全世界最厉害的合成大师Christophe Gilbert的创意摄影作品

Old photos/老照片Old photos/老照片爱德华·韦斯顿，全名爱德华·亨利·韦斯顿（Edward Henry Weston），于1886年3月24日出生在美国芝加哥。

虽然家境不太富裕，但是家里充满了艺术气息。

祖父爱德华·佩森·韦斯顿（Edward Payson Weston）是一名文学博士，也是弗雷明翰地区一所私立学校的负责人，他培养了韦斯顿对于文学爱好的兴趣，这对韦斯顿后来摄影艺术的发展产生的巨大的影响。

父亲爱德华·伯班克·韦斯顿（Edward Burbank Weston）是一名受人尊敬的医生，他培养了韦斯顿坚毅的性格，也无意中改变了韦斯顿的一生，也间接地改变了世界摄影史的发展。

他曾是一位工于生计的摄影匠人1902年8月，在韦斯顿16岁的时候，收到了父亲寄来的一台柯达公牛眼2号相机，此时他正在美国风光优美的中西部度假。

这台相机，让韦斯顿产生了浓厚的创作兴趣。

然而，这台相机并不能满足他对摄影更深层次的追求。

在返回芝加哥后，他每天步行10英里去上学，同时戒掉零食，甚至课余时间去打工，目的就是攒钱购买相机。

终于，他攒够了11美元，咬牙买下了一部配有脚架和滤光镜的5×7英寸的二手大画幅相机。

这台相机拍摄的作品，让他欣喜若狂，从此正式踏上追求摄影艺术的道路。

在学生时代，韦斯顿没有按期完成学业。

离开学校后，他从事了很多工作，并不停地更换新工作，还一度成为专门登门拍照的人像摄影师。

“从摇篮里的新生儿到棺木里的死尸”，都曾成为韦斯顿的“模特”。

然而，这些拍摄并没有给韦斯顿的拍摄技术带来多大的进步，他仍旧是一位工于生计的摄影匠人。

这些反复平淡的拍摄工作，让韦斯顿感到十分苦恼，于是在1907年秋天，他报名参加了伊利诺斯摄影学院的摄影课程，并在6个月内完成了学业。

这是他一生唯一接受的正规摄影教育。

完成学业之后，韦斯顿先来到洛杉矶的乔治·斯特克尔人像工作室做了一名修图工，在1909年又转到路易斯·莫琼尼尔人像工作室成为了一名人像摄影师，在这里，韦斯顿充分展现出在摄影方面的卓越才华。

1900年1月28日，艾丽丝·尼尔（Alice Neel，1900-1984）出生于宾夕法尼亚州梅里恩广场。

她的母亲是美国《独立宣言》签署者的后裔，父亲是宾夕法尼亚铁路公司津贴部门的会计，这是一个标准的中产阶级家庭。

然而在那个对女性的期望和给予的机会都非常有限的时代，女孩想成为艺术家，简直比登天还难。

在一次采访中她这样描述自己成长的地方：“我在那个小镇里长大，我讨厌那里，你知道一个愚昧落后的小镇是什么样子吗？……我的生活无聊至极，小镇里什么都有，就是没有一位艺术家或是作家，当年轻人从窗户探出身子，没有人会把这些场景写下来，当梨花在春天里开得烂漫，也没有画家会把它们画下来，但只有我有这样做的想法，但我还只是个孩子……”从小就想成为艺术家的尼尔高中毕业后参加对页罗伯特·梅普尔索普 （Robert Mapplethorpe）《艾丽丝·尼尔》明胶银版摄影 48.6×37.9 cm© Robert Mapplethorpe Foundation撰文=沈蓉 编辑=关月艾丽丝·尼尔，20世纪最伟大的美国画家之一。

然而，她的所有声誉只出现在她去世之后。

在过去的20年中，人们对她的作品兴趣呈指数级增长，一系列具有里程碑意义的展览和艺术史研究牢牢巩固了她在国际舞台上的地位。

用绝望画出人类灵魂艾丽丝·尼尔：了公务员考试，白天工作，晚上去夜校上艺术课，终于在1921年进入费城女子设计学院（现在的摩尔艺术与设计学院)。

1924年夏天，在一个暑期学校的绘画项目中，她遇到了“古巴人”卡洛斯·恩里克斯（Carlos Enriquez）（尼尔在回忆中总是用标签来指称那些在她生命中占据重要位置的男人）。

两个年轻人情投意合，迅速坠入爱河。

第二年，尼尔刚刚毕业两人便结了婚，一起前往古巴哈瓦那生活。

20世纪初，古巴经历了一系列政治运动和社会变革，包括民主革命和反帝国主义斗争。

组照《拿开以后》（Removed）摄影师埃里克·皮克斯吉尔专访埃里克·皮克斯吉尔（Eric Pickersgill）一名年轻的美国摄影师，他的有关探讨人与掌上设备关系的系列照片《拿开以后》（Removed），拍摄时拿走人们手中的设备，但被摄人物仍然保持沉醉其中的日常状态，从去年开始引起媒体和很多人的广泛关注。

《大众摄影》作为首家中文媒体，采访到年轻的摄影师本人，让看过和没有看过这组照片的人们，能够了解更多背景并有所思考。

安吉和我(Angie and Me)，摄影师埃里克·皮克斯吉尔的自拍，2014菲利斯（Phyllis）坦尼娅和阿迪(Tanya and Addi)大众摄影：什么灵感促使你拍摄《拿开以后》系列？拍摄完以后对于你使用手机，或者你和妻子之间使用手机的情况有没有变化？皮克斯吉尔：系列照片的灵感来源于我坐在一家咖啡馆的早晨，在纽约州特洛伊的伊利姆咖啡馆，一个坐在我身边的一家人处于自顾自的状态，也不多话。

父亲和两个女儿把他们的手机拿了出来，母亲则没有拿着手机也可能把手机放在一边。

她发呆地看着窗外，看起来在这个家庭中有些落寞和孤独。

父亲不时地抬起头来宣布他在网上发现的还不为人所知的新消息，有两次有关一条大鱼被抓到的消息，没有人回应他。

我对此有些悲哀，用于交流的科技的使用恰恰并没有带来交流。

这在过去很少发生，我不能肯定我们是否触及到这种新体验带来的社会影响的表层。

这时妈妈也掏出了手机。

这一家子的画面，母亲的脸、十来岁的女孩、父亲的姿势以及他们盯着手机的专注神情深深印在我脑海里。

这是类似于你看到某种令人吃惊的事物的时刻之一，让你意识到究竟发生了什么，难以忘记的一刻。

我在杂货店、教室、公路边，甚至在我自己靠着妻子准备入睡前都看到类似的家庭场景。

我们背靠背地陷入我们小巧的、微冷、发光的手中那个玩意儿中。

在那次观察以后，有一个晚上我拿着手机看着就睡着了，手机从手中滑落到地板上。

超级写实主义超级写实主义（Hyperrealism，又称高度写实主义），是绘画和雕塑的一个流派，其风格类似高分辨率的照片。

超级写实主义可以看作是照相写实主义（Photorealism）的发展。

自2000年代早期以来，该术语在美国和欧洲作为一个独立的艺术运动和艺术风格发展起来。

[1]历史莫罗·大卫（Mauro David）创作的一幅超级写实主义作品《水晶盘上的甜瓜》法语术语“Hyperréalisme”由Isy Brachot创建于1973年。

它是当年在他位于比利时布鲁塞尔的画廊的一个主要的展览的标题。

该展览主要是由美国照相写实主义画家组成，包括拉尔夫·戈因斯（Ralph Goings）、查克·克洛斯（Chuck些细节。

[7][8]他们经常省略人物的表情、政治价值和叙述元素。

照相写实主义风格演变自波普艺术，作品通常紧凑精致，线条分明，突出重点。

[9]超级写实主义则与之相反，虽然本质上参考照片，常常对描绘的主题处理得更柔软更复杂，使之表现成一个生动的对象。

超级写实主义作品中的对象和场景描绘得非常精致，创造出原始照片中没有的一个新的现实的幻想。

这并不是说他们是超现实主义，因为这种幻想是一个令人信服的描写现实。

纹理、表面、灯光效果和阴影画表现得清晰，比参考照片甚至实物还要鲜明。

[10]超级写实主义的哲学根源自让·鲍德里亚的理论，“模拟的东西永远不在现实中存在”。

（ the simulation of something which never really existed.）[11]因此，超级写实主义创建了一个虚假的现实，是一个令人信服的幻想，是基于现实的一个模拟。

超级写实主义绘画和雕塑作品是数码相机拍出并在计算机上显示的超级高分辨率的照片的副产品。

就如照相写实主义效仿模拟摄影，超级写实主义利用数码照片并扩展之来创造一个新的现实的感觉。

[12][2]超级写实主义绘画和雕塑使观众得到高清晰度图像的幻觉，但是比图像更细致。

安塞尔·亚当斯作品欣赏安塞尔·亚当斯（Ansel Adams,1902-1984），1902年2⽉20⽇⽣于美国旧⾦⼭，原籍新英格兰。

是⼆⼗世纪美国乃⾄世界享有盛誉的风光摄影家、摄影教育家、⾃然环境保护者，著名的“区域曝光法”的创始⼈，也是主张“纯摄影”的“f/64⼩组”的发起⼈之⼀。

少年时代学习⾳乐，14岁时与⽗母同游约塞密提国家公园，⽤⽗母赠给他的⼀台柯达布朗尼箱形相机拍出了第⼀张照⽚，从此开始了其辉煌的摄影⽣涯，并始终对约塞密提倾注着“百看不厌，百拍不烦”的感情，每年都要专门来这⾥拍照。

以约塞⽶蒂国家公园为题材的作品成为其经典的⿊⽩摄影作品中最著名的系列。

亚当斯拍摄的富有诗意的约塞密提的风景摄影作品系列，不仅吸引了千百万游⼈到那⾥，更使亚当斯获得了“约塞密提⼤师”的声誉，⽽且使得美国国会在1916年通过了国家公园法，开辟约塞密提为国家公园。

亚当斯还是⼀位摄影著作家和摄影教育家、环境保护者，从1960年到1979年的⼆⼗年⾥，共出版了⼗五部著作。

限量发⾏的影集《内华达⼭脉：约翰·缪尔之踪迹》，出版于1940年，全部收益都贡献作保护美洲杉和⼤峡⾕之⽤。

1980年，美国“荒野学会”（The Wilderness Society）为亚当斯设⽴了⼀个“安塞尔·亚当斯环保奖”（The Ansel Adams Conservation Award）,这也是“荒野学会”授予的⾄⾼荣誉。

Adams-001 冰峰冷⽉ Moonrise From Glacier Point(摄影师：安塞尔·亚当斯（美国）)Adams-002 特纳亚湖 Lake Tenaya (摄影师：安塞尔·亚当斯（美国）)Adams-003 半圆⼭，傍晚 Half Dome, Evening(摄影师：安塞尔·亚当斯（美安塞尔·亚当斯作品欣赏安塞尔·亚当斯（Ansel Adams,1902-1984），1902年2⽉20⽇⽣于美国旧⾦⼭，原籍新英格兰。

摄影与美术的融合作者：彭慧来源：《艺海》2008年第02期1839年8月的一天，法国学术院举行科学院与美术院联席会议，宣布摄影术正式诞生。

摄影术的产生给近代美术界注入了鲜活的血液。

并给美术界带来了巨大的冲击。

这种银版摄影术的发明人，就是著名的法国画家、物理学家达盖尔。

摄影一出现，就在科学与美术的雄厚基础上寻求自己的独立位置，如同月亮与地球，相互吸引而又保持着张力，一部摄影发展史，既是科学技术的发展史，也是摄影艺术独特语言的探索史(顾铮《世界摄影史》，浙江摄影出版社，2006-10-01)。

事实上，法国人尼普斯1826年成功地在白蜡板上摄制了世界摄影史上最早的一张相片(曝光8个小时)，然而尼普斯却把它称之为“日光绘画”。

画家们的最初反应是复杂的。

著名的古典主义大师安格尔说：“摄影术真的是巧夺天工，我很希望能画到这样逼真，然而任何画家可能也办不到。

”英国美术评论家罗斯金说：“相片真是太好了，把所有风貌形态都拍摄下来，甚至就是一个裂缝或斑点，也都能在一时之内很清楚地表现出来。

我们费几天工夫都画不好的画，利用摄影术只要用30秒钟就可以完成。

”许多画家转而搞起了摄影。

英国风景画家希尔，本打算给474名苏格兰教会代表画肖像，他发现使用摄影术更加令人轻松而满意。

这样，摄影从美术王国里不客气地割去了第一块领地，取代了大部分肖像画家的工作。

连浪漫主义大师德拉克罗瓦也在1851年兴致勃勃地创立了法国第一个摄影团体，他称照片“是自然的阐述。

它们揭示了自然的秘密”。

尽管在1859年的官方艺术展览会上已展出了少量摄影作品，但诗人波德莱尔却把摄影称为“艺术的死敌”。

他以讽刺的口吻抨击“只求真”的公众：“既然摄影给了我们所能希望的精确性的每一个保证，那么摄影和艺术就是一回事了。

”1862年，当法国官方宣布摄影是一种艺术时，一份以安格尔为首的大批艺术家签名的请愿书递呈官方，声明：“摄影永远也不可能和那些作为智慧和艺术研究的结晶的艺术相比。

乔治·伊士曼：摄影因为他，从最初的奢侈品变成了人人都懂的“照相”| 这个人有好奇心他是谁：乔治乔治·伊士曼（George Eastman，1854 - 1932），柯达公司创始人。

他是谁：乔治·伊士曼最早提出了“为每个人设计照相机”的想法，并通过技术和好奇心：乔治好奇心：服务的改进实现了这一点。

如果能坚持伊士曼一贯以来的做派——将最新潮的技术民主化，柯达在数码相机的时代也许不会落后那么远。

乔治·伊士曼去世时留下了两把鲁格尔手枪、胸膛上的枪孔，以及一张字条，上面写着：“我的工作已经完成，何必再等待死亡？”那是 1932 年，伊士曼 77 岁。

51 年前，伊士曼创立了柯达 (Eastman Kodak Company)，此后他完成的工作可以分为两部分，都围绕着照相。

一部分更像是技术活儿。

柯达最早的时候叫伊士曼干板制造公司，那是因为伊士曼在 1880 年利用自己研制的乳剂配方做出了干板胶片，而过去，人们用湿漉漉的玻璃做胶片，重且易碎。

五年后，这家公司又研制出了感光胶卷，这种胶卷也适用于托马斯·爱迪生在 1891 年发明的电影摄影机。

换句话说，后者借助了伊士曼的胶卷技术才得以面世。

胶卷在那时候还是个稀罕货，原因是大部分人都买不起摄影器材，也不了解如何使用照相机。

伊士曼开始考虑一个问题：“摄影是个奢侈品，它能民主化吗？” 1888 年，第一台自动照相机“柯达一号”问世了。

“你只需按动快门，剩下的交给我们来做。

”柯达当时的口号这么说。

这实际上是另一项更复杂也更重要的工作——伊士曼捕捉到，人们有了可以支配的休闲时间，有了按动快门的渴望。

“柯达一号”一开始遭到了专业人士和业余爱好者的拒绝，可这几乎是在意料之中的“好消息”——除了他们之外，潜在的市场还有多大呢？那是大众消费兴起的年代，伊士曼指出了一个大众市场的存在。

之后，整个 20 世纪的消费社会所遵循的就是他创立的原则：依赖于技术的进步，让更多的人消费得起过去只属于贵族的东西，并想方设法地让这个日益庞大的中产消费群体持续购买——购买产品，同时也购买服务。

浅析欧洲“视觉诗人”勺设计风格——以金特•凯泽为例□王若辉赵星月摘要：20世纪60年代到9年代之间，一些欧洲设计师注重个人的感受和精神的表达，将画面拼贴、重组，让人获得新的、抽象的艺术感受。

他们的作品画面看似支离破碎，实则完整清晰。

其中，具有代表性的设计师有金特•凯泽、冈特•兰堡、弗里克豪斯等。

以金特•凯泽为例，其设计作品传达着力量和希望，具有独特的超现实主义风格。

金特•凯泽热爱音乐和摄影，他经常与摄影师合作拍摄素材,采用双形同构、拼贴、装置等设计手法进行创作，其作品根据内容和意义，选用不同的配色。

金特•凯泽的设计作品色调偏于沉稳、淳朴、自然，通过对比与强调、整体与局部等设计原则定义画面的视觉感受和意义。

除了专业能力和职业素养，金特•凯泽还是一位有担当、有责任感、对生命充满敬畏的艺术家，这是他成为优秀设计师的重要原因之一。

该文以金特•凯泽为例分析其设计作品和设计思想，阐述超现实主义对设计的影响和再创造能力。

关键词:金特•凯泽视觉诗人表现形式爵士乐拼贴责任一、欧洲“视觉诗人”的代表人物及其设计理念20世纪60年代到90年代之间，欧洲出现了很多非商业化的设计作品，这是一种艺术创作倾向。

这些设计师创作的动机出于个人的艺术感受，就像诗人一般，所以他们被称为“视觉诗人”有些设计师采用超现实主义的表现形式，将画面分解、拼贴、重组等，产生新的、完整的、抽象的艺术感受，画面给人强烈的视觉冲击。

“视觉诗人”以视觉表达情感，他们力图用个人的设计作品影响更多的人，用诗的高度表达情感、艺术、思想，他们创作的作品是前卫的、新潮的、诗意的、非商业化的。

这种设计风格不仅运用在海报设计中，而且运用在杂志设计、书籍设计、插图设计上,并不断发展。

他们的设计作品和设计思想对于世界平面设计的发展产生了重要的影响。

他们设计作品涉及的领域主要集中于音乐会、戏剧、音乐节等文化活动海报和公益活动海报。

欧洲“视觉诗人”的典型代表人物为金特•凯泽、冈特•兰堡等。