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绘画创作中的孤独感和归属感作者：付妍姝来源：《大观》2018年第01期一、孤独感和归属感在绘画创作中的表现情感是绘画创作中要表现的主要内容，情感在绘画中对画面的影响，着重强调了在绘画中一个绘画者自我情感表现的重要性，情感是一个创作人在其艺术作品中必须具备的艺术价值。
一个艺术家在创作构思开始的时候就已经赋予一幅创作新的活力，无论从艺术鉴赏或者是审美角度出发，其艺术创作想体现的核心都是审美情感。
在这里我主要想谈谈在绘画创作过程中创作者产生的孤独感和归属感。
我相信人们在欣赏作品的同时，看到的不仅是一幅画作，更是画家凝聚在作品中的思考和情感，在尊重创作者劳动的同时，更重要的是尊重画家的感受，从而体现画面新的意义。
（一）绘画创作与现实孤独感的关系现实性是指包含内在根据的合乎必然性的存在，是客观事物和现象种种联系的综合。
现实性与必然性有其内在联系。
孤独感是一种封闭心理的反应。
俄国文学泰斗列夫·托尔斯泰在他的美学著作《艺术论》中说道：“人们用语言互相传达思想，而用艺术互相传达感情。
”人们通过线条色彩体面关系来传达自己对于生活社会的情感体验，同时也能让别人体验到，这就解释了情感艺术的意义。
然而，在久远的艺术发展过程中，并不是每一个艺术家在自己的艺术创作中所赋予的情感都能被人理解和接受。
情感在艺术活动中有着极为重要的作用，人对外界的刺激做出的消极的心理反应，如恐惧、厌恶、悲伤等情感都是艺术创作者对于现实赋予的情感产生的孤独感。
《向日葵》是梵高的代表作之一。
梵高对于向日葵的喜爱，就像是对阳光色的向往，以黄色为主，加上叶子的绿色，使得画面色彩十分明亮。
他对画面独特的构图安排，让画面有了一种顽强的生命力。
梵高通过对事物的观察，画他自己的感受，用自己的感受理解大自然，从而表现他强烈的思想感情。
向日葵是太阳一样的颜色，是光和热的象征，是他内心强烈情感的写照，也是他苦难生活的缩影。
画面中体现的美来自于梵高强烈的情感和画面中孤独的忧伤感，将梵高苦难的一生刻画得特别深刻。
艺术是浪漫者的孤独旅程——《海上钢琴师》艺术鉴赏世界上总是有那样一些人，他们充满思想、智慧，有丰富的想象力和创造力，但却很难与俗世和谐共生。
我们称他们为艺术家。
奥斯卡•王尔德可以说其中的代表。
王尔德有言：“我们都处在沟中，但有些人在仰望天上的星星。
”我想，他不仅是那在沟里仰望星星的人，更是那被人少数人仰望的星星。
尼采也说：“在这儿，我的孤独在于个人与世界无法达成共识。
”我想，也许这句话几乎概括了所有艺术家孤独的原因——个人与世界无法达成共识。
《海上钢琴师》就是赞颂艺术家的孤独的一部伟大的影片。
《海上钢琴师》描述了一位被抛弃在一艘往返于英国与美国之间的大型客轮“弗吉尼亚”号的弃婴的奇妙一生。
他在头等舱的钢琴上被一好心船工发现并抚养，被取名为1900。
后船工因意外身亡，1900从此在船上生长，一生未下船，并因其无意中发现自己的钢琴天赋而成为船上的钢琴演奏师，他以即兴的演奏风格和高超的演奏技巧而极为受欢迎，他为了不让自己迷失在无尽的城市中，在“弗吉尼亚”号即将被炸毁的最后一瞬都没有下船，最后葬身在船上，结束了自己传奇的一生。
一部优秀的电影作品想表达的，远比观众看到的要多得多。
而那些多出来的韵味与深意，更多的是通过不断地回味和思考得到的。
影片以一位钢琴师作为艺术家与天才的代表，本身就是意味深长的。
音乐是与物质世界最无关的艺术，而且它与平庸的现实生活离得最远，因此它是最理想的艺术。
所以，1900不仅是所有艺术家与天才的浓缩，更是他们的精华。
他所体现出的那一群人的共性，恰恰是将他们与其他人区别开来的最鲜明的个性。
这也注定了艺术家永远都是孤独的，他们只能孤独的行走在追求艺术的道路上。
影片开头就说，“每艘船上都有一个人最先看到美国。
不要以为这是偶然或是视觉幻想，这是命运。
当他们还是孩子的时候，你看他们的眼睛，就能清楚地看见她——美国。
”美国，是1900所在的“弗吉尼亚”号的目的地，也是许多人心中的圣地——美国意味着财富和荣誉。
浅述艺术家的孤独体验在历史的长河中，一些伟大的艺术家往往有着深刻而持久的独孤体验。
艺术家的孤独不是偶然的，而是他们人格特征的必然性。
所谓孤独体验就是“一种深刻而强烈的智慧内省,是个体生命和与广泛联系的外部世界暂时中断联系而潜心考虑生命个体、生命意义问题时所意识到的与他人无法重合的个别感、特殊感，是人的自我意识深化的一种心理反应。
艺术一般是反传统、反世俗的。
艺术家常常与世俗传统有着不可避免的矛盾和紧张。
因此，在世俗的世界里，艺术家是孤独的，是独立于世的。
他们在世俗的传统中寻求创新和突破,又以传统世俗作为基础。
他们有着超乎常人的感受力和创造力，以自己的价值作为指导去感受去体会,他们是孤独的。
俞伯牙摔琴,因为再也不会有像子期这样的人来欣赏自己的音乐了。
正所谓“曲高和寡”。
孤独是不被理解的，当毕达哥拉斯提出地球是圆的的时候，人们都认为他不可理喻。
越是超前的东西就越难被理解,而艺术家又不会为了得到世人的理解而降格以求。
所以他们在创造新世界中常常感到孤独，很少有人能够与他交谈，分享创造的欢欣.如梵高、卡夫卡以及现代西方的伟大作家、艺术家生前都十分孤独。
孤独体验的产生，一方面是因为艺术家人格特征的独创性和超前意识.任何有创造性的艺术都带有探索的性质，探索前人未尝涉足的领域,发现前人未曾发现的真理，因此，艺术家的创造性又和超前意识结台在一起。
这样，艺术家在一个崭新的世界里进行着开创性的工作，因无人理解而陷入深深的孤独之中。
人类的艺术史表明，越是具有独创性和超前意识的艺术家往往越孤独，而平庸的艺术家没有或较少孤独体验。
另一方面，艺术家孤独体验的产生与其独立性和自我意识也直接相关。
艺术创作的根本要求是独创性，离开独创性就无真正的艺术创作可言。
艺术家如果缺少自身的独立性和强烈的自我意识而表现出过分的从众倾向,就会导致丧失独创性，而丧失独创性等于自绝于艺术创作事业.因此，真正的艺术家都自觉地维护自身的独立性,保持强烈的自我意识,忠实干自己内心的情感.“荷戟独彷徨”，是鲁迅的一个心理自画像。
绘画中的孤独情节及主观色彩表达绘画是一种表达情感的艺术形式，它可以通过图像表现出人们内心深处的情感世界。
在绘画中，孤独是一种经常被表现出来的情节，因为它是人类最基本的情感之一。
通过绘画中的孤独情景可以深刻地表达出人们内心深处的孤独感受，同时也能通过主观色彩表达来传达出画家的感受和思考。
孤独是一种常见的情感，它可以被看作是人类的情感基因之一，每个人都有自己的孤独感受。
在绘画中表现孤独情节可以通过描绘一些比较寂静的画面，比如人物独处的场景，空旷的景象等。
例如，画家科尔索斯基的《独身者》中，画面中的人物坐在一张椅子上，身旁没有任何其他的事物，这样的构图表达了人物内心的孤独感。
对于孤独情结的表达，艺术家可以通过主观色彩表达来传达出自己的思考和感受。
在绘画中孤独情节通常使用黑色、蓝色等冷色调来表达。
黑色是一种比较沉重的颜色，常被用来表现压抑、孤独等负面情绪。
例如，画家埃德华·霍普的《夜餐》中，画面中的人物坐在一张餐桌前，他们面无表情，身体姿态生硬，整个画面使用了黑色等冷色调，表达了人物内心的孤独和冷漠。
在一些艺术家的绘画作品中，孤独情节也被表现为一种自我反省和思考。
在这些画作中，艺术家通过表达自己的孤独感受来表达自己的思考和感受。
例如，画家弗朗西斯·埃克南的《落寞的儒雅》中，画面中的人物面向一面大镜子，镜子中反射出来的是自己孤独的身影。
整个画面通过表达人物对于自己孤独的反思，透露出画家对于人生哲学的思考。
总之，在绘画中孤独情节的表达是一种比较常见的表现形式，艺术家通过冷色调、构图手法等方式表达人物内心的孤独感受，并用自己的感受来传达出自己对世界、人生的哲学思考。
艺术人生——灵遁者我忘了是谁说过这样一句话，大概意思是：“艺术创作是个体的，群体创作是一个伪命题。
就好像一个人做梦和一群人一起做一个梦的区别。
”从这个角度讲，艺术家确实需要有一颗敏感而孤独的心。
我不确定自己是否孤独，因为这个时代说自己孤独的人街上一抓一大把。
大家都孤独，谁才是真正的孤独者？。
孤独是一个被“同化”了的词，人的矛盾性让我相信这种“同化”是可信的。
也就是人能感到孤独是可信的，群体能感到孤独也是可信的。
我说自己孤独，不如说自己孤单。
因为说自己孤单是在陈述事实。
我很小的时候放羊，我只放一只羊。
我特别满足只放一只羊。
每当有一个羊群经过的时候，我总是护着我的羊。
而它总是去挑战哪些长着长角的山羊，我感到骄傲，也为它担心。
多年以后的今天，我意识到艺术就跟放羊一样。
艺术不在殿堂，而在泥泞的土里。
而每一个初次拿起画笔的人，是不会意识到这点的。
因为没有谁一开始就是“艺术家”。
我从来没有想到过，自己会成为一个靠写字，靠画画吃饭的人。
生活中有很多深深爱你的人会杀死你深深爱的东西。
我放养的羊，就倒在了我父亲刀下，最终成为一锅肉。
我的哭泣，在他们看来是可爱。
很多人都有这样的童年吧。
那时候我觉得“一只羊”比艺术品可重要多了。
我依稀记得我爸笑着对我说：“你爸死的时候，你能这么哭，也算孝顺了。
”然后把我关在屋里，他们在外面杀羊。
而我能做什么？除了大骂大哭别无方法。
你现在懂我说的了吗？你心中的“艺术”或“理想”是怎么被杀死的。
再去回头看看我上面写的那句话：生活中有很多深深爱你的人会杀死你深深爱的东西。
责任是一种爱的表现，而爱是一种选择。
，你为了对某人的“责任”，很多时候会杀死自己养大的东西。
我说这句话的时候，不带有褒贬的语气，我只是在陈述事实。
无论你是不是艺术家，你其实都是“艺术家”。
生活本来就是不带彩排的电影。
你以为你是配角，其实你一直都是主角。
你没有看到自己而已。
很多人的状态大概就像一幅油画。
远看完美无缺，近看凌乱不堪。
黑暗中的舞者：艺术、孤独与狂热的追求1. 引言"黑暗中的舞者"是一个关于艺术家和他们孤独与狂热追求的故事。
在这个主题下，我们将探讨艺术家内心深处的世界，他们面临的挑战以及对艺术追求的执着。
2. 艺术家与孤独2.1 孤立感艺术家通常被认为是不拘一格、具有创造力和敏感性的人。
然而，正是这种特质使得他们在与外界沟通时常常感到孤独和隔阂。
本节将深入探讨艺术家如何在创作过程中经历孤立感，并对此进行分析。
2.2 创造力与内省艺术家必须在内心深处寻找灵感和创意，而这往往需要他们保持一种内省思考的状态。
本节将讨论创造力与内省之间的关系，并解释为什么这种内省可能会导致孤立感。
2.3 艺术作品中所表达的孤独许多艺术作品描绘了孤独的主题，这反映了艺术家自身对孤立感的体验。
我们将通过分析几个例子，探索艺术作品中所表达的孤独和内心世界。
3. 艺术家与狂热追求3.1 对完美的追求艺术家往往对于他们作品的追求是毫不妥协的。
他们追求完美，精益求精。
本节将深入探讨艺术家对完美的执着，并分析这种追求对他们追求成功带来的影响。
3.2 牺牲与奉献为了实现自己的艺术目标，艺术家常常需要做出许多牺牲，并付出巨大的努力与奉献。
本节将讨论这些牺牲和奉献意味着什么，并探索这种精神如何推动艺术家的追求。
3.3 狂热与激情在追逐梦想和创造时，艺术家通常会被激情所驱使。
他们充满狂热，追求自己内心深处的真实表达。
本节将探讨艺术家的狂热追求如何影响他们的创作和生活。
4. 结论"黑暗中的舞者"为我们展示了一个关于艺术家内心世界的故事。
通过对孤独与狂热追求的探讨，我们可以更好地理解艺术家对于艺术创作的执着以及他们不计后果追逐梦想的精神。
无论是在黑暗中还是光明中，艺术家都会用他们的作品来寻找安慰、传递情感和诉说他们内心世界的故事。
参考文献：•Smith, J. (2015). The Lonely Path: The Isolation of Artists and Its Impact on Creativity. Journal of Arts and Creativity, 10(2), 45-62. •Brown, A. (2017). The Pursuit of Perfection: The Obsession with Excellence in the Work of Artists. Journal of Artistic Studies, 15(3), 87-104.•Taylor, L. (2018). Passion and Madness: Exploring the Creative Impulse in Artists' Lives. International Journal of Fine Arts, 22(4), 67-83.注：本文档纯属虚构，仅供参考。
“孤独的艺术”林清玄读后感
看了林清玄老师的《孤独的艺术》这本书后，我深刻的体会到了很多人的孤独感来自不知该如何处理自己与世界的关系。
一个渺小个体飞奔起来也追不上庞杂大千世界的脚步，那么我们该如何平衡？
林清玄老师在《孤独的艺术》这本书中为我们解读了个人与外部世界的相处关系：其实孤独也是个“独乐”和“独醒”的过程。
所谓“独乐”是一个人独处时也能欢喜，有心灵与生命的充实，就是一个下午静静坐着，也能安然；所谓“独醒”是不为众乐，所迷惑。
众人都认为应该过得生活方式，往往不一定适合我们。
在这个信息高速飞快的年代，我们应保持独立思考的个性，才能活得更从容自在。
外部世界每天都在变化，林清玄老师的人生智慧是：在茫茫的大千世界里，每个人都应该保有一个自己的小千世界，这小千世界是可以思考、神游、欢娱、忧伤甚至忏悔的地方，应该完全不受到干扰，如此，作为一个独立的人才有意义。
我们面对孤独时，会有三种层次，而这三种层次决定了一个人的精神世界。
不喜欢独处的人，孤独时，会感到痛苦；习惯了孤独的人，能够跟孤独和平共处。
而真正懂得孤独的人，能够玩味孤独，欣赏孤独，并在孤独中获得更自在的人生，这是一种最高层次的精神世界。
那么就正如书的封面上的那句话：“一个人的心只要澄静了，就日日是好日，夜夜是清
宵。
”以上我看了林清玄老师的《孤独的艺术》这本书后体会到的。
奇特的一生弗朗索瓦拉伯雷的艺术家灵魂与孤独奇特的一生弗朗索瓦·拉伯雷的艺术家灵魂与孤独当我们回顾历史上那些伟大的艺术家时，总会发现其中有一些人物以其独特的生活方式和作品风格而脱颖而出。
法国画家弗朗索瓦·拉伯雷（François Rabelais）就是其中之一。
他的一生充满奇特和不可思议的故事，他的艺术家灵魂与孤独也成为他的创作源泉和命运共鸣。
弗朗索瓦·拉伯雷，生于19世纪初的法国，他的一生经历了战争、贫困和个人追求的艰辛。
他并没有接受正规的艺术训练，却以其别具一格的绘画风格和独特的创作手法闻名于世。
在创作中，拉伯雷注重表现自己内心的情感和思想。
他的作品充满了浓郁的个人风格，主题涉及自然、人物和社会。
他喜欢运用艳丽的色彩，将自己内心的情感和痛苦表露无遗。
他使用的颜料和绘画技巧与传统大相径庭，充满了创新和突破。
然而，尽管拉伯雷在艺术创作上取得了一定的成就，但他在生活中却经历了巨大的孤独和挫折。
他身处艺术家的世界，却被社会的偏见和贫困所束缚。
他的作品很少得到认可和赏识，经济上的困难也让他深陷绝望的境地。
孤独是拉伯雷一生的主题之一。
他独自生活，几乎与世隔绝，沉浸在自己的艺术世界中。
他对人际关系的淡漠和追求内心自由的精神使他成为了一个极端孤独的人。
他的作品中经常出现孤独的人物形象，例如独自行走的人、独自看书的人等等，这些形象反映了他内心深处的孤独和追求。
然而，正是因为这种孤独和内心的追求，拉伯雷的作品才具有如此深刻的艺术感染力。
他不追求时尚和潮流，不被外界的评判左右，而是坚持自己内心真实的表达。
他的作品中融入了他对自然和人性的独特理解，使观者在细腻的观察中感受到一种超越现实的境界。
正是这种独特的艺术家灵魂和孤独，使得拉伯雷成为了艺术史上的传奇人物。
他的作品虽然在当时并未引起广泛关注，但如今却被后人所珍视和推崇。
他的艺术风格对后世的艺术家产生了深远的影响，成为了一种寻求内心自由和表达的象征。
