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《绘画中的透视现象》教学设计与反思这是一篇由网络搜集整理的关于《绘画中的透视现象》教学设计与反思大全的文档，希望对你能有帮助。
本课的教学目的是通过实地观察和分析，使学生认识到近大远小的透视现象，理解视平线、消失点在透视现象中的作用。
教学重点是通过观察、分析和讲解，使学生能初步了解景物近大远小的透视现象及相关知识。
教学难点是如何运用所学的透视知识表现身边的景物。
在教学活动中，我首先出示数幅图片（风景图片），请学生仔细观察后归纳透视现象；学生通过仔细观察后总结出近大远小、近高远低、近疏远密的透视现象。
紧接着我又让学生思考：这种现象是如何产生的？师生共同观察分析图片讨论总结出是由于距离不同，位置不同，我们就会有近大远小、形状改变的感觉。
我们站在路的中心，会看到路面和两旁的树木、房屋都渐渐集中到我们眼睛正前方的一个点上，这一点称为主点。
通过主点的水平线叫视平线，但这些通常是不画出来的，但在作画的过程中通常要用到。
（师一边讲解一边在黑板上画出，让学生直观的了解）接下来出示摄影风景图片，让学生结合书本上的图片同桌互相学习讨论看看还会有怎样的新发现。
最后老师小结：同样高度的建筑或柱子，树木等都有近高远低的透视现象；一条同样宽阔的马路、铁轨都有近窄远宽的透视现象，这些都是生活中常见的透视现象。
最后通过让学生临摹写生作品，感受各种透视现象。
在作画过程中，发现各种容易犯的错误。
在此过程中逐一纠正，避免学生在写生的过程中犯这种错误。
同时进行作业的展评。
收获：通过教学，新授的透视知识学生理解比较快，能快速区分和分析画面中、生活中的透视现象。
不足：把一样的物体放在另一样物体的后面，就会产生前后的感觉，物体通过逐渐缩小尺寸，也会产生前后的感觉。
学生对这个知识点，有的理解的不深刻，所以在画作业时，表现物体的前后的尺寸不是很明显。
而且学生具体应用透视原理实践创作的能力较弱，作业构图及完整性欠缺。
改进措施：五年级的学生对这个透视问题，有的理解的不到位，需要慢慢的进行引导，使他们对这一概念更好的表现在自己的绘画中。
《基督受洗》恰当理解皮耶罗的作品的确不容易。
因为除了画家，他还有一个更为重要的身份－数学家。
在文艺复兴时代，满怀激情地去研究古希腊的数学与几何学并不是什么新鲜事，但皮耶罗的狂热与成就却是所有人当中最突出的。
分在拓展欧里德几何学方面所作的无人能敌。
此外，他还写出了众多关于数学与几何学的学术著作,在其中一篇保留至今的文章里，他采用大量繁复的数学技巧详尽阐释了有关焦点透视的原则.无可避免地，他也把这种精神的研究、带入到自己的绘画里。
《基督受洗》是皮耶罗为家乡一座施洗者约翰教堂画的祭坛画。
由于祭坛画的特殊形制，画板的外形被分为由半圆与方形组成的两个部分。
没有能够比皮耶罗把这种自然的分割利用得更加巧妙而神奇。
读者可以注意观察画面中的那只白鸽,它被画成了下面敌视的样子，圆圆的头部正巧是半圆的圆心，而伸展的双臂又恰好与方形的上边线持平。
不仅如此，围绕圆心，观者的视线完全可以将另外的凌驾在画面内部找全，享受到一种近于神圣的圆满旅程。
透视与几何形式在皮耶罗的作品中是显著而精确的.不仅如此，他还能够运用比同时代画家更为复杂的技巧，使深度空间兼备平面空间的张力。
皮耶罗喜欢使用大面积的,然后把它们与潜在的透视法,几何形按照最完美的图式，尺寸和比例结合在一起。
比如在左侧两根树干，仅仅依靠颜色深浅的不同就可以把画面上近景，中景,远景三个大的层次空间划分出来。
画面上，那些柔和而明亮的色彩总是散发着令人愉悦的光辉,其中大量的白颜色在过去的绘画传统里是被忌讳使用的,而皮耶罗却使它们具有了一种至为纯净的气息。
有迹象表明,皮耶罗从示属于哪间绘画作坊。
或许，他只是一处自由画家，一个孤独探索自己理想的人.因此，他似乎从不顾虑观者希望在他的画面上看到的东西。
在那个时代，能够把《圣经》故事展现得真实而动人心魄的艺术家给世人带来的一大奇迹，这个传统从乔托开始，之后又有莱奥纳多《最后的晚餐》或者米开朗基罗的《创世纪》.皮耶罗民如实描绘了《圣经》的内容.画面表现圣约翰给基督受洗的情景,当圣水洒落到头顶的一刻，圣灵仿佛鸽子从天空降下，落到耶稣头上，天上有声音传来说：“这是我的爱子，我所喜欢悦的”，圣父、圣灵、圣子在此时实现了三位一体。
《绘画中的透视现象》教学反思本节课属于造型表现领域的内容，通过本课的教学内容我确定了本科的教学目标：通过实地观察和分析，使学生认识到近大远小的透视现象，理解视平线、消失点在透视现象中的作用。
教学重点是通过观察、分析和讲解，使学生能初步了解景物近大远小的透视现象及相关知识。
教学难点是如何运用所学的透视知识表现身边的景物。
在教学活动中，为了让学生能更透彻的理解透视，我采取的是直接切入主题的方法，直接阐明本课的教学重难点，我先是以提问的方式导出，然后我以当场示范的方法进行讲解，这样做的目的就是通过教师的当场演示调动学生的学习兴趣，为接下来的学习内容做铺垫。
在讲解定义的过程中，我感觉学生肯定不愿意听老师把概念叙述一遍就结束了，一是印象不深刻，再就是感觉很枯燥、没意思。
所以我把概念的讲授用一个例子来讲解，这个例子里面的主角一个是全世界人都知道的体育明星姚明、一个就是几乎每天都能看见的自己的老师（也就是我）这样做充分调动起了同学的学习热情，他们感觉很有意思。
通过图片中我不动让姚明的位置变换讲解透视的概念，使学生在放松的情境中很容易的解决了本课的重难点，了解了透视的基本规律“近大远小”。
了解了概念后还得让学生会画透视关系，我主要是以图片欣赏的方式让学生自己去发现透视的规律，有些聪明的、平时善于观察的学生可能很容易找到，但是要让他们在画纸上去表现出来还是有点难度，就在学生对所学知识极度渴望的时候老师在黑板上讲解，并加以范画演示，这样会使学生的精力高度集中，一般情况下老师灌输的知识他们可能不认真去学，但是遇到自己想知道的或感兴趣的他们会集中精力迫切的想得到它，从而大大的加深了学生对重难点的认识。
在表现透视现象的过程中最容易出错的地方就是室内的空间，室外的马路或是旷野一眼就能看见消失点，很容易就能找到视平线，然而室内同学们最容易搞错的就是把墙面与地面交汇的地方当成是视平线，这样就会导致室内的空间过大，与现实不相符。
论伦勃朗绘画光线的投射方式伦勃朗是17世纪荷兰最杰出的画家之一，他的绘画作品深受世人喜爱。
他的绘画特点之一是精湛的光影处理，他善于利用光线的投射方式来表现出绘画中的主题和情感。
本文将详细探讨伦勃朗绘画光线的投射方式。
伦勃朗的绘画中，光线的投射方式有三种：透明体投影、反射体和阴影。
首先是透明体投影。
伦勃朗擅长绘制玻璃、水、人物某些部位等透明物体，他通过透明体内外多重反射折射的方法来塑造透明体的亮度和清晰度。
例如《夜巡》中的女子的手和衣服材质就是透明体，并运用了透明体的投影方式，呈现出了清晰且生动的效果。
其次是反射体。
伦勃朗通过反射面反射来表现自然光影的特点，如通过斜面反射出的斑驳光，锥光和平行光都是他擅长表现的。
例如他的《夜监》中，墙上的影子和可爱的百分比都是因为墙上的颜色和表面造成的反射作用。
最后是阴影。
伦勃朗用阴影来塑造立体感和深度感，通过设置阴影来凸显画面中的主题和情感。
例如在《无名画家的自画像》中，伦勃朗将自己绘制成一个长脸且疲惫的人物，在画面中的阴影和高光都是用来表现这个自画像的感觉和情感的。
伦勃朗透过光影的处理，使他的画面更加富有生命力和创造力。
因此他的绘画技巧被作为光影学派中重要的代表之一。
他的绘画风格受到广泛赞赏，并被后来的艺术家所效仿和研究。
他的创新技巧成为了艺术史上具有开创性的一步，对传统艺术和现代艺术的发展都产生了重要的影响。
总之，伦勃朗绘画中光线的投射方式是他作品的重要组成部分之一，在他的画作中充满了生机与魅力，也为后来的艺术家们提供了灵感。
他的作品开创了光影学派的一种新的艺术表现方式，对于传统和现代艺术的发展产生了巨大的影响。
世界名画赏析解密生命是一个过程，美好的瞬间往往只是“昙花一现”，唯有绘画，能把短暂的瞬间变成永恒的记忆,它能将稍纵即逝的变成用不消逝的。
进而把人对生命的消亡恐惧和悲哀中解救出来。
只要人类存在，绘画就不会消失。
整个西方绘画的历史实际上是一个不断否定自己、螺旋上升的历史，在背叛当中，产生了各种风格与流派。
也是在这种不断超越自我的探索中，绘画的世界才变的如此丰富多彩。
最早的背叛似乎发生在我们都奉为经典的古典时期。
绘画从有形世界逐渐向无形世界进发，具体的、实实在在的东西被灵精神所代替，于是气宇轩昂的中世纪绘画艺术在始料不及中出现了。
随着这一次背叛的结束，命运的转轮滚动起来，下一个背叛有开始了。
文艺复兴时期的绘画冲破了中世纪束缚，重回古典有形世界，但有不同于古典绘画，文艺复兴时期的绘画变的更加准确、科学。
自然科学的手段和成果被引入绘画的领域。
透视学和解剖学使画家看到一个比前人更加迷人的世界。
以"文艺复兴三杰"为代表的盛期文艺复兴画家，不在只是描摹自然，还在作品中注入了理想的美的因素，因此被公认为古典艺术的完美典范。
样式的主义对形式的过分追求在文艺复兴绘画的内部孕育了叛逆的种子。
巴洛克、洛可可绘画，拒绝古典单纯宁静与程式化的形式，追求感情宣泄和动态的传达，偏爱丰富华丽的效果和生动有力的气势。
世界由此变的鲜亮起来，超凡脱俗的气质弥盖着纯碎的物质生活。
在三次风格转换中，绘画的基本语言已在不断背叛中变得相当成熟了，新古典主义、浪漫主义与现实主义的绘画不过是使这种成熟更加稳固。
绘画需要一种全新的变革来突破自身，获得新的发展方向。
于是，印象主义因运而生。
它以强有力的姿态前行于主观感觉的大道上，把色彩因素"分离‘出来为已所用。
印象主义画家以各自不同的心境，面对自然抒发自己真实的情感。
他们用丰富多变的色点、色束描绘形象，大面积平涂和大色块转折越来越少见，有时颜色堆积很厚，形成丰富、流动色彩效果。
阿拉斯：透视法的发明信息雷达透视法的发明透视法的发明，是1420年至1450年间的事，地点是佛罗伦萨。
布鲁内莱斯奇（Filippo Brunelleschi）、多纳太罗（Donatello）、马萨乔（Masaccio）、阿尔贝蒂（Leon Battista Alberti），包括后来的弗拉·安吉利科（Fra Angelico）和弗拉·菲利波·利皮（Filippo Lippi）都是这一发明的伟大的历史见证。
大家都开始用透视法画画，而佛罗伦萨则在这一时期无可争议地成为这方面的先锋，因为别的地方，比如威尼斯画派，完全远离透视法，是纯粹的哥特风格。
哥特派大画家比萨内罗（Pisanello）住在意大利北部，尤其是在曼图亚地区，比萨内罗是个宫廷画家，笔下从来没出现过“聚焦透视”的空间。
而锡耶纳画家呢，虽然我十分钟爱锡耶纳，但那里的画家并不怎么懂透视。
或者说，对透视不怎么感兴趣。
他们甚至都不愿意听到“单焦透视”的字眼，后来用了很长时间才承认它的存在。
透视法的使用主要是在佛罗伦萨。
某一个时期，某一个城市，城里的某些画家，加上某种艺术和智慧上的气氛，提出了一种绘画模式，让别的城市效仿——为什么会这样呢？要知道——这是萨米埃尔·艾格顿(Samuel Edgerton)首先想到的——佛罗伦萨是个地图绘制中心，而地图绘制和透视法则的关系是极为紧密的。
比如，保罗·托斯卡内利医生（Paolo T oscanelli）写过一篇关于透视的论文，叫做《论“使龙现身”的镜子》，他还给克里斯托弗·哥伦布写过一封信，信中根据对一些地图的研究，建议他去西方，看那里有没有什么事情发生！可见透视法和地图绘制的关系十分紧密。
当然，这还不能解释为什么佛罗伦萨会最终胜出，成为聚焦透视的起源城市。
我想，最重要的历史原因之一，应该是老科西莫（Côme l'Ancien）的政治角色。
/名作欣赏MASTERPIECES REVIEW/欧洲古典透视布景是舞台美术史上经典的布景样式之一，是绘画与舞台演出结合的典范。
从文艺复兴至１８世纪，这种布景曾风靡欧洲戏剧舞台达几个世纪之久，并且产生了谢里奥、托列利、比比耶纳等布景大师。
然而，由于戏剧的特性和布景的功能等原因，曾经辉煌的布景大多已不复存在。
今天，能够完整地呈现１８世纪透视布景体系的只有瑞典的卓廷霍姆剧院。
卓廷霍姆剧院，完整地保存了18世纪古典剧场的形制、全套舞台机械装置、服装道具和包括比比耶纳绘制在内的三十多套古典透视布景，这在世界上是独一无二的。
更为难能可贵的是，这个古老的剧院现在还在进行着演出。
演出所用的布景、服装、道具、换景装置等完全保留和沿用了１８世纪演出的原貌。
这也使它成为了活的戏剧博物馆。
在这里，我们能够目睹两百多年前的剧场风貌和布景的艺术魅力，能够最直观最真切地了解和感受古典透视布景的表现方法、造型特征以及充满魅力的绘画表现。
一、复杂而奇幻的透视古典透视布景的绘画表现中，最基本也是最突出的要素是透视。
可以说，透视布景的产生与透视在造型艺术中的广泛运用密不可分。
后来，透视布景的每一次发展，也都离不开对透视规律的进一步认识和在舞台空间中的独特运用。
透视运用于舞台布景，最重要的作用是空间表现。
东方戏剧舞台在表现空间时运用的是虚拟的方式，舞台上并不出现直观的空间境象，依赖的是演员的表演和观众的想象。
西方戏剧舞台则与其造型艺术一脉相承，选择了相对较实的透视法。
透视的介入使有限的舞台能够表现无限深远的空间幻觉。
高大的宫殿、深远的街道、宽阔的广场等远远超越舞台空间的景物形象，通过合理的透视法都能在舞台上最直观地得到呈现。
形象的重复是１８世纪透视布景常见的样式之一。
重复出现在不同景片上的立柱形象视觉上相互关联，层层递进，非常流畅地将空间推向远方，能产生极其深远的空间幻觉。
重复有很强的表现力，但不是只有相同形象的重复才有好的透视变化和空间表现力。
【分享】世界名画欣赏（二）2013-10-15 巴曙松研究员金融政策研究米开朗基罗——创造亚当1508年他被迫接受了西斯廷礼拜堂屋顶壁画的任务，他当时的心情是悲愤的，不料此壁画后来成为他生平最大杰作。
莫奈——打伞的女人1892年，莫奈与爱丽丝·欧希德再婚，这幅画是以爱丽丝与前夫所生的女儿苏珊娜为模特儿所创作的。
达芬奇——岩间圣母画中人物虽然被一团潮湿的空气所包围，但是人体的轮廓在昏暗山岩的衬托下还是能明显地辨析出来。
奇怪形状的悬石从湿漉漉的岩体上垂下，具有植物学准确性的花草竟能辨别出鸢尾花，银莲花，紫罗兰和一些蕨类植物。
年轻的母亲以温柔的手搂抱着下跪的幼婴约翰，她的另一只手则向儿子伸过去。
天使面向着观众，把他们引向画中，用手指示着这个场面。
一连串手势代表保护、指示、祝福等含义。
弗美尔——倒牛奶的女仆该画作于1685年，构图不很复杂，轮廓较清晰，环境纯朴。
将一个简朴的厨房画得很有感情，甚至能令不少观者产生不同的怀旧心理。
女佣人是个非常健壮的村妇，她塞起了胸前围裙的一角，忙着准备早餐。
所有人和物的质感都很强烈。
门采尔——腓特烈听桑索西长笛音乐会写实手法体现于画面的每一处细节。
幻妙的音乐，精致的灯盏，婉转的长笛，闪烁的烛光，每一种物象的和谐构置复原了一幅展现上层社会风貌的画面，朦胧的黄色调蕴含着几分诗的光华，将暖意聚焦于画面中心，暗褐色的背景逐步向外延伸，主体形象手持长笛，略带沉思，美妙的音符流淌着抒情的旋律，与豪华气派、雍容华贵的宫廷生活产生视觉与听觉的和谐之美。
列维坦——白桦丛作者尝试描绘阳光照在桦树林中的光感和空气感，具有鲜明的印象派画风。
梵高——星空列宾——伏尔加河上的纤夫画中的纤夫共有11个人，约略分成三组。
每一个形象都被列宾仔细推敲过，画过人物写生。
他们的年龄、经历、性格、体力以及他们的精神气质各不相同。
画家把这些性格作了高度的典型化，又都统一在主题之中。
在画家本人的记述里，他对每一个人的背景都有详细介绍，各位有机会可以去看看。
文艺复兴时期的透视法文艺复兴时期是欧洲历史上一个伟大的时代，这一时期展现了人类思想、艺术和科学的重大飞跃。
在文艺复兴时期，透视法成为了一种非常重要的艺术手法，它改变了人们对于空间和形态的理解，对于绘画艺术的发展产生了深远的影响。
本文将探讨文艺复兴时期的透视法在绘画艺术中的重要性和影响。
文艺复兴时期的透视法指的是一种通过绘画的手法来表现三维空间的方法。
在文艺复兴时期之前，绘画作品中的空间感并不明显，人物和物体常常呈现出扁平的状态。
然而在文艺复兴时期，艺术家们开始研究光线、色彩和透视关系，使得绘画作品的空间感变得更加真实和立体。
透视法的应用使得画面能够更准确地表现出远近距离的关系，使得人物和物体在画面中的位置更加合理和准确。
在文艺复兴时期，透视法的应用成为了绘画艺术的一项重要技巧。
其中最为著名的透视法是线性透视，它由意大利画家布鲁内莱斯基在15世纪提出并系统化。
线性透视通过在画布上画出一系列收敛线，来表现远近的关系。
这种方法使得画面中的空间感更加真实，给人以一种立体的感觉。
由此，文艺复兴时期的绘画作品呈现出了更加真实和丰富的视觉体验。
透视法的应用不仅仅改变了绘画作品的外观，更重要的是它对人们对于空间和形态的理解产生了深远的影响。
透视法的引入使得人们开始关注光线和色彩的表现，使得画面中的人物和物体更加有立体感。
透视法使得绘画作品变得更加逼真和具有张力，使得观者能够更加深刻地理解作品所表达的内容。
在文艺复兴时期，透视法的应用也推动了艺术与科学的结合。
伟大的文艺复兴艺术家达·芬奇就深受透视法的影响，在他的作品中经常可以看到对透视法的巧妙运用。
达·芬奇不仅仅是一位杰出的画家，同时也是一位杰出的科学家，他不仅仅对绘画艺术有深刻的理解，同时也对光线、色彩和空间有着准确的认识。
透视法的应用使得艺术和科学能够结合在一起，这种综合性的特点也成为了文艺复兴时期的重要特征之一。
除了对绘画艺术的影响外，透视法的应用也对建筑和工程学产生了重大的影响。
