米芾的《画史》记载，文同画竹赠人因人而异。
画史上没有记载文同对竹作了多少写生，但是他对竹的风姿雅韵却了如指掌。
苏轼在《文与可画谷偃竹记》中记述文同画竹首先是胸有成竹。
可见，宋代文人画不仅注重客观景物的自然形态，更注重对物象的主观感受和情致。
兴之所至，重意轻形，托墨遣兴，这种艺术理念对当时兴起的文人画无疑产生了重要影响。
同时，以竹拟人，赋竹喜怒哀乐之情感，创造性地拓展了绘画艺术，扩大了绘画艺术的表现领域和空间，为中国绘画艺术开拓了新的境界。
宋代米氏画派在当时也名噪一时。
“墨戏”指宋代米芾、米友仁父子在继承唐代王洽泼墨基础上开创的一种水墨画。
米氏父子用湿笔水墨写意表现江南烟云变幻的景色，用大混点代替繁琐的细苔点，用深浅不一的墨色替代诸种皴法，画史上称为“云山墨戏”，又称“米点山水”，这是宋代特殊的文人画。
总之，宋代文人画是重意轻形，以水墨传达神思，以写意倾吐情韵的水墨画。
2 元代自娱超逸元代是中国文人画大发展的阶段，文人画家辈出，历史上产生积极影响的画家有高克恭、钱选、赵孟、黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙、柯九思、赵雍、朱德润等，但是反映社会生活题材的绘画大大减少。
元代文人画兴起有其深刻的原因，元朝统治时期，蒙古统治阶级内部争权夺利，政局动荡。
蒙古族统治者采取了民族歧视政策与分化政策，又不重视科举，断送了汉族知识分子晋升的前程。
元代士人抛弃了对国家、民族的责任心，因而不少文人退避山林，独善其身，纵情诗画。
他们奉行“外事造化，中得心源”的创作信条，从自然中撷取题材，涌现出一批山水画家，也出现一些画家专攻水墨梅竹、墨花、墨禽，他们的创作显示了较强的个人色彩。
元代文人画表现为追求闲逸、超脱趣味、寄情遣兴、聊以自娱。
中国古代，绘画一般具有认识、教化和娱乐三种功能，元代倪瓒是明确提出以诗画自娱的第一人，他的绘画可以代表元代文人画的总体特色。
我们从他的一些诗文画跋里可以看出其美学见解和他对书画功能的看法。
在倪瓒看来，绘画只不过是逸笔草草，不求形似，自娱自乐罢了。
他常作平远山水，一般以三段式构图，作品不设色，也不画人物。
传世名作《六君子图》《渔庄秋霁图》等画作删尽繁缛，只取清醇，别具萧疏放逸风格，深为后世落魄失意文人所追慕。
倪瓒所说的“逸笔草草，不求形似，聊以自娱耳”，这里的“自娱”并非简单的自娱自乐，其实是自身在现实面前无力按自己的愿望生活，以绘画方式超越现实的一种无奈之举。
自娱从某种程度上说是一种“超逸”的精神，他的作品透露着文人高士的雅逸情怀；他笔下的山水，达到神与物游，以不求形似，大音希声的意境来超脱自然，将客观物象与主体神思相结合，创造了超然尘外的画境。
这种超逸的精神对后世的明清文人画产生了深远的影响，因而也得到了广泛的传承和发展。
3 明清自鸣宣泄明清两代，我国封建社会已经走向了没落和衰退，这时期的社会痼症在文人画中也得到反映。
明清时期，文人画在绘画领域成了主流绘画艺术，其中山水、花鸟科在画坛上占统治地位，但画家泥古守旧，因循模仿，作品缺乏现实意义，而且形式单调。
到了清代，泥古正迎合满清统治阶级需要，“四王”画派以正统地位雄踞于画坛，他们作画讲究笔笔有出处，不能越出古人樊篱。
清代文人画泥古风愈演愈烈，文人画近乎走到了绝境。
幸运之处在于，在一片保守窒息气氛中，仍有一股新生力量打破沉闷的气息。
明代有陈淳、徐渭，清代有八大山人、石涛和扬州八怪。
他们的作品才是文人画的真实声音。
（1）自鸣自鸣是笔者化用文学领域里的一个概念，韩愈在《送孟东野序》中曾提出了“不平则鸣”的问题，他用草木金石受到外部挠击而发出声音作比喻，说明人们的言语文章都是因不平则鸣而产生的。
他认为“得志”则鸣国家之盛，“不得志”则自鸣不幸。
笔者以为，自鸣不幸恰恰是徐渭绘画心境的写照。
徐渭开创了一种大写意水墨花鸟画，他的画气势纵横奔放，水墨淋漓，不拘小节。
技法上，徐渭多泼墨，少着色，层次分明，虚实相生，酣畅淋漓。
《墨葡萄图》中，串串硕果倒挂枝头，鲜嫩欲滴，间以肥硕茂盛的叶子泼墨而成，简洁疏放，介于似与不似之间，似又不似，不似反而更似。
《墨葡萄图》这幅画中笔法起伏多变，徐疾、浓淡、大小、干湿、疏密程度各异的笔迹墨韵参差交错。
题画诗“笔底明珠无处卖，闲抛闲掷野藤中”倾诉着心中的郁结、隐衷、痛苦、泪水，烛照出不与世俗同流合污的高洁人格。
现存的另一幅代表作品《榴实图》，以水墨渲染石榴破壳，随意点染石榴籽，墨色浓淡层次分明，枝条以中锋行笔，自上向下运行，笔画由粗变细，融细笔、破笔、断笔于一炉，形成笔断意不断，无限伸展的动势。
这些作品，借物抒情，绝句题诗，批露出画家怀才不遇的心声。
“品格高，落墨自超。
此乃天授，不可强成。
”徐渭创造出别具一格的水墨境界，画笔下的艺术形象隐含怀才不遇的愤懑，亦是其历经坎坷和内心不平的呐喊。
（2）宣泄通常来说，宣泄是指通过语言文字或者音符书画等释放个人情感的一种方式。
宣泄不能称为某种审美情感，因为其缺乏适度的意识控制与思维梳理。
但宣泄可以使情感释放，因而从这个意义上讲，宣泄可以看成艺术家的一种心境。
笔者认为，朱耷的某些花鸟画作恰恰起到情感宣泄的效果。
朱耷，又称八大山人，清初画坛“四画僧”之一。
八大山人善画花鸟同时兼工山水，由于特殊身世，和所处特殊的时代，他的画造型奇特、怪诞，透出一股阴冷之气，花鸟造型初看是简单的变形，细看又含蓄隽永，题画诗也晦涩难解。
不少画作中的鱼和鸟，笔法简洁，形体异常，有的拉长身子，有的缩成一团。
特别是鸟的眼睛，近似椭圆形，眼眶画得很大，眼珠不在中央，显示出一种白眼向人的神情，这是对满清统治者蔑视的直接宣泄。
他的花鸟画与人们审美习惯格格不入，《孔雀图》中，他把大富大贵，花中之王的牡丹置于悬崖，画中的山石，头重脚轻，危如累卵，用意显而易见。
《古梅图》中，古梅虬根暴露，根不沾土，老干枯枝，愤世嫉俗的情怀从笔底宣泄而出。
他的某些题画诗更是其心境的直接宣泄，如《孔雀图》一画中题诗写道：“孔雀名花雨竹屏，竹梢强半墨生成。
如何了得论三耳，恰是逢春坐二更。
”八大山人艺术风格是其个人遭遇与所处时代水火不相容的产物，他的部分画作是其孤傲与冷峻心境的宣泄。
四结语绘画是一项心智活动，是一种艺术生产过程，绘画也是特定时期画家思想感情的写照，如清代大画家石涛所言：“古人寄兴于笔墨，假道于山川，不化而应化，无为而有为。
