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美术史论范文美术史是一门研究艺术发展历程、艺术家及其作品的学科，通过对不同时期、不同地域的艺术作品进行分析和研究，可以了解到不同文化背景下的艺术表现形式和艺术创作理念。
美术史的研究不仅可以帮助我们了解艺术的发展轨迹，还可以启发我们对艺术的理解和欣赏。
本文将从古代艺术到当代艺术，探讨美术史的发展轨迹和对当代艺术的影响。
古代艺术是人类文明的重要组成部分，它反映了古代人们的生活、信仰和审美观念。
古代艺术作品在形式和主题上都具有鲜明的特点，比如古埃及的壁画和雕塑以及古希腊的雕像和陶器等。
这些作品不仅在当时具有重要的宗教和社会意义，同时也为后世的艺术家们提供了丰富的创作素材和灵感。
古代艺术的研究不仅可以帮助我们了解古代文明的发展和演变，还可以启发我们对当代艺术的创作和欣赏。
中世纪艺术是古代艺术和文艺复兴之间的过渡时期，它在形式和主题上都受到了宗教和政治的影响。
中世纪的艺术作品以宗教题材为主，如教堂的壁画、玻璃窗和雕塑等。
这些作品不仅在当时具有重要的宗教意义，同时也为后世的艺术家们提供了丰富的宗教题材和表现形式。
中世纪艺术的研究不仅可以帮助我们了解中世纪的宗教和政治制度，还可以启发我们对当代艺术的宗教主题和表现形式的创作和欣赏。
文艺复兴是欧洲艺术史上的一个重要时期，它标志着古典艺术的复兴和现代艺术的诞生。
文艺复兴的艺术家们致力于恢复古代艺术的传统和精神，他们在绘画、雕塑和建筑等领域取得了重要的成就。
文艺复兴的艺术作品在形式和主题上都具有鲜明的特点，如达·芬奇的《蒙娜丽莎》和米开朗基罗的《大卫像》等。
这些作品不仅在当时具有重要的艺术意义，同时也为后世的艺术家们提供了丰富的创作素材和灵感。
文艺复兴的艺术研究不仅可以帮助我们了解文艺复兴时期的社会和文化背景，还可以启发我们对当代艺术的创作和欣赏。
现代艺术是20世纪艺术史上的一个重要时期，它标志着艺术的多样化和自由化。
现代艺术的艺术家们致力于突破传统的艺术表现形式和审美观念，他们在绘画、雕塑、摄影和装置等领域取得了重要的成就。
中国美术史的心得体会中国美术史是一部不可或缺的珍贵艺术宝藏，让我深刻领略到中国艺术的博大精深和独特魅力。
通过研究中国美术史，我对中国传统文化的发展演变有了更深层次的理解，也对中国艺术的精神追求和审美特点有了更为清晰的认识。
在整个学习过程中，我从不同时期和不同类型的艺术作品中感受到了独特的审美情趣和艺术表达方式。
首先，中国美术史无疑是一个漫长而丰富多样的历史过程。
从新石器时代开始，我见证了中国艺术悠久的历史底蕴，以及艺术与文明的相互交融。
古代中国以其雄浑壮丽的山川地貌、神秘莫测的自然奇观和博大精深的哲学思想为美术创作提供了丰富的素材。
在中国美术史中，石窟艺术、青铜器艺术和绘画艺术都占据着重要的篇章，其中落款最早的中国画家黄公望的作品更是让我感受到了中国传统绘画的独特韵味。
其次，中国美术史的每一个时代都有其独特的审美特点和艺术风格。
例如，南北朝时期的佛教艺术，我被其繁复的壁画和规矩恢宏的佛像所震撼；宋代的山水画以其精雕细琢的笔墨表现力和崇尚自然的意境给我留下了深刻印象；明清时期的工笔花鸟画则以细腻精巧的技法和细致入微的描绘让我钦佩不已。
每一个时期的艺术作品都是历史的产物，蕴含着当时社会文化、政治环境和人们审美情趣的综合体现。
再次，中国美术史也给我带来了对艺术创作的启发和思考。
中国艺术注重的是意境的营造和表达方式的艺术化，而不仅仅是锦上添花的装饰效果。
在细品中国美术史中的作品时，我注意到很多作品虽然形象极简，无需过多的图像元素或装饰，却能通过简洁明快的线条和线面结合，营造出一种丰富而深邃的意境。
这使我深刻认识到，一个作品要想具有独特的艺术表达和生命力，不仅需要有细腻的技法和精湛的创作能力，更需要有对人生和世界的敏锐触觉和深沉思索。
最后，中国美术史的学习过程也让我更加珍视中国传统文化的瑰宝和独特价值。
中国美术是中华民族智慧和特色的集中体现，其源远流长、博大精深的艺术传统不仅为后世艺术创作提供了丰富的借鉴和启迪，也为当代社会中追求审美快感和精神寄托的人们提供了重要的文化遗产。
外国美术史对审美教育的意义美术在人类社会发展的历史中占据着重要的位置。
无论是西方还是东方，美术都是文化传统的重要组成部分，也是人们审美体验的重要途径之一、外国美术史作为美术教育的重要组成部分，对于审美教育具有深远的意义。
首先，外国美术史是一部人类文化的宝库，包含丰富多样的审美经验和艺术创作的成果。
通过学习外国美术史，可以使我们了解到不同文化背景下的艺术表现形式和审美观念，拓宽我们的艺术视野，丰富我们的审美经验。
艺术作品是艺术家对于自然、人文以及内心世界的表达，通过学习外国美术史中的不同艺术作品，可以帮助我们更好地理解艺术家的意图和创作背景，从而提升我们的艺术鉴赏能力。
其次，外国美术史可以帮助我们理解艺术发展的历史脉络和演变规律。
艺术是随着社会的发展而不断变化和演进的，每个时期都有其独特的艺术风格和表现方式。
通过学习外国美术史，我们可以了解到不同艺术时期的艺术发展趋势和转折点，掌握艺术史中的重要作品和艺术家，对于我们在创作和欣赏艺术作品时能够更加准确地把握不同艺术风格和流派的特点，避免重复和模仿，获得更好的艺术表达效果。
再次，外国美术史还能够启发和激发我们的创造力和想象力。
通过学习外国美术史中的不同艺术作品，我们可以感受到艺术家独特的艺术表达方式和创造力，从而有助于我们培养自己的创造力和想象力。
艺术作品中的想象力和创造力可以激发我们对于美的追求和创新意识，从而更好地应用到我们的实际生活中。
此外，外国美术史还能够帮助我们培养审美能力和审美情趣，提高我们的审美水平。
艺术作为一种独特的表达方式，需要借助于审美能力去理解和欣赏。
通过学习外国美术史，我们可以对不同艺术作品进行系统地分析和比较，培养我们的观察力和思考能力。
同时，学习外国美术史还能够提高我们对于审美价值的认知和敏感性，培养我们对于美的独特体验和感悟。
最后，外国美术史的学习也有助于我们加深对于艺术与社会、文化之间相互影响和相互作用的理解。
艺术作为文化的表达方式，与社会、文化紧密相连。
对外国美术史的感想
外国美术史是一门宝贵的课程，它扩大了我们对艺术艺术领域及其历史背景的知识。
从古希腊罗马及其文化到埃及艺术，再到中世纪的欧洲考古学，以及更大量的欧洲文化，
都能丰富我们的艺术鉴赏视野。
从古代文明史的角度来看，外国美术史可以为我们提供很多有价值的资料和研究资源，帮助我们更加深入地探究和理解古代的文明的起源和发展过程。
各个文化的绘画技法和表
现手法不仅尊重传统艺术价值，而且让我们看到不同历史时期的绘画形式，接受多元文化
的思维方式和精神境界。
大家也不能忽视外国美术史对于当代艺术家来说的重要性。
通过对古典艺术和传统艺
术的深入研究，可以汲取艺术上的知识和精粹，进行创作灵感的积累，促进个人艺术发展。
总之，外国美术史为我们提供了一个系统性的关于艺术的研究，可以进行一个十分系
统和完整的美术学习，增强对艺术的鉴赏能力。
它不仅可以扩展我们的美术视野，而且让
我们受益于艺术家传统文化的智慧，也为我们提供获得美术创意的源泉。
当我们拥有过去
美术家们所遵循的艺术观时，我们就能够以更加高明的视角去看待当代的艺术，更容易把
握艺术的真谛，也更容易从中得到启发和创作灵感。
我对当代艺术的看法在学习了一学期的当代艺术，使得我充分认识到了当代艺术的特点，由此深深的喜欢上了这门艺术,直接从字义上看，“当代”可理解为当下的、正在发生的，与“过去的"、“传统的"相对。
一般来说，国外美术机构都将第二次世界大战以来的艺术统称为“当代艺术”。
但就像一些西方理论界更喜欢将上世纪60年代以来的西方艺术称为“西方当代艺术”一样，各种时间概念的说法背后都有美学和文化学意义上的判断理由。
譬如,在西方艺术史的情景状态中，“反现代主义艺术”的美学特征是当代艺术出现的先决条件。
现代主义是什么？简单地讲，就是19世纪末、20世纪初,在欧洲美术史上出现的以艺术本体语言研究为前提的各种形式主义流派和思潮，也就是我们通常所熟悉的野兽派、立体派、表现派、未来派、超现实主义、抽象主义、流行主义、照相现实主义等等。
虽然它们的主张和实践各不相同，但都否定内容对形式的约束，以精英的姿态宣布与传统表现法则的彻底决裂,探索和追求新的艺术形式，创造纯形式语义的“现代”艺术。
如果用一句话来总结，那就是“为艺术而艺术”。
而当代艺术首先就是反对这种就事论事的精英主义观念和形式主义的终极真理，追求不断创造和反叛，崇尚个体意义的价值实现。
其次,则是意欲颠覆建立在形式叙事上的现代主义传统，力图消解艺术与生活之间的鸿沟，主张艺术返回到社会现实中去。
这里变化的主要契机，是“二战”引起的人对生存价值的思考。
于是，西方习惯把“二战"结束作为现代艺术与当代艺术在时间上的分水岭,然后依据文化取向和美学诉求的异同，将19世纪中期到二战前的艺术称为“现代主义艺术"，其后的则称为“后现代主义艺术”或“当代艺术"。
从严格的意义上,西方学界则将举办于1969年的“当态度成为形式”展览视为当代艺术的起点,因为正是该展强调了:无论是作品、观念，还是过程、状态、信息等艺术形式,最终都是为了表达艺术家的立场和态度。
从艺术史的角度鉴赏美术作品作者：陈雷来源：《速读·上旬》2014年第07期摘要：美术鉴赏的方法多种多样，本文通过艺术史的角度来探究一种美术鉴赏的方法。
关键词：美术鉴赏；艺术史；角度美术鉴赏本身就是一种积极的主动的审美再创造活动，艺术作品不但是艺术家的产物，它也是鉴赏者的产物，只有这样艺术作品才能完善它的社会意义和美学价值。
鉴赏者根据自己的生活经验、艺术修养、兴趣爱好、思想感情和审美理想，对作品中的艺术形象进行加工改造、补充丰富，因此，美虽然是一种直观，却需要鉴赏者具备丰富的审美经验和正确的审美态度。
审美经验越是丰富，那么鉴赏的效果就会越好，而我们通过对各个时期艺术作品的介绍与鉴赏，目的就是揭示各个时期的美学理论与标准，从而扩大审美视野，丰富审美经验，为提高鉴赏能力提供帮助。
欣赏一幅美术作品究竟要把握哪些要素呢？第一，时间的概念——这是什么时期的作品；第二，地域的概念——这是哪个国家或哪个地区的作品；第三，观念的概念——艺术家想在这件作品中表达什么；第四，手段的概念——艺术家想表达的东西能表达到什么程度。
艺术史可以说是一门与美术鉴赏联系最密切的学科了。
艺术史似乎可以是归属史学的，但它却是史学中最小的，亦可以说是最边缘的史学，它似乎更多地和艺术学胶合在一起。
这门史学不仅最小且最年轻，只是在18世纪末，在考古学和古物研究兴盛之时方显出它的端倪。
18世纪末的启蒙思潮激起了人们对考古和古物的研究兴趣和热情，博物馆和艺术品的收藏成为当时的时尚。
1764年德国学者约翰·温克尔曼的著作《古代艺术史》首次出现了“艺术史”这个学科名称；1872年卡尔·鲁穆尔的《意大利研究》开始了确立艺术史学科基础原理的尝试。
从1813年德国的哥廷根大学开始，然后在德国、奥地利、瑞士等国的各大学中开始设立了艺术史的教授席位。
以后，德国弗朗茨·库格勒的专著《绘画史》（1837年）和《艺术史手册》（1841～1842年）、瑞士雅各布·布克哈特的《意大利文艺复兴时期的文化》（1860年）、德国的阿洛依·李格尔的《风格问题》（1891年）、瑞士海因里希·沃尔夫林的《艺术史原理》（1915年）确立了艺术史学科的真正的现代形态。
16创意2019/06浮世绘主要是指日本江户时代的风俗画和版画，是德川幕府时代即公元1603年至1867年200余年间兴起的一种独特的民族艺术，也是真正的具有日本风格的绘画艺术形式。
浮世绘主要描绘了人们的日常生活、风景及花街柳巷的故事。
浮世绘创造了一个艺术模式。
浮世绘也常常被认为是专指彩色印刷的木板画，日语称为“锦绘”，事实上也有手绘的作品，浮世绘的影响力和启示从几个方面来看。
一、风格样式对西方艺术现代性的启示浮世绘呈现出一种大胆取舍、概括、夸张、提炼、变形等风格特征，对当下艺术的启示体现在平面化、几何化等方面。
其实，平面化在古代早就有之，到了日本浮世绘的山水、花鸟、人物画中，它的平面化更具有了一种现代性的语言特征，如几何、平面性构图等形式语言的运用。
这些新的改变，也就产生了新的艺术效果并带来新的面貌，现代性的观念或者说是特点渐渐萌动，为后来的人们提供了很好的借鉴和启发作用，并影响了一大批人，如毕加索、克里姆特、高更、马蒂斯等。
浮世绘在扁平化设计风格方面影响力很大，扁平的图形、简洁明了的边线、极度的概括不受立体及三维空间的制约，更主观、更感性，这种思潮渐渐影响了当下的科技设计，诸如电脑、手机等。
扁平化设计其实也是包豪斯现代主义风格的一大特点，提倡形式遵循功能，注重产品的功能主义特性在经济效益和效率、形式上提倡非装饰的简单几何造型，这些都在平面化设计中有充分的体现，简单的图形、清晰鲜明的颜色等都是强调功能性的体现。
扁平化一般体现在平滑的直线、曲线上。
简化物体造型，直接表达主体外形，在最短的时间内传递最准确的观感，人们观察时会主动筛选出最突出的视觉形态，其余的都忽略了，是主观的忽略。
其实中国的版画、年画也具有现代性构成因素，并对日本浮世绘画的形成产生过很大的影响。
由于闭关锁国，我们的艺术品不能更好地走出去推向世界，未能对西方现代艺术家产生巨大的影响。
假设当时我们的年画、民间艺术、剪纸精品走出国门，那将是另一番景象，会更具促进作用和借鉴意义。
美术史论文题目解析(2023年)简介
本文将对2023年的美术史论文题目进行解析和探讨。
通过对
这些题目的分析，我们可以深入了解当前美术史研究的热点和趋势。
题目一：当代艺术：传统与创新之间的平衡
这个题目探讨了当代艺术在传统和创新之间寻求平衡的问题。
通过研究当代艺术家如何在继承传统的同时又进行创新，可以深入
理解当代艺术的发展与变革。
题目二：女性艺术家的地位与贡献
这个题目研究了女性艺术家在美术史上的地位和贡献。
通过分
析女性艺术家的作品和生涯，可以探讨性别在美术创作中的影响，
并认识到女性艺术家对美术史的重要贡献。
题目三：艺术市场的影响和挑战
这个题目关注了艺术市场对美术创作和艺术生态的影响和挑战。
通过研究艺术市场的运作机制和市场趋势，可以深入了解艺术市场
对艺术家和作品的塑造力量。
题目四：数字时代下的艺术创作与传播
这个题目探讨了数字时代对艺术创作和传播方式的影响。
通过
分析数字技术对艺术形式和媒介的改变，可以深入探讨数字技术对
艺术创作和传播的挑战和机遇。
结论
通过对2023年美术史论文题目的解析，我们可以看到当代艺术、女性艺术家、艺术市场和数字时代对艺术的影响成为了当前美
术史研究的重要方向。
在这些题目的研究中，我们可以深入探讨这
些领域的发展趋势、社会背景和艺术史的演变，为美术史研究提供
新的视角和理论支持。
用美术史的眼睛看当代艺术作者简介：李珣（1986.5-），女，汉族，贵州贵阳市人，助教，西南大学美术学院硕士，研究方向：版画与现代艺术研究。
摘要：对当代艺术的理解从梳理美术史的角度去读，并分别从六种形态，象征、叙事、传神、写意、抽象、现成品展开分析，六种形态是美术史发展的顺承关系，环环相扣，时代并不会跨过某一阶段，缩短行程。
对比东、西方艺术方式的差异，了解到西方今天的当代艺术是历史发展的必然，而中国的当代艺术却值得商榷，艺术形式何去何从将值得讨论。
关键词：象征、叙事、传神、写意、抽象、现成品西方的当代艺术在美术史的进程中发展了100年才走到今天，而在中国新潮美术运动发生的开始到现在，仅用了1/4的时间便把这100年西方艺术史的行程像筛子一样滤了一遍。
而东、西方当代艺术的形成、发展必有其历史因果，如何把握今天中国的当代艺术，那就必将梳理美术史发展的进程。
美术史一直在追问和解答“艺术是什么？”，千百年来从无定论，总是在知与不知中循环前进，历史使人类看待事物的眼睛局限，也因此，美术史才会不停的前行，历史上对艺术的解答有多个版本，如三位艺术家所释：1、达芬奇观点：“画家头脑应是一面镜子，可不要像某些画家那样被想象弄得精疲力竭。
”我们可以理解到这是模仿论观点下产生的理论，要求除去主观找出对象的真实性。
2、康定斯基：在现形的形式退居次要位置，抽象形式便必然取而代之，客观物摧毁我的想象。
3、齐白石：作画在似与不似之间为妙，太似为媚俗，不似为欺世。
可知对“艺术是什么”的认识和理解，不同历史环境下的认识形态便会产生不同的解释，所以，对艺术的理解可分别从六种形态展开分析，象征、叙事、传神、写意、抽象、现成品，它们既有共时性又有历史性。
一、象征形态人类原始萌芽的状态，表现在巫术、图腾、宗法上，体现出神的力量、人的力量和奴隶主的力量，是至高无上，高度集中的神权象征，既冲突又融和，具有恐惧压抑的崇高美学趋向，这种神秘性在文明社会中逐渐消解，如尼采“上帝死了！”。
象征形态是一种用图像的符号用来指代、象征神的力量，比如非洲木雕、玛雅文明等，都与祭坛、权利的象征有关，其中以玛雅文化的国王为例，他是第一等级的代表，服饰上的图案最为繁复，同时纹饰与造型结合巧妙，让人不由产生庄严、肃穆的压抑感，即通过服饰的细密和刻在石头上的纹案，来表达体现国王的地位和崇高，纹样精巧由局部构成整体，再由整体划分为几大形态。
中国的青铜器也具同样的特征，整体能形成一股结构的力量，同时层次明晰，但不同纹式组合又可产生不同的象征意义，再与大小不一的器物结合便体现不同等级的权力和地位，如拆觥。
由此可见，对于奴隶主来说，巫术观念、图腾观念越强化，来自神秘的不可知力量的精神压力也越巨大，而宗法观念越是强化，来自权力的征服一切的精神魄力也就越是巨大，征服与被征服两股巨大力量的矛盾冲突，激发了一种特殊的想象力，产生了人类史上前所未有的，后世也不可能企及在艺术中的森严、威慑、神秘、恐怖、崇高的美学。
二、叙事形态首先，从我国商代青铜器“莲鹤方壶”中的纹式造型特征可看出，其突破了上古时代的朦胧状态，具一定的时代精神。
郭沫若先生对它曾有一段评价，“莲鹤方壶的艺术风格已有别于殷商、西周，在盖顶莲瓣中心立一张翅之鹤，全然超出了西周以上神秘凝重的氛围，显露出清新的气息。
乃时代精神之象征”。
到了“宴乐铜壶”，图式更进一步表现战争、生活等事件以及直观的场景和器主人的生活。
作为威慑方式的艺术一旦转化为教化方式，精神象征的符号也就逐渐转化成了生动形象的展现，以生动直观的形象讲诉天上、人间、过去和现在“有意义”的故事，这便进入到了叙事形态。
其中，战国时期的“人物龙凤图”，以墓主人的生活以及来世的场景为画面的内容，就有了记叙性的体现。
西方象征形态向叙事形态的转化，应该从希腊古风雕塑说起，这一符号源于埃及的正面律，后来便产生了希腊艺术，代表性雕塑有“维纳斯女神”。
西方的叙事多以神话故事为主，并以插图或建筑物上的辅助物等的形式出现，这种讲故事的方式其实是希腊化的，如“拉奥孔”这一组作品对于叙事的表达方式，就是选取故事的前因和后果中，具有代表性的一个瞬间来表达，它们遵循的美学原理和重要原则是“不到顶点，挣扎过程”。
同样的手法也表现在另一位艺术家达芬奇的作品“最后的晚餐”中，也是同样选取故事中一个矛盾顶点的瞬间，表现主角和配角在过去或此时此地的心情，塑造人物的性格。
由于民族文化、地域文化等因素的差异，最终决定了东西方叙事形态的差异。
三、传神形态这一阶段相当于美术史的青年时代，是观察和了解外部世界的一个时期。
在叙事艺术中，叙事是转译政治、宗教、哲学伦理观念的手段，也是记叙历史现象和神话故事的手段。
可就艺术而言，其实是具有相当的局限性。
形象本身的审美内涵一旦自觉、形象便从叙事手段升格为艺术主体，由此，艺术便不可能仅是政治、神话、历史、生活等各种事件的记叙性插图。
西方艺术中米开朗基罗的“大卫”、达芬奇的“蒙娜丽莎”等作品都是从一个主体形象去表现更深层、更内在的精神世界和画家本人的心理状态。
艺术已开始逐渐转向理性、思考、观察的形态中去，后来乔托的“逃亡埃及”，作品围绕三个人逃跑的场景，不同场景最终演变成了好几张不同的时间和空间的表达方式。
对于中国的这一阶段，可从隋展子虔的”游春图”开创了最早的山水画作品为始，直到宋才真正抵达中国写实绘画和雕塑的最高峰。
绘画方面有范宽的“庐山图”、“雪景寒林图”，北宋张择端的“清明上河图”，宋人的“芙蓉图”，雕塑方面有大足石刻、麦积山和晋祠等。
由此，可以对比看出，西方的传神写实以绝对像的理想化标准为要求；而中国则是程式化的写实方式，强调对对象的细微观察，有些细至入微的地方甚至超越西方。
四、写意形态在大多数人的口头禅中，以为东方写意，西方写实，以形态角度来看，这是比较简单的形象独立划分方式，但同样揭开了再现与表现为他人代言与艺术家自我表达的尖锐矛盾，这种矛盾反映到形象内部，又形成了形、神、意的尖锐冲突。
冲突的最终结果，就是写意艺术的诞生，并同时宣告艺术家的独立。
宋代苏东坡提出写意的概念如“枯木竹石图”，并且以“意”的高低决定作品的质量，为此专门赋诗一首：论画以形似，见与儿童邻。
赋诗必此诗，定非知诗人。
诗画本一律，天工与清新。
写意分为小写意和大写意，其定义也有狭广之分，大致有以下四种理解：1、写其大意，不追求面面俱到；2、写其意象；3、写其胸臆，抒发作者的主观感情；4、写其笔意，画里笔意。
中国的文人画早在唐王维时便已开创，实际写意画也伴随而生，直到后来文侗，米芾，米友仁，王冼，梁楷诗作品得到不同程度的延续和发展；而宋才是真正意义上的第一拨新思想、新方向的萌芽时期；后到元四家时，逐渐形成了新观念和新的规范，明、清时也无法超越，但是在清初的四僧、晚清海上画派，有些在野的画家提出了新的写意方向，其中尤以八大、石涛为写意的代表人物。
西方写意可溯源于罗丹的作品“青铜时代”和“巴尔扎克”，后印象主义，更强调艺术精神的表现，促成光和色的革命，就地反对古典艺术讲故事使艺术变成政治、文学、宗教的附属品的艺术方式，而是把绘画的语言作为独立的审美方式抽离出来。
如莫奈的“日出”，梵高的“自画像”等，对笔触对生命的表达，从色彩、形象、作品本身来解读作品，而不再是故事的内容，由叙事转向形式，是绘画的重大转变。
由绘画本身决定绘画，包括后来的德国表现主义，蒙克的“呐喊”虽具有一定悲剧性，但所有表现主义都是以悲剧为养分。
在中国讲究的超脱精神以及后来的立体主义也都是源于意，只是将其抽离、放大分解的方式不同，产生了东西方不同的艺术表现形式，如：西方现代绘画之父塞尚的“圣维尔火上”，毕加索“亚维农少女”，马蒂斯等。
五、抽象形态西方后期这一阶段的代表艺术家有布朗库西、摩尔、毕加索、封达拉、贾加德等，从他们各自的作品可了解到写意艺术唤醒了色、点、线、面、体本身的意味和表现力，于是，这些被误解“外形式”的怪物最终从再现手段升格为形象本身，这个历史的急转弯宣告：艺术开始了意的现代进程。
但由于历史原因中国的艺术便在此处停歇，徘徊。
六、现成品以杜尚为代表的现成品艺术家，也包括安塞姆基弗，t.p埃斯，博伊斯等，显意识和表意识的需要和潜意识的模仿冲动，构成了造型艺术本体意义上的最基本的矛盾，前现代艺术史就是双方不断冲突，关系不断调整，并不断淡化形态结构的历史，主体与对象，主观与客观，模仿与创造，再现与表现，具象与抽象等的矛盾都是围绕着这一基本矛盾而展开的。
抽象艺术将再现手段独立出来，而抛弃再现对象的必然结果是再现对象抛弃再现手段而独立，但再现对象一旦抛弃再现手段便与再现无关而转化为原对象现成物品。
于是作为抽象艺术的负相，杜尚的现成品便应运而生。
其中，把材料突出出来，把物退到后面去，材料作为单一审美而呈现，本身就可以成为一种生命，然更可转向物质。
杜尚的作品本身也是无任何意义的，但是他引发艺术本身的多种可能性，这种可能性体现在现成品上，在后来的艺术中，很多可能性就是借助“挪用”这一概念，把现成品用成各式各样。
抽象艺术还常保留有艺术家本人的情感和生命状态的体现，但“现成品”的出现其实是相当于把艺术送回艺术本身的出生地，在新的意义上追问艺术和非艺术的状态。
最终，艺术还原了它的本质，变得更纯粹，这是最彻底的一步，无需任何意义。
恰恰是这样反倒开启了艺术的新进程，激发了今天的当代艺术，必须从新的角度去理解艺术。
方法和系统的改变，对一个新的事物注入了新的活力，新的事物自然演变成当下最有力的艺术。
只要艺术家不再站在古典里画古典，印象派里画印象派，传统里画传统，只要不是这样，对一切新的事物灌入新的概念，新的意义，在各种形态的语言中混合，自由中去自由组合，并找到一种方法，属于自己的方法，并形成自己的体系，这样就能找到一种新的可能性，提供一种新的方法，从某种角度来说是找回了一种新的可能性，正如美国批评家丹托：“一切皆有可能”。
以上六种形态，分别从不同时代的中、西方艺术展开分析，到现成品为止，艺术的每一次转变都是有血脉顺承关系的，每一步前进都是有根所溯的，西方的当代艺术走到今天是历史发展的必然，而中国的当代艺术是否是建立在自身艺术的发展规律之上还有待讨论，由于文化的断层，须知要唤回记忆，跨过鸿沟接上血缘才是今天中国当代艺术的历史道路，无中生有，嫁接生长的艺术形态不知会不会半路夭折或者生命力不够顽强，中国短暂的模仿和跟风史跨过了漫长的历史转变，今天的中国当代艺术形态是福是祸，只能有待历史的验证了。
（作者单位：贵州师范大学美术学院）。
