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写实油画艺术创作中的素描技法运用素描是写实油画创作中非常重要的一种技法，它是作为创作的基础，通过线条的勾勒和阴影的表现来描绘出形体的轮廓和质感。
下面将介绍一些常见的素描技法在写实油画艺术创作中的运用。
首先是轮廓线描绘。
轮廓线是素描的基础，它能够勾勒出物体的整体形状和结构。
在写实油画创作中，我们需要准确地描绘出物体的轮廓，因此对轮廓线的描绘要求非常高。
可以使用细蒙皮松软的铅笔进行描绘，轻轻地画出物体的轮廓线，遵循物体的形状和比例，注意细节的准确性。
其次是阴影表现。
阴影是用来表现物体的立体感和质感的重要手段。
在写实油画创作中，我们需要通过阴影的灰度和明暗的变化来模拟出物体的真实质感。
可以使用不同粗细的铅笔或炭笔进行阴影的描绘，通过交叉的平行线或斜线的交叉来描绘出不同明暗度的阴影。
还可以利用指尖或纸巾来晕染或擦拭阴影，使其变得更加柔和和自然。
再次是质感的描绘。
质感是指物体表面的纹理和特征。
在写实油画创作中，我们需要用线条来表现出物体表面的质感，如粗糙的木材、光滑的金属等。
可以使用不同粗细和硬度的铅笔进行描绘，用交叉的线条或斜线来模拟出物体表面的纹理。
对于光滑的物体，可以使用铅笔的尖端进行细腻的描绘，表现出物体表面的光滑感。
另外是透视的运用。
透视是绘画中非常重要的一种表现手法，通过透视可以使画面更加立体和真实。
在写实油画创作中，我们需要准确地表现出物体的透视关系，使其能够符合现实世界的空间感。
可以利用透视的原理来构图和描绘物体，选择合适的视角和角度，通过线条的收敛和变形来表现出物体的透视关系。
最后是快速素描的练习。
快速素描是指在短时间内用快速的线条勾勒出物体的形状和结构。
在写实油画创作过程中，我们需要面对的物体非常复杂多变，因此通过快速素描的练习可以提高我们的观察和描绘能力。
可以从简单的几何形体开始练习，逐渐过渡到复杂的物体，提高我们的熟练度和准确性。
素描是写实油画艺术中不可或缺的一种技法。
通过轮廓线的描绘、阴影的表现、质感的描绘、透视的运用和快速素描的练习，可以使我们的创作更加真实和立体。
写实油画艺术创作中的素描技法运用素描是绘画领域的基础技能，也是油画创作中不可或缺的一步。
在写实油画艺术创作中，素描具有重要的作用，它不仅仅是画面构图的基础，更是细节表现的关键。
本文将分享写实油画中使用的素描技法。
一、线条表现线条是素描的核心，它能够表现出画面的形态和结构。
在写实油画中，线条的细节和质感显得非常重要。
素描中线条的表现方式有：实线、虚线、粗细线、强弱线等。
线条的方向和角度也是非常重要的，它们能够表现出物体的形态、纹理和质感，同时也能够表现出物体的运动和空间感。
二、阴影表现阴影是素描的另一个重要方面，它能够表现出画面的光暗变化和物体的立体感。
在写实油画创作中，阴影的表现非常重要，它能够营造出画面的氛围和情感。
素描中阴影的表现方式有：明暗对比、阴影渐变、笔触法、交叉线、投影等。
正确的阴影表现能够让画面更加真实和有趣。
三、透视表现透视是素描的一个重要知识点，它能够表现出物体在空间上的位置和形态。
透视分为单点透视、双点透视、多点透视等，对于写实油画创作来说，单点透视是最基础的透视方式。
在素描中，利用透视可以更加准确地表现出物体在空间上的变化，从而增强画面的立体感和真实感。
四、纹理表现在写实油画创作中，纹理是不可忽视的部分。
正确表现出物体的纹理可以增强画面的真实感和生动感。
在素描中，纹理主要通过线条、交叉线、叠加笔触等方式表现出来。
不同物体的纹理表现方式也不同，需要根据具体物体的特点来进行表现。
五、质感表现在素描中，质感是影响画面效果的重要因素。
正确表现出物体的质感可以增强画面的真实感和生动感。
质感是由物体的纹理、色彩、光影等综合表现出来的。
在素描中，通过多种方式来表现物体的质感，如用深浅不同的阴影表现出物体的表面凹凸感、用叠加线条来表现出物体的毛发、用填充色彩来表现出物体的光泽感等。
总之，在写实油画艺术创作中，正确的素描技法运用非常重要。
通过正确的素描表现，能够更加真实、生动地表现出物体的形态、结构、质感等特点，进而制作出更加优美、逼真的油画作品。
立体油画制作方法立体油画是一种以立体感、层次感为主要特点的油画作品。
相比平面油画，立体油画的制作更加复杂，需要更多的技巧和经验。
下面将介绍一种常见的立体油画制作方法。
首先，准备工作是非常重要的。
选择适合的画布或画板，可以根据自己的需求选择大小。
清洁画板表面确保没有尘埃和杂质。
用一层素描纸遮盖画板，用铅笔或炭笔轻轻勾勒出整幅画的框架、主题和基本形状。
接下来是背景的打底。
选择合适的颜色（可以根据主题选择合适的颜色），用宽刷子均匀地涂抹在画布上。
在此过程中，可以根据需要增加浓度或添加其他颜色来增加图像的层次感。
制作主题物体的过程中，需要先确定一个主题。
可以根据实际情况或个人创造力，选择自然景观、人物、动物或静物等。
要注意主题物与背景色的统一性，可以运用色彩的对比来达到立体感的效果。
在描绘主题物体时，建议先从大的轮廓开始，用比例尺进行勾勒。
可以运用调色板将颜料与画笔混合，选择合适的颜色和材质进行描绘，以营造出三维感。
在这个过程中，可以使用不同粗细的画笔，来创造不同的纹理和质感。
为了增加立体感和层次感，可以使用阴影和高光效果。
通过掌握物体的光照原理，在主题物的适当位置进行阴影的描绘。
阴影的色彩和明暗度也需要考虑光线的角度和强度。
同样地，在主题物的凸起部分使用白色或淡黄色的颜料进行高光的描绘。
在描绘细节时，需要注重细节的层次感和真实感。
可以通过添加细节线条、纹理和色彩的层叠来增加画作的细腻程度。
可以运用细小的刷子或者其他工具来描绘纹理、细节和质感。
最后，在完成整个作品后，进行修饰和润色。
检查整个画面的比例、色彩和层次感是否统一。
对于一些需要强调的物体或区域可以适当增加亮度或饱和度。
对于一些细节不够清晰的地方，可以进行修复和补充。
总结起来，立体油画的制作需要充分考虑物体与背景的差异、光照的效果、阴影的处理等。
通过运用绘画技巧和经验，将画面描绘得更加真实、逼真和有层次感。
希望以上的方法对你有所帮助。
油画的制作技巧
1. 精细的准备
油画要好的基础，就要先进行准备工作。
首先要选择好画布，并在画布上涂上一层底漆。
底漆的颜色可以根据需求来选择，但通常会选白色或中性灰色。
这样一来，颜料就可以更好地附着在画布上。
2. 混色
混色是油画的关键，混色不好的话，画面的色彩就不会很好地呈现出来。
混色的技巧是将不同颜色的油彩涂在色盘上，用画笔将它们混合在一起，直到达到理想的色调和亮度。
3. 渐变色调
要想达到渐变色调，就需要很好地掌握混色技巧。
首先，在画布上涂上底色。
然后，在这个颜色上，加入一些混合色，使颜色变浅或变暗，形成渐变的效果。
4. 制造质感
油画不仅要有颜色，还要有质感。
要想制造出质感，可以在画面上加上厚重的色彩，或者用刷子的形态来区分质感。
同时，注意观察光线的方向，让画面中的光
影更加真实。
5. 涂抹着色
涂抹着色是油画细节处理的关键。
在涂抹着色的时候，要注意颜料的浓稠度和涂抹的力度。
同时，还要使用不同的画笔来创造不同的效果。
6. 制作层次感
要让画面有层次感，可以在底层涂上不同颜色的颜料，然后在上层涂上另一种颜色的油彩。
这样一来，画面就会产生深浅差异，形成更加立体的效果。
写实油画艺术创作中的素描技法运用写实油画艺术创作中的素描技法运用是非常重要的一步，在创作油画之前，需要对形态和构图进行深入思考和准确记录，而素描就是最基础的手段之一。
首先，在进行写实油画创作前，我们需要对被描绘的对象进行观察和分析，通过对对象的大致轮廓、线条、比例等因素进行准确的记录和刻画，来为后续的创作奠定基础。
在具体的素描技法运用中，主要可以分为以下几个方面：一、构图与形态的准确把握构图和形态的准确把握是素描的重点之一，我们需要通过对对象的大致轮廓、角度、比例、空间感等因素进行准确的记录，以达到严谨而准确的效果。
例如，在创作人像素描时，需要尽可能准确地记录其头部、面部、身体各部位的与轮廓、比例、表情等特点，以确定后续的造型与表达。
二、值与线条的对比运用线条在素描中起到了非常重要的作用，它可以刻画出对象的轮廓、形态和纹理等细节，同时也可以用于表现对象的质感、层次和颜色乃至光影。
而值与线条的对比运用，则能更好地突出对象的本质特征和华丽细节。
在素描中，通常用轻重快慢来表现物体的线条，用明暗深浅的变化来表现全局的深浅，在线条和阴影的对比运用中，刻画出被描绘物体的特征和形态，为后续色彩运用打下基础。
三、色彩的渐变与渲染效果在素描中，色彩的渐变和渲染效果是创作过程中的最后一步，也是最重要的一步。
在素描中，色彩的渐变能更好地表现对象的表面质感，例如刻画塑料袋的表面弯曲、面包的质感和纹理等细节。
而渲染效果则强调阴影和高亮的存在，通过渲染阴影和高亮，我们可以更好地理解和表现物品的轮廓和形态，同时也可以使画面更加立体和真实。
总的来说，写实油画艺术创作中的素描技法运用非常重要，艺术家们需要在具体的创作过程中，注重掌握对象的形态、构图、线条、值与线条的对比、色彩的渐变与渲染效果等因素，以达到更加精细、严谨和真实的效果。
油画创作小技巧油画作为一种古老而复杂的艺术形式，其创作过程涉及到众多细节和技巧。
本文将探讨一些油画创作中的小技巧，以帮助那些想要掌握这门艺术的爱好者。
一、准备工作在开始创作之前，需要做好一系列准备工作，以确保画面的质量和持久性。
首先，要选择适合自己的画布、颜料和刷子。
画布的质地和大小取决于创作的主题和场景，颜料和刷子的选择则需根据个人的喜好和经验来决定。
其次，需要做好调色和混色的准备工作，以确保颜色的准确性和一致性。
最后，要注意保持清洁，避免污染和混合颜色。
二、绘画技巧在开始创作之后，需要掌握一些基本的绘画技巧，以确保画面的质量和效果。
首先，要注意画面的比例和构图。
画面的比例决定了画面的整体形状和大小，而构图则决定了画面的元素和排列方式。
其次，要注意色彩的运用和调和。
色彩的运用需要注意各种颜色的搭配和重复使用，调和则需要注意色相、明度和饱和度的平衡和适度。
最后，要注意笔画的技巧和厚度。
笔画的技巧包括直线、弯曲和交叉等方式，笔画的厚度则需要根据绘画的物品和场景来决定。
三、创作过程在创作过程中，需要注意一些小细节和技巧，以确保画面的质量和效果。
首先，要注意画面的整体感和层次感。
画面的整体感需要注意各个元素的整体结构和比例，层次感则需要注意各种元素的前后和重心。
其次，要注意光影和阴影的表现。
光影和阴影是刻画画面的重要元素，需要注意它们的形状、位置和色彩。
最后，要注意细节和纹理的表现。
细节和纹理是刻画画面的精髓，需要注意它们的形状、大小和细节处理。
总之，油画创作需要大量的练习和经验，掌握一些小技巧可以提高作品的质量和效果。
无论是初学者还是经验丰富的画家，都需要不断地探索和实践，以创作出更加出色的作品。
写实油画的技法和体会写实油画的技法和体会一般的制作程序在谈到制作程序时，不得不首先强调制作程序是就每个艺术家自己的目的、愿望和习惯、方法而论的，所以它不是绝对的、固定的法则，我们只能依据整个传统油画时期最普遍而具代表性的技法来获得一个规律性的理解和体验。
我们不可能罗列全部古典艺术家的技法，而只能将他们技法中的共通而具有实质意义的东西阐释出来，特别是在制作程序上各个艺术家有着很多不同的特点，但作为整个传统古典油画这一个体系来讲，统观起来也有其大致的共通点，所以，在此只能将其简单地概括如下。
1、用线起形用线启形是自古以来画家在绘画的最初阶段采用的普遍方法。
自原始绘画以来，用线造型便成为人们对复杂形体进行概括的有效之法，因为线条是形体边界的表示，它能分割不同形状的面积，也能表现各体积之间的关系，更重要的是能获得人们在形体认识上感性和理性的认同。
因此不管油画最终效果在层次上、色阶上多么复杂，线条在最初阶段的提炼和概括却至关重要，它首先表现为对大的构图的设置，其次则是对各部分形体的定位与描绘。
因此，构图与大形的编排在这一阶段必须基本确立，而在后阶段很少进行改动，这是传统油画在启形上严谨的表现，所以要求最初的启形必须严格而考虑周全。
我们可以从古典大师们的素描看出他们对形体的概括和表现，更可以看出他们的素描是直接为油画启形而服务的，而不是作为独立审美价值而存在。
那时的素描大都以线为主，而很少有色调层次，除边线的穿插表现形体外，便是以转折或明暗交界线来简练地表示画面中的体积和光影关系。
这种简练的线描形式更适于层次复杂、细节丰富的油画在最初阶段的简练启形。
古代画家多半是直接先用纸画素描，再用纸背涂木炭或色粉将素描拷贝到做好底子的画布上去。
这种方法适于造型上非常严谨的风格的画家，不仅能稳妥地获得准确的造型，而且又不至于像在画布上直接素描那样伤害画布表面。
也有在画布上直接用丹配拉或松节油和颜料画出素描关系的方法，不过最普遍的还是先用色粉或木炭拷贝形后再用丹配拉或松节油调颜料画出单色的薄油效果。
冷军油画技法步骤冷军作为油画界的领军人物作品只有他敢称第二没人敢称第一超写实的油画作品一起来欣赏他作画步骤冷军油画技法第一步：↓↓↓具体绘制过程，他一般都是直接写生画法而他间接的画法会令亲眼看他作画的人更难忘他能在一方厘米的画面上通过各种媒介可以反复画一天调用各种手段有：吹风机、高倍放大镜、反光片、投影、实物写生时对应的高清晰照片、电脑显示器、实物、还有冷军自制的特殊油画工具、特殊油画底子、特定的画室环境光线等等。
一画就是连续站10多个小时连续7个月才能完成一幅作品有的甚至要画一年所以他的油画带给人的震撼也是可想而知的现在国内已经很少有这样的技术好、思路好、坚强毅力、有追求和责任感的画家冷军的作画技法，真是不错的处处透露着天才画家的才情和灵气作品之所以细致是因为他能沉得住心他的油画技法相信有很多人都在揣摩这是冷军老师在华中师范大学做了精彩的写生表演，给学生示范如何用油画的的一次性画法画好人物。
当然，油画颜料相对其他材料复杂，每个人对油画材料和技法的理解是不同的。
▽调色技法，几乎跟我们平时作画一样把颜料挤在调色版上用大笔先刷出背景颜色正如我们平时作画的先大色块后小细节感受名家的创作过程，对我们而言是非常有益的，也是极有必要的，这些作品不但能够告诉我们名家的创作过程和严谨的治学态度。
同时也能告诉我们，名家在创作时的工作状态------大气、从容、严谨、扎实。
更多精彩作品欣赏▽《素描-关于蒙娜丽莎微笑的设计》油画静物《瓷器》油画静物《柿子》局部油画静物《牛角》《马灯的故事》1991年全国美术作品展铜奖《文物系列》第二届中国油画展艺术作品奖《鱼干》冷军写生如同磨刀率意的笔触，无序的光线每一笔在诉说自己的情绪通过造型、色彩、点、线、面等基本功的训练画面物体真真切切，置立其间让人心魂荡溢《石榴》关于人物写生作品▽冷军爱人——罗敏一年只画一幅油画风雨无阻近40年下来他极端写实的画作震撼中外画坛《小唐》冷军的油画作品一直都是很受争议的，大部分都觉得超写实没什么意义就是傻画，超写实画家有很多，可是像冷军这样画的细而不腻还是寥寥无几，你看起来像照片的油画，其实真的和照片做对比的话差距还是很大的。
超级写实主义油画作品欣赏[组图]【书画赏析】 2019-06-02 23:21:25 阅读322 评论1 字号：大中小订阅导读：超级写实主义油画又称照像写实主义，是70 年代在美国最为流行的一种美术流派。
它的主要特征是借助照相机，先把要表现的对象拍摄下来，然后以照片为依据，以最细致笔触，表现出照片般甚至超越照片的细腻、逼真感的人物或风景和其它物体，这个画派自命为“超级写实主义”或“照相现实主义”。
超级写实主义作为一场艺术运动，源自并兴盛于美国，其后波及世界各地。
超级照相写实技法的特点：（1）作品多取材于现实摄影，纯客观真实地描绘物象，作者的情感受到压制，技法仅是技巧而已。
（2）在色调和情调上有别于照片。
“概括”和“提炼”只是对照片的切割剪裁。
（3）为充分展示物象细节，常把物象放大几倍或几十倍，使作品产生强烈的视觉冲击力。
（4）富有装饰性特色。
超级写实作品的制作程序如下：（1）将事先拍好的底片用幻灯机或将照片用实物投影仪放大到画布上。
（2）用油画颜料或丙烯颜料参照相片进行细致的摹写，力求形体结构准确、细节详尽丰富。
（3）使用喷枪将平整、干净、光亮的部位喷罩一层颜色，使画面色彩过渡自然，减弱笔触的痕迹。
现代超级写实作品多采用丙烯颜料，因为丙烯颜料溶于水和酒精，便于喷绘，干得快，要取得表层光亮效果，常在表面涂一层上光油。
画家石冲用油画颜料进行照相写实绘画。
他首先根据构思制作实物，然后拍成照片，再根据放大后的照片用小号圆头笔从局部开始点画，逐步画满整个画面，最后润色罩染，整理完成。
幻境画派是19世纪70至80年代在美国兴起的，一百年后在法国再生，其中最为成功的当代画家克劳德·伊维尔曾来中国讲学。
幻境画所创作的目的在于使我们承认被画物体的真实存在，终极之点是让观赏者忘却画布和油彩的存在，而“神思入境”，错把再现的真实当成客观的真实。
其代表人物有恰克·克洛斯，他的作品《苏珊像》，为了更逼真地表现出对象的每一个细节、脸上的肌理、汗毛和毛线囊，画家使用比真人大十倍的画幅作画。
油画的创作过程是如何进行的？一、选题和构思油画创作的第一步是选取一个合适的题材，并进行构思。
艺术家需要通过观察、思考、调研等方式，确定创作的主题、画面的构图和表达的意境。
在这个过程中，艺术家可以运用想象力和创造力，将自己的情感和观点融入作品中。
二、准备材料和工具在进行油画创作之前，艺术家需要准备好所需的材料和工具。
首先是油画颜料，它们可以根据需要选择不同的颜色和质地。
另外，还需要画布或油画纸以及刷子、调色板等。
艺术家应该根据自己的需要选择适合的材料和工具，以确保作品的效果和质量。
三、绘制草图和底色在正式进行油画创作之前，艺术家通常会先绘制草图。
通过草图，艺术家可以更好地理解自己的构思，并为后续的创作打下基础。
在草图完成之后，艺术家需要为画布或油画纸上色，这被称为底色。
底色的目的是为了使后续的颜料更容易上色和附着在画面上。
四、上色和层次在完成底色之后，艺术家可以开始进行正式的油画创作。
上色是油画创作的核心过程，艺术家需要根据自己的构思使用不同的颜料和刷子进行上色。
在此过程中，艺术家可以运用多种技法，如涂抹、刮擦、柔和、层叠等，以创造出丰富的色彩效果和质感。
此外，艺术家还可以通过调整颜料的浓度和稠度，控制色彩的明暗和光影的变化。
五、细节处理和修饰在完成上色之后，艺术家需要进行细节处理和修饰。
这包括对人物、物体等细节部分进行描绘和刻画，以及对整体画面进行调整和修饰。
艺术家可以运用细腻的笔触、精确的色彩和光影效果，突出画面的重点和细节，增加作品的立体感和艺术效果。
总结：油画的创作过程是一个富有创造力和技巧的过程。
艺术家需要通过选题和构思，准备材料和工具，绘制草图和底色，进行上色和层次以及细节处理和修饰等多个步骤，才能完成一幅精美的油画作品。
在整个过程中，艺术家需要发挥自己的想象力和创造力，通过巧妙的运用色彩、光影和构图等元素，表达自己的情感和观点，使作品更加生动、丰富和有深度。
刮胶：概括来说，先是将亚麻布刮一遍胶，再刮一遍红色底子，最后刷2遍灰底子，这样画布就完成了。
关于画布，目前多用亚麻布、棉布、尼龙布。
棉布收缩性大，不好用于绘画油画。
亚麻布比较适合。
画布用的第一遍胶最好是用兔皮胶。
具体的做法是：先把兔皮胶打碎，用水浸泡6个小时。
在水里放7%到10%的胶（这可以根据天气气温来定，气温高，得多加水），有时也可以用少的水将胶泡软，再兑水。
化胶的水在水温为25℃到30℃之间，待温度降到17℃时，便可往画布上刮胶。
如果实在嫌麻烦，那您用进口的乳胶得了。
但这效果可就差远了。
将钉上画布的内框平放，画面朝上，然后刮胶。
在其过程当中，要注意胶的温度，刮胶时动作要快。
最后须要将画布背面的胶液刮去。
把画布放在通风处，待干后用浮石或细砂纸把画布上凸出的小毛结打磨去。
画布上有凸包时，可将画布反过来放在平滑的硬质材料上，用小锤轻轻将其敲打平。
画布底胶起两个作用，一是把画布上的小毛头粘盖住，二是把画布的细孔堵住。
刮胶这一道工序比较难，是很重要。
胶温度过高，胶水会透到画布背面，胶温度低又难以刮得均匀，同画布结合的效果也不理想。
使用兔皮胶为最好，如果用白乳胶，效果可就差了，因为乳胶对热、酒精反映敏感。
红底料：红底料是由一份红铅粉、二份白铅粉和三份土红粉同熟（注意）核桃油均匀搅拌、研磨而成的。
在将以上三类粉质均匀混合后，慢慢的加入熟核桃油，然后均匀研磨，研磨至用两手指甲背摩擦时感觉不到明显的颗粒为止，这时再加入适量的熟核桃油稀释，加油多的多少根据画布的表面和自己的需要来定。
油的粘稠度以拉起时稍带丝状为宜。
这样，红底料就做成了。
把画布平放，刮上红底料。
然后把刮有红底的画布放在干燥通风处阴干。
待三天后才上灰底子。
超过三天反而不合适，因为时间长了，红底和灰底将结合不好。
在上灰底前先用细砂纸打磨一下，要适度，切忌打磨过分。
当画布有小结时，底下垫一木版或是平整的石头，然后在背面用小锤敲平。
在红底料中，加入红铅粉是起快干的作用。
灰底料：将一定量的铅白粉加入少量的铁黑粉混合均匀，然后加入50%的生亚麻仁油调和、研磨。
在研磨过程中，油是慢慢逐渐加入的，切忌一次加入过多的油、灰底料要比红底料稀一些，刮灰底子的刀刃更要薄一些，这样刮出的灰底子才能薄，待第一遍灰底子干后再刮或用排笔刷第二遍灰底子。
古代大师们仅用板刷刷灰底料，而不用刮刀，但对伊维尔来说，他需要特别平的画面，他的第二遍灰底子也用刮刀。
媒介底这种媒介是由熟核桃油和玛蒂树脂光油这两种液体混合调制而成的。
媒介剂在作画过程中成为不可缺少的材料。
马蒂树脂（Mastic）光油的制作：用量杯量出75毫升新蒸馏过的松节油，再取50克玛蒂树脂（正常光油含树脂为44％），研碎后倒进烧杯中，然后加入上述准备好的75毫升松节油，小火慢慢加热烧杯，使树脂慢慢溶化。
在此过程中不断用下班棒搅拌直至溶化。
在用小火加热的过程中注意温度不宜过高，因温度过高能使松节油蒸发。
当温度过高时要断火，这样整个加热过程中要时断时续，待玛蒂树脂溶解时用其所长丝袜过滤倒入容器中，放几天以后，杂质沉淀，这时的光油几乎变白，把光油倒入小口瓶中直至齐口满，放在阴凉处保存。
还有另一种制作光油的方法：即将研碎的玛蒂树脂放入丝袜中，放在松节油中自然溶解，但用这种方法做出的光油像奶一样不透明。
媒介剂的制作：取一份的玛蒂树脂光油，再取一份熟核桃油，将两种混合，在很短的时间二者就会变成果冻状的媒介，这是因为一氧化铅与光油产生化学反应，帮变成果冻膏状物质，然后将媒介装进锡管保存，这种媒介大约始于16世纪。
果冻状的媒介在作画过程中起很重要的作用。
以土红颜料为例，加入媒介后变得透明，那么土红为不透明颜色，这足能说明将媒介加入别的颜色中更能变得透明。
在作画过程中，没加入媒介时用笔很涩，但加入媒介后画面很平坦，色层表面没有任何聚堆的地方，而加入光油时，情况就不同了。
用媒介剂在颜色未干的画面上划线，我们可以看到这种线再也不会向四周扩散，但如在用亚麻仁油画的色底子上画线（未干的色画）时，亚麻仁油底子上的线便扩散开了。
另外用亚麻仁油也很难将色面涂匀。
在用媒介画的画面上用笔扫时，画面不会有大的变化，而在用生亚麻仁油画的画面上用笔扫时，便会把画面扫模糊了。
当用媒介画的画面你感到不满意时，可用纯媒介将色层洗掉，但当画面干了时便洗不掉了。
举例说，当对画面上画的线感到不满意时，可马上用貂毛笔调纯媒介将它洗下来。
在用媒介画的两种色块中间用纯媒介画完后，用笔扫，可在两种色彩之间画出很微妙的色彩过度，而没有破坏两种色块。
在作画的时候，有的地方吸油后，用光油刷表面来弥补这种方法不好，因这可使画面变黄，而这时最好用一份媒介和二份松节油稀释后涂刷吸油的表面，但须等画面干后刷。
在作画过程中，如果你想画一部分，你可只刷你想画的好一部分，如果画面的一点吸油了，你可用手蘸一点纯媒介揉一下吸油部分，这样，吸油问题就解决了，但如果吸油面太大，只能是涂刷了。
一开始作画时，媒介一定要少用，原因之一是媒介使油没有覆盖力，原因之二是多用媒介使画面变得过亮。
开始作画时，一般用三份松节油，一份媒介，画到以后可用二份松节油加一份媒介。
制作油画颜料：简单说油画颜色是由色粉加油研磨而成的。
通常使用的色粉有铅白粉、土黄粉、土红粉、熟褐粉、象牙黑粉、群青粉、钴蓝粉、湖蓝粉、那不勒斯黄粉、中国银?粉、中黄粉、茜素红粉、翠绿粉等。
先将色粉放在研磨板上，一点点加入由二份生核桃油和一份熟核桃油调和在一起的混合油，用碾子细细研磨。
检查色粉是否研磨细的办法是将颜色放在两手指甲背上互相摩擦一下，如果没有明显的小颗粒感觉全日制磨细了，然后将颜色装进锡管。
研磨颜料首先是从白颜色开始的，这时研磨板必须非常干净，如果研磨板是新的，须在研磨之前涂上一层油，这样色粉便不会进入缝隙里去。
研磨铅白：用两份生核桃油加入一份熟核桃油，在研磨铅白时用的油要少且须一点点慢慢加入，油加入后，稍候一会儿再研磨，这种白叫威尼斯白。
古代大师只用铅白，锌白是在19世纪末才发现的，这种白不好，锌白很纯，但覆盖力不强，干的也很慢。
本世纪30年代又发现了钛白，钛白不透明，但钛白干的也慢，而且研磨时费很多的油，且时间一长变粉，20年以后就裂开。
（这个值得注意。
）素描稿：首先画精细的素描稿，素描稿的画幅要求与准备好的油画布等大。
画素描稿时可先不固定边线，这样便于最后根据构图需要裁成等大。
素描稿完成后，有一张硫酸纸浮在上面，用铅笔先把素描稿透到硫酸纸上，一般只是用线条把各部分轮廓画下来，再用土红色粉笔涂在硫酸纸的背面。
一种方法是全涂，另一种方法是沿着透出的线条涂一遍，再将硫酸纸固定在画布上，这样将稿子透到画布上。
还有一种方法是用复写纸透稿。
然后用一份熟核桃油加二份松节油调和土红、钴蓝、铅白三种颜色成一种棕灰色。
用尖毛笔蘸该棕灰色在画布上勾线定稿。
画第一遍稿时仅用下列四种颜色：铅白、土黄、土红、蓝（可用灰代替）。
蓝色对古代大师和现代画家来说均是奶难掌握的颜色。
用一份熟油加三份松节油调色，开始熟油用的不宜太多，免得画面发亮。
开始铺色时要画的灰一些，薄而透明，能看到色层下的起稿线，暗部也加入适量的白色，先画阴影和暗部，再画亮部，二者衔接的地方用一特制的扇形笔扫一扫。
第一遍画完后要等二至三天再画，否则画面将会吸油。
待底色干后用小刮刀将画面的小色结刮掉，这样做是为了画面的美感。
如果发现画面过亮，可用巴拿马树皮水将画面洗一下。
将清洗后的画面擦净晾干，然后取一份媒介加入三至四份松节油，将画面轻轻涂一遍，准备画下一步，这一步用色画，用媒介调色画的时候用量要少。
该阶段主要用纯媒介，但画细部时，要用稀释的媒介（一份媒介加入三份松节油），为什么画局部要用稀释的媒介呢？用媒介画时易使画面色彩扩散，而用稀释的媒介作画便克服了这一缺点。
该步骤的媒介不要多用。
多了画面透明、亮，而该阶段不应太透明、过亮，应控制住，为下一阶段做准备，紧接着下一步大约要画两周左右（当然有时也得根据画面大小而定），这时强调调色板上一定要用色单纯。
维米尔的调色板就很单纯，他用中黄色调作画时，色板上就没有柠檬黄或其他黄色。
一些大师在画肖像画时仅用几种色，仅用白、土黄、土红、黑、褐色，但画出的色调却很鲜明、响亮。
在第一阶段颜色铺完后，第二阶段不是一次完成，要一部分一部分地反复深入刻画，而又要保持整个画面的统一协调关系。
第二阶段尽可能要与对象接近，调子要画的平和一点，最后强调画面的黑与白的关系。
每完成一个细节都要用扇形笔柔扫，使之浑然。
每层色画过后，最少要等一天再画，而每天画之前把要画的地方用松节油加媒介溶剂刷一遍，这样做的目的是使两个色层结合得好。
吸油的地方也相应变好。
如果这一阶段的画面颜色比实际对象浅一层，那么我们还可用下一透明罩染阶段来弥补。
染画面：待画干过几天后，用巴拿马树皮水清洗画面，待干后调和一份媒介加四份松节油混合，用板刷将画面刷一遍，停一会儿便可染透明色了。
染画的过程也是深入刻画的过程，它可以造成更丰富的色调，使颜色饱和。
首先用胶带纸将不需染的部分贴住，用纯媒介调色染，涂上一遍透明色后不能马上涂第二遍色，媒介剂涂上后可以在上面反复画，但要趁湿画，干了以后再改就很困难。
部分地方可加进适量的白色，因加进白颜色后，透明效果必定有所变化。
在罩染画面时，不可用刚经松节油洗过的笔蘸媒介染，因为松节油可使颜色在画面上扩散，当染的颜色过分时，可用硬毛笔蘸上纯媒介带几下画面，这时就可带下一部分被染上的颜色。
上光：首先用巴拿马树皮水清洗一遍画面，洗净画面的灰尘，等干后再上光。
一般说来,较好的光油是玛蒂树脂光油。
取15克玛蒂树脂加入75毫升的松节油，在法国还须放入黄豆粒大的威尼斯松节油。
用一份光油加入三份的松节油将它稀释。
上光应分两次，两次均很薄。
上光时和笔最好不要反复重复，横刷完后再给向刷，上完光后的画面要平放，光油干的很快，大约十五分钟后就干了。
刚刚上完光的画面发亮，但过一段时间后就不太亮了。
如果上两次光，那得等第二天再上第二次光。
画幅非常大的时候，须上两次光，避免一些地方漏掉。
在现代一些书上时常介绍和达玛树脂上光，用达玛树脂上光不好，它遇水变白，这样会影响画面的色彩，整个画面色调可能由此而变蓝。
最后应补充说，画画完后须等三四个月以后再上光，如果需马上上光，最好先用一点纯媒介涂在画面上，然后用软毛布轻轻柔擦。
(直接画法的作画过程差异)区别也不难理解,直接画法讲究的是笔性，它要求笔笔造型；而间接画法，如多层透明画法，这本身就有“制作”画面的嫌疑。
在我看来，直接画法要更讲究人性一些，不过这要求画者的造型能力必须很高，即达到把技巧提升到艺术美的境界才好说法，否则画面就没有什么看头了，这就是真正的困难所在。
至于依维尔的画法，不可否认，其中主要是“制作”在起作用。
有人很聪明，他们会同时学习这两种画法，并加以运用。
