西方绘画的表现图式与艺术特征

尤恩·乌格罗绘画图式分析20世纪初的西方现代艺术，以一种全新的姿态突破了传统的艺术规范和审美价值，侧重客观再现的古典艺术被主观、个性化的现代艺术所取代，各种文化思潮、艺术流派风起云涌，绘画逐渐从对客观世界的复制过渡到艺术家对自身个性的展现和对抽象概念的表达，艺术开始迈入多元化时代。

“新艺术运动”的兴起，使英国艺术的表现形式发生了巨大转变，法国人达盖尔摄影术的问世，对于绘画艺术的发展和变革起了重要的催化和促进作用。

而其中的自然科学、哲学也为现代主义的发展提供了理论依据。

艺术家们逐渐从传统主题、技法的表现转而关注理念、形式和个人情感的表现，出现了一大批优秀的艺术大师，如弗兰西斯·培根、卢西恩·弗洛伊德、大卫·霍克尼、尤恩·乌格罗、亨利·摩尔等艺术家，他们的成功也导致了大批年轻习画者投身到现代艺术的创作中，由此掀起了一场轰轰烈烈的变革，其波及范围之广、影响之深犹如意大利文艺复兴一般，席卷全球。

身处在时代变革中的乌格罗也从中获益汲取了塞尚、毕加索等诸多现代主义艺术家的养分。

当代艺术的重要特征之一，就是对古代艺术的探究与传承，对于艺术史中各种画风不拘一格的使用，出生于20世纪初期现代主义绘画蓬勃发展之时的尤恩·乌格罗，没有盲目跟风完全投身到现代主义的浪潮中去，而是在学习、研究传统绘画的基础上，融合现代主义绘画的艺术理念、表现手法，结合自身优势，形成了一种独具特色的艺术样式，使他日后成为继卢西恩·弗洛伊德和弗朗西斯·培根之后英国当代画坛公认的大师之一。

乌格罗追求作品中各要素的和谐统一，不断调整相互关系，并为此奋斗一生，不过他这种和谐不仅基于文艺复兴早期均衡、稳定、简洁的理念，也是对古希腊艺术精神的诉求。

因此，古典艺术所崇尚的单纯与静穆在他的画中得到了完美诠释，并蕴含新的构成意味，呈现出了坚实与纪念碑式的高贵与永恒。

本文将从以下几个方面对尤恩·乌格罗的时代背景及成果深入分析，以期能从宏观上较全面系统地把握他的绘画样式和艺术魅力，对他在具象表现绘画领域的创造性表现和其作品的独创价值予以重新认识。

第四课西方绘画的表现图式与艺术特征教材分析：本课为人民教育出版社普通高中课程标准试验教科书美术--绘画的第四课。

本课教材分为古代的西方绘画、近代的西方绘画、现代的西方绘画三部分。

古代的西方绘画部分主要介绍古希腊、古罗马和中世纪欧洲绘画的表现图式与艺术特征。

近代的西方绘画部分介绍从欧洲文艺复兴到十九世纪西方绘画的各种艺术特征。

现代的西方绘画部分则介绍了十九世纪末和二十世纪个主要流派的绘画艺术概况。

学生分析：对于我校高中部二年的学生来说，学习本节课内容并不困难，一方面因为他们都是美术特长生，长时间学习绘画技巧，对于美术语言有一定的认识，另一方面学习本节课之前，学生对于整个西方美术的脉络已经有所了解。

教学目标：知识与能力：了解西方绘画从客观具象写实到主观抽象表现的发展演变概况。

了解西方绘画的主要艺术特征和常用艺术语言，能够欣赏和理解古代到现代的西方优秀绘画作品。

过程与方法：通过讨论与交流，通过感受西方绘画的主要成就和优秀传统，欣赏和理解古代到现代的西方优秀绘画作品。

情感、态度、价值观：关注东西方绘画的差异，懂得尊重世界多元文化及文化交流的意义。

教学重点与难点：重点：西方绘画从客观具象写实到主观抽象表现的发展演变概况难点：对于现代西方绘画的欣赏与评价是本课的难点。

教学模式、教学策略与方法：探究式教学模式、适当运用多媒体设备▲幻灯片-古埃及绘画《捕禽图》&古希腊绘画《宴罢》的不同之处（组织学生分析，得出分析的结果）教师总结：从西方绘画的发展历史来说，中外的学者都认为古希腊和古罗马艺术是西方写实性美术产生的源头。

古希腊、古罗马绘画在真实生动地描绘日常生活和神话故事方面，达到了西方写实性绘画的第一个高峰。

▲幻灯片-《采花少女》&《蒙娜丽莎》对比（学生谈感受）教师讲解：以意大利为主的欧洲文艺复兴以来，画家们开始根据自然科学原理来研究自然物象，几何学、解剖学、透视学、光学等领域的发现，被应用于绘画的写实方法，促使西方写实绘画达到了新的高峰。

西⽅艺术史：⽴体主义的艺术-毕加索【121】⽴体主义的艺术巴勃罗·鲁伊斯·毕加索 (Pabol Picasso,1881-1973)西班⽛画家、雕塑家。

从⼗九世纪末从事艺术活动，⼀直持续到⼆⼗世纪七⼗年代最具有影响⼒的现代派画家。

⼆⼗世纪艺术中最引⼈注⽬的现象，⼆⼗世纪的⼤部分艺术史都可以按照他的成就来写。

⼀⽣画法和风格迭变。

早期画近似表现派的主题；后注⽬于原始艺术，简化形象。

1915-1920年，画风⼀度转⼊写实。

1930年⼜明显的倾向于超现实主义。

晚期制作了⼤量的雕塑和陶器等，亦有杰出的成就。

他的作品对现代西⽅艺术流派有很⼤的影响。

《亚威农少⼥/亚维农少⼥》由毕加索创作于1907年，是第⼀张被认为有⽴体主义倾向的作品。

毕加索以他青年时代在巴塞罗那的“亚威农⼤街”所见的妓⼥形象为依据。

这条街以妓院林⽴⽽闻名。

画上的⼥⼈形象，就是这条街上的妓⼥们。

过去的画家都是从⼀个⾓度去看待⼈或事物，所画的只是⽴体的⼀⾯。

⽴体主义则是以全新的⽅式展现事物，他们从⼏个⾓度去观察，从正⾯不可能看到的⼏个⾓度去观察，把正⾯不可能看到的⼏个侧⾯都⽤并列或重叠的⽅式表现出来。

在《亚威农少⼥》中，五个裸⼥的⾊调以蓝⾊背景来映衬，背景也作了任意分割，没有远近的感觉，⼈物是由⼏何形体组合⽽成的。

画家把这五个⼈物不同侧⾯的部位，都凝聚在单⼀的⼀个平⾯中，把不同⾓度的⼈物进⾏了结构上的组合。

看上去，就好像他把五个⼈的⾝体先分解成了单纯的⼏何形体和灵活多变、层次分明的⾊块，然后在画布上重新进⾏了组合，形成了⼈体、空间、背景⼀切要表达的东西。

就像把零碎的砖块构筑成⼀个建筑物⼀样。

⼥⼈正⾯的胸脯变成了侧⾯的扭曲，正⾯的脸上会出现侧⾯的⿐⼦，甚⾄⼀张脸上的五官全都错了位置，呈现出拉长或延展的状态。

画⾯上呈现单⼀的平⾯性，没有⼀点⽴体透视的感觉。

所有的背景和⼈物形象都通过⾊彩完成，⾊彩运⽤的夸张⽽怪诞，对⽐突出⽽⼜有节制，给⼈极强的视⾓冲击⼒。

波普艺术：波普艺术兴起于20世纪50年代初的英国伦敦，50年代中期鼎盛于美国纽约。

波普艺术又可译为“通俗艺术”或“流行艺术”，作为一次艺术设计的革命，波普艺术无论是在创作思想、技术手段、还是语言元素上都是根据但是西方社会的具体需求产生的。

在20世纪50年代，西方艺术界中现代主义思潮占据了主要地位。

战后的艺术仍然沉浸在严肃、规范的现代注意形式中，艺术剩下的仅仅是最低限的抽象与色彩、形式主义也达到了极致。

而波普艺术一词最早出现于1952-1955年间，是在当时伦敦当代艺术研究所一批青年艺术家举行的独立者社团讨论会上首创的，1954年最后由英国艺术家阿罗威所创用。

最早以创作此绘画作品而闻名的画家是汉密尔顿，他的代表作是在1956年一次名为“明日“的美展中展出的名为《是什么让今天的世界变得如此不同，如此有魅力》的拼贴画。

在美国波普艺术的代表人物主要有劳申伯格、沃霍尔、利希藤斯坦、奥尔登伯格、韦塞尔曼，他们被称为“新达达主义”，而克莱恩、克里斯托、阿尔曼，则被称为“新写实主义”，这两种派别都是波普艺术的别称。

波普艺术首先是在观念上打破了旧的艺术形式。

它最早体现在法国杜尚的代表作《泉》中，他将一个小便池搬进了艺术馆，这本身就是解构传统的艺术系统，对经典艺术进行挑战。

其实艺术发展到近现代实际上就是一个不断解放观念的过程，视觉领域的表达更加自由。

尽管波普艺术最早产生在英国，但是成熟和繁荣期则是在美国。

美国在二战之后经济快速发展，一跃成为了世界的霸主，工商业的繁荣发展为波普艺术奠定了坚实的基础。

大众消费的时代促进了大众文化的繁荣，由于大部分波普艺术作品所表现的内容与生活一致，从而受到了很大的欢迎。

在艺术追求上继承了达达主义精神，作品中大量运用废弃物、商品招贴电影广告、各种报刊图片作拼贴组合，所以又有了新达达主义的称号。

美国的波普艺术发展并没有明确的界限，可以说它是从抽象表现主义慢慢蜕变出来的。

刚出现在美国的头五年间，并不受欢迎，由于或多或少受到压抑，几乎成为一种地下的运动。

人教版高中美术教材分为欣赏、绘画、雕塑、工艺、设计、书法、篆刻、电脑绘画/电脑设计、摄影/摄像九个模块编写共 9 册。

1.教材结构。

绘画共 7课，18课时。

绘画本来是美术学科中的一个基础性的，门类相当繁多且应用十分广泛的模块，为了适应高中学生的选修实际情况，必须依据《课程标准》的基本精神和要求，进行慎重的精选与合理的编排。

第一课《认识绘画艺术》：前一节讲绘画的含义及特征和绘画的种类这两方面，先了解绘画的范围和它的普遍特征；后一节从内容、形式和深层意蕴三方面分析绘画的内在要素。

这一课的目的在于使学生对绘画的内涵与外延有一个全面的认识，形成一个正确的概念。

第二课《中国画的艺术境界和艺术语言》：力图结合作品分析，对中国画的艺术特征、中国画的基本理论和主要概念原理进行分析和解释，以使学生能够比较全面地了解和认识中国画的优秀传统和艺术成就，培养他们热爱民族绘画艺术的思想感情。

第三课《尝试体验中国画的笔墨情趣 ----学画中国画》：是中国画的实习作业课，本课教材安排的学习活动较多，共需完成4幅作业，建议从中选择完成2幅作业。

第四课《西方绘画的表现图式与艺术特征》：比较全面而概括地介绍了西方绘画的艺术特征和艺术语言。

为了加深学生的感受和体验，可以和中国绘画作品对比着进行欣赏与研究。

第五课《简捷地捕捉物象的方法 ----线描写生》：（1）对中西方绘画（主要是素描）中的线描造型作了介绍和分析；（2）对线描写生的实践活动作了提示和安排，学生可从静物、景物和人物写生中选择两项进行练习。

本课最后编排的“拓展内容----自由想象”，是为开发学生的创造思维和艺术个性而作的尝试，可以作为选修教材使用。

人教版《普通高中课程标准实验教科书 .美术》教材总体介绍刘冬辉摘自：《天涯论文网》一、教材的主要特点----认真实施新高中美术课程标准，加以具体化，使课程标准提出的课程理念、课程价值观、课程模式得到创造性的体现，既遵循又有探索，因此，开拓性、探索性是本教材的首要特点。

16到19世纪绘画形式
在16到19世纪期间，绘画形式经历了一系列的变化和发展。

以下是几种常见的绘画形式：
1. 宗教绘画：在16世纪早期，宗教绘画仍然是主流艺术形式。

绘画常常描绘宗教题材，如圣经故事、圣人肖像和宗教场景。

这种绘画形式强调表现力和情感，同时也展示了作者的技巧和创造力。

2. 风景画：随着人们对自然环境的兴趣增加，风景画成为另一种流行的绘画形式。

艺术家开始通过描绘自然景观来表达对大自然的情感和观察。

这些绘画通常以饱满的色彩和详细的细节为特点，力图捕捉到真实的自然景色。

3. 肖像画：肖像画在这个时期也非常流行，艺术家经常被贵族、教士和其他富有的人物聘请来为他们绘制肖像。

肖像画强调对被描绘者的外貌和特征的准确捕捉，同时也通过姿态和背景的选择来展现被描绘者的社会地位和身份。

4. 历史绘画：历史画是另一种在这个时期流行起来的绘画形式。

这些绘画常常描绘历史上的重要事件、英雄人物和叙事场景。

历史画通常要求艺术家具备详细的学识和绘画技巧，以便准确地呈现历史事件和人物形象。

5. 静物画：静物画是描绘静止物体的一种绘画形式，通常包括水果、花卉、食物和日常用品等。

艺术家通过选择和布局物体、控制光线和阴影来表现物体的形状和纹理。

静物画经常被用作
绘画技巧和练习的训练素材。

总的来说，16到19世纪的绘画形式非常丰富多样，从宗教绘
画到肖像画、风景画、历史画和静物画等多个方面都有重要的发展和突破。

这些绘画形式不仅展示了艺术家的技巧和创造力，同时也反映了当时社会、宗教和文化的变化和态度。