关于自画像_中国美院油画系副教授何红舟访谈

十二届全国美展金奖——何红舟作品精选展开全文【2014年全国美展金奖作品】何红舟《桥上的风景》235×195cm文/孙景刚写实绘画在今天之难，难在有太多可以做比较的参照。

如与当代艺术的其他门类相比较，它的标准太明晰，限制也太多，且不论我们熟知的经典高悬在博物馆的殿堂之上，这是一把被观众随时用来丈量画家的尺子，还是更加“写实”的摄影术，它时时提醒着画家，如何在图像时代让绘画有自己的领域，同时又赋予新意。

与红舟同龄的画家，当初大都在写实这条路上开始艺术的启蒙，而能留下来，并在此领域有成就者却寥寥无几。

因为难，因为太难，即便穷尽一生，也未必能有所建树。

红舟却偏偏选择了这样一条路，一条类似于“蜀道”的艰难之路。

何红舟《失语者》150×190cm 布面油画 2003年在红舟从艺的道路上，有太多可以选择的路径。

凭着四川人对时风的敏感，也凭着他那出色的手艺，本可步履轻松得多，成名时节早得多，可他偏偏选择这费时、费力的写实绘画，又是那种一眼看去最平凡、最不容易出新的方式方法。

这种平实之中的华彩，当年只有委拉斯贵兹能够做到。

这样的艺途，说它堪比“蜀道”是不为过的。

何红舟《午后》150×150cm 布面油画 2003年红舟给我的短信里曾这样说他自己：“我不是一个很生动的人，画也受牵连……”他总是这样，无论在什么人面前，总把姿态放得很低。

这种来自骨子里的谦虚和诚恳，以至于让他在面对自己的画作时总有一点诚惶诚恐。

因此我从来没有看到他得意忘形的样子，即便在他亮出画作，引来同道发自内心的喝彩的时候，他也会笑眯眯地把你推开，好像那画中依然有太多的“羞涩”之处会被你看出。

其实我们都知道这是他接受褒奖的特殊方式，也是他对自己“煎熬”出的东西的短暂的认可。

《西迁途中的林风眠》200×200cm 布面油画 2014年怎样才是一个“生动”的人？一个很“生动”的人？红舟心里知道，并且对此耿耿于怀。

关于我的素描作者：贺羽来源：《文艺生活(艺术中国)》2014年第01期贺羽，1971年6月生于湖南株洲。

中国美术家协会会员、中央美术学院讲师。

1990年毕业于中央美术学院附中；1994年毕业于中央美术学院油画系一画室，获学士学位；1996年毕业于中央美术学院油画系，获硕士学位，导师为靳尚谊教授；1996年至2007年任教于中央美术学院附中；2003考取中央美术学院首届美术学油画方向博士研究生，导师为靳尚谊教授；2007年毕业获博士学位；2007年至今任教于中央美院造型基础部。

作品入选入展第九届、十届全国美展，纪念《延安文艺座谈会上的讲话》发表六十周年全国美展，中国油画大展，北京青年油画家邀请展，第三届全国油画展。

2009年9月为庆祝国庆60周年群众游行创作胡锦涛主席巨幅领袖画像。

这两年画素描主要是为了解决油画上的一些问题。

而这本小册子因为收录了我各个时期的素描速写，也可算作我对学画过程的一次回顾。

我出生在湖南株洲市。

几岁时父亲便教我画画，在他的引导下，我很快理解了立体、透视等一些基本规律。

我没有经历过儿童画的阶段，一上手就像模像样地画素描速写，有时还在报刊上发表这些稚嫩的作品。

当年在家乡，我号称过“小画家”。

平心而论，我画画的资质一般。

小时候文化课不错，爱好也比较多。

上了美院附中后，从小城市来到首都，身边的同学都是各地的佼佼者，家里也大都搞美术，套用现在的流行语，我们都属于“画二代”。

有些同学素描画得很好，速写更是自信洒脱。

而我画画总显得有些拘谨，放不开。

附中头两年我成绩很一般，好在我从小基础打得比较扎实，再加上我文化课方面的优势，使得我可以把更多的时间花在专业上，等到附中毕业时，成绩竟也还不错。

上大学时，一年级的一张素描得了5分，还得了奖，画的是石膏摩西。

这让我有了些信心。

但那之后画画起色也不大，一直到上了研究生，反倒觉得越画越僵，越画越胆小。

那时我开始意识到，要想画好画，必须要突破自己个性中的某些因素；而实现突破的途径，也许就在素描中。

中职生自画像设计理念摘要：一、中职生自画像设计理念简介1.中职生自画像设计背景2.中职生自画像设计目的3.中职生自画像设计理念概述二、中职生自画像设计的关键要素1.真实性2.代表性3.创新性三、中职生自画像设计实施步骤1.了解中职生特点与需求2.设计草图与初步方案3.征求师生意见与建议4.修改完善并确定方案四、中职生自画像设计对个人与集体的意义1.提升中职生自我认知与自信心2.增强集体凝聚力与归属感3.营造积极向上的校园文化氛围正文：中职生自画像设计理念随着我国职业教育的发展，越来越多的中职生开始关注自我认知与个人成长。

为了更好地帮助中职生认识自己，提升自信心，营造积极向上的校园文化氛围，中职生自画像设计理念应运而生。

本文将从设计理念的简介、关键要素、实施步骤及意义等方面进行阐述。

一、中职生自画像设计理念简介中职生自画像设计理念源于对中职生群体的关注与关爱。

在当前职业教育环境下，中职生往往面临诸多挑战，如自我认知模糊、自信心不足等。

因此，通过自画像设计，旨在帮助中职生更好地认识自己，挖掘自身潜力，为未来发展奠定坚实基础。

中职生自画像设计的目的是使中职生能够真实地、客观地、全面地认识自己，从而激发内在潜能，树立自信心，提升个人综合素质。

设计理念概述方面，我们强调真实性、代表性、创新性，力求使自画像能够真实反映中职生的精神风貌，具备较高的代表性，同时具备一定的创新性，以激发中职生的共鸣。

二、中职生自画像设计的关键要素1.真实性：中职生自画像应真实反映这一群体的特点与需求，避免过于理想化或片面化。

只有真实地呈现中职生的生活、学习、成长等方面的情况，才能使他们产生共鸣，从而达到自我认知的目的。

2.代表性：中职生自画像要具有一定的代表性，能够体现出中职生的共性特征。

这需要设计者在深入了解中职生特点与需求的基础上，抓住中职生群体的核心特质，使自画像具有较高的代表性。

3.创新性：中职生自画像设计应具有一定的创新性，避免过于传统和保守。

封治国油画作品欣赏封治国1977年生于江西南丰。

1995年考入江西师范大学美术学院，1999年毕业获学士学位，同年考取本院油画研究生，2002年毕业获硕士学位并留校任教。

2008年考入中国美术学院美术史论系，2011年毕业获文学博士学位。

2014年调入中国美术学院，现为中国美术学院油画系第一工作室副教授、硕士研究生导师。

2014年考入全山石油画高级研修班。

中国美术家协会会员、中国油画学会会员。

主要学术展览及获奖2015年《维亚尔的午餐》等五幅参加“绘画的品格——中国写实油画邀请展”（宋庄艺术中心）2015年“有涯之生——封治国作品展”（南昌699美术馆）2014年油画《子睿》参加“我们在绘画中——中国油画国美之路作品展”（中国美术学院美术馆）2014年油画《钟勤像》等三幅参加“中俄之春——列宾美术学院、中国美术学院油画系联展”（中国美术学院美术馆）2014年油画《北漂者》《之间系列——曾经师生》入选“首届青岛国际双年展”（青岛当代艺术中心）2014年油画《画室的望境》入选“第十二届全国美术作品展”（浙江美术馆）2014年水彩《莫理循的下午》入选“第十二届全国美术作品展”（武汉美术馆）2013年油画《子睿》等六幅参加“最绘画——中国新青年油画家邀请展”（中国美术学院美术馆、上海中华艺术宫）2013年油画《极》入选“绘画的品格——2013中国油画展”并被收藏（北京大都美术馆）2013年油画《吴阊雅集——明代书画艺术》签约“中华文明历史题材美术创作工程”（中国国家博物馆）2013年油画《有涯之生——惑》等二幅参加“潜行造境——中国青年油画家发展规划第一展”（杭州美和院艺术馆）2012年油画《有涯之生——向维米尔致敬》入选“第二届中国造型艺术新人展”（中国美术馆）2012年油画《有涯之生——青年雕塑家夏学兵》入选“最绘画——中国青年油画作品展”并被收藏（中国美术馆）2012年油画《静坐——与任渭长》入选“可见之诗——第二届中国油画写生作品展”获优秀奖并被收藏（中国美术馆）2011年油画《有涯之生——青年雕塑家X君》入选“吾土吾民——人文江南油画展”（浙江美术馆）2010年油画《有涯之生——青年艺术史学者》入选“油画艺术与当代社会——中国油画展”并被收藏（中国美术馆）2009年油画《前尘梦影》入选“第十一届全国美术作品展”获江西省金奖（武汉美术馆）2009年水彩《穿蓝色长袍的国度》入选“第十一届全国美术作品展”获江西省金奖（辽宁盘锦美术馆）2009年油画《身体叙事》三幅参加“前进中的中国当代艺术”（798千年时间画廊）2008年油画《坐》系列参加“江西省首届油画人物邀请展”获学术奖（南昌）2004年油画《晚晴——弘一法师与马一浮》获“第十届全国美术作品展”江西展区优秀奖2005年油画《深度溺水》系列参加王林主持的“手绘的权利——江西油画七人展”（南昌）2004年油画《关于记忆的几个片断》获“首届江西油画大展”银奖（南昌）2003年油画《逝》入选“第三届中国油画展”（中国美术馆）2002年“封治国油画作品展”（南昌）作品收藏中国国家博物馆、国子监中国油画艺术馆、北京合艺典藏有限公司及广州、上海多家专业画廊及私人。

浅析中国当代自画像作品摘要油画艺术自传入中国以后，在短暂的时间内也取得了较为丰硕的成果，同时也呈现出具有自身文化属性的创作动机。

作品中的自画像也是其中一个典型的例子。

通过对自画像作品的研究不仅有助于加深我们对画家的了解，而且还有助于对画家所生活的时代进行研究与分析。

在本文的写作过程中选取了中国当代艺术家岳敏君等一些当代画家的自画像作品，论述了他们自画像创作的一些特点及价值取向，旨在加深我们对自画像作品的了解，而且对中国当代艺术的发展也能有一个深入的认识。

关键词：中国当代油画自画像价值中图分类号：j205 文献标识码：a纵观美术发展史我们可以发现，自画像题材性质的绘画是绘画作品中的一个重要表现范畴。

所谓自画像主要是指将画家自我形象作为绘画表现的内容，这一绘画形式的出现有着深刻的价值和意义。

而在中西方艺术的发展过程中，我们可以发现很多画家都存在自画像作品，这不仅为研究该画家，而且为研究这一时代的文化艺术创作提供了依据与参考。

值得提出的是，自画像形象在作品中的出现与艺术家在自身作品中的签名既有不同之处也有相同之处。

不同之处则表现在艺术家一生可以创作很多幅作品，因此也就面临着多次署名的现象，在这种情况下，在作品中署名也就成为了该作品区别与其他作品的一个显著区别，同时，这也是代表着自身绘画风格区别与他人的重要之处。

而相同之处则表现在，自画像和签名都是能够代表自身的一种方式，都是向外界展示自我的一种手段。

就中国当代美术中的自画像作品中，具有绘画艺术发展的双重特点。

“整体而言，我国当代艺术家的自画像作品，在创作类型上与西方自画像作品有一定的相似性，但是在创作内涵和形式上又存在的一定的区别。

”在本文的写作过程中选取了我国当代艺术家岳敏君等一些当代画家的自画像作品，论述了他们自画像创作的一些特点以及价值取向，旨在加深我们对自画像作品的了解，而且对中国当代艺术的发展也能有一个深入的认识。

一光头形象的符号性对符号学的研究最早起源于西方社会，尽管符号学的起步时间相对较晚，但是也取得了丰硕的成果，也逐渐渗透到了我们的生产和生活中。

油画桥上的风景赏析评述
《桥上的风景》是一幅油画作品，作者是何红舟。

该作品以肖像画的形式表现了20世纪著名美术教育家林风眠、吴大羽、林文铮的欧洲留学生涯。

《桥上的风景》表现了中国艺术的代表人物，坚实的造型与舒展的用笔，暗合了林风眠那一代艺术家对中西文化精髓的理解。

同时，作者在深入研究历史资料的基础上，想象性地重建了一种历史的场景，没有拘泥于照片式的再现，从而在历史画的创作中，将自己的真切体验与历史的集体记忆相融共生，在绘画形式的推敲中生发出艺术家主体精神的创造性魅力。

《桥上的风景》将历史、人文关怀和文化反思融入写实性艺术之中，对于提升中国历史题材的美术创作，具有重要的启发性意义。

《美术家眼中的自己——自画像中的自我表现》教学设计浙大附中马丹课题：美术家眼中的自己——自画像中的自我表现教材：湖南版普通高中课程标准《美术鉴赏》实验教科书课时：1课时教学对象：高中一年级教学理念：以学生为中心，帮助学生在积极感受的基础上，把握艺术作品的内容和意义，掌握美术鉴赏的基本方法，培养学生的审美敏感性和鉴别力，提高审美鉴赏力和建构式学习的能力。

学生分析：高中学生虽然经过小学、初中阶段的学校课堂美术学习积累，具备了一定的审美经验和知识，但由于缺乏系统的鉴赏训练和鉴赏常识的学习，面对纷繁复杂的艺术世界，仍然会出现不知如何“下眼”的情况，因此，美术鉴赏课不但要通过各种手段调动学生学习的兴趣，还要教师进行有效的引导学习，既要引导学生学会如何感受作品，还要引导学生学会如何分析、理解作品。

教材分析：本课主要是让学生通过学习了解美术家眼中的自我是什么样的？美术家是通过哪些形式来展示自我形象的？教材通过三组美术作品的分析来让学生了解美术家表现自己的不同方式：第一组，《拉斯科岩画》和《埃及墓室壁画》是通过匿名的手段来表现自我的，这两件作品年代较早，艺术家还没有充分的自我意识，社会也没有给予艺术家很高的地位，因而作品都没有充分展现艺术家或作者本人的突出形象。

第二组作品，是14世纪以来的一些美术家的自画像，丢勒像基督、普桑像贵族、金农像隐士，而伦勃朗则把自己画成一个真实、朴素、平凡、有血有肉的市民，反映了美术家们对自身作为人和作为美术家的认同，以及不同的角色定位。

第三组作品是处于创作和生活场景中的美术家。

由于作品较多，内容量大，如果按照课本的脉络来上课，每一位艺术家自我表现的方式都无法分析透彻，容易使教学缺乏节奏和深度，学生失去学习兴趣。

因此本课在这里对教材进行了处理，仅选择了墨西哥女画家弗瑞达的自画像为教学重点，引导学生较为深入的分析弗瑞达在自画像中是如何进行自我表现的。

本课力图从一位艺术家切入，把教材中的知识点贯穿其中，采用以点带面的方式，激发学生学习探究的兴趣，教材内容则引导学生课外自学。

天天小练笔第62课自画像介绍自画像是一种艺术形式，艺术家通过绘画、摄影等方式表现自己的外貌和内心世界。

自画像可以是真实的写实作品，也可以是抽象的表达，它不仅仅是一幅画作，更是艺术家对自我的思考和表达。

自画像的意义自画像作为一种艺术形式，有着独特的意义和价值。

首先，自画像可以帮助艺术家更好地认识自己。

通过观察自己的面部特征、表情和神态，艺术家可以更深入地了解自己的外貌和内心。

自画像也可以成为艺术家对自我的审视和反思的过程，帮助他们更好地认识自己的情感、思想和经历。

其次，自画像可以成为艺术家与观众之间的桥梁。

观众通过欣赏艺术家的自画像，可以更好地了解艺术家的个性、情感和创作风格。

自画像也可以引发观众对自我的思考，激发观众对自身形象和内心世界的认识和表达。

最后，自画像也是艺术家对自己存在的一种证明和肯定。

艺术家通过创作自画像，展示自己的才华和创造力，同时也表达了自己对艺术的热爱和追求。

自画像作为艺术家的自我展示，对于他们来说具有重要的意义。

自画像的表现形式自画像可以通过绘画、摄影、雕塑等多种形式来表现。

以下是几种常见的自画像表现形式：1.绘画：绘画是最常见的自画像表现形式之一。

艺术家可以使用铅笔、炭笔、油画、水彩等不同的绘画材料和技法来创作自画像。

绘画自画像可以呈现出丰富的细节和表现力，更好地表达艺术家的情感和个性。

2.摄影：摄影自画像是通过摄影技术来表现自己的外貌和内心。

艺术家可以利用相机捕捉自己的形象，通过光影、构图和后期处理等手法来展示自己的创作理念和审美观。

3.雕塑：雕塑自画像是将自己的形象用雕塑材料创作出来。

艺术家可以使用石膏、泥土、陶瓷等材料来塑造自己的形象，通过雕塑的立体感来表达自己的特点和情感。

自画像的创作过程创作自画像需要经过以下几个步骤：1.观察：艺术家首先需要仔细观察自己的面部特征和表情。

观察可以从镜子中进行，也可以通过照片或视频来辅助。

艺术家需要观察自己的五官特征、皮肤质地、肌肉结构等细节，以及表情的变化和神态的特点。

从潘诺夫斯基图像学视角解读凡•高《自画像》系列作品□张雨成蒋晖摘要：文森特•凡•高是19世纪荷兰后印象派画家,后印象主义代表人物之一。

他的作品中夸张的表现力、偏执而奔放的色彩运用，给观者留下了充满激情而又震撼的感觉，使观者获得强烈的视觉冲击与享受。

大部分第一次观赏凡•高作品的观众或许会对作品表达的情感和具有夸张表现力的形象感到不解，难以深入理解作品的含义。

因此，该文以凡•高著名的《自画像》系列作品为例，运用潘诺夫斯基的图像学原理分析凡•高画作蕴含的图像意义,探索凡•高通过艺术创作想要表达的情感和生活状态。

关键词:潘诺夫斯基图像学色彩凡•高自画像一、潘诺夫斯基图像学概述19世纪欧洲的艺术史研究方法论大概有两种：第一种是潘诺夫斯基的图像学研究方法，第二种为沃尔夫林的形式主义研究方法。

潘诺夫斯基注重分析艺术作品在其形式之外的内在含义与当时的社会环境，后者则从形式上剖析艺术作品。

对于《阿尔诺芬尼夫妇像》这幅作品，之前的美术史学家大多忽视了存在于作品中的细小的铭文，认为这幅画仅仅是一幅纯粹的自然主义画作，并没有研究它的其他价值。

潘诺夫斯基指出这幅作品有着证明婚姻行为的作用，而不仅仅刻画了这场婚礼的场面。

这幅作品画面中包含的每一个因素都有其内在含义，而不仅仅是进行叙事性的描绘。

潘诺夫斯基分析画作中隐藏的符号象征了婚姻的纯洁与神圣。

在《图像学研究》中，潘诺夫斯基阐述了图像学的最初定义，并提出了运用由表及里三个层次的方法分析作品。

第一层次，“所见即所得”对于欣赏者来说,在不需要具备文艺理论知识的情况下从画面中获得的信息就是其心中所想的，并且其可以确定画作所要描绘的事物，这是所有身处不同文化背景中的人都可以做到的。

这一阶段被称为“前图像志描述”]第二层次，图像志分析阶段，即在艺术主题与客观世界之间建立起关系，只有充分理解事件与对象合并成的现实社会，熟悉传统和文化组成的超越实际的社会，才可以更好地理解其中联系。

女P,在日本，人们多用鞠躬表达对别人的感谢、尊敬与问候，因此鞠躬在日本代表着礼貌与问候。

写意花鸟画是我国传统绘画的一个特殊画种，具有悠久的历史和深厚的传统。

它的笔墨、造型、构图等都具有鲜明的艺术特点，通过“取神得形，以线立形，以形达意”获取神态与形体的完美统一。

在中国美术史上，成就突出的女性画家寥若晨星，即便如此，仍有耀眼的流星不断地滑过以男性为主体的艺术天空。

她们的多思和善感似乎本于天性，女画家的笔也更重描画女人心底里的那一片梦幻的天空。

胡红，不仅人美、气质美、画更美。

她出生于书画世家，深得祖父——著名国画大师胡爽盦先生的教导，自幼受其家庭熏陶，研习书画，使其书画日渐长进，后又得董寿平、王雪涛、何海霞、梁树年等老一辈艺术家的指点。

其作品笔墨功底扎实、意境含蓄、力求严谨、清新、淡雅、脱俗、不断创新，得到诸多书画大师的赞誉。

结 缘真正对书画有兴趣和确定要走这条路是在胡红上大学以后。

胡红的祖父是国画大师张大千先生的得意弟子画虎名家胡爽盦先生，父亲也是书画艺术工作者，她从小就生活在中国传统艺术氛围之中，自幼就开始接受祖父在书画艺术上的引导。

但因幼年时的诸多因素没能好好学习！加之她喜动不喜静，骑马艺术园地 ⊙文/本刊记者 程石江——访北京正德书画院副秘书长 胡 红以画静心 以心渡人艺术园地 Approaching ArtApproaching Art艺术园地射箭练武术。

直到大学后，通过系统的理论学习和老师、同学们的帮助及通过对中国传统文化的逐步了解，才加深了她想要探索这个世界的欲望。

因为胡红在书画世家长大，家里最多的就是画册，幼年的胡红最喜欢看小人书，连环画，内容精彩，画面生动，有时也会跟着勾落一些好的图片，但造型不是很准确。

祖父为培养她的耐性，会经常让她抻纸、研墨陪着自己画画，时不时会给她讲一些造型要点，墨色变化，有时还会给她讲一些书画家们学习的趣事等等，但因年岁小听得懵懵懂懂，并不上心。

直到刚上大学的时候，学校领导在介绍她时无意提到了她的家学渊源，得知胡红是名家的后人，这让同学们都觉得很惊讶，也对胡红抱以期待，可在摸底书画时，胡红看着自己不成熟的作品，又让她感觉到了无地自容，这种打击对胡红的触动很大。

第八页探索美术馆当代名家展厅何红舟油画展何红舟/学生肖像/180cm×90cm/2018年探索美术馆第七页何红舟油画展当代名家展厅何红舟/西迁途中的林风眠/200cm×200cm/2014年第六页探索美术馆当代名家展厅何红舟油画展何红舟/桥上的风景/235cm×195cm/2014年探索美术馆第五页何红舟油画展当代名家展厅何红舟/代课教师/180cm×100cm/2013年第四页探索美术馆当代名家展厅何红舟油画展何红舟/张莉/150cm×150cm/2012年探索美术馆第三页何红舟油画展当代名家展厅何红舟/夜色/200cm×200cm/2009年第二页探索美术馆当代名家展厅何红舟油画展何红舟/惑/190cm×150cm/2006年探索美术馆第一页何红舟油画展当代名家展厅何红舟/热土/180cm×90cm/2004年何红舟，男，1964年生，中国美术学院绘画艺术学院院长，教授，硕士研究生导师，中国美术家协会会员，中国国家画院特聘研究员。

获“2016年度浙江省优秀教师”称号，2018年入选浙江省首批“万人计划”。

参展与获奖：1999年，《孕》参加第九届全国美展，获省展银奖（浙江省文联）。

2000年，《我们的土地、我们的民族》（合作）参加庆澳门回归艺术大展，获银奖（中国文联、中国美协）。

2003年，油画《午后》获第三届中国油画展优秀奖（中国美协、文化部艺术司、中国油画学会，宁波华茂美术馆收藏）。

2005年，油画《热土》参加第十届全国美展，获省展银奖（浙江省文联，四川美术学院美术馆收藏）。

2009年，油画《启航》（合作）获“浙江省重大题材美术创作工程”金奖（中共浙江省委宣传部、浙江省文化厅、浙江省财政厅、浙江省文联，浙江省美术馆收藏）。

2014年，油画《桥上的风景》获第十二届全国美展油画金奖（文化部、中国文联、中国美协，浙江文化礼堂、浙江展览馆收藏）。

从何红舟《桥上的风景》中感受油画的构成美作者：丛婷婷来源：《艺术研究》2019年第01期摘要：本文主要以分析何红舟《桥上的风景》中的构成为重点，分析出“构成美”包括平面构成和色彩构成，画家将不同空间的人和事物安排到同一空间，将代表怀念的“黄”色调用“蓝”色调替换，使得画面更有情节感故事感。

学习画家的构成方式和概括方式更能让画面具有整体感。

有了名家的借鉴，可以更好地把握氛围、把握节奏、把握色彩，使画面的整体更为和谐。

关键词：何红舟《桥上的风景》构成学习感悟在当今社会，油画的“构成美”一直是被关注的热点。

一幅好的作品除了能显示艺术创作者扎实的基本功外，更能以其独特的构成令人眼前一亮。

十二届全国美展何红舟《桥上的风景》中经典的人物风景构成、和谐的色彩搭配以及作品的寓意都能让油画创作者得到借鉴，及思想得到提升。

作品描绘20世纪著名美术教育家林风眠、吴大羽、林文铮的欧洲留学生涯。

创作构思以桥为主题，用肖像的方式这对他们在中国美术史上的地位来说，也起到了点题的作用①。

一、画面构成1.画面中的平面构成及作用（1）画面中人物的平面构成本幅作品描绘的是中国美院第一代传奇人物也是中国现代油画的领袖人物。

画家不满足于客观的如实描写，而是通过人物形体语言简传达一种脉脉温情②。

分析人物构图特点就要从画面人物的“点”、“线”、“面”的组织关系中寻找。

首先是“点”，连接画面中的三个人物，是以倒三角形的方式构图，重心偏下的构图让画面不“浮”，让画面整体感更舒适，安排的林风眠先生的左脚是最低“点”并且靠近中间，很好地控制了画面的和谐。

其次分析人物构图中的“线”因素，人物的线就较为简单，没有过多的修饰，都是以长线条来构“形”，但三个人物也有很好的区分，最主要的人物衣纹较为复杂其次是左边的人物最后是右边人物，可见表现画面主次人物从线构图就区分开来。

画面是简单的三个人，主体人物和左边人物紧挨和右边人物相距较远，但鞋子的方向将画面的人物串联，在画面中人物占大部分，而人物的排列很好地控制了整幅画面的节奏。

画家何红舟◆范达明（杭州）何红舟油画风俗画的特质与风范何红舟，1964年12月出生于四川成都，籍贯四川盐亭。

1984年毕业于四川美术学院附中，同年考入浙江美术学院油画系。

1988年7月毕业后留中国美术学院附中任教。

1995—1999年就读于中国美术学院油画系硕士研究生班。

1999年起在中国美术学院油画系任教。

2003—2007年任教于油画系第四工作室，2007年至今任教于油画系第二工作室。

曾任中国美术学院绘画艺术学院院长助理、油画系主任，现为中国美术学院教授、硕士研究生导师、绘画艺术学院院长。

“智慧的观察”与“上手能力”相融为一油画作为舶来画种自有其传统习惯的体裁划分：大致有历史画、风俗画、肖像画、风景画、静物画以及人体画等。

在这些体裁中，除了基本无关乎人物形象的风景画、静物画较少创作之外，何红舟几乎均有涉猎。

尤其自2006年起参加了浙江省重大题材美术创作工程与国家重大历史题材美术创作工程的一些重大题材创作以后，他投入了很大精力，花费了许多时间到历史画创作中，形成一个历史画创作高潮期，至今如此。

限于篇幅，更是特定论题的要求，本文不涉其历史画——历史画命题的特殊性，决定了画家要从过往烟云中去发掘史料与往事的线索；反之，恰恰是风俗画的本质特征，迫使创作者时时处处要面对可以直接感知的外部世界，让全身心都沉浸于现实生活的阳光与空气中。

一般来说，油画风俗画作为具象绘画，均以当下现实生活中的人为主要描绘对象。

对于何红舟来说，油画画布、画笔、刮刀及各种颜色的颜料，都是为塑造具体的可被观众直接感知的形象服务的。

他坚持写实主义的绘画观，现实生活、周围事态、形形色色的人物与景物，这些热腾腾、活生生的外部世界，都是他艺术创作的永不枯竭的源泉。

它们时时在召唤他，激起他强烈的创作冲动与表现欲望。

他说：“我赞美能融于手的智慧的观察，我确信具象油画所要求的上手能力是绘画特质得以彰显的基础。

”在他看来，要把作为具象油画的特质“彰显”出来，离不开两个基本条件：一是“智慧的观察”，二是“上手能力”，两者必须相融为一。

用灵性的笔触拥抱自由的天地读何红英创作有感作者：梦雪来源：《现代艺术》2020年第05期何红英笔名锦亭东，副高级研究员职称，成都现代风景油画院、四川省油画学会会员，现任成都市某市属艺术机构负责人。

长期从事艺术创作和文博、艺术管理以及美术馆策展等工作。

曾先后参与策划、组织叶毓中《国画.汉魂·全图三国》《百年陈子庄作品展》等展览工作。

近期参加了《丝路艺语——中国白俄罗斯艺术家交流作品展》“走进新时代”2018东湖之春跨年美术作品展、“大匠之路一农工党四川省诗书画院届展”“天府百年美术文献展”“一带一路锦绣天府”中国一东盟艺术学院教授美术作品提名展、“流金岁月：域上和美艺术馆第二回馆藏作品展”“二酉山房”礼赞祖国70华诞书画精品展、首届“大美四川”美术作品展、“天涯共此时：中外艺术家美术作品跨年联展”“宅基地”2020知美术馆特别艺术驻留项目（线上展）、美术助力“抗疫”——中国美术报2020抗击疫情作品展（线上展）等展览。

“锦亭东”是何红英的笔名，这个笔名出自杜甫《古柏行》中的诗句“忆昨路绕锦亭东，先主武侯同閟宮。

”意指成都“武侯祠”，一个写满血气方刚的历史，又偏被成都的绵柔之气包裹的地方。

这正如第一次在武侯祠的红墙边见到长发披肩的她，一个温婉又充满阳光的典型成都女好。

那时她已经在武侯祠博物馆工作生活了许多年，同时又兼任武侯祠美术馆的管理工作，参与和组织了不计其数的文博工作，她的青春和成长浸润在了馆内的一草一木里。

若是到过武侯祠的人，一定能感知到那份得天独厚的灵洁之气，而这里正是她艺术的萌芽之地。

何红英的作品有着一股热烈的气息，每每让人惊讶这是出自于一位女性艺术家之笔。

她的取材自由敏锐，内容从不拘泥于媒介，从传统的水墨到丙烯再到油画。

而在这样自由的背后则是日复一日刻苦训练的自律，倔强的她把一切可以支配的时间都用于绘画和学习，庞大的观展量迸发出了她无限的创造力。

见画如见人，强烈的色彩对比下的那种对艺术本能的穷追不舍，充满了魅力也充满了力量。

一个图书馆员的自我素描
傅红婵
【期刊名称】《中小学图书情报世界》
【年(卷),期】1998(000)006
【摘要】@@ 我是一个中学图书馆员.回想自己十年来的工作,虽平凡、辛劳,但也
有自己的乐趣.因此,为自己来做个素描.
【总页数】1页(P24)
【作者】傅红婵
【作者单位】浙江杭州市笕桥中学
【正文语种】中文
【中图分类】G25
【相关文献】
1.图书馆员个体素描 [J], 霍彩玲
2.一个进入良性循环的企业—上海第二纺织机械厂自我积累、自我发展、自我改造、自我制约的调查 [J], 无
3.一个图书馆员的自我修养 [J], 王艳君
4.直觉素描对艺术创作中自我的感知唤起 [J], 邱文青
5.自我认知视域下现代高校图书馆员职业自我设限研究 [J], 李媛
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TEXT /宁铂我有我法法自我立——论何海霞绘画中的用笔与用墨山水画是从人物画的背景中脱离出来而形成一个画种，大约是从唐末五代时期开始形成，对景写生自唐代张璪时就已经提出“外师造化，中得心源”。

继而在北宋时期达到高峰，范宽位于洪谷写生最后创作出了气势雄伟的代表北方风貌的作品《溪山行旅图》。

因为元明文人画的兴起，中国山水画在很长的一段时间内以笔墨作为品评绘画的唯一标准。

20世纪以来，在绘画方面，西方艺术被大量引进，改变了文人画在山水画中地位，山水写生又重新被艺术家们所重视。

这样的大环境下，山水画的创新是必不可少的，陕北的地理风貌是非常独特的，因为气候干燥少雨，植被不多，但有一望无际的黄土高坡，陕北的人民朴实勇敢，正是这种当地人的人格特征加强了黄土高坡的质朴与豪迈，才产生何海霞的气势宏伟，笔墨肆意的山水画风貌。

描绘祖国的大好河山，记录祖国当时的革命盛况是那一辈艺术家们的历史使命。

他的山水画笔墨一方面继承了传统绘画的精髓，另一方面又在写生中形成了自己独特的风貌。

何海霞曾经说过艺术一定是要从生活中来的，要发现生活中的美，他绘画中的那种壮美的河山总是感动着我，何老终其一生都在强调要发现生活中的美，形式与技法全都服务于想要表达内心的真诚愿望。

贾又福在一次访谈中说过，传统首先是要传承然后给统一起来，也就是绘画的系统性，所有的东西都必须成一系统。

从何海霞的绘画中可以看出他对传统是有非常深刻的理解的，大概是小时候曾经临摹过大量的绘画到了可以乱真的地步，他对各个朝代的绘画特点都如数家珍，这点给他的绘画带来了一种浑厚博大之气。

所以他的绘画继承了传统却又跟传统不完全相同。

用笔方面，对于传统的中锋用笔他有自己的理解，他认为所谓的中锋用笔并非是把笔杆竖起来即是中锋，而是把笔的锋芒给裹住，这样的行笔出来不会锋芒毕露又韧性十足。

因此他一直强调运笔过程中的转笔，就像是歌唱家唱歌一样，唱到声嘶力竭处吸一口气就可以把气给接上。

一根好的线条人们总是说一气呵成可见其功力，但事实上很多这样的线条并非是一气呵成的，到了笔尽其气的时候笔锋一转，又可以重新开始。

国美教授何红⾈，精美⼈物油画作品赏析何红⾈四川, (1964-)何红⾈，1964年12⽉出⽣于四川省成都市，浙江美术学院（现中国美术学院）油画系毕业，现任中国美术学院绘画艺术学院油画系教授，硕⼠研究⽣导师、绘画艺术学院院长。

决胜时刻布⾯油画280×230cm 2016年百团⼤战——正太铁路破袭战布⾯油画260×350cm 2017年秋晨布⾯油画200×110cm 2014年⼥⼈体布⾯油画160×80cm 2003年夏⾄布⾯油画120×120cm 2005年⼩颖布⾯油画150×150cm 2014年张莉布⾯油画150×150cm 2012年泛⾈尼罗河布⾯油画100×100cm 2018年满江红布⾯油画270×530.5cm 2016年启航布⾯油画550×270cm 2009年桥上的风景布⾯油画235×195 cm 2014年西迁途中的林风眠布⾯油画200×200cm 2014年⽂军长征布⾯油画225×270cm 2017年午后布⾯油画150×150cm 2003年⼥肖像布⾯油画100×100cm 2017年热⼟布⾯油画180×90cm 2004年⾬后的卑尔根港布⾯油画90×60cm 2009落霞布⾯油画100×100cm 2015年中学教师布⾯油画100×100cm 2014年古琴⼿布⾯油画200×110cm 2015年代课教师布⾯油画180×100cm 2013年毕业⽣布⾯油画160×80cm 2010年惑布⾯油画190×150cm 2006坚强的肖像布⾯油画90×60cm 2015年研究⽣布⾯油画80×80cm 2015年。

【全国美展金奖作者】名家轨迹——何红舟作品（附学生时代素描哦）何红舟：男 1964年12月出生于四川省成都，1984年毕业与四川美术学院附中；同年考入中国美术学院油画系； 1988年毕业留校任教至今现为中国美术学院油画系副教授。

1990年《青苹果》获中国首届中国油画精品展金奖1999年《孕》参加第九届全国美展，获省展银奖2003年《午后》获第三届中国油画展，获优秀奖2004年赴香港举办“天地之间”三人油画作品展，出版画册《天地之间》2006年出版画册《当代油画名家——何红舟》2007年《惑》、《安妮》、《独立》参加中国美协“形象对话”肖像展2009年历史画《启航》（合作）获浙江省重大题材美术创作工程金奖。

同年，完成国家重大历史题材美术创作工程的定件《启航》（变体画）2010年油画《毕业生》参加中国油画学会举办的“油画艺术与当代社会---中国油画展”2014年《桥上的风景》油画，全国美展金奖。

“我画人物的时候，他们在我心目中是什么样子，我会想方设法把它做出来，在接近对象的同时，我内心依托的东西才能成立。

要做到这一点，需要对人物有一定的了解，感受力和技法也很重要。

光有感情没有表达的技巧，情感也会慢慢跑掉”《启航》550X270CM 2009年何红舟黄发祥《热土》180x90cm 2004年《夏露》 2012年 150x150cm《张莉》 2012年 150X150cm180x100cm 2010年历史画的创作困惑除了画肖像，近些年何老师更是注重历史画的创作，尤其是一些历史性大场面。

一进画室就能看到两张未完成的大作，历史情形砰然出现。

“我们这代人的教育方式就强调要为完成一张大的画作作准备，所以口、鼻、耳还有肢体语言等等都好像是作为一个个零件来表现人物。

《启航》550X270cm 2009年何红舟黄发祥局部1局部2局部3180×140cm 1999年海哥60x50cm 2010年俊俊80x60cm 2010年李文80x60cm 2010年女大学生女学生 2010年女学生60x50cm 2010年小乔60x50cm 2010年小谢60x50cm 2010年大学生80x60cm 2010年女大学生 2009年女孩 2008年女肖像 2009年最后一张是1984年何老师学生时代的小卫，很有指导意义吧。