幻想中的骑士，疯狂中的孤独
——简评《我，堂吉诃德》音乐剧
让我们先听听堂吉诃德的独白——
“如果这个世界本身已经足够荒唐，那到底什么才能算是疯狂？
也许太过实际就是疯狂。放弃梦想也许是疯狂。
寻找着珍宝，可周围却只有垃圾。
太过清醒也许正是疯狂。
但最疯狂的，莫过于接受现实，
而不去想这世界到底应该是什么样子！
而人间，
定会不同往昔，
纵然我，
终将疲倦无力，
仍要用伤痕累累的双手，
去摘，
遥不可及的星！”
我们直接由内核剥开“我，堂吉诃德”这位幻想中的骑士，疯子般的孤独之音。那是大海一样不为外人所理解的碎裂，是全剧中最深刻、最精华的思想情感之所在。因为它，堂吉诃德才有存在的理由，因为它，观众才有千百个堂吉诃德，你在梦幻中，在现实中，在清醒中，在疯狂中……你为那遥不可及的星伤痕累累，你又为那勇者直前的斗志锐气昂扬。
并不记得曾看过音乐剧或者舞台剧而动容落泪的情景，一直以来，我都将音乐剧这类戏剧当作是经过美化了的电影，换句话说，通过歌唱、音乐、舞蹈、服饰等等形式艺术化了。这将意味着会在某种程度上减轻故事本身冲突性和深刻性，而这却是打动人的核心之所在。所以在看之前，并不抱着太“入戏”的心理进场的，然而，看罢，《我，堂吉诃德》却在“人性”之展现上，以全方位的诠释，打动了我。
“一百个人眼中，有一百个哈姆雷特”，同样，一百个观众也会有一百个堂吉诃德，在这部音乐剧里，你将看到爱情与性欲，看到现实与荒诞，看到清醒与癫狂，看到顽强与脆弱……而所有都
围绕着“人性”、“真实与梦幻”展开。那是一场真我与幻我的决斗，执着与破执的言和，不可挑战与百折不挠的壮烈，以及世上最为隐秘，最不可排解又最不可或缺的孤独。
这是一部由西班牙作家塞万斯提的小说《堂吉诃德》改编而成的音乐剧，他将作者塞万斯提的经历与角色堂吉诃德的故事结合起来，把故事发生地点放在一个监狱里。回到19世纪，诗人塞万提斯和仆人因为征税得罪了教堂，被指控蔑视教会，而关入牢中。在等待宗教法庭审判之前，塞万提斯还必须接受囚犯的审问。为了保全被抢走的手稿，他提出以自己的戏剧表演来为自己辩护，一方面可以安排他们角色带来消遣，以消磨时光，另一方面希望得到他们的认同，以求放过。堂吉诃德也就此进入戏中。
整部剧，戏中有戏，真幻交错，在浓缩的剧情里，在强化的冲突中，演员们把“现实与梦幻”、“骑士与疯子”、“爱情与孤独”等等演绎得淋漓尽致。观众在“豪华”的视听盛宴里，西式的古典服饰，中化的声乐演唱，感受剧中所有的故事情节。如果你的人生足够丰富，那么，剧中所有的点，都能给你深刻的动容。如果你的人生不够丰富，那么剧中所有的点，都将为你带来全面的启蒙。
有时，梦幻也是真实，现实也是荒诞。最难的时刻，是让你亲眼目睹“梦幻的自我”破裂。最后，用梦幻的堂吉诃德那真实的信仰来结束本文：
“追梦，不会成真的梦，
忍受，不能承受的痛，
挑战，不可战胜的敌手，
跋涉，无人敢行的路。
改变，不容撼动的错，
仰慕，纯真高洁的心，
远征，不惧伤痛与疲惫，
去摘，遥不可及的星！”
影响音乐剧行业发展的几大外因 (2013-09-13 22:16:29) ▼ 标签： 分类：产业解读 音乐剧 妈妈咪呀 猫 产业 文化 这些年来，业界一直在谈论和期待着音乐剧的春天。春天的标志是什么？大约得有一个量化的指标。以个人的看法，至少偌大的中国，五部音乐剧同时上演，或者至少，一个城市里，三部音乐剧同时上演，连演三个月以上。做到这些，大约算得上音乐剧的春天吧。事实上，这些指标虽然只是一些预设，却不苛刻，百老汇与伦敦西区不能比，即便国与日本，也早已将这些指标远远地超越了。 前一段时间看文章，谈到互联网行业很多强大的跨国公司，如雅虎、谷歌、易趣等，纷纷在中国遭遇落败，而且都败给了本地同质化的公司。这些声名显赫的跨国公司，在其他国家发展得大多兴旺，唯独在中国落败，是何原因？如果只是一两家，也许是经营问题，但集体落败，不免令人感到与“更大的因素”有关了。 由此联想到音乐剧行业近些年来的发展，似乎也碰到这样的问题——作为西方舶来品的音乐剧及其运作模式，在中国多少有些水土不服。拿来说吧。十几年来，引进多部海外经典音乐剧，证明了其市场是全国最好的，为此很多公司萌发了在开始音乐剧产业化的雄心壮志。可多年过去，无论原创还是本土化，大型音乐剧能长演三个月以上的一部也没有，更不用说三部大戏同时长演了。也就是说，的音乐剧产业还远未成型，其他城市更不用说了。 值得留意的是，一家落户本地的音乐剧制作公司，两年里陆续推出《妈妈咪呀》和《猫》中文版，第三年又推出改编自国的音乐剧《寻找金钟旭》和《公主的盛宴》中文版。这一系列举措，可谓成果丰硕、阵势不小。但是，如果将其反响与当年亚洲各国相比较，会发现巨大差异。30年前的日本与十几年前的国开始音乐剧本土化的时候，属于爆发式增长，即一经上演后，多个城市长演不衰，随即音乐剧的产业模式开始落地生根，枝繁叶茂。而我们的音乐剧本土化的反响，相比就小得多，更谈不上爆发式。首轮演出一两个月，依靠一系列宣传，尚有不错反响，到了第二轮，情况便会明显弱于前一轮，到第三轮，会更弱，显得后继乏力。换句话说，我们的音乐剧环境缺乏惯性消费，只要不大做宣传，就难以引发市场长期自发购票的状况。
京剧与西方歌剧差异之比较 【摘要】中国京剧和西方歌剧作为一种戏剧艺术，都有着有着悠久的历史。但由于东西方的历史、人文、的迥异，京剧与欧洲歌剧也必定存在很多差异，主要包括：写实与写意的区别，唱腔的不同；差异的产生是由于二者文化背景的不同以及二者诞生的社会制度造成的。 【关键词】京剧；西方歌剧；比较 中国京剧和西方歌剧作为一种戏剧艺术，都有着有着悠久的历史。但由于东西方的历史、人文、的迥异，京剧与欧洲歌剧也必定存在很多差异。 一、写实与写意的区别 中国京剧运用虚拟的表演手法非常普遍，而西方歌剧始终追求逼真的表演效果。京剧，演员要表现一个喝酒的行为，他们手中最多有一个酒杯，而且其中不会有酒。如果要表现一个人物是以车代步，只要有几个画着轮子的旗子就足够了。如果人物要骑马，就拿一条马鞭。而西方歌剧则不然，它是对真实的再现生活或是剧本的原形要求十分严格。比如，表现喝酒的动作，一定会有酒的。对道具的要求也很具体，歌剧《塞维利亚理发师》中，要表现阳台就搭建了实景，理发师的手里也真的拿着刀具。中国戏曲不创造独立于人物之外的自然环境，它的自然环境存在于演员、唱、念、做、打的表演中，存在于舞台人物对它的态度和反映之中。戏曲人物的舞台动作如骑马、上楼、关门、开窗等，都有一套规范的动作符号，因此要求观众采取反观的审美方式，即运用表演者和欣赏者之间特有的交流方式来表演舞台的时空环境，这就是中国戏剧程序性特征的体现。中国戏剧程序性是中国戏剧特有的艺术语言，它直接或间接的来自于生活，是将生活素材提炼、夸张、艺术加工后所表现出来的新的生活样式。戏曲的程式不限于身体运动，戏剧语言、角色行当、音乐唱腔、化妆服饰等也有自己的程式。西方歌剧展现给观众的则是个具体的实在的空间，舞台时空依据舞台物质的再现体现，将舞台装扮成生活中的实际空间来。 二、唱腔的区别 京剧的唱腔与西方歌剧的唱腔在方式上是有差异的。京剧采用的是“吟唱”体系。“吟唱”是指歌唱者所唱的歌调，大体上是一首具有某种程度灵活性的旋律音调，当它和不同的歌词，歌者相结合的时候，由于歌词、歌者、时间、地点、情景等因素的不同，可以即兴的加以装饰、变化、发展。在戏曲中，某一剧种的某一板式，某基调只有一个，但歌唱者运用吟唱方式，可以唱出一些完全不同的腔调来。. 西方歌剧采用的是“咏唱”体系. 咏唱是指歌唱者所唱的歌调,其旋律是和特定的歌词相匹配的,歌唱者在歌唱时,对歌曲的旋律是不能或基本上不能加以
Les Miserable Role: Jean Valjean: 苏绎同 Cosette: 陈秋彤 Marius: 郑邵一 Eponine: 沈一诺 Enjolras: 汪浩天 Javert: 林语冰 Mr. Thenardier: 范宇浩 Mrs. Thenardier: 吕澍芊 Valjean: One day more Another day, another destiny This never ending road to Calvary; This man who seem to know my crime Will surely come a second time One day more... Marius: I did not live until today How can I live when we are parted? Valjean:One day more... Marius & Cosette:Tomorrow you'll be worlds away, And yet with you, my world has started. Eponine:One more day all on my own Marius & Cosette:Will we ever meet again? Eponine:One more day with him not caring Marius & Cosette:I was born to be with you. Eponine:What a life I might have known Marius & Cosette:And I swear I will be true! Eponine:But he never saw me there... Enjolras: (Marius:) One more day before the storm! (Do I follow where she goes?) At the barricades of Freedom! (Shall I join my brothers there?) When our ranks begin to form, (Do I stay or do I dare?) Will you take your place with me? All:The time is now, The day is here Valjean:One day more! Javert: One more day to revolution, We will nip it in the bud! We’ ll be ready for these schoolboys, They will wet themselves with blood! Valjean:One day more! Mr.& Mrs. Thenardier:Watch'em run amuck Catch'em as they fall,
人物形象分析 《巴黎圣母院》描述了爱与被爱的诸多痛苦，揭示了美与丑，善与恶的真谛。在这样一部悲剧到底的小说中有三个主要人物，概括而言：纯洁、善良、坚贞不屈、极富同情心、舍己救人的爱丝梅哈达；阴险、狠毒、虚伪、没有人性的克洛德和善良、高尚、疾恶如仇的卡西莫多。还有无情无义的弗里斯，落魄诗人甘果瓦和丢失了孩子的可怜母亲“香花歌乐女”等，其人物各具特色，具备鲜明的个性特色。 克洛德（阴险狠毒、虚伪狡诈、苛刻自私，可悲可怜敢爱敢恨） 克罗德：克罗德是一个双重性格的人物。有教士的阴险和虚伪，但是也有人性被压抑的悲哀。一方面道貌岸然，内心阴险毒辣，为满足自己的欲念不择手段：他出于淫欲指使加西莫多劫持爱丝梅哈达；又出于嫉妒刺杀弗比斯却嫁祸于爱丝梅哈达；他因得不到爱丝梅哈达的爱情而将她置于死地。另一方面，他又是宗教禁欲主义的牺牲品，长久的禁欲扭曲了他的灵魂。他越是意识到自己失去了人间的欢乐，便越是仇恨世人，仇视世间一切美好的事物。克洛德也是被命运折磨的一个可悲又可怜的人。他有他善良和人性的一面。他很小时候就被父母做主，要他献身神职，他照顾弟弟，收留加西莫多，但是他的人性已经被教会的制度一步步异化。所以在他身上表现的是严厉，苛刻的，自私的，虚伪的，更是狠毒。他由一开始对于爱斯梅拉达的爱就是畸形的，残缺的。处处表现出狰狞可怕的一面，让人不寒而栗。作为一个教士，他过着清苦禁欲的生活，他回避人世间的欢乐和享受。在任何人面前他都得伪装出一副冷漠的神情。他是虚伪的，冷漠的。 这就是克洛德，一个复杂多面的，一个具有双重人格的可怜人。 但是，我们不能就此断定克洛德就是这样一个可憎可恨的人物。我们无法否认，他在爱情面前是个敢爱敢恨的勇敢者，他爱得真切、爱得透彻、爱得疯狂，他是经历了灵与肉的挣扎和搏斗，拿人性与神性进行了严峻的挑战。这份勇气足以令爱情游戏中的各色伪君子无地自容，面对强烈的爱情，作为一个从事圣职的副主教，他对宗教禁欲主义的挑战又是无比大胆的 在赏识克洛德对爱情的勇敢追求的同时，又不得不指出这爱的畸形和变异。宗教禁欲主义在他身上造就了阴暗的心狱，他几乎丧失了爱的能力，他已不谙如何表达爱，如何取悦于所爱之人，他越是被拒绝，就得越疯狂，越失去理智，也就越不择手段，直至把所爱的人推上绞刑架，在目睹惨象中满足自己的占有欲。 多年的修士生活和充斥大脑的禁欲主义毒化了他那份真诚的刻骨铭心的爱情，剥夺了他爱情的权利，压抑、扭曲、毁灭了他的人性，也注定了克洛德苍蝇般的可怜克洛德最后被伽西莫多推下钟楼，摔死在巴黎圣母院，成了宗教的殉葬品。 爱斯美拉达（质朴纯洁、善良、坚贞不屈、极富同情心、舍己救人天真可悲） 爱斯美拉达是一位能歌善舞的十六岁美女，她遇到了自己所爱的人，便不顾一切地无怨无悔地爱上了对方。不管这种爱情是否有结果，不管对方是否真的爱自己，甚至明明知道这种爱情不可能有结果，甚至明明知道对方并不真心爱自己，也依然一往情深地爱着对方，依然对这样虚幻的爱情忠贞不渝。她不但有一个完美无缺的躯体，也有一颗高尚纯洁善良的心灵。当诗人格兰古瓦即将被乞丐王国绞死的关键时刻，她毫不犹豫地以愿意和他结婚的方式救下了诗人。诗人被她的美貌和高尚所震撼，立刻身不由己地爱上了她，并希望能成为她名副其实的丈夫。但是爱斯美拉达为了她心目中的爱情偶像，平静地拒绝了他：“我只能爱一个能够保护我的男子汉。”并告诉他，和他结婚只是为了救他的命，所以只能和他维持名义上的夫妻关系。 当副主教克洛德利用种种卑劣手段想强迫爱斯美拉达接受他的爱情时，爱斯美拉达宁死不
学院：地质学院班级：勘查技术与工程2011-1班姓名：相光辉学号：201101171230 音乐剧对大学生的影响 摘要：当今世界的经济竞争是综合国力的竞争，实际上就是人才的竞争、教育的竞争，随着我国经济社会的全面发展，人们不再仅仅满足于追求物质的享受，而是不断向着精神文明前进。大学生是时代的人才，也要不断追求着德、智、体、美的全面发展。能否培养出更多更好的适当时代发展需要的有创新能力的高素质人才，是每一个国家和民族面临的紧迫问题，它关系着国家和民族的前途和命运，因此，为适应时代的发展，国家提出了“以艺术教育为突破口”的素质教育口号。而各大高校开设音乐剧赏析这一课程也正是响应了这一口号，音乐剧有它自己独特的地方，它作为一门综合艺术对加强大学生的综合素养有着不可替代的作用。关键字：大学生高校音乐剧素养 正文：音乐剧作为一种独立于舞台的音乐戏剧形式，经历了百年来的发展后，已经成为了活跃于二十世纪世界艺术舞台上最重要的舞台音乐形式之一。它凭借着独特的艺术魅力，及自身巨大的亲和力，赢得了大众的青睐和喜爱。关于音乐剧的起源，目前说法甚多：一说起源于欧洲19世纪古典轻歌剧和喜歌剧；一说起源于美国本土的由乡村歌曲、黑人灵歌与爵士音乐和流行歌舞拼装而成的歌舞杂耍；一说起源于19世纪英国人创造的“音乐滑稽剧”和“音乐喜剧”；一说是1866年的《黑钩子》以及后来的“话剧加歌舞”的戏剧类型。另外还有一种“综合起源说”，认为音乐剧这种极为复杂的文化现象，不大可能仅从单一文化源流中生成，它必须从多种文化成分中吸取养料构筑自己的艺术血肉，因此它的形式来源必须是多元化的。 音乐剧的特征 1. 综合性 音乐剧是由音乐、舞蹈、表演等各种艺术形式有机地结合在一起的。为了表现舞台故事而创作的有关音乐，常常综合了多种形式、多种风格，特别是常常把歌剧、轻歌剧和爵士乐整合为一个有机体。 2. 现代性 音乐剧不再应用传统的音乐舞蹈和简单的舞台技术。首先在音乐方面，不再坚持美声唱法，而是用最符合当代观众需求的唱法。因此，早期有爵士乐为主的音乐剧，后来有摇滚乐的音乐剧、乡村音乐的音乐剧等。总之，风格是非常现代的。在舞蹈方面，不只是过去美式的踢踏舞，不单有了芭蕾舞的动作，还有体操式的舞蹈动作和其它很多现代舞蹈语言。同时，舞台技术也很现代化，一些先进科技的布景技巧和印象、灯光方面的先进技术都登上了音乐剧的舞台。 3. 多元性 音乐剧不再坚持单一的艺术形式，从其演唱有古典唱法和各类通俗唱法可以看出来这一特点。音乐剧的题材从古代到现代，从轻喜剧到重喜剧，从科幻到神话，无所不有。音乐也是不拘一格，不受任何公式化模式的束缚。音乐传统有爵士、摇滚、乡村音乐、迪斯科、灵魂乐，也有大混合式的作曲。有偏向歌剧的，也有偏向轻歌剧的，还有轻歌舞剧。舞蹈也是多种流派，异彩纷呈的。 4. 灵活性
南京理工大学 《西洋歌剧名作赏析》选修课结课论文 威尔第、普契尼及其歌剧作 品异同之比较 班级：10042203 姓名：马若飞 学号：1004220334 电子工程与光电技术学院 2011-12-10
威尔第、普契尼及其歌剧作品异同之比较 世界歌剧的历史，是从意大利开始谱写的，歌剧于1600年左右在佛罗伦萨诞生以来，创造了灿烂辉煌的历史，经过几代作曲家创作、积淀，终于在威尔第、普契尼的创作中达到了又一个顶峰。 不可避免地，全世界的歌剧发展几乎都是在意大利歌剧的影响下进行的。威尔第与普契尼的歌剧创作有着极其相近的共同点，他们都十分敏感、十分准确地观察、审视着他们身边的社会情况，用符合社会心理的思想指导歌剧创作； 因此所创作出的作品风格迥异。但是，他们之间又具有显而易见的差异，两位作曲家所处的时代背景、人生经历、个人审美观的不同，直接影响了他们的思想和艺术创作，影响了他们对人、对社会的认识方式和程度，反映在他们的作品中，因而使得他们作品的社会价值有所区别。虽然他们的歌剧都是十分重要的音乐文献，但如果我们把他们的歌剧与他们的社会、思想联系起来，再把他们之间由于所处的环境差异而导致作品的不同来进行比较研究，我们就可以更准确地学习研究两位作曲家的作品，进而更好地诠释两人的作品。 一、作品整体风格方面 刚刚已经提到，两人作品间有着明显的差异，我以为这种差异具体表现在“威尔第的歌剧中那种胸怀宽广的气度,包含着对祖国对家庭的爱，普契尼的歌剧则更多地描写人间感情；威尔第的歌剧更具有戏剧性，普契尼的歌剧则具有抒情性；威尔第的歌剧创作风格为浪漫主义,而普契尼的歌剧创作风格则属真实主义。” 浪漫主义是继古典主义之后风靡世界的一种文艺思潮，其特点是理想性强，感情炙烈，喜欢描写和赞美自然，艺术手法夸张。而真实主义的思潮还在浪漫主义与古典主义进行激烈斗争的年代里就开始萌动了，直到19世纪30年代以后，真实主义才兴旺发达起来，并逐渐成为占主导地位的文艺思潮，认为“优秀的创作有如一面照路的镜子，既映出美丽的蓝天，也照出路上的泥塘。（司汤达）” 威尔第是一位把浪漫主义歌剧发挥到极致的作曲家，威尔第的音乐集中体现了戏剧性的力量和热情。他具有通晓情节和冲突方面——也就是戏剧方面的全部情感的想象力，因而能使戏剧性场面充满令人激动的表现力。他一次又一次地要求他的脚本作家：“短小的戏剧、迅速的发展、饱满的热情……热情至上！”威尔第是真正的意大利人，他的艺术以旋律为基础，对他来说，旋律是人类情感的最直接的表达。他坚持说：“缺乏自发、自然和简明的艺术不是艺术。”威尔第继承了丰富的传统，又具有惊人的创造力，是浪漫主义歌剧的杰出代表。 如果说威尔第的歌剧能够震撼人心的话，普契尼的歌剧则能够感化人心。 “在普契尼的歌剧中，洋溢着不同于威尔第的清新风格，虽然没有威尔第歌剧那样大气磅礴、那样深刻，他的抒情性吸引了千千万万的听众，无论他们来自哪一个阶层，都感受到了普契尼歌剧所特有的真诚、自然和亲切。”因为在普契尼的歌剧中描绘的人和事，往往就像发生在他们身边故事。普契尼的作品虽然没有威尔第那么多，他一共创作了十二部歌剧，却几乎每一部都代表了他的水平，都是他充分构思之后的精心之作。在普契尼的歌剧中，戏剧化的矛盾冲突、热烈而紧张的舞台气氛、抒情而伤感的音乐风格，寻常百姓的心理和身边琐事的悲剧，以及他对平凡生活中小人物的同情心，无不打动人心。无论是歌剧男女主角的爱情悲剧，还是音乐中的异国风韵，全都会在戏剧和音乐的发展过程中渗入到每一位听众的心灵深处。 比如《托斯卡》，话剧《托斯卡》是一部以重要的历史事件为背景，把性、虐待狂、宗教和艺术各种成分融为一体的一部作品。他以真实主义的手法体现了激烈的心理矛盾冲突，强暴、凶杀和历史事件等因素创造性地融合在一起。这里不仅有善良的爱，正义的爱，也有像斯卡尔皮亚、斯波莱塔那样险恶的坏人。《绣花女》是以博得人们同情的眼泪而获得成功的，《托斯卡》则是能唤起人
最新音乐剧悲惨世界的鉴赏 《悲惨世界》音乐整体气势恢宏，大气磅礴，富有史诗般的色彩，配乐是以古典乐为基础的，营造出了一种磅礴而深沉的气势，与剧 中所表达的主题非常符合。在音乐剧《悲惨世界》中，全新的音乐 并不很多，而且旋律很简单。而正是因此，才更显出作曲家超凡的 创作才能，用很少的素材就能将雨果笔下的鸿篇巨著诠释地如此细 腻深刻。旋律简单不仅是为了好唱、好听，而且容易让观众理解和 记忆，从而受到广大观众的喜爱。 在《悲惨世界》中，每一个人物都有一种性格，这种性格可以用音乐表现出来，剧中不同人物的演唱曲调总有不同的音乐主题性， 比如芳汀的主题、冉阿让主题、沙威的音乐主题等。通过不同主题 来突显出人物鲜明的性格，人物的不同性格与各自的命运，冉阿让 经过苦难磨练而对上帝的深沉敬仰，芳婷的纯洁与软弱，沙威的威 严与冷酷，都很好的表现出来。 总的来说，背景音乐对于剧情的发展起了推动作用，当剧情发生变化，背景音乐也随之变化，并且反映了剧情的内容。音乐片段《AttheEndoftheDay》，这首曲子的节奏很快，演员们的词也都很多，但同样的曲调、同样的节奏在两类人的演绎下表现出了不同的 感觉。 曾几何时人们和颜悦色 他们声音温柔 话语讨人喜欢 曾几何时爱情无所禁忌 世界是一首歌 歌声动人心弦
曾几何时… 一切都变成如今的摸样 我层梦见过往的时光 那时梦想的帆高扬，人生充满了希望我梦见爱永不止息 我梦见上帝如此宽容 那时我年轻而无惧 梦想被打造也被虚掷 自由也无须赎买 没有未唱的歌没有未尝的美酒 可饿虎在夜晚降临 低吼如暗雷低回 摧毁你的希望 使你梦想蒙羞 他在我身旁睡了整个夏天 他让每天都充满奇迹 他从容的安定了我的童年 可秋天来时他却离开了我 我始终渴望她回到我身旁 一同度过往后的岁月 但这梦想不会成真了 我们再经不起这些狂风暴雨 我曾经梦想的人生
题目浅析爵士乐在音乐剧发展中的地位与作用姓名与学号林嘉颖3090100768 指导教师张重辉 年级与专业机械电子工程0902 所在学院机械工程学系
浅析爵士乐在音乐剧发展中的地位与作用 摘要 自从爵士乐诞生并进入音乐剧，便一直为音乐剧带来源源不断的激情，活力与惊喜。本文以《芝加哥》，《西部故事》，《爵士歌手》等经典音乐剧为切入点，通过对爵士乐与音乐剧各自的发展历程与特点的分析，得出以下结论——爵士乐不仅在音乐上充实着音乐剧的构架，而且在音乐剧的戏剧特征，情感表达，情节发展，精神内核，及商业支持，等各个方面影响着音乐剧的发展。随着多种音乐的不断融合，爵士乐也会在这个大背景下吸收各种音乐风格的精华，同时更强烈地表现出自己的特点，在音乐剧中将有进一步的发展，他的地位也不会因为音乐的融合而被削弱。 关键词 爵士乐音乐剧发展地位 一追根溯源 1.1爵士乐的起源与特点 有关爵士乐的起源素有多种说法，但是较为普遍的说法是其起源于19世纪末的新奥尔良。当时的历史背景非常值得我们注意： 1 首先爵士乐是一种“混血产物”——以英美传统音乐为基础，混合了布鲁斯、拉格泰姆（拉格泰姆自身就是欧洲和非洲音乐传统集大成的一种音乐形式），及其它音乐类型（如蓄奴制时代的做工歌曲、儿歌及舞曲等）（文献【1】）。在当时的新奥尔良是多种文化流派相互交流相互融合的地方，这也更加加快了爵士乐的发展。爵士乐起源的多样性从根源上表明了爵士乐的复杂性和多样性。正是由于爵士乐的多样性使其能够不断向前发展变化，因此为音乐剧提供了大量音乐素材。 2 在17世纪中期之前新奥尔良地区白种人和黑种人之间的通婚促进了欧洲与非洲传统的融合。这些通婚后繁衍下来的子孙后代，称作克里奥耳人。与传统黑人不同，克里奥
巴黎圣母院音乐剧观后感 演出分为了两幕。 第一幕从《大教堂时代》开始由葛林果主唱，刚开始的声音很嘹亮但又不失掉雨果在原作中对巴黎建筑群所描写出史诗般的感觉，再加上演唱者葛林果的外貌俊朗棱角分明，很符合一个法国行吟诗人的浪漫气质，使开场的演出很让人的眼睛为之亮起来，而耳朵就更是十足的享受。 开始然后是《非法移民》由克娄潘唱，将那些无家的游民的真实写照唱了出来，他们的命运是社会造成的，是社会的阶级和不公平带来的，所以克娄潘的强调是和义愤填膺的是充满了抗争和控诉的，正如他在后面的几出戏中都唱到了控诉推翻字样的唱词。 《弗侯洛的出场》将弗侯洛出场仿佛就是在预示悲剧。 弗侯洛的扮演者的唱腔不是很能让人一听就记住，但你一听到他的声音，你就能感到他声音是被压抑了的，听到他压抑的灵魂虽然是博学的，是近乎于神人的，但是你却能分明的听到他的声音的最下层是无助的，是人性的。 让后是《波希米亚的女郎》艾丝梅拉达的出厂让全场的人为之激动，能感到周围的人有点躁动的感觉，毕竟她太美了虽然我坐在二楼几乎看不清楚她的脸，但是从舞姿中，我就不由得感到了那个在广场上舞蹈，充满了活力，美丽，善良，无暇。 《在愚人教皇》中，伽西莫多出场了，他的外貌相信所有看过原著的人都能大概的想象出来，但是他怎么走路，怎么敲钟，等等他动作的姿态是什么样子的呢？看到他借助手臂的挥舞来做走路的动力时，一切就豁然了。 但是一想到他即将在两个小时后的悲惨结局，又让我很为他伤怀。 他的声音有一点的嘶哑，但这时却是显得无忧虑的，比之见到了艾丝梅拉达及以后不能的到她的爱的悲痛欲绝，愤恨上帝的不公的声音要让人欣慰得多。 第一幕结束于《命运》这个刻在圣母院墙上的希腊字上面。 好象是这么写的第二幕由《佛罗伦萨》开始，又两位唱者开始，声音交融，嘹亮。 中间的过程显得很紧凑，很有张力，像弗侯洛对艾丝梅拉达的侮辱那段，当眼看纯洁的她将被人猥亵时，伽西莫多的出现让人为之雀跃，虽然大家都知道会有这一个场景出现。
音乐剧经典作品欣赏 音乐剧是一门“整合”的表演艺术—通过整合“歌”、“舞”、“剧”三个核心元素，便可进入“无声不歌，无动不舞”的“总体剧场”美学的意境。诞生仅约一百年的音乐剧由于没有过重的传统包袱，在商业挂帅的经营方针以及折衷主义式的创作导向影响下，创作者不断进行改革与创新，为人类贡献出一大批最能迎合当代品味、最能引领未来潮流的音乐剧作品。 音乐是音乐剧的灵魂，作曲家为音乐剧插上了想象的翅膀。他在充分理解剧情的情况下，通过不同的音乐形式和节奏来展现剧中不同角色丰富的内心世界。在他的笔下，音乐成了无声的语言，可以通过如泣如诉的乐音诉说剧中人的心情。优美的音乐是一部剧作吸引观众的最有力的工具，琅琅上口的旋律始终是一部剧作卖座的最好的招牌。 戏剧是音乐剧的基石，剧作家为音乐剧创作了抒情的蓝本。剧作家往往根据一个故事或者一个创意，结合现实生活中最为引人关注的主题进行剧本的创作。剧本是剧作的载体，好的剧本除了完成介绍剧情、渲染气氛的基本任务之外，还可以起到强化戏剧冲突，加强剧作感染力的效果。正是戏剧部分中那完美的框架和线索、完整的故事情节和激烈的戏剧冲突，才使得音乐剧作品能够真正地走入大众的心里，从而留下深刻的印象。 舞蹈是音乐剧的重要表现形式，舞蹈设计师为音乐剧的舞台创造了流动的美感。舞蹈设计师的存在使得音乐剧可以使用除了音乐之外的另外一种方式——舞蹈来表达剧中人强烈的情绪。舞蹈为音乐剧的舞台带来了流动的雕塑，通过舞蹈演员的肢体语言，可以表达剧本和音乐所无法承载的情感和思想，这一点已经在许多经典的音乐剧中得到了证明。 对于音乐剧，相信大家都有一定的了解，而我有幸这学期选修了这一门课，在本学期的几节课中，我们观看了几部音乐剧，而其中令我印象最深的就是改编自法国著名小说家雨果所著的时代性小说《巴黎圣母院》的音乐剧。小说无疑是经典中的经典，它围绕人物卡西莫多为核心，以着重刻画几段不同的爱情，从而将宿命的悲剧提炼成爱的悲剧。音乐剧则在延续了原作定下的悲凉基调的基础之上，借用现代艺术的形式，表现出了或自由，或压抑，或痛苦，或释然的人物形象，不同于小说，《巴黎圣母院》剧中角色与场面充满对立及冲突：倾慕与狂恋互相纠缠，誓言与背叛相互拆台，权利与占有互依而生，宿命与抗争连续不断，原罪与救赎充斥其中，沉沦与升华互相转换......美德与污秽在这里并存，道德与欲望在相对叫嚣。 《巴黎圣母院》这一音乐剧中，第一大特色就是其独特的法国舞台——带给我们新鲜的听觉与视觉，展现出它不凡的魅力。移动的方柱，抽象化的布景，绝对堪称舞台设计的经典，他们抛弃了沿用百年的歌剧布景规则，抛弃了群舞、干冰、甚至是绝对的主题曲——显得此音乐剧更加纯粹，运用了与京剧布景技巧如出一辙的简化布景，用少量象征性元素表现大体量的景物，其中最令人过目难忘的恐怕就是用怪兽雕像象征巨大的巴黎圣母院，不仅充满了现代感，又渲染了整部歌剧的基调：强权下的压制，黑夜中的抗争，使我们感受到不屈的自由的灵魂在强权压榨欺凌的社会中叫嚣着抗争。 《巴黎圣母院》的第二大特色就是它诗一般的语言及流行化的唱法，不但符合剧中各人物的性格，更使得音乐剧呈现出一种波澜壮阔血泪交织的艺术效果。 《巴黎圣母院》的第三大特色即是场景的安排。其中有一幕卡西莫多、腓比
西方经典音乐剧赏析 在这学期的西方经典音乐剧课程里，我们学习观看了很多部世界世界名剧。有《歌剧魅影》、《悲惨世界》等。在老师对这些戏剧的讲解后，使我对西方戏剧产生了兴趣，我们在不知觉间已经与音乐剧亲密接触了整整一个学期。从一开始的仅仅听过《猫》和《歌剧魅影》的懵懂无知，到现在对于音乐剧有了些更深入的了解，越是了解越发喜爱，西方音乐剧带领我们进入了一个全新的世界，一个以前从未深入涉猎，基本不曾了解的美妙世界。 《悲惨世界》的音乐整体气势恢宏，大气磅礴，富有史诗般的色彩。人物性格鲜明，剧中不同人物的演唱曲调总有不同的音乐主题性，来突显出人物的不同性格与各自的命运。唱段刚开始，是芳汀的主题。芳婷的“我曾有梦”，她的梦是美好的，然而现实却是残酷无情的。而当芳婷即将死去，向冉阿让托孤时两人的对唱也让人不禁心痛。她不愿死去，更不愿让珂塞特孤苦伶仃。当她唱到“告诉珂塞特我爱她，我会在醒来后看见她”时带着哭腔，仅这一句，就将一个人、一个女人、一位母亲临终前的不舍和恳求之情表现得淋漓尽致，令人不心碎都难！芳汀主题概括而言，就是被爱遗弃、渴望爱、为爱牺牲、将爱交讬。 在《悲惨世界》中，每一个人物都有一种性格，这种性格可以用音乐表现出来。冉阿让经过苦难磨练而对上帝的深沉敬仰，芳婷的纯洁与软弱，沙威的威严与冷酷。这些性格分别用不同的主题旋律表现出来以后，显得格外鲜明。 以前有朋友曾经讨论过音乐与语言的问题，实际上，我认为，音乐不是不可言说，像音乐剧《悲惨世界》这样，把音乐语言化，不仅使语言的魅力大增，也使音乐变得更加容易理解。毕竟，音乐并非为了音乐本身，而是为其表达的内容。单单旋律是没有意义的，但是如果这个旋律打动了某一根心弦，那便是它的意义所在。在音乐的国度里，没有国家的界限，没有民族的差异，更没有语言的障碍，这是一种心灵的融合，是人类共同追求的体现吧。一部好的作品，必定有其出色的艺术功底以及深刻的思想内涵的，而《悲惨世界》则同时兼备了这两点。不可否认，《悲惨世界》是一部名副其实的世界名剧。 我最喜欢的就是安德鲁·劳埃德·韦伯的《歌剧魅影》，不仅给我以视觉的冲击，而且结构和音乐也给我记到的震撼和感动！ 《歌剧魅影》的结尾处给我留有一个疑问，刚开始看到魅影从镜子中走后，我觉得魅影应该是死了，因为他不曾接触过这个世界，他除了歌剧院哪里都没去过，无法生活，可最后回到现实，墓碑前的花，那是克莉斯汀和魅影“信物”除了魅影不会是别人，真的挺让人迷惑的；再就是克莉斯汀到底爱没爱过魅影，劳尔把音乐盒放到克莉斯汀墓碑前，说明这对她很重要，但同时那又是魅影心爱的东西，给人一个可以想象的空间，让大家有不同的感受。天生的丑陋和残酷的现实使得魅影变得冷漠无情，用暴力来反抗这个世界，但其实他也渴望被大家接受、认可，在最后克莉斯汀对魅影说“你不是孤单一人”就是很好的说明了魅影内心的恐惧，其实也就是说当时人们以貌取人，歧视他人的一种社会风气，不论他是否才华出众，但同时也告诉我们不管遇到什么挫折，都不要悲观，要积极面对，是金子总会发光的，不要事事激进，学会安慰、鼓励自己。对于我这样学音乐表
中国传统京剧与西方歌剧的比较 众所周知，中国的京剧被誉为“中国的歌剧”，英语名称也是“Beijing Opera”（北京歌剧）。中国的京剧在国际上享有盛誉，今天我们就来介绍一下京剧与西方歌剧的相同点与不同点。 我们先来听一小段传统京剧——《三岔口》。 虽然京剧广义上也属于歌剧，但以京剧艺术为代表的中国戏曲艺术却与西方概念中的“歌剧”有着非常大的本质区别。首先，戏曲艺术并不是什么“歌剧”，甚至也不是“歌舞剧”，而是一种内涵非常丰富的综合性戏剧艺术。 下面有个很有意思的例子：西医讲究对每一种药品的“分析”——阿司匹林是治什么的、咖啡因是治什么的……哪个药是专治头疼的，哪个药又是专治胃痛的……而中医则讲究的是“辨证施治”，综合“调理”，头痛了可能给你的脚上扎一针就好了，如果你的“感冒”是由于身体虚弱而引起的，那么或许给你“补一补”而并不是“清热解毒”…… 这是东西方哲学思想上的根本不同之处。 在戏剧方面，情况也是这样的。西方把戏剧艺术给“分解”得细而又细，可以说是把“物质”都给分解成了“元素”：“歌剧”是运用“歌唱”来表现剧情的，那么它就没有“舞蹈”，也不能“说话”；“话剧”是用“话”来表现剧情的，那么它就要没完没了地“说”，像哈姆雷特的大段独白就是一个人在那里自说自话……话剧里几乎是从来不“唱”不“舞”的；“舞剧”是用“舞”来表现剧情的，那么它的一切戏剧内容就都要通过人体的律动——“舞蹈”的形式来反映。每一句话，每一个情感交流，每一点情节……都靠舞蹈表现之。绝对不能“唱”或“说”出来，甚至连一些静止的造型都属于舞剧中的忌讳。 下面我们给大家听一段全是“唱”的西方古典歌剧，看一段全是“舞”的舞剧。比较一下，大家是不是体会到了些什么？ 中国戏曲则与之根本不同：戏曲艺术本身首先就是文学（语言艺术、诗歌、音韵……）、音乐（唱腔、伴奏……）、美术（服装、化妆……）与表演艺术的大综合体；而在表演艺术方面，它又是讲究唱、念、做、打的综合，即包括了歌唱、说话、表演动作和舞蹈、杂技等等方面的。因此，说戏曲是某种“歌剧”，拿戏曲艺术来与西方的“歌剧”作比较，这本身就有很大的不可比性。如果要比，似乎应该是拿戏曲艺术与西方的歌剧＋话剧＋舞剧＋哑剧＋清唱剧……综合地进行比较才合理。 其次，如果仅仅就戏曲的“唱”来与西方歌剧的“声乐”来进行一下比较的话，那也可以说是“风马牛不相及”的根本不同的两个东西。 西方的声乐体系是按照演唱者的音域和演唱方法来划分成“男高音”、“男中音”、“男低音”、“女高音”（包括“戏剧女高音”和“花腔女高音”）、“女中音”、“女低音”的。这个区分是由歌剧的作曲家来给予区别的，一个小伙子可能是由一位男低音演员来主唱的，也可能是由一位男高音或男中音演员来主唱的；而一位老人却也同样可能是要么由男低音来唱、男中音来唱或男高音来唱……也就是说，一个剧中人的歌唱艺术风格，是由作
论对音乐剧《巴黎圣母院》的赏析 杨sure
对于音乐剧，相信大家都有一定的了解，而我有幸这学期选修了这一门课，在这为数不多的几堂课里，我们观看了几部音乐剧，而其中令我映象最深的就是改编自法国著名小说家雨果所著的时代性小说《巴黎圣母院》的音乐剧。小说无疑是经典中的经典，它围绕人物卡西莫多为核心，以着重刻画几段不同的爱情，从而将宿命的悲剧提炼成爱的悲剧。音乐剧则在延续了原作定下的悲凉基调的基础之上，借用现代艺术的形式，表现出了或自由，或压抑，或痛苦，或释然的人物形象，不同于小说，《巴黎圣母院》剧中角色与场面充满对立及冲突：倾慕与狂恋互相纠缠，誓言与背叛相互拆台，权利与占有互依而生，宿命与抗争连续不断，原罪与救赎充斥其中，沉沦与升华互相转换......美德与污秽在这里并存，道德与欲望在相对叫嚣。 《巴黎圣母院》这一音乐剧中，一大亮点就是其独特的法国舞台——带给我们新鲜的听觉与视觉，展现出它不凡的魅力。移动的方柱，抽象化的布景，绝对堪称舞台设计的经典，他们抛弃了沿用百年的歌剧布景规则，抛弃了群舞、干冰、甚至是绝对的主题曲——显得此音乐剧更加纯粹，运用了与京剧布景技巧如出一辙的简化布景，用少量象征性元素表现大体量的景物，其中最令人过目难忘的恐怕就是用怪兽雕像象征巨大的巴黎圣母院，不仅充满了现代感，又渲染了整部歌剧的基调：强权下的压制，黑夜中的抗争，使我们感受到不屈的自由的灵魂在强权压榨欺凌的社会中叫嚣着抗争。 《巴黎圣母院》第二大特色就是它诗一般的语言及流行化的唱法，不但符合剧中各人物的性格，更使得音乐剧呈现出一种波澜壮阔血泪交织的艺术效果。例如其中的《Le Pape des fous（愚人教皇）》、《Tu vas me d ruire (致命狂恋)》、《Je reviens vers toi（迷途知返)》，尤其是在音乐剧的最后一幕《Danse mon
精品文档 悲惨世界》音乐剧赏析 背景介绍 不可辨驳，音乐剧《悲惨世界》(Les Miserables)改编自雨果的超级IP著作《悲惨世界》，但也推动书籍《悲惨世界》成为了人们心中不朽的著作，两种艺术形式互相成就。推动彼此成为不朽的传奇。音乐剧从20 世纪开始就成为了舞台上闪耀的一颗明星，当然音乐剧《悲惨世界》已经成为了经典中的经典，有一丝后不见来者不可撼动感。音乐剧《悲惨世界》以法国半个世纪的历史为背景，在历史的长河中用一个社会中极其不起眼的小人物冉.阿让去揭露历史的现状，歌词深刻干练，音乐丰富多样，仔细观赏是一场视觉与听觉的极大享受。 情景简介 那是十九世纪的巴黎，贫困潦倒的冉.阿让为了自己妹妹的孩子活下来不被活活饿死， 选择了去偷面包，结果被不知人间饥渴的法官判处了19 年的牢狱苦役，出狱之后的冉.阿让 依旧的无以生存，陷入多年以前的走投无路的困境，但上帝还没有完全地将这个悲惨的人物 忘记，好心的米里哀主教收留了他过夜，但贫穷再次让他犯下了错误，填饱肚子抓住偷走了主教的银器潜逃。后被警察沙威逮捕，主教声称银器是送给他的。让冉.阿让免于逮捕，主 教的行为再一次触及到了阿让的良知，感化了阿让，化名马德兰，决定开始新的人生，十年的时间造就了阿让，使他成为了成功的商人并成为了马兰德市市长，沙威警察再一次的出现， 一心想要找阿让的麻烦。在此期间阿让得知了妓女芳汀的悲惨经历，并承诺要照顾私生女柯 赛特，这一切的一切都被警察沙威看在眼里，一系列的行动让沙威开始陷入了深深的自我怀疑，最后经不住内心的考验选择了用死亡那个来终结犯下的错误。之后阿让将柯赛特抚养长大，在法国大革命的炮火中救出了柯赛特的心上人，并将看做自己亲生孩子的柯赛特交付给了年轻人，并选择在婚礼上失踪，只是因为内心中逃犯的身份让他在隆重的场合上显得无比怯懦。 歌词赏析 作为史诗派的先河，但是音乐剧《悲惨世界》的歌词极其的简洁易懂，不需要任何高深的理解，不不必揣摩深意。在开始的Starring( in order of appearance )中，开始以厚重的中音啊来拉开篇章啊啊啊啊啊啊啊啊啊啊 天可怜见悲惨世界 低头等死俯首认降烈日荼毒此处是人间炼狱 十年内老死无望 曲子开始工人们愤愤唱着歌，一边不断的劳作控诉这黑暗的现实，工人们一刻也不得闲，只要敢怠慢一分钟，头顶的皮鞭就会落在身上，在劳累和疼痛的折磨下唱出了低鸣声啊，奠定了一种极其悲惨的氛围，描绘了当时的社会背景，正如歌词中演唱的人间炼狱，等死无望。、 精品文档清白如我唉哎上告 仁慈我主听我衷肠我知伊人在水一方（犯人开始控诉）
《巴黎圣母院》影视鉴赏 法国浪漫主义作家维克多〃雨果在1831年创作了长篇小说《巴黎圣母院》又名《钟楼怪人》，自1923年美国默片《巴黎圣母院》诞生以来，小说被改编为多种版本在全世界上映，但最为中国观众熟悉的是1956年法国导演让〃德拉努瓦拍摄的电影作品，它是改革开放初期中国观众最早看到的西方影片之一。 一、强烈的对比手法 为了鞭挞丑恶，歌颂善良，影片中使用了强烈的对比手法，利用鲜明夸张的人物形象以及残酷尖锐的矛盾冲突，可以强烈的感受到人世间的美与丑、善与恶。 首先，在场景安排上，一边是宏伟壮观的教堂,高耸的尖塔和挺拔修长的立柱，神圣而庄严；一边是阴森恐怖的绞架，冰冷的刑台和血腥的绞绳，暴力而残酷，暴露了在华丽外表的伪装下封建专制的惨无人道。 其次，在故事背景下，一边是路易十一统治的封建王朝，上流阶层荒淫无度，暴力镇压劳苦大众，庄严的法庭打着文明正义的旗帜却愚昧迷信，诬陷善良的爱斯美拉达是“女巫”，荒唐并残忍的判处她绞刑；一边是乞丐们的“奇迹王朝”，虽然举止粗野，但却互助友爱，当他们的姐妹身陷囹圄时，大家会团结起来勇敢的去伸张正义，深刻揭示出社会的不平等性和阶级压迫的实质，反映了阶级斗争的残酷性和艰巨性。 最后，在人物塑造上，美丽的吉普赛少女爱斯美拉达是影片的核心人物，故事通过讲述几个男人对爱斯美拉达不同性质的爱，在暴露他们各自人格品质的同时与美丽善良的爱斯美拉达形成鲜明的对比。 教父克洛德，一个披着圣洁教袍的衣冠禽兽，表面一副正人君子的面孔，背地里却贪求女色，对美丽的爱斯美拉达心生邪念，于是夜里教唆卡西莫多去劫持少女，不料途中被皇家骑兵队长菲比斯救出。当得知爱斯美拉达嫁给了诗人甘果瓦，他竟怒气冲天的反问甘果瓦：“你敢发誓说你没有碰过她吗？”当看到爱斯美拉达与菲比斯幽会时，妒火中烧的他刺伤菲比斯并嫁祸于爱斯美拉达，克洛德变态的占有欲要美丽的姑娘只能属于他，但坚贞不渝的爱斯美拉达并没有屈服于他的淫威之下，于是他狠毒的将爱
舞美在音乐剧中的作用 答：舞台美术包括布景、灯光、化妆、服装、效果、道具等的综合设计，它在音乐剧中的作用如下： 1.“音乐剧”是一种集歌、舞、剧于一身的表演艺术形式。音乐剧以其优美动听的音乐和丰富多彩的故事情节吸引了众多观众,其千变万化的舞台美术更是带来了超乎想象的视觉享受，体现剧目的内涵与韵味。 2.舞台上大到宫殿、亭台楼阁,小到一张桌子、一个酒杯、乃至一件小饰物,都是舞台美术设计者们绞尽脑汁设计的对象。别出心裁的设计往往能更好的突出音乐剧的主题,给演出带来意想不到的成功。 3.绚烂多彩的布景,五光十色的灯光,变幻莫测的效果,再配上华美的音乐和服饰等，追求造型的逼真，视觉的质感和历史的真实度，给每位喜欢音乐剧的观众带来超强的感官刺激,从而使现代人的审美观得到满足。 4.舞台美术的任务是根据剧本的内容和演出要求，在统一的艺术构思中运用多种造型艺术手段，创造出剧中环境和角色的外部形象，渲染舞台气氛。 5.舞台美术在材料使用，灯光配置，综合了现代意识，使得不孤立于剧情之外，设计出体现现代的美学价值作品。灯光的不断变换，呈现出层出不穷的特技效果，令人震撼。灯光更具穿透力，五色缤纷，多角度多方位显现。使观众身临其境。饱受感染。舞台美术可以在音乐剧中增强逼真的视觉效果，又快捷省事。 6.道具制作的材料，同样也已使用许多新兴的更为心境的材质。在如音响效果，已充分利用数码录音技术，先进而又逼真，而且快速、方便。总之所有的声、光、化、电等新媒体与新介质，已使整个舞台美术真的发生了“质”的变化，这当然也应当是新时期舞美设计新观念的重内涵。 7.平面的绘景要求色调明快，简捷，要与剧情、演员表演相得益彰。三维的硬景片绘景需有空间透现，在灯光下要有真实的纵深感，除了时间的跨跃(随剧情发展)，还要有空间的延伸。硬景位置放演员表演活动的区域，要求画得逼真与剧情场景吻合，使人身临其境。软景是用宣传色画在白布上，传统绘景写实的居多。软景面积较大，大部分景幕都与舞台宽度差不多，所以也是舞台美术绘景中的技术加体力工程。在舞台美术和灯光营造的舞台气氛中，演员的表演引领着观众在现实和虚幻中随剧情发展，经历着情绪的波澜起伏。
浅谈中外名歌剧的鉴赏和对比 罗曼罗兰说过这样一句话：“音乐不是一种单纯的消遣，他或是对于心灵的一种理智上的裨益，或者是镇定灵魂的一种抚慰。”排除现代商业元素的融入，单纯来讲我认为音乐其实本身是一种可以让人肃静的艺术，一种可以让人产生情感交流和共鸣的载体。如果生活中还需要加入一种基调，便是戏剧性。音乐的戏剧，戏剧的音乐，这便是我对歌剧的理解。简单地说，歌剧即是用演唱的方式来表演某个戏剧故事，其间往往带有连续不断的音乐。因为变幻的歌剧有其音乐和戏剧综合形式的本质属性，所以含有歌曲、戏剧、文学、舞蹈甚至舞台美术等许多门艺术贯穿其中。正是这种特色的综合形式和独特的艺术魅力，使歌剧逐渐发展成为当今世界上的一种重要的音乐载体并不断得到新的进步和发展。纵向观察，歌剧的地域发展也有着重要的区别和特色。由于笔者对歌剧艺术的理解仅停留在课堂，故无力长篇奇谈，仅选用中外歌剧经典之二——法国歌剧《卡门》和中国歌剧《江姐》进行赏析，通过对这两部歌剧的每幕经典桥段进行分析，浅谈作者对中外歌剧的各自特点的理解，共同和不同之处和个人启示，并对未来歌剧发展过程的初步见解，望与君共勉。 《卡门》是我接触的第一部完整的经典歌剧，无论从逼真完美的舞台艺术和演员服饰，还是从表演者的歌剧表演，都深深地触动我对音乐的理解：最原始的心声当由半说半唱形式表达出来更显淋漓尽致，更显音乐艺术与现实生活的水乳交融。四幕《卡门》讲述一名生性无拘束的吉普赛女郎卡门从事走私的冒险经历中，先后爱上士兵豪塞和斗牛士吕卡，最终当她为斗牛士胜利而欢呼时，却死在了豪塞的剑下。 歌剧的序曲《斗牛士之歌》耳熟能详，是一首在音乐会上经常被单独演奏的曲目，主题选自歌剧最后一幕斗牛士上场时的音乐。虽然整体给人产生华丽、紧凑和引人入胜的感觉，但是同样也为整部剧情的跌宕埋下伏笔，暗示着未来未知悲惨的结局。每当卡门遭遇紧张局势或由暗转名时总会响起，交相呼应，明暗对比，给整体话剧蒙上一层神秘的跌宕气势，不仅让每一个人心情随其起伏跌宕。 第一幕主要是士兵豪塞和卡门的出场和见面。最著名的就是卡门表达内心悸动的那首咏叹调《爱情像一只自由的小鸟》，散漫的步伐加上婉转而有力的声音，将卡门的热情、奔放、神秘魅力的天性暴露无遗。与之后其在引诱豪塞而唱的另一曲咏叹调衔接恰到好处，后者节奏更浓烈，像是一种西班牙舞蹈曲，热情和野气将卡门的直率和泼辣性格自然流露出来。 第二幕之前的间奏曲基调依旧停留在洒脱和富有活力的氛围之中，第二幕将之渲染浓烈，吉普赛女郎的酒店欢歌纵情的场面，喧闹的人声刻意夹杂在紧凑的音乐中，将所有人的期待落在欢悦的氛围中，为下一幕做出了坚厚的铺垫。二三幕间奏曲属于一个过渡，将热烈分为转为温柔抒情，行情脉脉的温情，或许是这段轻柔优美的旋律，将故事由扬转抑，带到了转折的地方，同时也预示着卡门悲惨的人生以及坚强的内心之间的斗争，卡门悲剧人生略显端倪。 第三幕，最经典的便是中心曲《斗牛士之歌》，凯旋式的歌声节奏感突出，声音浑厚有力，把吕卡的勇敢和百战百胜的英雄魅力表现得恰到好处。之后还有一曲重唱的音乐给人不祥之兆，正是这种狂欢的场面，最终走向悲伤的第四幕。 第四幕，其中脍炙人口的西班牙舞曲的喧闹中转到两位主人公最终死亡的可怕悲剧结局。 提到法国歌剧《卡门》，作者比才功不可没。真实是其最大的特点，正是这种对人类善恶的真实体现，才对之后的歌剧发展创造了灵感。同时，比才运用的民间元素众多，不仅表现了民族文化，同时热情奔放更易表达感情。全剧以女工、农民和群众作为主人公，在当时的歌剧作品中实属罕见，作者的刻意创新初演时并不为观众接受，巴黎上流社会无法容忍这