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迎六一，赏名画，十九世纪法国画家莫奈三十九幅传世世界名画赏析迎六一，赏名画，我的绘画，我的梦，十九世纪法国印象派画家莫奈三十九幅传世世界名画赏析艺术就是个“悟到”的过程。
一个人将自己喜爱的东西，用文学、绘画、音乐、舞蹈、雕塑、建筑、戏剧与电影等形式述说出一个故事，表述出对于美的感动，同时获得大众的喜爱。
在真正的艺术领域里，没有预备学校，但是有一个最好的预备方法，就是对艺术大家的作品抱一种最虚心的学徒的兴趣。
这样碾颜料的人常常会成为优秀的画家。
梦想成真的前提离不开天时、地利、人和。
俗语说：“读万卷书不如行万里路，行万里路不如阅人无数，阅人无数不如高人点步，高人点步不如一朝顿悟。
”——题记十九世纪欧洲印象派绘画，始于19世纪60年代，到七八十年代达于鼎盛时期，绘画作品进一步摆脱了对历史、神话、宗教等题材的依赖。
为了生动再现亲眼目睹的日常生活景象和自然风光，印象派画家大胆抛弃了长久受到公认的创作观念和程式，推倒了文艺复兴以来确立的不少法则。
他们纷纷离开空气沉闷的画室，在街头，在海滩，在原野和乡村，凭自己的心，用自己的眼睛，感受丰富多彩的事物，以直接写生的方式捕捉种种生动的印象，描绘大自然中千变万化的光线和色彩。
内容和主题不再重要，关注点转到纯粹的视觉感受上，转到光和色上。
风景之美不在于名山大川，而在于阳光照射下普通场景的色彩变幻。
法国印象派画家最著名的是莫奈和马奈。
那幅色彩美妙的《圣拉札尔车站》是马奈的代表作。
画家们对印象主义的探索，使绘画靠近了它的本体，从这种意义上看，尽管印象派画家并没有抛弃再现的传统，却使现代绘画距我们更近了。
印象派运动可以看作是19世纪自然主义倾向的巅峰，也可以看作是现代艺术的起点。
克劳德·莫奈的名字与印象派的历史密切相连。
莫奈对这一艺术环境的形成和他描绘现实的新手法，比其他任何人贡献都多。
这一点是毋庸置疑的，印象派的创始人虽说是马奈，但真正使其发扬光大的却是莫奈，因为莫奈对光影之于风景的变化的描绘，已到走火入魔的境地。
《基督受洗》恰当理解皮耶罗的作品的确不容易。
因为除了画家，他还有一个更为重要的身份－数学家。
在文艺复兴时代，满怀激情地去研究古希腊的数学与几何学并不是什么新鲜事，但皮耶罗的狂热与成就却是所有人当中最突出的。
分在拓展欧里德几何学方面所作的无人能敌。
此外，他还写出了众多关于数学与几何学的学术著作,在其中一篇保留至今的文章里，他采用大量繁复的数学技巧详尽阐释了有关焦点透视的原则.无可避免地，他也把这种精神的研究、带入到自己的绘画里。
《基督受洗》是皮耶罗为家乡一座施洗者约翰教堂画的祭坛画。
由于祭坛画的特殊形制，画板的外形被分为由半圆与方形组成的两个部分。
没有能够比皮耶罗把这种自然的分割利用得更加巧妙而神奇。
读者可以注意观察画面中的那只白鸽,它被画成了下面敌视的样子，圆圆的头部正巧是半圆的圆心，而伸展的双臂又恰好与方形的上边线持平。
不仅如此，围绕圆心，观者的视线完全可以将另外的凌驾在画面内部找全，享受到一种近于神圣的圆满旅程。
透视与几何形式在皮耶罗的作品中是显著而精确的.不仅如此，他还能够运用比同时代画家更为复杂的技巧，使深度空间兼备平面空间的张力。
皮耶罗喜欢使用大面积的,然后把它们与潜在的透视法,几何形按照最完美的图式，尺寸和比例结合在一起。
比如在左侧两根树干，仅仅依靠颜色深浅的不同就可以把画面上近景，中景,远景三个大的层次空间划分出来。
画面上，那些柔和而明亮的色彩总是散发着令人愉悦的光辉,其中大量的白颜色在过去的绘画传统里是被忌讳使用的,而皮耶罗却使它们具有了一种至为纯净的气息。
有迹象表明,皮耶罗从示属于哪间绘画作坊。
或许，他只是一处自由画家，一个孤独探索自己理想的人.因此，他似乎从不顾虑观者希望在他的画面上看到的东西。
在那个时代，能够把《圣经》故事展现得真实而动人心魄的艺术家给世人带来的一大奇迹，这个传统从乔托开始，之后又有莱奥纳多《最后的晚餐》或者米开朗基罗的《创世纪》.皮耶罗民如实描绘了《圣经》的内容.画面表现圣约翰给基督受洗的情景,当圣水洒落到头顶的一刻，圣灵仿佛鸽子从天空降下，落到耶稣头上，天上有声音传来说：“这是我的爱子，我所喜欢悦的”，圣父、圣灵、圣子在此时实现了三位一体。
01乔托《犹大之吻》Kiss of JudasGiotto1305乔托《犹大之吻》聚焦于基督和犹大之间心理交锋的瞬间。
基督坚定的目光回应犹大的注视，眼神中只有对背叛者的谦卑和同情。
在指控、欺骗和背叛的喧嚣中，基督保持着始终如一的怜悯。
乔托首次赋予形象鲜明的人性动机，以及传统绘画欠缺的心理深度与逼真感。
02马萨乔《纳税银》The tribute moneyMasaccio1427画面描绘了《马太福音》里的故事：税吏质问耶稣是否缴纳了税。
画面中央税吏正在索要纳税银，场景延续至画面左边，彼得从鱼口中取出钱币。
右侧，彼得交给税吏纳税银。
马萨乔将三个独立场景浓缩于一幅画面之中，赋予角色人性化的感情，同时在古典主义基础上加入了技法的革新。
03扬 · 凡 · 艾克《阿尔诺芬妮夫妇像》 Arnolfini portraitJan van Eyck1434这幅谜一般的双人像，描绘阿尔诺芬尼和新妻宣誓的场景，展示出 扬 · 凡 · 艾克 卓尔不凡的传递细节和光线的能力。
夫妇的姿势和不同寻常的细节设置，都有独特涵义和象征性，镜中反射出夫妻背影和画家本人。
装饰性拉丁铭文写着：「1434年，扬 · 凡 · 艾克在此。
」《阿尔诺芬尼夫妇像》不但是新型油画深入表现的最早尝试，也是后世风俗画和室内画的最早先例。
04保罗 乌切洛《圣罗马诺之战》Battle of san RomanoPaolo Uccello1440乌切洛名作《圣罗马诺之战》，显示出直线透视法领域的突出成就。
前景是交战双方，后面是持矛的队伍，地上横七竖八丢弃的武器盔甲。
背景经过几何式的抽象处理和透视安排，具有强烈的空间效果。
乌切洛首次在理性层面上，探索总结出「焦点透视法」，不仅使二维空间艺术在视觉上趋于科学性，而且使东西方绘画的空间经营从此分道扬镳。
05波提切利 《维纳斯的诞生》The Birth of VenusSandro Botticelli1482-1486希腊神话中，克罗努斯阉割了乌拉诺斯，重伤的生殖器坠入大海，孕育出美女维纳斯。
世界名画鉴赏1. 达芬奇自画像意大利绘画大师达.芬奇的素描精品。
他的素描作品的艺术水平已达极高的境地,被誉为素描艺术的典范。
在这幅《自画像》中,画家观察入微,用的线条丰富多变,刚柔相济尤其善用浓密程度不同斜线表现光暗的微妙变化,此画用线生动灵活,概括性强,简单的寥寥数笔却包含许多转折,体面关系,发线代面,立体感很强,还有,人物的表情也很传神。
2．岩间圣母画为祭坛画 ,达芬奇，189.5X119.5厘米,现藏伦敦国立美术馆.此画是应一宗教团体之请而为米兰的圣弗朗切斯科教堂的一间礼拜堂作的祭坛画。
此画以圣母居图中央,她右手扶婴孩圣约翰,左手下坐婴孩耶酥,一天使在耶酥身后,构成三角形构图,并以手势彼此响应,背景则是一片幽深岩窟,花草点缀其间,洞窟通透露光。
此画虽属传统题材,然表达手法和构图布局皆表明达.芬奇的艺术水平之高深。
人物,背景的微妙刻画烟雾状笔法的运用,科学地写实以及透视,缩形等技术法的采用,表明了他在处理逼真写实和艺术加工的辩证关系方面达到了新的水平。
这幅画是标志达.分奇盛期创作开始的作品。
3．最后的晚餐《最后的晚餐》达.芬奇油画 1495-1498 420X910厘米,现藏米兰圣玛利亚德尔格契修道院.达.芬奇毕生创作中最负盛名之作。
在众多同类题材的绘画作品里,此画被公认为空前之作,尤其以构思巧妙,布局卓越,细部写实和严格的体面关系而引人入胜。
构图时,他将画面展现于饭厅一端的整块墙面,厅堂的透视构图与饭厅建筑结构相联结,使观者有身临其境之感。
画面中的人物,其惊恐,愤怒,怀疑,剖白等神态,以及手势,眼神和行为,都刻划得精细入微,唯妙唯肖。
这些典型性格的描绘与画题主旨密切配合,与构图的多样统一效果互为补充,使此画无可争议地成为世界美术宝库中最完美的典范杰作4．创造亚当《创造亚当》米开朗基罗壁画1508年米开朗基罗的代表壁画中的重要部分。
因为他在佛罗伦萨的盛名,当时的罗马教皇尤里乌斯二世邀他参加制作教皇陵墓,后又中断。
世界十大名画之一蒙娜丽莎《蒙娜丽莎》是意大利文艺复兴时期画家列奥纳多·达·芬奇创作的油画，现收藏于法国卢浮宫博物馆。
该画作主要表现了女性的典雅和恬静的典型形象，塑造了资本主义上升时期一位城市有产阶级的妇女形象。
该作品代表了文艺复兴时期的美学方向，作品折射出来的女性的深邃与高尚的思想品质，反映了文艺复兴时期人们对于女性美的审美理念和审美追求。
《蒙娜丽莎》是达·芬奇最喜爱的作品，作者生前一直把它留在自己的身边。
直到达·芬奇去世后，法国国王弗朗西斯一世用了一万二千金币，才从达·芬奇的弟子手中买下。
现藏｜法国罗浮宫世界十大名画之一最后的晚餐《最后的晚餐》是艺术家达·芬奇于文艺复兴时期创作的大型壁画，是达·芬奇代表作之一，世界著名画作，收藏于意大利米兰圣玛利亚感恩教堂。
达·芬奇以《圣经》中耶稣跟十二门徒共进最后一次晚餐为题材，将人物的惊恐、愤怒、怀疑、剖白等神态，以及手势、眼神和行为，都刻画得精细入微，惟妙惟肖。
1980年该画被列为世界文化遗产。
这幅在格雷契寺院食堂墙壁上的宏大画面，严整、均衡，而富于变化，无论从构思的完美、情节的紧凑，人物形象的典型塑造以及表现手法的纯熟上都堪称画家艺术的代表。
它也是人类最优秀的绘画作品之一，由于它的问世而使达·芬奇名扬世界。
现藏｜意大利米兰圣玛利亚德尔格契修道院世界十大名画之一格尔尼卡《格尔尼卡》是西班牙立体主义画家帕勃洛·鲁伊斯·毕加索于20世纪30年创作的一幅巨型油画，长7.76米，高3.49米。
该画是以法西斯纳粹轰炸西班牙北部巴斯克的重镇格尔尼卡、暴杀害无辜的事件创作的一幅画，采用了写实的象征性手法和单纯的黑、白、灰三色营造出低沉悲凉的氛围，渲染了悲剧性色彩，表现了法西斯战争给人类的灾难。
这幅画运用立体主义的绘画形式，以变形、象征和寓意的手法描绘了在法西斯兽行下，人民惊恐、痛苦和死亡的悲惨情景。
二十世纪著名画家理查德四十幅妩媚动人清纯可爱世界名画赏析二十世纪美国著名画家理查德·约翰逊四十幅妩媚动人，清纯可爱世界名画赏析欣赏世界油画，领略各国艺术。
艺术就是个“悟到”的过程。
一个人将自己喜爱的东西，用文学、绘画、音乐、舞蹈、雕塑、建筑、戏剧与电影等形式述说出一个故事，表述出对于美的感动，同时获得大众的喜爱。
在真正的艺术领域里，没有预备学校，但是有一个最好的预备方法，就是对艺术大家的作品抱一种最虚心的学徒的兴趣。
这样碾颜料的人常常会成为优秀的画家。
梦想成真的前提离不开天时、地利、人和。
俗语说：“读万卷书不如行万里路，行万里路不如阅人无数，阅人无数不如高人点步，高人点步不如一朝顿悟。
”——题记现代派兴起于19世纪下半叶中期，大致衰落于20世纪六七十年代，它是在一种破坏与创造的激烈对抗中走完自己的历程，就像支撑着它的经济政治文化背景一样，一方面是工业科学技术的迅猛发展，另一方面是两次世界大战给人类带来的空前浩劫。
它是西方国家从19世纪下半叶发展起来的现代美术中某些流派——野兽派、立体主义、未来主义、达达主义、抽象表现主义、超现实主义、抽象主义、波普艺术等等的统称。
在20世纪的时候，社会上流行超写实主义油画，这些画家们采用来写实手法来描绘人物和日常生活题材，在油画技法上几乎是一脉相承。
大概在六七十年代，美国直接出现了高度写实的绘画和雕塑，人们称为超写实主义，当然也有人称它为照相写实主义油画，我国的冷军就是其中之一，但是和西方那些大佬相比较，还是有很大的区别。
我们在他的油画当中，可以看到理查德·约翰逊的绘画，用笔洒脱、肯定、奔放，色彩艳丽、清新、大胆。
他的油画技术娴熟、自如、精湛，造型生动而优雅。
二十世纪美国著名画家理查德·约翰逊主要绘画作品有：《穿着一身白色的薄纱裙贵妇人》《背对着坐在柔软的花海中典雅美妇人》《穿舞鞋的芭蕾舞嘉利》《穿露肩坎裙透明美人》《穿吊带裙的养尊处优的贵妇》《穿红色礼服的美如天仙的娴雅少妇》《躺在鲜花丛中的风华正茂的少女》《背对鲜花陷入遐想的时尚丽人》《穿灰色纱裙的妩媚贵妇》《穿蓝色吊带纱裙的清新靓丽时尚美女》《穿白色纱裙的坐在凳子上低着头的白皙美女》《野花丛中穿白色裙女郎与马》《睡梦中的典雅少妇》《戴项链和耳环的魅力女孩》《手拿雨伞清新靓丽白皙新娘》《侧身躺在床上时尚贵妇》《双臂交叉的朦胧柔美女孩》《母与子》《极品女孩至真至纯》《回望穿白衣的靓丽女孩》《侧坐的美如天仙的娴雅少妇》《手拿折扇的精致性感美女》《海边远望的穿白纱性感贵妇》《花瓶边穿露肩白纱裙陶醉女郎》《花海丛中优雅的短发女孩》《花海丛中出水芙蓉般的清纯美女》《手拿白灯篓身穿连衣裙靓丽少妇》《侧坐在地上的清纯醉心的长发女孩》《双手抱膝跳芭蕾舞的优雅女孩》《坐在树子上的朦胧顽皮少女》《手拿扇子的美如天仙的娴雅少妇》《坐在椅子上穿黑色吊带连衣裙的典雅少妇》《美如天仙的娴雅少女》《野外休闲中典雅少妇》《练习舞蹈中的魅力女孩》《坐在酒吧椅子上的优雅女孩》《坐在沙发上身穿连衣裙靓丽少女》《双手搭肩性感少女》《站立在粉花丛中穿白色连衣裙长发性感少妇》《阳台上穿浅蓝色连衣裙短发性感少妇》等。
世界名画100幅解读全文共四篇示例，供读者参考第一篇示例：世界名画100幅解读名画是人类文化的珍贵遗产，它们不仅具有艺术价值，还承载着历史、文化、哲学等丰富的内涵。
世界名画100幅涵盖了各个时期、各个流派的经典之作，每一幅画都有着独特的魅力和深刻的意义。
在这篇文章中，我们将为您解读世界名画100幅，带您领略艺术的魅力、深邃和博大。
1.《蒙娜丽莎》《蒙娜丽莎》是世界著名画家达·芬奇的代表作品，被认为是世界上最为神秘的女性形象之一。
这幅画采用了复杂的透视和光影效果，展现了达·芬奇在绘画技法上的高超造诣。
蒙娜丽莎的微笑被认为是最完美的微笑之一，不断吸引着人们的目光和探索。
2.《星空》荷兰后印象派画家梵高的代表作品《星空》是一幅令人震撼的作品。
画中的星空和松树形成了鲜明的对比，展现了梵高对自然和宇宙的想象力和独特的表现手法。
这幅画成为了梵高最具代表性的作品之一，也被誉为对人类生命和自然的最深刻的表达之一。
3.《岛屿上的星期天下午》法国后印象派画家塞尚的代表作品《岛屿上的星期天下午》以其独特的构图和色彩运用展现了对自然和光影的独特理解。
画中的人物和景物被简化为几何图形，展现了塞尚对艺术形式和结构的探索和实验。
这幅画成为了后印象主义艺术的先驱之作，也对20世纪艺术产生了深远的影响。
4.《自由引导人民》美国艺术家德拉克罗瓦的代表作品《自由引导人民》是法国大革命时期的经典之作。
这幅画描绘了自由女神引导人民冲向自由的场景，体现了对人类自由和平等的无限向往和追求。
《自由引导人民》不仅是政治和历史的象征，也是革命和自由的象征，影响了后来数百年间的革命和民主运动。
5.《夜巡》荷兰画家瓦克的代表作品《夜巡》是世界上最著名的团体肖像画之一。
这幅画描绘了阿姆斯特丹市民民兵队的夜间行军场景，体现了瓦克对光影和空间的精湛处理。
瓦克在这幅画中塑造了众多人物的形象和性格，展现了典型的荷兰画派风格和表现力。
6.《天眼》西班牙艺术家达利的代表作品《天眼》是一幅充满幻想和超现实主义色彩的作品。
毕加索世界名画亚维农的少女全图赏析亚维农的少女赏析：全新角度过去的画家都是从一个角度去看待人或事物，所画的只是立体的一面。
立体主义则是以全新的方式展现事物，他们从几个角度去观察，从正面不可能看到的几个角度去观察，把正面不可能看到的几个侧面都用并列或重叠的方式表现出来。
在《亚威农少女》中，五个裸女的色调以蓝色背景来映衬，背景也作了任意分割，没有远近的感觉，人物是由几何形体组合而成的。
毕加索表现手法画家把这五个人物不同侧面的部位，都凝聚在单一的一个平面中，把不同角度的人物进行了结构上的组合。
看上去，就好像他把五个人的身体先分解成了单纯的几何形体和灵活多变、层次分明的色块，然后在画布上重新进行了组合，形成了人体、空间、背景一切要表达的东西。
就像把零碎的砖块构筑成一个建筑物一样。
女人正面的胸脯变成了侧面的扭曲，正面的脸上会出现侧面的鼻子，甚至一张脸上的五官全都错了位置，呈现出拉长或延展的状态。
画面上呈现单一的平面性，没有一点立体透视的感觉。
所有的背景和和人物形象都通过色彩完成，色彩运用的夸张而怪诞，对比突出而又有节制，给人极强的视角冲击力。
毕加索也借鉴和吸收了一些非洲神秘主义的艺术元素，比如画面上两个极端扭曲的脸，扭曲变形的部位，红、黑、白色彩的对比，看上去狰狞可怕，充斥着神秘的恐怖主义色彩。
毕加索《亚维农少女》习作 1907创作思路毕加索以他青年时代在巴塞罗那的“亚威农大街”所见的妓女形象为依据。
这条街以妓院林立而闻名。
画上的女人形象，就是这条街上的妓女们。
画家曾多次易稿。
在这件作品的草图中，曾出现一个海员和一个刚进门的医学院学生。
毕加索大胆地画了五个姑娘和两个男人。
背景是妓院的客厅或饭厅。
后来几经修改，又作了大胆的突破。
毕加索曾对人说，他讨厌这个题目。
因为亚威农的姑娘并非是些风姿绰约的妙龄女郎，而是一些出卖爱情的妓女，她们与画上的女人毫无干系。
这幅画的题目是诗人萨尔蒙给起的。
也许诗人根据这些裸女，才把她们与亚威农妓院联系起来。
世界名画欣赏罗丹说：“生活中从不缺少美，而是缺少发现美的眼睛。
”是啊，生活中从来就不会缺少美，而是我们往往忽略了它。
生活中有许许多多的美，其中之一就是世界名画之美，下面我将介绍两幅名画以及我对他们的理解。
一、《最后的晚餐》这幅世界名画是由意大利伟大的艺术家列奥纳多.达.芬奇创作的，是他直接画在米兰一座修道院的餐厅墙上的。
它主要描绘了在庆祝逾越节（是犹太教的主要节期之一。
逾越节是犹太历正月十四日白昼及其前夜，是犹太人的新年，犹太民族的四大节日之一（第二个是犹太历七月吹角节—赎罪日—住棚节，一个节日系列；第三个为献殿节；第四个是普尔节）。
逾越节是基督的一个预表。
）的前夜，耶稣和他的十二门徒坐在餐桌旁，共进庆祝逾越节的一顿晚餐。
餐桌旁共十三人，这是他们在一起吃的最后一顿晚餐。
在餐桌上，耶稣突然感到烦恼，他告诉他的门徒，他们其中的一个将出卖他；但耶稣并没说他就是犹大，众门徒也不知道谁将会出卖耶稣。
沿着餐桌坐着十二个门徒，形成四组，耶稣坐在餐桌的中央。
他在一种悲伤的姿势中摊开了双手，示意门徒中有人出卖了他。
大多数门徒在激动中一跃而起，而耶稣的形象却是那么的平静。
我们可以看到他明晰的轮廓衬托在背景墙的窗子里，通过窗子，我们看见恬静的景色，湛蓝的天空犹如一只光轮环绕在耶稣的头上。
在耶稣右边的一组中，我们看到一个黑暗的面容，他朝后倚着，仿佛从耶稣前往后退缩似的。
他的肘部搁在餐桌上，手里抓着一只钱袋。
我们知道他就是那个叛徒，犹大.伊斯卡里奥特。
犹大手中的钱袋是他的象征，它使我们想起，他就是为耶稣和其他门徒保管钱财的人，钱袋里装着出卖耶稣得来的三十块银币的赏钱。
犹大的侧面阴影旁是圣.彼得，我们也可以看见他一头银丝与一副白晰的手，他向年轻的圣.约翰靠去。
彼得垂在臀部的右手握着一把刀，仿佛在偶然中，刀尖对着犹大的背后。
圣.约翰的头朝彼得垂着。
在所有门徒中，他是耶稣最喜爱的一个。
约翰象耶稣那样平静，他已经领悟了他主人的话。
耶稣左边是小雅各，他力图去理解他所听到的可怕的话，他两手摊得大大的惊叫了起来。
从小雅各的肩上望去，我们看到了圣托马斯，疑惑不解的托马斯，他怀疑的神色通过他竖起的手指表现出来。
小雅各的另一边，圣.菲利普往耶稣靠去，双手放在胸前似乎在说：”你知道我的心，你知道我是永远不会出卖你的。
”他的脸由于爱和忠诚而显出苦恼的神情。
围着耶稣的这六个门徒，处于故事的发生的中心。
巴塞洛缪与老雅各的身体向他们倾着，而他们身旁的老安德鲁并没有站起来，但他想听听，于是便举起手似乎要求安静。
右边还剩下最后三个门徒，他们正在讨论有关耶稣说的那句话，他们的手指也指向餐桌的中央。
到此为止，画里十三个人的外貌，情绪和性格特征，活灵活现地印入我们的脑子里，观赏画的人好像随画中人经历了这一严重时刻。
这是一群典型的人物，具有典型的性格，处在典型的环境中。
画面具有戏剧冲突的舞台艺术效果，它是一幅具有划时代意义的情节性历史画，这个题材曾为达芬奇之前的不少画家所描绘过，但唯有达芬奇的《最后的晚餐》为空前的杰作画面利用透视原理，使观众感觉房间随画面作了自然延伸。
为了构图使图做得比正常就餐的距离更近，并且分成四组，在耶稣周围形成波浪状的层次。
越靠近耶稣的门徒越显得激动。
耶稣坐在正中间，他摊开双手镇定自若，和周围紧张的门徒形成鲜明的对比。
耶稣背后的门外是祥和的外景，明亮的天空在他头上仿佛一道光环。
他的双眼注视画外，仿佛看穿了世间的一切炎凉。
达.芬奇毕生创作中最负盛名之作。
在众多同类题材的绘画作品里，此画被公认为空前之作，尤其以构思巧妙，布局卓越，细部写实和严格的体面关系而引人入胜。
构图时，他将画面展现于饭厅一端的整块墙面，厅堂的透视构图与饭厅建筑结构相联结，使观者有身临其境之感。
画面中的人物，其惊恐，愤怒，怀疑，剖白等神态，以及手势，眼神和行为，都刻画得精细入微、惟妙惟肖。
这些典型性格的描绘与画题主旨密切配合，与构图的多样统一效果互为补充，使此画无可争议地成为世界美术宝库中最完美的作品。
《最后的晚餐》在艺术形式的处理上也是极为完整和成功的。
画面的构图并不复杂，基本上是在一直线上穿插变化的，因此总的是在单纯中见丰富。
大师把十三个感情激荡的人物有机地组合在一起，既有区别又紧密联系，既突出了基督的主要形象，又层次分明地刻划出每一个人的外貌和性格特征，高度地概括又深刻地揭示了这一戏剧性的场面。
画家尽可能地调动了一切艺术手段，着意表现出耶稣的临危不俱、神态自若。
画家将十二个门徒三人一组平均对称地分配在基督的两边，以其各自的动作和表情与基督发生联系和呼应。
整个环境和道具的处理比较单纯，为的是更加突出激动的人物，这些独具匠意的艺术处理，使艺术语言显得高度精炼。
达到炉火纯青的境界。
五百年过去了，这位文艺复兴时期的天才“巨人”的伟大作品，对于我们中国的画家和观众，仍然具有极大的魅力，艺术是人类共有的精神财富。
《最后的晚餐》这幅画虽然歌颂的是基督教的主题，我们并非赞美基督教的精神的伟大。
但画家笔下所描绘的不是神而是人，是人类社会中真、善、美的化身，是人类善恶的对比写照。
大师所歌颂的不是神的力量，而是人的善良、正义的美德；斥责的是卑鄙和丑恶的叛徒行为。
因此，这件杰作在历史上永远是不朽的，它不仅属于意大利人民，也属于全世界的人民。
通过欣赏这幅画也让我对美有了深刻的理解，这幅画不仅线条美丽，人物表情和形态刻画的更美，画面的构图并不复杂，基本上是在一直线上穿插变化的，因此总的是在单纯中见丰富。
它让我明白，美并不一定代表复杂和色彩鲜艳，有时候简简单单更美。
美丽也不一定代表华丽，金碧辉煌，简单的构图也是一种美。
达芬奇用一种简单的构图却更加加深了人们对画面之美的印象。
它的美不在表面，而在于人物形象、形态的刻画之美，它是内在的美，让人们久久无法将其忘记。
看了这幅画，我对美有了全新的认识，对于美不在再那么局限，内在之美才是真的美。
二、《割耳朵后的梵高》中文名：扎着耳朵的自画像外文名Self-Portrait with Bandaged Ear 创作时间1889年1月创作地点阿尔Arles类型画布油画Oil on canvas尺寸60x49cm888年梵·高邀请高更来阿尔同住，但两个固执的艺术家却是不断的争吵。
在一场剧烈争执后，高更大怒而去，梵·高无法阻止，亦无法抑制自己的激动，竟割下自己的右耳。
世界把自己的癫狂最先传染给人类的画师就像曾经给他的笔端注入魔力[2]。
我们惊讶地注视着梵·高扭曲的面孔、恐怖的眼神和颤抖的手势：他仿佛在代替整个人类受刑，成为痛苦的化身。
想到这里，也就能理解梵·高作品中挣扎的线条与狂舞的色块：倾泄的颜料里调和着他的血，而画布，不过是他包扎伤口的绷带。
这是一位生活在伤口里的大师，他习惯用伤口对世界发言。
这是一个疼痛的收割者，他的镰刀最终收获了自己的耳朵。
梵·高死了，却留下了一只著名的耳朵——这最后的遗物似乎并没有失去听觉，收集着后人的议论。
这只在故事中存在的失血的耳朵，至今仍像埋设在我们生活中的听诊器，刺探着我们的良心。
梵·高死了，耳朵还活着，还拥有记忆。
为什么不在他呻吟与崩溃的时候，扶持他一把——世界，你听见了吗？你的耳朵长在何处？他据此画的这幅自画像，成为他最具代表性的作品之一。
他家头缠绷带，面孔消瘦，眼睛深陷，流露出悲愤和绝望的感情，整个画面好像处一于滚动的波涛之中，汹涌的狂流似乎在威胁着狂热不安的画家，给人造成一种巨大的视觉冲击力量。
创作背景在巴黎期间，他创作了从第一幅《戴黑色毛毡帽的自画像》到1888年初的《画架前的自骊像》共八幅自画像。
1888年2月，梵高在朋友的推荐下来到法国南部小城—阿尔，从而迎来了他创作的高峰期，这一期间《自画像—献给高更》和《包扎耳朵的自画像》等三幅自画像诞生。
1889年在来到雷米尔后他又创作了最后的三幅自画像。
1888年梵·高邀请高更来阿尔同住，起初他们相处愉快，但随着梵高病情反复，两个的艺术家却是不断的争吵。
在一场剧烈争执后，高更大怒而去，梵·高无法阻止，亦无法抑制自己的激动，竟割下自己的右耳。
文森特·威廉·梵高（Vincent Willem van Gogh，1853－1890），荷兰后印象派画家。
他是表现主义的先驱，并深深影响了二十世纪艺术，尤其是野兽派与德国表现主义。
梵高的作品，如《星夜》、《向日葵》与《有乌鸦的麦田》等，现已跻身于全球最具名、广为人知与昂贵的艺术作品的行列。
1853年3月30日生于津德尔特，1890年7月29日在法国瓦兹河畔因患精神病自杀身亡。
早年经商，后热衷于宗教，1880年以后开始学习绘画。
曾在巴黎结识E.贝尔纳、P.西涅克和P.高更等画家。
1890年7月29日，梵高终因精神疾病的困扰，在美丽的法国瓦兹河畔结束了其年轻的生命，是年他才37岁。
早期作品受印象主义和新印象主义画派影响，代表作有《食土豆者》、《塞纳河滨》等。
曾两次在咖啡馆和饭馆等地向劳工阶层展出自己的作品。
不久厌倦巴黎生活，来到法国南部的阿尔勒，开始追求更有表现力的技巧；同时受革新文艺思潮的推动和日本绘画的启发，大胆探索自由抒发内心感受的风格，以达到线和色彩的自身表现力和画面的装饰性、寓意性。
台湾译名梵谷。
