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《美的历程》读后感（一）《美的历程》读后感第一次接触到《美的历程》这本着作应该追溯到大一下半学期的自然设计课上。
由许多民间艺术的片段中逐步引申到华夏5千年的艺术的承接和脉络，让人不觉感慨到中华文化的博大精深。
曾经，对于民间艺术中的剪纸很感兴趣，从剪纸的内容来看，有许多以蛇，鸡，鱼等动物为载体，这种形式艺术尽然可以追溯到远古时期，在交叉重叠了各种阶段的原始社会中，剧烈战争和安定平和交错不断，其巫术礼仪，原始图腾和其他符号都随着时代的开展不断变化。
根据当时的生活环境和状态，人类自身的生产和扩大在生产，繁衍子嗣的期望似乎就寄予在这些有很强的繁殖力的动物身上。
虽然仅是一些根据的猜想。
对于青铜器上的纹饰，我也有着极大的兴趣去了解。
随着阶级的产生和等级制度确实立，青铜纹饰也随之变化。
从原始的质朴天真到随后的为了统治维护地位的权利的凌厉，这些转变和衍化都是付诸与地位权利和力量。
以凶猛的怪兽或动物为代表，象征着神秘，恐怖，突出恐惧，残酷，凶残，这是和当时混乱暴力的战争时代有关，在这些怪异形象为象征符号，指向了某种似乎超出了时间的权威神力的观念。
他们的美并不在于装饰风味，更注重的是内在的原始宗教的情感，观念和理性，配上沉着，坚实，稳定的器物造型，成功的反映了那个时代所要倾诉的精神。
整本书其实一直都是用历史的文明与实践相结合来表达艺术的历程，试求社会对文艺的影响的规律，寻求社会根源。
在中国的造型艺术来说，线的因素表达着中国民族的审美特征。
不管是书法，水墨，还是建筑，线的艺术都恰好与情感有关。
在书法中每一笔都彰显着那个时代中国独有的骨风精神，建筑亦是如此，方形，长方形的土木建筑与国外尖。
高。
直的那种耸立截然相反。
简单朴素的单体构成了复杂严谨的群体，权利永远有个载体存在，像是飞檐，牌坊，祠堂，宫殿等。
但始终，在中国，浪漫主义永远也脱离不了古典理性的范畴。
在文学上，从先秦的理性精神到楚汉的浪漫主义到魏晋风度到盛唐之音，中唐文艺，宋元山水意境，明清思想，都在展现着社会问题的根源。
47审美视点一、宋代山水画的美学背景宋朝在历史上是一个艺术成就斐然的时代，也是各种艺术发展的黄金时期，当时的统治者任命众多知识分子来治理国家，尤其突出的是宋徽宗，他本人就是一个才华横溢的艺术家，所以他将自己的朝廷打造成了文化和艺术的中心，从而为宋代山水画在中国山水画及美学领域占据举足轻重的地位，打下了坚实的基础。
宋朝的宫廷美术空前发展，特别是山水、花鸟画家队伍迅速扩大，画院的山水画注重成熟、精美的写实技法，有声有色的美学意蕴，以其独特的精神面貌充分体现了中国传统绘画具象写意的审美特色。
分析宋代山水画可以发现，其发展受多家思想的影响，形成了综合性的美学精神，又因北宋理学思想在当时备受推崇，一度成为时代文化之魂，所以宋代山水画的美学意义总是贯穿融会其中。
然而，理学虽以儒家思想为主体，但用时代的眼光去看，它兼具道与释的文化精髓，具有深邃的思辨性，既体现了个体人格之美，又体现出天地之大美，真正完成了儒、释、道三家之融合，宋代山水画的美学背景便包含这些令人深思的哲理。
“格物致知”是理学的核心，主要从事物的原理入手，探究细微之理，从而达到对宇宙的理念上的把握，获得智慧。
对绘画来说，就是要求画家能用一颗虚静之心去观察客观世界，怀揣审美心胸去体悟、表达自然中蕴含的生命及规律，正如李泽厚先生所说：“对物质技能的掌握，包含着对自然合规律性的了解和运用。
”[1]这种“天人合一”的生命观对宋代山水画的发展具有积极意义，使其充分汲取华夏美学的精华，由哲学之理到画家之理，宋代山水画完成了向求真务实、形神兼备的美学风格的转变。
尽管自然界中万物不一，但主体并未在画中体现出征服自然的意识，它表达最多的就是人与自然的和谐，传达“天地境界”的人生态度和生命存在，是人的“自然化”和自然的“人化”的统一。
所以对于宋代山水画的审美体会有着儒道佛三家思想的深厚根基。
因此，文人墨客至士人阶级面对山水画，总会将个人的审美领悟与人世相结合，积极入世者会感受到一方清凉净土，消极失意者便会增添一抹生命色彩。
美的历程宋元山水意境读后感以前看宋元山水画，就觉得那些画啊，山是山，水是水，但读了这部分内容之后，才恍然大悟，原来这里面藏着这么多的门道和深沉的情感。
可是到了元代就不一样喽，元代的山水画里开始有了“有我之境”。
那些元代的画家啊，很多都是在仕途上不得志的文人，心里憋了一肚子的委屈和对现实的不满。
所以他们笔下的山水就成了他们抒发情感的好地方。
倪瓒的画就是典型，他画的山水总是那么“高冷”，山水的布局特别简洁，经常就是几棵枯树、一片水面和远处的几座小山包。
他画的山看起来都是孤零零的，水也是平静得像一面镜子，透着一股清冷和孤寂。
这就像是他自己的心境，在那个乱糟糟的时代里，他找不到自己的归属感，只能把这种情绪寄托在山水之中。
这元代的山水画就像是一首首无声的诗，诉说着画家们的孤独、哀怨还有对自由的向往。
而且啊，宋元山水画的技法也特别有趣。
宋代山水注重写实，从构图到笔法都讲究精准地还原山水的真实面貌。
就像工匠们精心打造一件工艺品一样，每一笔都有它的道理。
元代呢，则更加写意，画家们开始放飞自我了，更注重自己内心的感受。
他们用笔墨来传达情感，有时候一笔下去，可能不是在画具体的某个东西，而是在表达一种情绪。
这就好比是从照着菜谱做菜变成了自由发挥的创意料理，虽然看起来不那么中规中矩了，但却别有一番风味。
读完这部分，我就觉得宋元山水画简直是艺术史上的宝藏。
它们不仅仅是一幅幅美丽的画作，更是那个时代的文化、社会和人们心灵的一个缩影。
从宋代的严谨秩序到元代的自由写意，这中间的转变就像是一场华丽的舞蹈，每一个舞步都带着时代的印记。
这些山水画就像是一扇扇通往过去的窗户，让我们能透过它们看到宋元时期的人们是如何看世界、如何感受生活的。
这也让我更加明白，艺术这东西啊，从来都不只是表面的好看，它背后藏着的是人类的情感、思想和对世界的理解，就像一个装满了秘密的魔法盒子，只要你愿意去打开它，就会发现里面有无尽的惊喜。
宋元山水意境浅析《美的历程》这本书带给我们的是美的享受，它从远古到明清以这种时间轴线为线索给我们带来了各个时间段内的关于美的艺术形式并分析了各个时代美学的基本特征。
汉代的文艺，魏晋的风度，北朝的雕塑，唐诗宋词，宋元山水画，明清戏曲小说。
这些艺术形式都呈现了各时代的美学特征，同时它们都是中华民族瑰丽的艺术宝库，在历史的积淀中，时代的精神得到凝冻。
人们的思想情感、观念、意绪也在这之中得到感染。
下面就宋元时代的山水意境这一方面做一个简单的分析。
宋元的山水绘画美学上起唐五代，同时山水画在宋元之时达到了顶峰。
这一时期的画论家特别重视意境的创造。
借用李泽厚先生在《华夏美学》中的一句话“艺术…意境‟离不开情景交融”。
那么山水画这种艺术形式“意”和“境”就显得尤为重要了，它成为了抒写画者情思的一种媒介，同时它能把人的精神引向远离世俗社会的自然山水之中。
一：“意境”往往超出有限的“象”以有限创无限。
宋代的画者郭熙在《林泉高致》中说过这样的话“世之笃论，谓山水有可行者，有可望者，有可游者，有可居者，画凡至此，皆如妙品，但可行可望不如可游可居之为得、、、、、、十无三四，而必取可居可游之品，君子之所以渴慕林泉者，正谓佳处故也。
故画者当以此意造，而鉴者又当以此意穷之，此之谓不失其本意”。
这样一副山水画，内容上表现得就特别充实了，在山水之中有了“可居”“可游”的意境，突破了画纸有限的无限可能性。
如范宽在《溪山行旅图》之中，运用了一种高远的手法，远处高山气势磅礴，山中一条小溪还有溪边的行队，高山与小溪，行队构成了一种强烈的对比，使山峰的雄伟崇高更加强烈，也正是在这种雄伟崇高中突显了“可行”“可望”的意境。
二：宋元的山水画它的美学趣味，由北宋的“无我之境”向后期的“细节忠实和诗意追求”转移，在元代达向“有我之境”推进了一步。
北宋时期山水绘画重细节，篇幅与构图也多以高、远这样的气势呈现。
而到了南宋它的山水画多是局部取景，像“马一角”马远的《山水》，“夏半边”夏圭的山水画，他们的山水画，多简化了物像，描摹局部，流出大部分空白，利用空白，使意境深度提升。
