中西方绘画艺术作品比较赏析
——洛神赋图与最后的晚餐
汽服xxx xxx 指导老师xxx
【内容摘要】中西方艺术文化都有着悠久的历史，在不断演变的同时，既继承先辈留下来的风格，也加入每个时代赋予的新元素。中西方绘画艺术在观念和表现上有着差异和趋同性，通过中西方绘画作品内容、形式的对比，以及中西方艺术观念差别的简单描述，最终认识到中西方在差异和区别之上的共同目标。
中西方绘画注重表现与写意，即强调感性；而西方绘画注重再现与写实，即强调理性。这就决定了中西方绘画的表现手法不同。中国画不固定在一个立脚点作画，也不受固定视野的局限，而是根据画者的感受和需要，使立脚点移动作画，把见的到的和见不到的景物统统摄入自己的画面，即运用了散点透视法。西方画家则是理智地进行构图，采用科学的透视学和色彩学来表示近大远小焦点透视和色彩的空间变化，形象的立体感很强，逼真肖似，具有典型性。
美术史上的大量事实，展示了中西方艺术作品中形式与内容的复杂关系。美术史上的大量事实展示了中西方艺术作品中形式与内容的复杂。所以中西方传统绘画让人感觉是两个不同的体系，给人的感觉不同。
【关键词】中西；绘画；艺术；洛神赋图；最后的晚餐；达芬奇；顾恺之
【正文】
一、洛神赋图
中国画是中国传统绘画的统称。从广义上说，中国画包括中国传统绘画的各种类别，但我们所说的中国画通常是指以水为调和剂，以墨为主要颜料的一类，
又称“水墨画”、“彩墨画”。中国画表现出变化无穷的线条情趣，以墨代色则表现了中国画独具特色的丰富的艺术表现力。顾恺之的《洛神赋图》虽然是人物画，但以大量的山水为故事展开的背景。由于顾恺之本人就是较早地涉及到山水画创作和理论的大家之一，故我们有足够的理由相信《洛神赋》图中山水部分的画法是具有那一时代代表性的艺术样式。图中树木、山石造型稚拙，比例关系较为混乱，确如张彦远为我们在《历代名画记》中所描述的那样：“魏晋已降，名迹在人者，皆见之矣，其画山水，则群峰之势，若钿饰犀栉，或水石容泛，或人大于山，率皆附以树石。映带其地。列植之状，则伸臂布指。”从而为我们在理论与实物考据上都提供了早期山水画面貌的特征。从线色本身来看，《洛神赋》图中线条细劲有力，如张彦远所言：“顾恺之之迹，紧劲连绵，循环超乎，调格逸易，风趋电疾，意存笔先，画尽意在，所以全神气。”线条的表现力内在含蓄，以表现意态为先。线条内部勾勒产生的块面以青绿填色，色彩变化较少，只在坡脚岸边施以泥金。山石树木，结构单调，状物扁平，但富于装饰性。此图取材于曹植的《洛神赋》一文。主要讲述了主人公从帝京回东藩的途中，经过洛水，遇到洛水女神宓妃的故事。原文中主人公虽然对宓妃充满爱恋，而最终却不得不离去的故事情节，表现了作者在现实中的伤感与无奈。顾恺之在这幅画里却将结局做了修改，以主人公与宓妃有情人终成眷属而告终。故事以连环画的形式在同一画幅的不同场景中展开，将一个传说中的爱情故事表现得浪漫感人。这种手法后世多有借鉴，如五代的顾闵中的《韩熙载夜宴图》。另外，值得注意的是，在《洛神赋》图中一些树、石的表现上，作者以凹凸晕染的方法来增加立体感，这来自于对当时青铜铸造艺术和帛画艺术手法的借鉴，来自于那一时代随着佛教的不断传人，中西文化交流的不断发展和相互影响。此外，图中人物的塑造也是极其成
功的，人物虽散落于山水之间，但相互照应，并不孤立，神情的顾盼呼应使人物之间产生了有机的视觉联系，这不能不归功于作者对人物神态的准确刻画。
张彦远在《历代名画记》中记载了顾恺之为裴楷画像在脸上加三根毛一事，其云：“楷俊朗有识具，此正是其识具，观者详之，定觉神明殊胜。”脸上加三根毛对于绘画的教化作用来说，其实并无任何联系，而颐恺之却认为它能够反映出裴楷的气质，这是属于一种极个性化的问题，而不是某一类人的典型化和抽象化。这种对个人精神气质的重视与追求，表现在他对刻画眼睛的谨慎与仔细。他说：“点睛之节，上下、大小、浓薄有一毫小失，则神气与之俱变也。”很明显，顾恺之对人物表现的要求是如实地反映人物独特的气质和品格，而不是某种概念化的东西。
东晋顾恺之以三国时代曹植的浪漫主义爱情名篇《洛神赋》为题材，用具体生动的形象，完整地表现了赋的内容。画中的曹植带着随从，在洛水之滨凝神怅望，仿佛见到思念已久的洛神。远处凌波而来的洛神，衣带飘逸，动态委婉从容，
目光凝注，表现了关切、迟疑的神情。二人的思念之情溢于卷面，令人感动。全图设色艳丽明快，线条准确流畅，充满动感，富有诗意之美。画面采取分段连续形式，概括描绘了几个重点。通过对洛神神情、动作的描绘，传达出一种可望而不可及的无限惆怅情意。直接表现在礼教束缚与封建势力压迫之下，男女爱情受到压抑和苦闷的主题。画面色彩很柔和，加上画家对周围环境生动的描绘，突出了画面的诗意气氛。
二、最后的晚餐
莱昂纳多·达·芬奇（Lanonardo da Vinci，1452-1519）作为文艺复兴时期太才艺术家和多才多艺、全面发展的人的代表，是一个不可企及的典范。他的伟大之处在于他一直是像先知那样地展望未来，为艺术和科学的进一步发展而不知疲倦的探索，并取得了巨大的成就。他的名著《最后的晚餐》，在基督神话中为最重要的故事，历来为画家们描绘。在比较详细的西洋美术史上，足足可以列举几十副著名的《最后的晚餐》。
全画总共十三人，耶稣居于面面中间位置，其余十二个门徒分四组平均对称排列左右，这些组合是由每个人的心变化和感情联系自然结合在一起的，画中人的情绪造成画面的气氛有动有静，有声有色。
画面讲的是，在庆祝逾越节的前夜，耶稣和他的十二门徒坐在餐桌旁，共进庆祝逾越节的一顿晚餐。在餐桌上，耶稣突然感到烦恼，他告诉他的门徒，他们其中的一个将出卖他，但耶稣并没说他就是犹大，众门徒也不知道谁将会出卖耶稣。
大多数门徒在激动中一跃而起，而耶稣的形象却是那么的平静。我们可以看到他明晰的轮廓衬托在背景墙的窗子里，通过窗子，我们看见恬静的景色，湛蓝的天空犹如一只光轮环绕在耶稣的头上。在耶稣右边的一组中，我们看到一个黑暗的面容，他朝后倚着，仿佛从耶稣前往后退缩似的。他的肘部搁在餐桌上，手里抓着一只钱袋。我们知道他就是那个叛徒，犹大·伊斯卡里奥特。犹大手中的钱袋是他的象征，它使我们想起，他就是为耶稣和其他门徒保管钱财的人，钱袋里装着出卖耶稣得来的三十块银币的赏钱。即使他没有拿着那只钱袋，我们也能
通过达·芬奇的绘画方式，辨别出这个罪恶的敌人犹大。犹大的侧面阴影旁圣·彼得，我们也可以看见他一头银丝与一副白晰的手，他向年轻的圣·约翰靠去。彼得垂在臀部的右手握着一把刀，仿佛在偶然中，刀尖对着犹大的背后。圣·约翰的头朝彼得垂着。在所有门徒中，他是耶稣最喜爱的一个。约翰象耶稣那样平静，他已经领悟了他主人的话。耶稣左边是小雅各，他力图去理解他所听到的可怕的话，他两手摊得大大的惊叫了起来。从小雅各的肩上望去，我们看到了圣托马斯，疑惑不解的托马斯，他怀疑的神色通过他竖起的手指表现出来。
小雅各的另一边，圣·菲利普往耶稣靠去，双手放在胸前似乎在说：“你知道我的心，你知道我是永远不会出卖你的。”他的脸由于爱和忠诚而显出苦恼的神情。围着耶稣的这六个门徒，处于故事的发生的中心。巴塞洛缪与老雅各的身体向他们倾着，而他们身旁的老安德鲁并没有站起来，但他想听听，于是便举起手似乎要求安静。右边还剩下最后三个门徒，他们正在讨论有关耶稣说的那句话，他们的手指也指向餐桌的中央。他们所看到的这一切，均发生在这幅伟大的作品之中，但每次当我们欣赏它时，都会从门徒的感情与性格中获得新的含义。
中西方绘画在色彩运用和对色彩的感受上显然有所不同。中国传统的绘画是以墨调色，与西方绘画以油色烘染出的立体感、明暗透视等有巨大差异，深与浅、淡与浓等多组矛盾中求得视觉性效果。绘画作为一种视觉艺术，是通过一定的色彩、线条、形状，构成异常精确具体而又个性化的图景，以传达审美经验供人感受的艺术。通过艺术欣赏活动，使人们审美需要得到满足，获得精神享受和审美愉悦，愉心悦目、畅神益智，使得心得到愉快和休息。绘画不仅种类和形式丰富多彩，而且由于各国和民族在社会政治经济和文化传统等方面的差异，世界各
国绘画在艺术形式，表现手段艺术风格等方面存在着明显的区别。
就我们所知，中西方绘画在发展过程中由于不同的政治、文化思想、宗教哲学、工具材料、审美趣味等因素的影响使中西方绘画存在着明显的区别。简单的概括就是西洋画重写实，中国画重意境。
中国画盛用线条，西洋画线条都不显著，线条大都不是物象所原有的，是画家用以代表两物象的境界；中国画家就用，而西方就不用，所以西洋画很象实物，中国画不象实物；中国画不注重透视法，西洋画注重透视法；中国画不注重背景，西洋画很注重背景；中国画题材以自然为主，西洋画题材以人物为主。
对于最后的晚餐和洛神赋图，两幅画的相同点就在于都是以人物为主体的绘画，体现了人物的各种造型和神态表情。顾恺之《洛神赋图》中的山水景物刻画，确实具有“传神”的意义，东方式的表现手法使得画面突显出一种神奇的超越性，艺术超越生活、超越人的思维观念、超越人类的生存理想，在其中很轻易的就得到了表达。而最后的晚餐则是一个以基督神话为背景的艺术作品，画面是由作者凭借故事的内容加上自己的想象勾勒出来的。两幅画无论是从构图还是表现手法来说都堪称一绝，是艺术界的又一造旨。在文艺复兴时期，西方科学有了很大的发展。达·芬奇说：“鄙视绘画的人，既不爱哲学，也不爱自然。绘画是自然界一切可见事物的唯一模仿者。如果你藐视绘画，你势必藐视了一种深奥的发明，它以精深富有哲理的态度专门研究各种被明暗所构成的形态”。西方人这种尽一切可能发挥视觉的全部功能去“应目会心”自然物象与人事相似相通之处的观念，显然是很不相同的。绘画能够以它丰富的表现手段满足人的“最高感官”，很自然地成了西方人推崇的艺术。西方艺术并不是不追求“传神”的效果，西方人决非单纯地强调模仿自然，要求艺术作简单的依
形绘形。西方美学极重视理性，同时也不忽视与理智相对应的精神世界。也有艺术世界高于现实世界的论述。
概括的讲，如果中国绘画尚意，那么西方绘画尚形；中国绘画重表现、重情感，西方绘画重再现、重理性；中国绘画以线条作为主要造型手段，西方绘画主要是由光和色来表现对象；中国绘画不受时间和空间的局限，西方绘画则严格遵守空间和时间的界线。美，是思辨的哲学、最微妙的心理学、最情感的艺术。美是文化精髓的集焦点。
2013年12月15日
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《中西方绘画艺术作品对比赏析》 ——泼墨仙人和吹笛少年 会计专科1105班万毅指导老师李雅娟 【内容摘要】美术即是以物质材料为媒介，塑造可观的静止的,占据一定平面或立体空间的艺术形象的艺术表现。表现作者思想感情的一种社会意识形态，同时也是一种生产形态。在漫长的历史发展过程中，中西方的绘画艺术也在逐步完善，各自都出现了很多优秀的代表作品。由于中西方的地域环境、文化、历史等等人文环境的不同，因此，中西方绘画艺术在观念和表现上有着差异和趋同性，通过中西方绘画作品内容、形式的对比，以及中西方艺术观念差别的简单描述，最终认识到中西方在差异和区别之上的共同目标。中国非常强调人与自然的调和，认为自然先于人类而存在，人是自然中后生的一部分；而西方则认为人是自然的主人，自然为人类而存在。这种观念的差异，表现在艺术中，就形成了不同的艺术主张，也使的艺术形式和表现的多样化。在艺术实践中，形成了不同的传统和风格。中西方世界观、艺术观等方面虽然有着差异，但毕竟是生活在同一片蓝天下的人类，必然存在着相似或共同点。本篇论文就是通过分别介绍一幅中西方的代表作品，来认识中西方绘画的差异。通过分析和对比中西方文化的差异，做到相互借鉴，取长补短。更好的去发展和弘扬中方文化艺术。 对比作品为梁楷的《泼墨仙人》和马奈的《吹笛少年》 【关键词】梁楷；泼墨仙人；马奈；印象派 【正文】 （1）梁楷——《泼墨仙人》 梁楷是南宋画坛上独树一帜的大画家，擅长画人物、鬼神和道教佛教中的神佛，同时亦画山水、花鸟，水平也很高，晚年曾被任命为南宋画院的待诏，并赐佩金带，由于厌恶画院中的种种清规戒律，毅然将金带挂在院中，悄然离职而去。他这种豪放不羁的性格也生动地体现在作品中。《泼墨仙人》是梁楷的代表作，也是中国古代人物画泼墨人物代表性作品。 《泼墨仙人》中的仙人形象，并不象古代壁画中的神佛，头上画着光环，神情庄重玄妙，不可一世，竭力表现出某种崇高感、神秘感。这个形象似乎来之于生活，正如后人题款上写道：“大似高阳一酒徒”，象喝醉的和尚，长襟宽袖上洒满了酒渍，醉意朦胧，漫步街头，自得其乐，有着人间的真实和亲切感。然而，他又绝对不是人间可以寻找到的形象，前额和秃头是那样出奇地高耸宽大；眉眼口鼻又是那样出奇地挤在一堆，似醒未醒，似笑非笑，一脸怪相，似乎有着无限的智慧，看透了宇宙的一切，他袒露胸腹，无拘无束，精神在自由自在的天地中飞翔。这种极度夸张了的形象，是人，也是神，或者说是人化的神。 在这幅画中，画家梁楷对画中人物以简化和夸张、变形等处理使之“传神”。相比于西方人物画，中国人物画除了在手法上不最求科学真实外，中国作品留下的印象却一时难以找到恰当的现代词汇来概括，这时还是觉得“气韵”二字比较符
不管是富于意向性的中国山水画，还是善用明快色彩的西方油画都给我们提供了一扇通往美的世界的大门。在欣赏完中国与外国的美术作品后我不经问自己我得到了什麽？粗看之下中外美术绘画作品只是在给我们展示一幅幅山水和人物，并没有向我们展示任何其他的东西，但细想之下我们就会发现那些超越作品单纯表现之外的含义。那不仅仅在是一幅幅的山水和人物，而是整个世界甚至是无所不包的宇宙了。通过美术作品的欣赏我发现了以往经常被我们忽视的那些东西，以下就是我的一些感受。 众所周知，美术的鉴赏是运用感知、记忆、经验、知识，对美术作品进行感受、体验、分析、判断而获得审美享受和美术知识的过程。我之所以选了中外美术经典作品赏析这门课其实原因很简单，我自小非常喜欢美术方面的东西，对这些看似神秘的艺术形态十分好奇，很想从这课程当中得到一些艺术的知识与熏陶。记得曾经看过一幅油画，画面上描述了优美的风景，当时只是觉得那很美，想要表达些什麽但却又不知如何说起。后来在上完这门课之后我才发现原来我看过的那幅作品竟是西方最著名的风景画的代表，作者就是法国巴比松画派的代表人物让·巴蒂斯特·卡米耶·柯罗，而这幅作品就是他的《孟特芳丹的回忆》。我尝试着用我在这门课上的心得来再次欣赏这幅作品时，从整幅作品的构图、基调、色彩和透视技巧等方面来再次欣赏，我获得了前所未有的感受，整幅作品是那样的动人和生动，柔和的颜色充斥于整个画面，渐渐的我仿佛融到了画面之中许久不能自拔，我想这就是美术的魅力之所在吧。当然我懂的还不是很多，但我能稍微懂得作者的心情与这幅画所要表达的感情，这就是我最大的收获了。 在我看来美术作品的最终意义，就在于使我们的情感得到陶冶，思想得到净化，品格得到完善，从而使我们的身心在欣赏美术作品的同时得到和谐发展，精神境界得到升华，自身得到美化。犹如一首淡淡的歌一般，美术已经渐渐的融进了我的身体之中了，它给我的身体带来了养料，在欣赏时我可以完全的投入其中暂时不去思考现实之中的种种不快，美术就是拥有这种令人痴迷的魅力。最后感谢胡老师您了，是你带着我们进入了美的世界并用语言教会了我们如何去发现美的事物。谢谢！
东西洋文化，根本不同。故艺术的表现亦异。大概东洋艺术重主观，西洋艺术重客观。东洋艺术为诗的，西洋艺术为剧的。故在绘画上，中国画重神韵，西洋画重形似。两者比较起来，有下列的五个异点： (一)中国画盛用线条，西洋画线条都不显着。线条大都不是物象所原有的，是画家用以代表两物象的境界的。例如中国画中，描一条蛋形线表示人的脸孔，其实人脸孔的周围并无此线，此线是脸与背景的界线。又如画一曲尺形线表示人的鼻头，其实鼻头上也并无此线，此线是鼻与脸的界线。又如山水、花卉等，实物上都没有线，而画家盛用线条。山水中的线条特名为“皴法”。人物中的线条特名为“衣褶”。都是艰深的研究工夫。西洋画就不然，只有各物的界，界上并不描线。所以西洋画很像实物，而中国画不像实物，一望而知其为画。盖中国书画同源，作画同写字一样，随意挥洒，披露胸怀。19世纪末，西洋人看见中国画中线条的飞舞，非常赞慕，便模仿起来，即成为“后期印象派”。但后期印象派以前的西洋画，都是线条不显着的。 (二)中国画不注重透视法，西洋画极注重透视法。透视法，就是在平面上表现立体物。西洋画力求肖似真物，故非常讲究透视法。试看西洋画中的市街、房屋、家具、器物等，形体都很正确，竞同真物一样。若是描走廊的光景，竞可在数寸的地方表出数丈的距离来。若是描正面的(站在铁路中央眺望的) 铁路，竞可在数寸的地方表出数里的距离来。中国画就不然，不欢喜画市街、房屋、家具、器物等立体相很显着的东西，而欢喜写云、山、树、瀑布等远望如天然平面物的东西。偶然描房屋器物，亦不讲究透视法，而任意表现。例如画庭院深深的光景，则曲廊洞房，尽行表示，好似飞到半空中时所望见的；且又不是一时间所见，却是飞来飞去，飞上飞下，几次所看见的。故中国画的手卷，山水连绵数丈，好像是火车中所见的。中国画的立幅，山水重重叠叠，好像是飞机中所看见的。因为中国人作画同作诗一样，想到那里，画到那里，不能受透视法的拘束。所以中国画中有时透视法会弄错。但这弄错并无大碍。我们不可用西洋画的法则来批评中国画。 (三)东洋人物画不讲解剖学，西洋人物画很重解剖学。解剖学，就是人体骨骼筋肉的表现形状的研究。西洋人作人物画，必先研究解剖学。这解剖学英名曰anatomy for art students，即艺术解剖学。其所以异于生理解剖学者，生理解剖学讲人体各部的构造与作用，艺术解剖学则专讲表现形状。但也须记诵骨骼筋肉的名称，及其形状的种种变态，是一种艰苦的学问。但西洋画家必须学习。因为西洋画注重写实，必须描得同真的人体一样。但中国人物画家从来不需要这种学问。中国人画人物，目的只在表出人物的姿态的特点，却不讲人物各部的尺寸与比例。故中国画中的男子，相貌奇古，身首不称。女子则蛾眉樱唇，削肩细腰。倘把这些人物的衣服脱掉，其形可怕。但这非但无妨，却是中国画的好处。中国画欲求印象的强烈，故扩张人物的特点，使男子增雄伟，女子增纤丽，而充分表现其性格。故不用写实法而用象征法。不求形似，而求神似。 (四)中国画不重背景，西洋画很重背景。中国画不重背景，例如写梅花，一支悬挂空中，四周都是白纸。写人物，一个人悬挂空中，好像驾云一般。故中国画的画纸，留出空白余地甚多。很长的一条纸，下方描一株菜或一块石头，就成为一张立幅。西洋画就不然，凡物必有背景，例如果物，其背景为桌子。人物，其背景为室内或野外。故画面全部填涂，不留空白。中国画与西洋画这点差别，也是由于写实与传神的不同而生。西洋画重写实，故必描背景。中国画重传神，故必删除琐碎而特写其主题，以求印象的强明。 (五)东洋画题材以自然为主，西洋画题材以人物为主。中国画在汉代以前，也以人物为主要题材。但到了唐代，山水画即独立。一直到今日，山水常为中国画的正格。西洋自希腊时代起，一直以人物为主要题材。中世纪的宗教画，大都以群众为题材。例如《最后的审判》、《死之胜利》等，一幅画中人物不计其数。直到19世纪，方始有独立的风景画。风景画独立之后，人物画也并不让位，裸体画在今日仍为西洋画的主要题材。 上述五条，是中国画与西洋画的异点。由此可知中国画趣味高远，西洋画趣味平易。故为艺术研究，西洋画不及中国画的精深。为民众欣赏，中国画不及西洋画的普通。
中西方绘画艺术作品比较赏析 —父亲和蒙娜丽莎的微笑 国贸1002 XXX 指导老师李雅娟 【内容摘要】美术即是以物质材料为媒介，塑造可观的静止的,占据一定平面或立体空间的艺术形象的艺术。表现作者思想感情的一种社会意识形态，同时也是一种生产形态。油画在当时历史条件下体现着一种新型审美价值——意境审美，而这，其实是古老的传统审美。这听起来就是一个悖论，是油画在中国的传播和发展上存在着的众多的悖论之一。但悖论往往孕含着生机，随着对西方绘画的深入研究，越来越多的人们更加清晰和准确地发现了自身传统文化的优势。重新认识古典的意境审美，并将之在当今油画创作中进行解读和转换，是油画创新的资源之一，也是油画由走向自主发展的必由道路之一。 在《中外美术鉴赏》这门课中见到了许许多多的世界名画，其中很多都给人留下了深刻印象，我最喜欢的是罗中立的《父亲》和达芬奇的《蒙娜丽莎的微笑》随着对达芬奇了解的深入，对大师创作的背景、时间和境况也有了更多了解。花费了很长时间才完成，它为达芬奇大师的绘画生涯画上了一个圆满句号。至今大家还都会被这幅画深深震撼，也被达芬奇大师对绘画的热情和执著追求而感动。 【关键词】中西；绘画；父亲；蒙娜丽莎 【正文】 1 《父亲》 在油画中追求意境，开拓油画审美的本土化的路途中，罗中立的《父亲》堪称是一幅意境深远的经典之作。这幅作品描绘的是一个普普通通的老农形象，却像一首扣人心弦的沉重又悲怆的奏鸣曲令人震撼令人感动。 《父亲》这幅中国油画史上的“名作”，主要从意境审美角度进行分析。绘画的意境由象内之境和象外之境构成。首先，《父亲》的象内之境：人物形象。这是一个农民形象的父亲，画里的“父亲”脸上布满皱纹、额头流淌着汗水，手里端着一个粗瓷大碗，望着前方。对于油画《父亲》，相信观众不会把它当作画家罗中立本人的父亲的肖象来看待。即便知道这个“父亲”的真实身份，观者的欣赏还是不会就这个形象而止，还仍然会产生很多联想和感触。这其实触及到了意
中西绘画的差异与比较 人类艺术在漫长的发展过程中，东方绘画与西方绘画在表现形式上的差异性构成了世界艺术的两大板块，体现出了广泛、全面、深刻的人类精神面貌。这些相似与差异之处的研究对我们今后开拓美术创新的研究发展之路必将起到积极的作用。 首先，中西绘画源于各自民族古代的哲学观念和审美理念。在西方早期的哲学中注重思维理性，表现为“贵解不贵悟”，她强调理解、思辨，主张审美主体要注重自身的逻辑性、严密性和完整性思维体验，因而西方的逻辑学比较发达。而中国古代的审美思维方式注重实用理性，表现为“贵悟不贵解”的思维特性。她强调审美主体在“悟”(主体与客体)中体验美、创造美，在“心与物会”“神与象交”“情与景合”的交融状态中将作为主体的人消融在自然里，在“空灵”“虚静”“品味”中走进自然对象，以体悟自身，体悟社会。 在欧洲中世纪末期就有一些不甚有名的画家表现的祭坛画，画基督教的圣像和圣经故事，在表现手法上近于中国绘画中的工笔画，其特点是追求二维空间的表现方式，并重视以线造型而非体面造型手法。这不能不说是美之表现的一种巧合，也体现出中西方人类文明的共同点。其次，在中西山水、风景画的表现中更加体现出了主观表现和客观表现态度的不同。中国山水画作者更关心的是看到了什么，想到了什么，用心灵的状态表达物象、表达空间的远近关系。即在一个画面上表现出各种时间，各个角度看到的物象。西方绘画强调在特定视点中所看到的客观物象，即“焦点透视”下物象的远近变化。通过对特定时间、地点、光线等的客观表现达到感觉真实的空间感，如荷兰画家雷斯达尔的《埃克河边的磨坊》。但是，中西绘画对空间感受的表现是一致的。 在现代美术的发展中，中西绘画的差异依然存在但更是有着许多相同之处。首先，在工具材料的使用上依然不同，中国绘画以线为主的造型手法依然明显，用笔、用墨挥洒的韵味依然神奇。而西方绘画的油画颜料依旧具有写实造型、精细刻画的强大优势，以明暗色彩为主的造型手法也更加强化；相同的是在中国绘画中有越来越多的画家吸收了西方绘画中结构、色彩、明暗等表现的优点，丰富发展了中国绘画，并在内容表现上也吸收了西方绘画的形式。如徐悲鸿的《愚公移山》一作，他将西方绘画中裸体表现人物的手法和明暗色彩、结构体积的表现方法都应用在了中国人物画上，使中国的人物画以新的面貌出现，扭转了以往中国人物画的柔媚与纤弱，寄寓着时代的哲理与情思，创立出了一种有中国风韵的融合型国画。另外，还有不少中国画家前赴后继，在中西艺术融合之路上作出了不懈的努力并各有侧重突破。 在西方现代绘画中，吸收东方绘画艺术之精华的作品也是很多的。西方现代绘画大师毕加索曾在会见中国书画家张大千时说：“这个世界上谈到艺术，第一是你们中国人有艺术”。毕加索等一些西方艺术大师对东方艺术的认识以及在他们的作品中线条形式和主观化情感的表现，足以说明东方艺术与西方艺术是可以互为借鉴的。文化交流是双方的，不仅西方会影响东方，东方也会影响西方，其成果是人类所共有。西方现代绘画的多元化发展是在现代绘画之父塞尚主观情感的表现之后发展起来的五彩缤纷的花朵。如：现代派画家达利的作品中的变形、幻觉、离奇魔幻般的组合等等也都是画家主观与客观相结合的产物。 从中西绘画的发展看，虽然在内容、形式、方法、工具等方面有着诸多差异，但如果以画家的内心看来，其深层审美追求的发展趋势是基本一致的。这种异同将继续发展下去，并在互相的借鉴中会开放出更加绚丽的花朵，究其原因是中国的绘画与中国人文文化直接相关联的书法、文学、音乐、舞蹈等有着内质的联系。中国绘画中的线条造型和中国绘画材料、笔墨宣纸有着巨大的独特性，这种绘画材质的特点便于抒情、能体现韵味，操作快速方便、成本很低，深受广大中国人民的喜爱，具有强盛的生命力。而现代的中国画已经吸收了西方绘画中结构、明暗、色彩表现的优点，使中国画上了一个较高的台阶。正如徐悲鸿提出改革中国画的“改良论”，用“守之”“继之”“改之”去对待民族传统的承继，表明中国画应
中外美术欣赏（外国） 1.古希腊建筑： 古希腊的三种柱式： ①多立克柱式（或陶立克柱式）---又被称为男性柱，柱高与柱直径的比例是6:1，凹槽20条。eg：帕提农神庙 ②爱奥尼克柱式---又被称为女性柱，柱高是其直径的8—9倍，凹槽24条。这种柱式比较纤细轻巧并富有精致的雕刻，柱身较长，上细下粗，但无弧度，柱身的沟槽较深，并且是半圆形的。eg：雅典娜胜利女神庙 ③科林斯柱式：柱头是用毛莨叶做装饰，形似盛满花草的花篮，形成两对涡卷，装饰性强。四个侧面都有涡卷形装饰纹样，并围有两排叶饰，特别追求精细匀称，显得非常华丽纤巧。eg：雅典宙斯神庙 2.罗马建筑的特点？（简答题） 罗马建筑一般以厚实的砖石墙、半圆形拱券、逐层挑出的门框装饰和交叉拱顶结构为主要特点。 3.中世纪教堂的建筑形式：哥特式罗马式 4.哥特式建筑的特征：①门窗由半圆拱形改为尖拱，更具向上的方向感②柱子采用束柱，就是一根柱子做的好像几根细柱，捆成一束，垂线感觉强烈③拱顶则用尖券形成交叉式或六分肋拱作为承重构件④飞扶壁在外墙和柱间的运用起到了斜撑的作用，同时飞扶壁做的很灵空，起到装饰作用⑤窗饰花纹有宗教的寓意 5.中世纪的工艺美术特点：神圣威严 6.巴洛克式建筑： 特征：外形自由，追求动态，喜好富丽的装饰和雕刻，有强烈的色彩，常用穿插的曲线和椭圆形空间。 建筑特点：①炫耀财富②常采用非理性组合手法产生反常与惊奇的特殊效果 ③充满欢乐的气氛④标新立异，追求新奇 7.洛可可建筑：柔媚细腻和纤巧的建筑风格。 8.浪漫主义建筑：在艺术上强调个性，提供自然主义，这种思潮在建筑上表现为追求超主脱俗的趣味和异国情调。 9.现代主义建筑：具有鲜明的理性主义和激进主义的色彩，又称为现代派建筑。eg：包豪斯校舍 10.现代主义建筑的特征：①对建筑的空间重视②灵活多样的建筑外形③建筑装饰的简化④运用新材料新技术 11.最早的美术学院：意大利的博洛尼亚美术学院 12.文艺复兴时期： 早期：14--15世纪早期画家乔托马萨乔把人文思想与对自然的逼真结合。 中期：盛期三杰（达芬奇米开朗琪罗拉斐尔） 达芬奇的代表作：《岩间圣母》《最后的晚餐》《蒙娜丽莎》 米开朗琪罗的代表作品：《创世纪》《最后的审判》《大卫》 拉菲尔的代表作品：《西斯廷圣母》《圣母子》《椅中圣母》 17--18世纪：巴洛克艺术 13.《蒙娜丽莎》：（作品分析）达芬奇，①构图：半身②表情眼神嘴角③运用优美的自然景色 14.巴洛克艺术的特点：
中西方绘画作品比较赏析 ——绘画的两大体系赏析 内容摘要：中西方艺术文化都有着悠久的历史，在不断演变的同时，既继承先辈留下来的风格，也加入每个时代赋予的新元素。 这篇文章中将中西方艺术中两大体系的主要代表绘画作品进行各个角度的分析和研究，从中找出共性和各自特色为今后的艺术学习研究创作夯实基础。 中西方绘画注重表现与写意，既强调感性；而西方绘画注重再现与写实，既强调理性。这就决定了中西方绘画的表现手法不同。中国画不固定在一个立脚点作画，也不受固定视野的局限，而是根据画者的感受和需要，使立脚点移动作画，把见的到的和见不到的景物统统摄入自己的画面，即运用了散点透视法。西方画家则是理智地进行构图，采用科学的透视学和色彩学来表示近大远小焦点透视和色彩的空间变化，形象的立体感很强，逼真肖似，具有典型性。 所以中西方传统绘画让人感觉是两个不同的体系，给人的感觉不同。 关键词：绘画的两大体系赏析；中国画；壁画；水彩、水粉画；版画；素描；新画种。 绘画的两大体系：欧洲油画和中国水墨画。 油画艺术可以说是世界绘画艺术中最有影响的画种。油画是以油为调和剂调和颜料在经过制作的不吸油的平面上描绘而成的绘画。其特点是颜料色彩丰富鲜艳，能够充分表现物体的质感、量感，能够传达物象所处空间的光线、色调和气氛，使描绘对象显得逼真可信，具有很强的艺术表现力。 中国画是中国传统绘画的统称。从广义上说，中国画包括中国传统绘画的各种 类别，但我们所说的中国画通常是指以水为调和 剂，以墨为主要颜料的一类，又称“水墨画”、“彩 墨画”。中国画表现出变化无穷的线条情趣，以墨 代色则表现了中国画独具特色的丰富的艺术表现 力。
中西方传统绘画艺术的差异比较 由于中西方在地理、历史、政治、经济、宗教、文化等各方面存在显著差异，在不同文化背景下发展起来的中西方传统绘画必然具有各自不同的美学思想和审美情趣，在创作方式和表现形式上有着根本的差异。 笔者认为可以从以下五个方面对中西方传统绘画的差异进行比较分析。 一、基于哲学与基于科学 中西绘画成长于不同的文化土壤中，中西方画家的宇宙观、世界观和审美观不同，必然形成各具特色的表现形式。如潘天寿先生所说：“东方绘画之基础，在哲理；西方绘画 之基础，在科学”。 中国绘画中的许多概念，如道、气、心、物、神、韵、意、虚、实等等，原属哲学范畴。中国传统绘画，尤其是文人画，是一种哲学化的艺术。儒、道、禅思想可以说是中国传统绘画的精神支柱。儒家思想在绘画上表现为：追求和谐美，主张不偏不倚，中和为美，强调含蓄。 老庄哲学崇尚“无为而为”，主张“天人合一”，道家思想促使文人画家们超然世外，隐 逸山林，在自然中追求天然之美，追求雅淡空灵的境界。禅宗认为一切事物皆因人的主观意识而存在，人只要静心自悟，无须修行，就可以觉悟。在中国文人画家看来，只有以虚静明澈的心灵去观照、感悟自然之美，才能达到“心物统一”、“天人合一”的最佳境界。 仅从中国画家对水墨的偏爱及画面留白的处理便可看出中国人追求的绘画趣味，和“见素抱朴”、“知白守黑”、“虚实相生”等哲学思想。 西方关于自然的传统观念与中国不同，认为人高于自然、强于自然，人是自然的统治者，可以随心所欲地改造自然、控制自然。这种意识反映在艺术中，就形成西方绘画中对自然形态的严格把握，一旦认识到某种规律是对自然的科学反映，就严格遵循它。 加之西方绘画的渊源是埃及、希腊的雕塑与建筑艺术，西方的传统画风，是在二维空间中描绘出圆雕式的立体对象，这种画特别注重透视法、解剖学和光影凹凸的晕染，画面具有立体感、真实性。 在追求真实的道路上，西方绘画一直以科学理性精神为支撑。自文艺复兴以来，西方画家将一切科学知识，包括透视学、解剖学、光学等用于艺术创作，力图达到立体空间的真实再现。 二、写意表现与写实再现
结合中西方绘画作品，比较中西方绘画艺术之间的区别与联系 中西方不同的思维方式决定了中西艺术内在本质的差异。中国绘画注重表现与写意，即强调感性；而西方绘画注重再现与写实，即强调理性。这就决定了中西方绘画的表现手法不同。中国画不固定在一个立脚点作画，也不受固定视域的局限，而是根据画者的感受和需要，使立脚点移动作画，把见的到的和见不到的景物统统摄入自己的画面，即运用了散点透视法。如范宽的《溪山行旅图》和黄公望的《富春山居图》等，它们虽不能准确地再现现实景象，但却气韵生动，能带给人一种意境之美。西方画家则是理智地进行构图，采用科学的透视学和色彩学来表现近大远小焦点透视和色彩的空间变化，形象的立体感很强，逼真肖似，具有典型性。如文艺复兴时期的拉斐尔的《雅典学院》和西班牙的著名画家委拉斯凯兹的《教皇英诺森十世像》等。所以中西方传统绘画让人感觉是两个不同的体系，给人的感觉不同。中国的山水画充分表现了自然之美，表现的是人格化的自然，能让人融入山水之中，怡情自然。如展子虔的《游春图》是一幅描绘自然景色为主的青绿山水画卷，表现人们春天出游的情景。画家在不大的绢幅上以妥善的经营、细劲的笔法和绚丽的色彩，画出了青山叠翠，花木葱茏，波光粼粼的春光佳境，图中山青水秀，水天弥漫，在波光潋滟的湖面上，一艘华丽的高篷游艇随波荡漾。船中三位女子纵目四望，陶醉于明丽的湖光山色，流连忘返。湖边数人或骑马或漫步于山间小道，或袖手仁立岸边，兴致盎然。画家通过对各种自然景色和人物活动的生动描绘，成功地体现了《游春》这一主题。中国花鸟画既形似 又神似，不仅表现了花鸟之美，而且花鸟都被赋予了画家的思想感情，形象生动。《鸡雏待饲图》描绘的是两只卧立各一、茸茸可爱的雏鸡，通过它们张开的小嘴以及向同一方向张望企盼的情态，我们似乎可以听到它们对画外母鸡迫不及待地“叽叽”呼唤，这呼唤可能是它们表达见到母鸡的喜悦之情，也可能是诉说它们饥饿难耐之苦。画中两只雏鸡虽然向同一方向张望，但它们的动态却完全不同，一只是欲立前瞻，一只为侧身回顾，给人以静中寓动之感。这幅画没有任何配景，显得非常单纯，但却笔墨无多意更浓。中国的人物画虽不能明确表现出人的相貌，但人物的动作神情却非常真实。《洛神赋图》是以曹植的文学作品《洛神赋》为脚本加以
浅谈中西绘画差异 中西画种存在差异是显而易见的，它们有相似之处，也都存在各自的特点，了解其不同的特点对中西绘画的交流有很大的好处，本文尝试从绘画方法方面来对比中西方绘画的差异，并从绘画理念、审美和绘画用具的角度说明产生这种差异的原因。 标签：中西绘画差异绘画观念绘画方法 中国画简称国画，西方绘画简称西画，虽然最开始，中西绘画都是通过线条描述，为了表达某些情感或描述一些事而兴起的，但出于人文、历史等原因，中西绘画艺术走出了两条不同的路，也各有亮点。 一、绘画方法的差异 中国喜用线条作画。用线条描摹物体是最直观形象，简洁明了的，所以用线条绘画已经成了中国画家绘画最基本的手段。我国的画家们从古至今一直在用线作画上努力。在上古时期，人们在山洞壁上用线条勾勒人物，描绘一天所发生的事，在陶器上画出一条条花纹做装饰；殷商时代人们在铜器上镂刻出龙，凤，饕餮；唐宋时代，文人绘画也多是用线条。经过了历代的改良，用线作画才从初始的简单勾勒到如今的传神。不仅如此，中国线条绘画还需要注意气势，力度，节奏，任何一点不同都会使一幅画流露出不一样的感情色彩，出于这些原因，线条在中国绘画中起了中流砥柱的作用。 同中国一样，西方也很注重线条，从西班牙的拉斯科岩画，到画在艺术品上的神话故事，再到近代的野兽派，抽象画派，无一不是利用线条描绘的。从这里就可以看出，线条无论是在中国还是在西方都有着崇高的地位。可是西方艺术崇尚模仿，以逼真为最高理念，他们把模仿自然当成艺术的一部分表现形式，所以他们不满足于单纯用线条绘画。西方人没有深入研究线条的表现形式，将他们发扬光大，而是将热情投入到颜色上，研究一种使画作更为逼真的填色手法上去了。 在设色上，中西方也有很大差异。在中国的传统画种水墨画里，黑色占据了主体部分，画出黑色的墨的浓淡也并不为表达出物体的阴影，只起到了表现出山的高远，水的深浅，或者分清主次的作用。所以纸白和墨黑是色彩的全部体现。南朝梁代谢赫在《画品》中提出了“随类赋彩”的设色方法，成为了后世评画的标准，是中国画用色的基本原则，对之后的几代画作都产生了深厚的影响。在书中，他并未解释词的意思，但现在一般理解为把画中物象分为几类，如手脚分为一类，花草分为一类。有时也可以按主观意愿，改动客观事物的色彩。 西方绘画时以实物为准则，所以它的色彩也要求必须与实物相符合，但这限制了作画者的想象力，使画作在其真实的同时少了几分乐趣。随着时间推移，人们渐渐不满足于此，开始希望在自己的画作里添加一些个人的感情，于是基于实物的基础上，作画者添加了一些主观因素，使画作模糊与真实相结合，后来的印
以下是对此次研究中对中西方美术比较的总结 1.中国画讲究"气韵生动",西方绘画主要讲究形的要求. 2.作画方法,中国画讲究"默写"即获取素材之后回房作画,西方讲究写生. 3.观察方法,中国画讲究在游玩中无意中获取素材,而西方讲究刻意的取景. 4.构图,中国画讲究留白,而西方绘画出现留白则视为画面不完整. 5.透视,中国画为散点透视,西方绘画为焦点透视. 6.诗书画印的利用,中国画里诗书画印为一体,是画面的重要组成部分,而西方绘画没有此论. 7.西方美术以注重实际，光影效果要求严格为主，形似神不似创意抽象留出想想空间为辅； 中国美术以中国画为代表，注重意境，注重人的情感，神似形不似。以画家的意志为转移。 中西方美术的最主要差异就在于透视，这是最根本的，中国绘画在创作上重视构思，讲求意在笔先和形象思维，注重艺术形象的主客观统一。造型上不拘于表面的肖似，而讲求“妙在似与不似之间”和“不似之似”，在透视上将焦点（一点）透视与散点（多点）透视结合；而西方绘画着重于焦点透视，比较客观科学地体现了物体的外观，真实客观是其特点。
绘画风格对于整个社会的影响都是巨大的，同时整个社会所形成的文化底蕴也同时反哺给了绘画。举例来说，从建筑上来说，人文，天气和建筑材料以及建筑工艺都对其有很大的影响，同样是巴洛克风格，每个地方都有些细微的变化。西方人文在文艺复兴时期，思想波澜起伏，海纳百川形成了众多的艺术风格，功不在风格多少，而在于这一风气带动了人们的思想，不段的创新；反观中国古代，由于封建社会统治阶级的思想统治，迫使人们在一定框架中，不对君王，只对青山绿水，千年时间造就了中国画的辉煌，但也限制了中国绘画新时代的发展。当然在明清两代发展起来的工笔绘画，在一定意义上也偏重了西方绘画的焦点透视（工笔建筑要稍少一些）。 绘画工具的不同也造就了中西方绘画的差异。毛笔，纸张，绘画颜料可谓独树一帜，更体现了中国古代人民的智慧，当然整个当时西方社会的工艺水平也是很高的。 总的来说，中国绘画讲究的是意境，画面的构图可以北地之山，南河之水，成竹在胸，山林水楼，人物花鸟，增减不在话下，而西方绘画造型严谨，焦点透视决定了其在构图上有所限制，但也更体现了西方绘画方寸之间的精工细 做，用现今意义上来说就是中国画在于细细品味，西方画细部则更加耐看。
从文化差异浅谈中西方绘画艺术的不同 中西方美术由遥远的原古时期发展到现在的文明时代，由古延伸至今其形成演变到逐渐完善，可谓此涨彼伏、异彩纷呈。无论是中国美术抑或是西方美术，它们都是人类的精神创造。只是由于东西方文化传统、哲学观念的差异，我们会发现两者在艺术创作和表现形式中的共鸣与差异，同时促进双方之间的了解与融合。 一、中西方审美意识的比较 中国绘画与西方绘画由于文化环境、审美倾向的异同，侧重点是有所不同的。中国美术在表现与再现、抒怀与求真关系中，强调主观情感的抒发，使人在融入自然的同时感受到心灵的愉悦，从而达到“天人合一”的和谐。西方艺术相对强调客观地再现，以求真求实的理性精神，偏重于强调对象客体的方向。中国绘画是由笔墨营造气氛，重视传神与意境，追求神情意趣的氛围。它一方面要求形与神的结合、情与景的互映，另一方面还要求创作者以中国哲学所独具的智慧和心灵、以笔墨艺术独有的语言形式表现出一种“境生象外”的审美境界。然而西方人眼中的人与物皆是宇宙的本体，人与物的关系是并列关系，人只能站在与自然一定距离之外，借助眼睛等主观能动因素去理解把握自然之美。因此，西方绘画尤其是西方古典艺术，则是真实自然的再现和模拟，是对自然的真实表现。这种主观把握情感、再现自然的把握性与中国古代哲学那种人与自然统一、人是自然的组成部分的世界观是有很大差异的。 然而无论中西方在文化背景与思维方式上存在着多少差异，但人类对于“美”的追求和对“和谐”的探究永远是一致的。东方的“天人合一”思想体现出中国人对自然的眷恋，实现了主观意志与客观规范的统一，是中华民族文化的精髓；西方以“摹仿说”为代表的古典主义强调客观再现的真实性，实现了个别性与典型性的统一，其理性主义精神点燃了人类生命的光芒，体现出对人类命运的终极关怀。二者从不同的方向和角度完善了古典艺术美学的和谐理想，使人类的心灵得到了慰藉，这是东西方艺术重要的契合点，也是中西方哲学观在艺术领域的反映。 二、中西方绘画题材与表现方式 中国的文人画家尤为重视书法与绘画之间非同寻常的关系，他们把握了书法艺术的精髓，说到底中国的艺术其实就是线的艺术，是对线的不断追求变化的艺术。历朝历代的画家都自觉遵循着前人积淀下来的经验，尊重传统，因此致使在
《中西方绘画文化艺术作品比较赏析》 ----泼墨仙人与站在窗口读信的女人 计算机科学与技术吴涛指导老师李雅娟 【内容摘要】中西方绘画在色彩运用和对色彩的感受上显然有所不同。中国传统的绘画是以墨调色，与西方绘画以油色烘染出的立体感、明暗透视等有巨大差异，在厚与薄、深与浅、淡与浓等多组矛盾中求得视觉性效果。中国古代画论中认为，墨具有五色：焦浓、重、淡、清等；墨色之中又分为六彩：黑、白、干、湿、浓、淡。中国传统绘画黑白不分，是无阴阳明暗；干湿不备，是无苍翠秀润；浓淡不辨，是无凹凸远近。中国的绘画艺术以直觉的方式来感觉色彩的万千变化，而西方绘画艺术，整体上则是倾向于光学意义上的，更加富于几何精神和理性的思考 梁楷的《泼墨仙人》和维米尔的《站在窗口读信的女人》是东西方绘画中最杰出的肖像性作品之一。梁楷与维米尔的画风在当今的中国画家中影响也愈来愈大。维米尔的《站在窗口读信的女人》中人物微妙的神情，是通过精确的写实手法获得的；而《泼墨仙人》中仙人的神采，则是通过夸张、变形和狂放的笔墨来表现的。二者鲜明地体现了中西绘画不同的风格。 【关键词】中西；绘画；艺术；泼墨仙人；站在窗口读信的女人；梁楷；维米尔 【正文】 （1）梁楷——《泼墨仙人》 梁楷是南宋画坛上独树一帜的大画家，擅长画人物、鬼神和道教佛教中的神佛，同时亦画山水、花鸟，水平也很高，晚年曾被任命为南宋画院的待诏，并赐佩金带，由于厌恶画院中的种种清规戒律，毅然将金带挂在院中，悄然离职而去。他这种豪放不羁的性格也生动地体现在作品中。《泼墨仙人》是梁楷的代表作，
也是中国古代人物画泼墨人物代表性作品。 《泼墨仙人》中的仙人形象，并不象古代壁画中的神佛，头上画着光环，神情庄重玄妙，不可一世，竭力表现出某种崇高感、神秘感。这个形象似乎来之于生活，正如后人题款上写道：“大似高阳一酒徒”，象喝醉的和尚，长襟宽袖上洒满了酒渍，醉意朦胧，漫步街头，自得其乐，有着人间的真实和亲切感。然而，他又绝对不是人间可以寻找到的形象，前额和秃头是那样出奇地高耸宽大；眉眼口鼻又是那样出奇地挤在 一堆，似醒未醒，似笑非 笑，一脸怪相，似乎有着 无限的智慧，看透了宇宙 的一切，他袒露胸腹，无 拘无束，精神在自由自在 的天地中飞翔。这种极度 夸张了的形象，是人，也 是神，或者说是人化的神。 《泼墨仙人》是典型 的大写意。中国画的人物 画，由于形象要求严格， 在表现上远不如花鸟、山 水自由，因而在笔墨上也 难以允许有更多的随意性 和偶然效果，如用泼墨， 便很容易失去形似，浸渍 为一片墨污。所以古代画 家很少用泼墨画人物。但 梁楷为了充分表现画中仙 人的自由狂放和自己豪放
中西方美术的主要差异 摘要：美学和哲学有密切关系，中国美学深受儒道思想的影响，可以说儒道思想是中国艺术所依存的美学基础。西方受基督教的影响，认为神圣的价值在人和世界之外存在，需要去看，去听。根据基督教义的理解，艺术家对外在美的准确、完美的体现，是想完成对上帝的靠拢，是对上帝的一种贡献。这些美学思想体现在西方不同文化领域，具有不同的美学价值。中西方美学是屹立在世界艺术史上的两坐不同的高峰，他们之间没有根本上的谁高谁低之分，只是由于观念上的不同造成美学的差异，正是这些差异才让我们感受到了不同风格美术带给我们的震撼和美的感受。通过中西方美术在绘画、建筑、园林三个方面的差异，我们可以从中领略到中西方美术各自的魅力。 关键词：美术差异绘画建筑园林 正文 中西方美术在我认为区别在于中西方的哲学观念不同,艺术的发展是要有哲学做指导的,西方人考虑问题理性的因素比较多,而中国的艺术人在考虑问题中以人的思想指导比较多.你可以看到,西方的美术作品追求的东西,以最为出名的,大家最熟知的文艺复兴时期为例,印象派的画家们是强调光的表现,是画家对光这种因素的主观和客观的科学分析.莫奈到了晚期甚至逐渐抛开对形的把握而疯狂的追求光的表现,比如他创作的以自家花园为题材的<莲花>系列.而反观中国的绘画,在国画中我们是看到的这种对客观事物的分析和解剖是不多的.中国画强调意境,而意境则已经是纯粹的画家意识中的东西了.直到国画大师黄宾弘开始,才逐渐的可以看到他在自己的绘画中开始借鉴西方的一些思想,进行一些方面的结合.但并不是中国的艺术落后于西方的观念,而在于根本的哲学理念不同.不同哲学指导所产生的艺术是不一样的。 中西方美学是屹立在世界艺术史上的两坐不同的高峰，他们之间没有根本上的谁高谁低之分，只是由于观念上的不同造成美学的差异，但这也更好的给了我们多样的选择。我再次选取了三个方面。从绘画、建筑、园林三个方面谈谈中西方美术的差异。 绘画方面的差异 中西方美术的最主要差异就在于透视，这是最根本的，中国绘画在创作上重视构思，讲求意在笔先和形象思维，注重艺术形象的主客观统一。造型上不拘于表面的肖似，而讲求在 似与不似之间”和“不似之似”，在透视上将焦点（一点）透视与散点（多点）透视结合；而西方绘画着重于焦点透视，比较客观科学地体现了物体的外观，真实客观是其特点。 绘画风格对于整个社会的影响都是巨大的，同时整个社会所形成的文化底蕴也同时反哺给了绘画。举例来说，从建筑上来说，人文，天气和建筑材料以及建筑工艺都对其有很大的影响，同样是巴洛克风格，每个地方都有些细微的变化。 西方人文在文艺复兴时期，思想波澜起伏，海纳百川形成了众多的艺术风格，功不在风格多少，而在于这一风气带动了人们的思想，不段的创新；反观中国古代，由于封建社会统治阶级的思想统治，迫使人们在一定框架中，不对君王，只对青山绿水，千年时间造就了中国画的辉煌，但也限制了中国绘画新时代的发展。当
中西方绘画艺术作品比较赏析 ——洛神赋图与最后的晚餐 汽服xxx xxx 指导老师xxx 【内容摘要】中西方艺术文化都有着悠久的历史，在不断演变的同时，既继承先辈留下来的风格，也加入每个时代赋予的新元素。中西方绘画艺术在观念和表现上有着差异和趋同性，通过中西方绘画作品内容、形式的对比，以及中西方艺术观念差别的简单描述，最终认识到中西方在差异和区别之上的共同目标。 中西方绘画注重表现与写意，即强调感性；而西方绘画注重再现与写实，即强调理性。这就决定了中西方绘画的表现手法不同。中国画不固定在一个立脚点作画，也不受固定视野的局限，而是根据画者的感受和需要，使立脚点移动作画，把见的到的和见不到的景物统统摄入自己的画面，即运用了散点透视法。西方画家则是理智地进行构图，采用科学的透视学和色彩学来表示近大远小焦点透视和色彩的空间变化，形象的立体感很强，逼真肖似，具有典型性。 美术史上的大量事实，展示了中西方艺术作品中形式与内容的复杂关系。美术史上的大量事实展示了中西方艺术作品中形式与内容的复杂。所以中西方传统绘画让人感觉是两个不同的体系，给人的感觉不同。 【关键词】中西；绘画；艺术；洛神赋图；最后的晚餐；达芬奇；顾恺之 【正文】 一、洛神赋图 中国画是中国传统绘画的统称。从广义上说，中国画包括中国传统绘画的各种类别，但我们所说的中国画通常是指以水为调和剂，以墨为主要颜料的一类，又称“水墨画”、“彩墨画”。中国画表现出变化无穷的线条情趣，以墨代色则表现了中国画独具特色的丰富的艺术表现力。顾恺之的《洛神赋图》虽然是人物画，但以大量的山水为故事展开的背景。由于顾恺之本人就是较早地涉及到山水画创作和理论的大家之一，故我们有足够的理由相信《洛神赋》图中山水部分的画法是具有那一时代代表性的艺术样式。图中树木、山石造型稚拙，比例关系较为混乱，确如张彦远为我们在《历代名画记》中所描述的那样：“魏晋已降，名迹在人者，皆见之矣，其画山水，则群峰之势，若钿饰犀栉，或水石容泛，或人大于山，率皆附以树石。映带其地。列植之状，则伸臂布指。”从而为我们在理论与实物考据上都提供了早期山水画面貌的特征。从线色本身来看，《洛神赋》图中线条细劲有力，如张彦远所言：“顾恺之之迹，紧劲连绵，循环超乎，调格逸易，风趋电疾，意存笔先，画尽意在，所以全神气。”线条的表现力内在含蓄，以表现意态为先。线条内部勾勒产生的块面以青绿填色，色彩变化较少，只在坡脚岸边施以泥金。山石树木，结构单调，状物扁平，但富于装饰性。此图取材于曹植的《洛神赋》一文。主要讲述了主人公从帝京回东藩的途中，经过洛水，遇到洛水女神宓妃的故事。原文中主人公虽然对宓妃充满爱恋，而最终却不得不离去的故事情节，表现了作者在现实中的伤感与无奈。顾恺之在这幅画里却将结局做了修改，以主人公与宓妃有情人终成眷属而告终。故事以连环画的形式在同一画幅的不同场景中展开，将一个传说中的爱情故事表现得浪漫感人。这种手法后
中国美术作品鉴赏 1.简述张择端《清明上河图》三段的内容 （1）开首一段是京郊的农村风光； （2）中段是以“虹桥”为中心的汴河及其两岸船车运输、交通、手工业和商业、贸易等紧张忙碌的活动 （3）后段是城门内外街道纵横交错，店铺林立。车水马龙的繁华景象。 2张择端《清明上河图》 （1）、宋初市民阶层的形成，出现了以市俗生活为中心内容的风俗画。 （2）通过郊野、汴河、街市三个段落，展现了北宋都城汴梁汴河两岸清明时节的街市景象。 （3）构图采用散点透视。布局有序，内容丰富，主题突出。采用线描淡彩画法，并紧密结合对象的质感特征。 （4）体现了中国古代风俗画的最高成就，对研究宋代的城市生活以及民俗、服饰、建筑、工商、交通等具有重要的文献价值。
3分析王蒙的《青卞隐居图》： （1）元朝的“世事多变”造成文人画家逃避现实、隐遁山林。 （2）描绘了浙江吴兴县西北18里许的卞山景象。 （3）立轴采用高远法构图，画出卞山自山麓至顶全貌，结构谨严，纵横离奇。画草庐数间，点出了文人隐逸的主题。画法先以淡墨勾石骨，再用焦墨皴擦，淡墨微染，层层加深，层次井然。画面密而不塞，实中有虚，有深远的空间感。 （4）运用前代画家之法，创造出线繁点密，苍茫深厚的新风格。被明代画家董其昌称为“天下第一。” 4黄公望《富春山居图》 （1）元代统治者荣枯无常使许多汉族文人只得纵情诗酒。 （2）描绘了富春江一代的秋初景色。 （3）吸收董巨披麻皴而更加简括，显示出较深的笔墨功力。 （4）堪称古代山水画中的巨作。对后代画家具有深刻的启发和影响。
5阎立本《步辇图》 （1）唐代中央政权与边远民族的友好交往促进了政治的稳定和经济的繁荣。 （2）作品描绘的是贞观十五年唐太宗下嫁文成公主与吐蕃王松赞干布联姻事件。 （3）构图均衡，人物主次分明，形象生动，线条匀细挺拔，富有弹性。设色浓重并适度晕染，效果单纯而明朗。 （4）作品具有历史价值，现存关西藏最早的一幅历史画。阎立本是开一代画风的划时代人物。 6.顾闳中的《韩熙载夜宴图》 （1）、五代南唐政权的摇摇欲坠造成许多人对前途悲观失望，故而疏狂自放以蒙蔽朝廷耳目。（2）通过听琴、观舞、休憩、赏乐、调笑五个场面，描绘了政治上失意的官僚韩熙载尽情声色、颓 唐放纵的夜宴生活。 （3）构思严谨，人物性格刻划生动而有深度。衣纹组织严谨而又简练。设色以浓重色调为主，配以淡彩，间隔以大块的黑白，起着统一画面的作用。 （4）除绘画史上的重要价值外，也是研究音乐史、舞蹈史、工艺史的宝贵资料。
中西方绘画艺术比较 相对西洋画来说，中国画有着自己明显的特征。传统的中国画不讲焦点透视，不强调自然界对于物体的光色变化，不拘泥于物体外表的肖似，而多强调抒发作者的主观情趣。中国画讲求“以形写神”，追求一种“妙在似与不似之间”的感觉：而西洋画呢？则讲求“以形写形”，当然，创作的过程中，也注重“神”的表现。但它非常讲究画面的整体、概括。有人说，西洋画是“再现”的艺术，中国画是“表现”的艺术，这是中国画与西洋画相比有着自己独特的特征，还表现在其艺术手法、艺术分科、构图、用笔、用墨、敷色等多个方面。按照艺术的手法来分，中国画可分为工笔、写意和兼工带写三种形式。工笔就是用画笔工整细致，敷色层层渲染，细节明彻入微，用极其细腻的笔触描绘物象，故称“工笔”。而写意呢？相对“工笔”而言，用豪放简练的笔墨描绘物象的形神，抒发作者的感情。它要有高度的概括能力，要有以少胜多的含蓄意境，落笔要准确，运笔要熟练，要能得心应手，意到笔到。兼工带写的形式则是把工笔和写意这两种方法进行综合的运用。? 从艺术的分科来看，中国画可分为人物、山水、花鸟三大画科，它主要是以描绘对象的不同来划分的。而中国画中的畜兽、鞍马、昆虫、蔬果等画可分别归入此三类。? 中国画在构图、用笔、用墨、敷色等方面，也都有自己的特点。中国画的构图一般不遵循西洋画的黄金律，而是或作长卷，或作立轴，长宽比例是“失调”的。但它能够很好表现特殊的意境和画者的主观情趣。同时，在透视的方法上，中国画与西洋画也是不一样的。透视是绘画的术语，就是在作画的时候，把一切物体正确地在平面上表现出来，使之有远近高低的空间感和立体感，这种方法就叫透视。因透视的现象是近大远小，所以也常常称作“远近法”。西洋画一般是用焦点透视，这就像照相一样，固定在一个立脚点，受到空间的局限，摄入镜头的就如实照下来，否则就照不下来。中国画就不一定固定在一个立脚点作画，也不受固定视域的局限，它可以根据画者的感受和需要，使立脚点移动作画，把见得到的和见不到的景物统统摄入自己的画面。这种透视的方法，叫做散点透视或多点透视。如我们所熟知的北宋名画、张择端的《清明上河图》，用的就是散点透视法。《清明上河图》反映的是北宋都城汴梁内外丰富复杂、气象万千的景象。它以汴河为中心，从远处的郊野画到热闹的“虹桥”；观者既能看到城内，又可看到郊野；既看得到桥上的行人，又看得到桥下的船；既看得到近处的楼台树木，又看得到远处纵深的街道与河港。而且无论站在哪一段看，景物的比例都是相近的，如果按照西洋画焦点透机的方法去画，许多地方是根本无法画出来的。这是中国的古代画家们根据内容和艺术表现的需要而创造出来的独特的透视方法。? 在用笔和用墨方面，是中国画造型的重要部分。用笔讲求粗细、疾徐、顿挫、转折、方圆等变化，以表现物体的质感。一般来说，起笔和止笔都要用力，力腕宜挺，中间气不可断，住笔不可轻挑。用笔时力轻则浮，力重则饨，疾运则滑，徐运则滞，偏用则薄，正用则板。要做到曲行如弓，直行如尺，这都是用笔之意。古人总结有勾线十八描，可以说是中国画用笔的经验总结。而对于用墨，则讲求皴、擦、点、染交互为用，干、湿、浓、淡合理调配，以塑造型体，烘染气氛。一般说来，中国画的用墨之妙，在于浓淡相生，全浓全淡都没有精神，必须有浓有淡，浓处须精彩而不滞，淡处须灵秀而不晦。用墨亦如用