从《美丽与悲哀》看川端康成的日本传统美意识
摘要：川端康成是诺贝尔文学奖得主，是世界文坛大师，也是典型的日式作家，其作品一直以日本传统的物哀美意识为主基调。本论文将通过解读《美丽与悲哀》中所展现的唯美意识来探究川端康成作品的魅力所在。
关键词：川端康成；《美丽与悲哀》；美意识；悲哀；虚无
中图分类号：I106 文献标识码：A 文章编号：1673-2596（2018）04-0104-03
曾获得诺贝尔文学奖的日本作家川端康成的作品向来
以唯美著称，他总是以简洁、淡雅而又极其细腻的文字描述着一个个纯美或凄凉的故事。川端展现出来的美大多立足于日本传统美意识，以物哀为主，兼具风雅和幽玄。物哀是日本人的一种独特的审美方式，它以悲哀为主，但是又包含着比悲哀更加广泛的元素，有同情、哀伤、悲叹、赞颂、怜惜等诸多情感。川端康成的创作中大多是将这种情感寄托于他笔下所描绘的女性们，通过她们将自己的美意识展现于读者面前。《美丽与悲哀》也是一部具有典型日本物哀美的作品，这种美主要体现在悲哀美和虚无美两个方面。
一、“美丽与悲哀”的故事
《美丽与悲哀》发表于昭和36年（1961年），是川端康成先生后期的代表作之一。全篇情节简单、线索清晰，主要描述了由多年前的一段不伦之恋而引发的故事。故事从小说家大木年雄年末时前往京都听跨年钟声而展开，其实他此行还有着另外一个不可告人的目的，就是为见一下阔别多年的旧情人上野音子。当年的少女音子与已有家室大木发生了不伦之恋，但他们的孩子出生未久便已夭亡，音子深受打击而神经错乱，在多次自杀未遂后，最终只得同相依为命的母亲一起搬去了京都。分别后的大木却把这段经历写成小说《十六七岁的少女》，并获得成功。时过境迁，20多年后，中年的上野音子在绘画方面已小有名气，并收了一名来自东京的美丽女弟子――坂见庆子。庆子外表妖艳，性格奔放，来京都前就对音子有所景仰，几年来两人一直形影不离地幽居寺庙作画，也逐渐产生了一种微妙的感情。在得知音子年少时期的悲惨经历后，她决定用自己的方式报复大木一家。于是庆子以自己的美貌先后勾引了大木年雄和他的儿子太一郎，可是在与太一郎同游琵琶湖时却发生了溺水事故，最终太一郎葬身湖水中，庆子伤心至极。
二、悲哀美
上野音子在故事中应该是真正的主角，作者笔下的她温柔、美丽、文雅、端庄，无论是少女时期还是中年时期的音子，都是女性美的化身。当时还只有十六七岁的她，天真烂
漫、感情真挚，不顾一切地爱着已有妻室的大木，这种“狂热的爱”一直持续了20多年。她在失去孩子后曾几度自杀，精神几近崩溃，又惨遭大木抛弃，仍能坚守这份爱情，在川端看来，这样的爱是至美的，也是至悲的。作者在描写音子和她的画时也多次用到了悲哀一词，音子画亡母的肖像画时，在画中她的脸和母亲的脸是重叠的，“看到这幅画，音子眼里含有别人也许看不出的悲哀”[1]，或许画这幅画时的音子是边画边思念着自己的母亲，同时还想着自己以前的一切，怀念着自己的悲恋，她把心全都“融汇在笔端”了。音子准备创作的另一幅画是《婴儿升天》，作者认为也许音子想画的不仅是早夭的婴儿，更是自己对大木爱情的本身，是一种远离现实的梦幻，也是一种纪念。这种情感隐藏在她的心灵深处，让人感觉到一种悲哀至极的美。描写茶园写生的那段也是如此，与大木之间的爱情已破灭，和母亲一起离开东京躲避到京都，数次往返于两地，留在音子心中的就是从列车车窗见到的茶园。后来再次见到，音子又回想起那时的悲哀，因为茶园里那大片大片的绿色，“蕴含着音子对以往的爱情的悲哀”[1]。
而女弟子坂见庆子是与她完全对立的另一种类型。她活泼开朗，感情炽烈，这种性格当然也体现在绘画风格中。作为师傅的音子在评价她的画作时认为：“她常常自成一派地创作出抽象艺术的画来。画中蕴含着可怕的激情，带着无羁
的疯狂。”[1]音子内敛而隐忍，庆子却是叛逆的、带有攻击性的。但她对音子的爱恋也是热情奔放不顾一切的，所以对大木既愤恨又嫉妒，想要报复他。在川端康成的眼里，女性都是美的化身，他也非常善于把握女性恋爱时微妙的情感变化[2]。他笔下描述的庆子对音子的同性之爱绝对是真实而唯美的，庆子得知大木和音子的故事后非要对大木父子“痛下杀手”，她的这种偏激与刻薄恰恰源自于对音子强烈的爱，她妒恨给音子带来了巨大伤害却还能一直留在音子心中的那个男人，她所做的一切都是为了音子和为了自己的爱情，这样的情感也是充满了悲哀之美的。报复之后她流下了悔恨的泪水，当嫉妒愤恨随着大木太一郎的死亡而消退的时候，留下只有难以言说的哀伤。
相较音子和庆子，作者对身为大木妻子和太一郎母亲的文子着墨较少，但从字里行间仍能看出一个传统妇女的形象。文子婚前是一家通讯社的打字员，大木常把稿件交给她打印出来。当时的她才20出头，已经生下一个男孩，便是太一郎。她?φ煞蚝鸵糇又?间的爱是有所察觉的，于是深夜背着孩子在铁路线上彷徨，并且心中也有作为女人的苦恼和嫉妒。大木以音子为模特儿，把两人的恋爱故事写进了《十六七岁的少女》，竟然还由文子把原稿打出来，这对她来说是相当残酷和痛苦的。对于丈夫的不忠，她却选择隐忍，忍住悲哀，把自己当成“打字机器”，坚持打完小说。除了无
尽的眼泪和日渐消瘦的面容，她还失去了腹中的第二个孩子。与其说打字本身辛苦，倒不如说其中的内容对她的打击太过沉重，留下了难以愈合的创伤。正是这部小说使大木功成名就，多年的稿费资助了全家的各种用度，而且每次增版印刷，出版社都会寄来检验盖章用纸，文子还要忍着心痛盖下成千上万个章。20多年后，庆子的出现使她心里不安，女人的直觉让她怀疑庆子曾勾引过自己的丈夫，又在勾引自己的儿子，当她知道太一郎去和庆子会面并听说两人已经订婚的时候，立即赶去了京都，但是却为时已晚。
川端康成，这个获得过诺贝尔文学奖后自杀的作家确实有着细腻到令人震惊的笔触，尤其是在描写女性方面。作品中描写了三位美丽悲情的女性――音子、庆子和文子，围绕她们与大木年雄错综复杂的感情纠葛，从一种哀怨悲伤的气氛中开始，在悲哀中发展，在悲哀中结束。三、虚无美
小说中川端康成尽全力描述了上野音子那种持久的、绝美的爱，令人动容。音子自16岁起就开始爱上大木，但两人的不伦之恋是不可能结出善果的，后来事实也确实如此。这段恋情使她遭遇了重重痛苦，身心俱伤后曾几近精神崩溃，欲寻短见。但在如此需要支撑和安慰的时刻，大木还是离去了，她变得一无所有，只剩下满心悲伤。音子对大木的爱虽深切、执着，甚至在以后的多年时光里还一直惦记着他，
但那只是一厢情愿、徒劳无望的。她想生下和大木的孩子，以另一种方式留住两人的感情，可是孩子尚未谋面便已夭折，并使她失去了做母亲的权利。她和庆子之间发生了同性之恋，貌似感情上有了依靠。庆子甚至为了为她复仇而去引诱大木父子，但是，随着太一郎的死亡，两人之间也不可能回到从前了，这种爱不久也逐渐淡化并消失殆尽。跟大木分别后的音子多年来一直潜心作画并小有成就，在外人看来是值得羡慕的，但她自己却时时感觉“大大的牡丹花”也“像幻怪一般，从深处闪出孤独的光”[1]。这么美丽、坚忍、执着的女子，缠绕着她的却是一生都摆脱不掉的悲哀。音子在泥沼中努力生存，努力作画，努力坚守着自己心底的爱情，可所有的一切都是徒劳，只剩下悲哀而孤独的自己。
坂见庆子这个被川端康成着力描写的另一女子，给读者留下的印象是聪明任性、放纵不羁，充满一种摄人心魄的野性之美。她有着强烈的反抗意识，渴望超尘脱凡而摆脱爱与生的悲哀[3]。这个小恶魔般的存在，却是20年后故事发展的主要推手，她对音子的超出常伦的爱让人难以理解，她的那种畸形之爱，不知是出于天性还是出于对音子才华的仰慕。得悉音子和大木的故事后，她很嫉妒两人之间曾经的感情，更嫉妒音子的心里现在还留有大木的位置。她说她憎恶男人，说要为音子复仇，并且付诸了行动。一个弱质女流能用的办法也确实有限，她先后用美色勾引了大木年雄和他儿
子太一郎，然而这种方式终究还是伤害到自己。小说中虽然没写明庆子是处心积虑害死太一郎还是让大木伤心来达到
复仇目的，但字里行间传达出来的信息就是庆子故意害死了太一郎。故事结尾尤其令人唏嘘；“庆子睁开眼睛，眼里闪着泪花，仰望着音子。”[1]当得知太一郎生还无望的时候，她原有的爱恋、嫉妒、报复之心应该全都化作一片虚无了，因为在她所谓的报复中，失去了自己最爱的人[4]。
若是抛弃文学色彩，在日常生活中，作为男主人公正妻的文子应该才是最悲哀、最令人同情的人物吧，夺夫之恨、丧子之痛以及丈夫本身的花心都令她深受打击。面对丈夫的多次背叛，虽然一次次选择隐忍，却并未换来他的浪子回头。她把丈夫写的和音子恋情的小说一字一句用打字机敲打出来，劳累过度加之悲伤过度，导致胎儿流产，而且在那之后丈夫竟还陆陆续续又有过几个女人。除夕夜听钟之后，多年的平静生活被打破，老年的大木丝毫不改风流本性，受到庆子的引诱再次出轨；而独子太一郎也迷上了庆子，并且?o辜丧生。可怜的文子又失去了她的孩子。丈夫的忠贞、孩子的平安、安宁的生活，这些对一个家庭主妇来说最为平常不过的要求，却总是对她若即若离，似乎成了永远难以企及的彼岸。
川端康成的作品总是在给人细腻的美的享受的同时，又充斥着一种异常强烈的悲伤无望的情感。可以说美与悲总是
紧密相连的，而美丽的事物到了最后都会悲哀地消失，一切的存在都只是虚无。
在日文中，“美”与“悲哀”是相通的。日本人向来多愁善感，普遍存在着“悲”的情结，“物哀”一直是日本传统美意识的集中体现，也是日本文学美的基调。川端康成命运多舛，一生经历了太多的坎坷，见证过太多的死亡，再加上一直以来深受日本传统文化及佛教无常观的影响，常感到人生虚幻、生死无常，因此很多作品中弥漫着一种深沉的虚无感。正是这种虚无美与悲哀美相结合，才使其作品具有了独特的魅力。
参考文献：
〔1〕（日）川端康成.美丽与悲哀?蒲公英[M].北京：中国社会科学出版社，1996.
〔2〕刘劲予.悲美?丑美?凄美――论川端康成的《美丽与悲哀》[J].中国人民大学学报，1998，（05）：105-109.
〔3〕王珊，李海秀.隐藏在美丽悲哀后的虚无――论佛禅思想对川端康成的影响[J].邵阳师范高等专科学校学报，2001，（06）：58-61.
〔4〕卢焱.隐藏在美丽悲哀后的虚无思想――川端康成《美丽与悲哀》的一种阐释[J].郑州大学学报（哲学社会科学版），1999，（07）：111-115.
（责任编辑王文江）
关于川端康成的文学美在《雪国》中的表现 摘要：川端康成是日本首位获得诺贝尔文学奖的作家，其文学作品数不胜数，著名文学作品也有很多，《雪国》这 一文学作品是川端康成最为出名的作品之一，也是使川端康成获得诺贝尔文学奖的作品之一。《雪国》被称为是“近代 日本抒情小说经典”，其已被30多个国家翻译并出版，也深受各国读者的喜爱。川端康成的出名作品还有大家所熟知的《千鹤》和《古都》。文章是在作者对《雪国》细读的基础上，通过对川端康成对艺术美在文学作品中的展现的领略，体现出了川端康成对文学的美的表现，将爱情、纯真、女性美以及死亡等这些够融合在了这一作品中，分析了《雪国》这一文学作品中主题格调、语言色彩、神话色彩、自然风景等不同的美的体现。 关键词：川端康成；文学美；《雪国》 一、川端康成文学特性分析 川端康成的文学作品具有独特的风格，其获得诺贝尔文学奖时，被评委赞誉为具有敏锐感觉并且能够将叙事技能运用到极其高潮的文学家，他的观察能力是在作家中算顶级的了。川端康成的文学作品能够通过对现实生活的细微观察，将这种景物的细致的其文学作品不仅体现了东方的美，也无
时无刻展现出了西方的美。川端康成在其一生的发展中，在不断的继承日本古典文学风格的基础上，通过对西方现代派作家写作手法的借鉴和运用，使得其文学作品更加独具特色，让人耐人寻味。川端康成无疑是日本文坛中踊跃而出的佼佼者，在日本的文坛中具有独树一帜的地位，他也是日本新感觉派作家的核心人物之一。川端康城的文学作品从方方面面体现出了自己的独特性格，其别具一格的写作特征和其一生的经历有着密不可分的关系，川端康成的一生可以说是在路上，经常旅行是其的生活风格。由于环境和时代的影响，在旅途中的所见所闻使得他的心情经常处于苦闷和忧郁之中，这一特点也导致了他的文学底色大多体现出了无尽的伤感 和悲哀。川端康成的文学作品早期和晚期有着不同的文体素材，早期大多数作品是以写生活在下层的女性的纯洁和她们不幸的生活遭遇为主体的，后来，在其文学作品中也融入了变态心理学的格调，写作手法浑然天成，别具一格。川端康成在自己的文学作品中将自己对美的追求体现的淋漓尽致，他在一生中不断的追求着美，在将自然美、女性美、纯真美以及爱情美等一系列美都展现在读者眼前，让读者流连忘返，沉侵其中。 二、《雪国》内容介绍 《雪国》是川端康成的唯美主义代表作之一，也是作家川端康成的最高代表作之一。在《雪国》这一文学作品中，
川端康成的作品风格 川端康成在文学创作上有很多的写作风格，他有丰富而独特的人生经历以及独具魅力的传统文化影响,他的创造有着自觉而独到的艺术追求，下面是由提供的川端康成的作品风格，让我们一起来了解。 川端康成的作品风格川端康成是日本第一个获得诺贝尔文学奖的作家，他在世时曾为日本文学做出了巨大的贡献，死后被人们誉为“文镜院殿孤山康成大居士”。川端康成之所以有这么高的成就，完全是因为他的作品深受人们的喜爱。那么川端康成作品风格是什么呢? 根据相关资料显示，人们之所以喜欢川端康成的作品，是因为他的作品是以人们喜爱的题材为主的。 川端康成的作品有三个特点。第一点，他用爱情作为小说题材，他所讲述的爱情不是浪漫唯美的，也不是轰天动地的，而是生活中普通的爱情故事，这更加迎合了读者的喜好;第二点，他喜欢用死亡的气息作为故事的基调，和其他作家喜欢在最后用死亡来结局不同，他的作品一开始就用死亡渲染气氛;第三点，他采用虚无与悲观作为故事的题材。 那么川端康成作品风格为什么是这样的呢? 根据川端康成的背景资料可以看出，他之所以用这些题材来创作作品和他的经历有着密切的关系，他从小经历了祖父、父母以及姐姐
的逝世，因此他对死亡和疾病都非常的熟悉，也正因为这些经历导致他的心情非常的郁闷与孤独，从而他的作品无不透露出他内心的痛苦与孤独。 所以说川端康成作品风格非常简单，他将自己的情感注入了小说。这样的小说更容易引起读者的共鸣，也更容易被大众所接受。 川端康成的成名作川端康成是一个日本著名的小说作家，他一生为日本文学留下了一百多部创作型小说，他的小说大多是以爱情、死亡、虚无和悲观作为题材，为后世留下了许多经典作品.川端康成还曾获得了诺贝尔文学奖，不过在川端康成众多小说作品中有那么一部是他的成名作，那么川端康成成名作是什么呢? 根据相关的资料可以看出川端康成成名作是《伊豆的舞女》，这部作品讲述了一名高中生和一名四处漂泊的艺人的不幸生活。高中生并不歧视靠卖艺为生的舞女，虽然舞女处在社会最底层，但是她非常善良，舞女的单纯和善良驱散了高中生抑郁的心情。 这部作品内容的虽然是讲述下层社会的无奈与痛苦，可是这种伤感中折射出了淡淡的温暖，因此这部作品受到广大人民的喜爱，数次被人们翻拍成电影，这部作品也让川端康成被人们所熟知，因为《伊豆的舞女》也被公认为川端康成的成名作。这部作品创作的背景是十九岁的川端康成在经历的一系列的变故之后，再加上他的身体不好，因此内心变得非常伤感与孤独，于是他选择去旅行，在旅行中他慢慢的产生了创作的灵感。 可以说川端康成成名作《伊豆的舞女》和他自身经历分不开，虽
高中作文素材积累：川端康成美到极致的16句话，无数中国人被第一句打动！ 高考既要勤背记，又要懂审美。 众所周知，这几天300万人参加的全国八省适应性考试的语文试题中，出现了川端康成的小说《秋雨》。这位日本首位诺贝尔文学奖得主，曾经说过：“自杀而无遗书，是最好不过的了。无言的死，就是无限的活。”但事实上，他却留下了很多经典作品和金句。 今天作文君就给大家分享他的传世散文精粹《花未眠》以及小说《雪国》等中的唯美金句，直接聆听这颗“最敏感、最懂美的东方心灵”的温言细语，领会日本以及东方之美的奥妙。 01 凌晨四点钟，看到海棠花未眠。 02 自然的美是无限的，但人感觉的美是有限的。正因为人感受美的力量是无限的，可以说人们感受的美是有限的，也可以说自然的美是无限的。 03 一朵花若是美的，就要生存下去。 04 岚山一直是美丽的，大自然一直是美丽的。不过，这种美丽，只是有时被某些人发现罢了。 05 见到雪的美丽，见到月的美丽，亦即亲眼看到四时之美时，获得邂逅美的幸福时，则思友愈切，愿与之共享此乐。 06
风流在于发现存在的美，在于感受发现的美，在于创造感受的美。 07 只要一心不乱，纵有十思难违。 08 感受美的能力是很容易达到某种程度的。单凭头脑想象是困难的，还要与美邂逅，与美亲近。 09 日本的秋天，原野上晚霞辉映，远钟传响，声声渗入人的心胸，长存不息。 10 美的感动，强烈诱发怀人之思。 11 先头一羽穿云至，漠漠秋空群鹤翔。 12 我心目中的“春之近江”或“近江之春”里，分布着明亮的金黄的油菜地，绵延着绮丽的淡红淡紫的紫云英田，还有春霞叆叇的琵琶湖。 13 雪月花时最思友。 14 竹声悟道，桃花明心。
川端康成及其作品介绍 一、作者介绍 日本新感觉派作家，著名小说家。川端康成生于京都附近的大阪府，祖辈为地方有名的富贵，家道中落后迁于东京，其父亲习医。2岁丧父，3岁丧母，幼失怙恃，由祖父母扶养；祖父将他带回大阪府扶养，他唯一的姐姐则寄养在另一亲戚处。由于身体孱弱，川端康成的幼年生活是封闭式的，几乎没有与外界的接触，而这种过分的保护并没有改善他的健康，反而造就了他忧郁、扭曲的性格。上学后这种生活有所变化，但不幸又接踵而来，8岁时祖母去世，12岁时姐姐也去世了，16时岁祖父亦亡，最后被接到外公家扶养，孤儿的遭遇使他的童年郁悲凉，也对他以后的文学创作产生了巨大影响。他一生漂泊无着，心情苦闷忧郁，逐渐形成了感伤与孤独的性格，这种内心的痛苦与悲哀成为后来川端康成文学的阴影很深的底色。在东京大学国文专业学习时，参与复刊《新思潮》（第6 次）杂志。1924年毕业。同年和横光利一等创办《文艺时代》杂志，后成为由此诞生的新感觉派的中心人物之一。新感觉派衰落后，参加新兴艺术派和新心理主义文学运动，一生创作小说100多篇，中短篇多于长篇。作品富抒情性，追求人生升华的美，并深受佛教思想和虚无主义影响。早期多以下层女性作为小说的主人公，写她们的纯洁和不幸。后期一些作品写了近亲之间、甚至老人的变态情爱心理，手法纯熟，浑然天成。 成名作小说《伊豆的舞女》（1926）描写一个高中生“我”和流浪人的感伤及不幸生活。名作《雪国》（1935～1937）描写了雪国底层女性形体和精神上的纯洁和美，以及作家深沉的虚无感。其他作品还有《浅草红团》（1929～1930）、《水晶幻想》（1931）、《千只鹤》（1949～1951）、《山之音》（1949～1954）和《古都》（1961～1962）等。于1968年获诺贝尔文学奖，是日本获此奖项的第一人。在荣获诺贝尔文学奖三年之后，1972年4月16日，川端康成突然采取含煤气管自杀的形式离开了人世，川端康成未留下只字遗书。(据说是因为三岛由纪夫自杀事件，刺激过重最终也选择了自杀）二、写作特点 1968年，以《雪国》、《古都》、《千只鹤》三部代表作，获得诺贝尔文学奖。
物哀篇 怅望千秋一洒泪，萧条异代不同时 恒武天皇延历十三年（公元794年），京师迁至京都，上一为平安朝。自此，日本文学进入了一个足以彪炳千秋的黄金时代。这一时期，日本国内政治安定，商贾兴盛，人民乐业，一派太平盛世的景象为历代所无。朝野上下均重文事，所以文学极为发达。以《源氏物语》与《古今和歌集》为代表的一大批作品，在这个文学史上的黄金时代相继诞生了。伴随着这些文学作品一起诞生的，是萦绕在日本传统文化灵魂深处的“物哀”精神。 所谓“物哀”，是日本文学文化中的一种独特现象，主体的哀感往往投射在客体的呈现之上，于是人和景物的宿命也就透过这种既纤细又颓废的描述层层交叠，紧密相系。 物哀是日本传统美学的源流，而物哀精神本身，又源自大和民族与生俱来的敏锐的“季节感”与纤细的洞察力。雪，月，花，是日本文学历代以来咏叹不衰的主题。见花而感聚散，窥月而叹无常。如《古今和歌集》中在原平业的和歌： “月非昔日的月，春非昔日的春，唯有我是昔日的我” 又如《万叶集》山部赤人歌： “想送给朋友看的梅花，积了白雪，花也难以分辨了” 王国维《人间词话》有云：“有我之境，以我观物，故物皆著我之色彩。”正是由于日本文学传统追求这种心物融合，物我两忘的精神境界，故而描景绘物，无不带着一缕柔和而纤巧的主观感情色调。日本人擅长寻觅美感，哪怕是转瞬既逝的美，也能为他们敏感的捕捉到，进而在他们的精神世界中被无限的放大然而，不妨引用对日本文学有着深远影响的诗人白居易的名句：“大都好物不坚牢，彩云易散琉璃碎。”，“脂肤荑手不坚固，世间尤物难留连。难留连，易销歇，塞北花，江南雪。”美的事物难以长久，这似乎已成为不争的事实。世间万物，方生方死，方死方生，这种生死一瞬的飘忽的生命感悟，折射到精神世界中，变成为一种永恒的，深刻的悲哀感。 日本文学的始祖《古事记》中记载，女神伊邪那美命被火灼伤，临终遗言：“以花祭我。”后世的武士道兴起之时，大和民族对花的崇拜之情亦同时兴起。樱花骤然开放有骤然凋谢，恰是人世无常死生难料的写照。在敏感的日本人眼中，花与人的距离模糊了，对客体的悲悼与对主体自身的谓叹逐渐朦胧为一体。这种朦胧的哀怜感伤之情逐渐侵润进文学与美学领域，乃至成为日本传统文化的基调之一，是名“物哀”。 平安王朝时期出现了相当数量的日记体文学，其中尤以贵族女子的日记最具代表特色。试举《蜻蛉日记》为例，一种哀艳凄婉的悲哀之美贯穿于二十一年文字始终，女主人公对个人的境遇，情感的挽歌式的哀叹，以及内心矛盾的重重纠葛，无不带着低沉悲悯的悲剧调子。在这种日本传统美学的影响下，川端康成自然而然地继承了物哀的精神并将之发展到一个新的境界。“悲哀这个词同美是相通的。”川端康成对物哀和美的理解形成了他的唯美主义格调的一个重要方面。作为一个有着纤细的感知力的日本人，他易于被感动——他审视自然界的内在之美，敏锐的季节感流露在他的字里行间。一些小说甚至直接以季节作为章节标题，如《古都》的“春花”，“深秋的姐妹”，“冬天的花”。《舞姬》的“冬的湖”。《山音》的“冬樱”，“春种”，“秋鱼”等等。游记散文中，这种季节感流露得更加明显：《夏，不忍池》中有一段很精致的文字： “我听说夏天拂晓时分，一朵朵莲花会带着爽朗的劈啪声竞相绽放。我早就想听听这种声音，然而时至今日我还没有机会与黎明时分漫步池畔。不过，我记得学生时代每晚都会去纳凉，夏天夜间的官月桥上，纳凉的人成排的在那里逗留。夜间那桥上很少没有风儿。在我的记忆里，我只去过那里纳凉，觉得观月桥上是东京市内最凉快的地方。每晚我身无分文的坐在桥上，眺望着不忍池南岸的广告桥。” 又如《在茨木桥》：
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浅谈川端康成的哲学美 契合与和谐，死亡意识也成为他小说创作的最高问题，也成为最高的美学问题。可以说，川端康成最后的自杀，是对艺术与美的终极追求。总之，川端康成的小说创作对于死亡的勾画均不同程度地赋予了哲学意味，它所呈现的死亡意识凸显出独特的艺术格调和美学品位，正是这种对美与艺术的终极追求，不仅影响了他的小说创作倾向，也制约了人生态度，最终以含煤气管自杀的方式为自己的生命画上了句号。 小学时候，学校组织的观影活动，观看了山口百惠和三浦友和主演的《伊豆的舞女》，这是初次接触川端康成。自从那次观影活动后，我就对川端康成充满了浓厚的兴趣，川端康成笔下的少男少女之间初恋的那种朦胧、纯真的情感给了我一份清新之感，也净化了无数读者的心灵，把人们带入一个空灵美好的唯美世界。从那以后，我看了很多川端康成的作品，包括《雪国》、《古都》、《千纸鹤》和《睡美人》等。我为川端康成着迷，深深迷恋上川端康成作品中、人生中散发出的哲学美。 如果说老庄的哲学意象是鲲鹏，尼采的哲学意象是太阳，那么川端康成的哲学意象就是残月，川端康成认为残缺、虚无是另一种美的表现形式。他在《自夸十题》之《早晨的祈祷》中说道：“一生中如果能写出一位永生不死的少女，那么我就此结束也可以了。”对美的追求或许终究是徒劳，作为川端康成表现“永恒的基本主题”的一条必由之路，就集中体现在小说创作的“完美”女性的死亡结局之上，于是一切美好的东西就在瞬时成了永恒的存在。在川端康成眼中，残缺，即是永恒。川端康成热爱残月和散落的花瓣儿，因为他认为残月、花落中潜藏着一种令人怜惜的哀愁情绪，会增加美感，而这种美会成为永恒。 众所周知，川端康成小说创作的美学思想是建立在东方美、日本美的基础上，这与他对东方和日本传统美的热烈执著是一脉相承。1968年，川端康成获诺贝尔文学奖，在当年的颁奖典礼上，川端康成做了题为“日本的美与我”的演讲。而日本的传统的美，尤其是《源氏物语》对日本民族的影响，表现为“物哀”。川端康成多次强调：“平安朝的‘物哀’成为日本美的源流。”“悲与美是相通的。”他写《伊豆的舞女》时，把主人公“两人的悲从属于美，又使美制约着悲，淡淡的悲与真实的美交融在一起，创造出一种悲哀美的抒情世界”。日本盛传一种“瞬
《源氏物语》与日本传统美 成书于日本平安时代的《源氏物语》以其浓重的日本传统美的韵味，而成为日本古典文学的典范。诺贝尔文学奖获得者川端康成就将《源氏物语》称为日本传统美的源泉，是日本美的滥觞。[1]因而在日本形成了专门研究《源氏物语》的“源学”。 《源氏物语》主要描写了源氏及其子嗣薰（实为源氏之妻与其妻舅之子柏木私通所生）追逐女性的故事。但是全书却以一条时明时暗的线索来写即平安王朝中的权利之争。源氏是桐壶天皇与一位地位低下的更衣所生，天皇对其母子极为的宠爱，因而引起弘徽殿女御的恐慌，从而通过其父右大臣的势力逼死更衣，迫使天皇将源氏降为臣籍，而与右大臣争势的左大臣却招源氏为女婿，在朝中形成了以右大臣为首的和左大臣为首的两股势力之间的相持之势。虽然文章的脉络线索以此为序，但是重点并没有放在政治斗争的之中，作者将政治斗争的紧张隐去，而是大量的描写源氏的恋爱生活。其中以紫姬、藤壶、明石、空蝉等12位女性形象最为人称道，尤其描写叙述的笔调充满着日本式的哀伤、淡雅、清新、多情让人心醉难抑。对于日本传统美，我国学者郁达夫将其归结为和歌、建筑庭院、佛社塔寺、茶道、花道等，但是笔者认为这些都是日本传统美的形式而不是内蕴。“美”在这里应是审美之意，应该是日本传统审美的倾向。因此笔者从《源氏物语》中最为明显的方面来解释日本传统美的意义。和歌的“物哀”之美、自然环境描写中的“自然即美”观念和在日本文化的“好色”传统之美。
一、和歌的“物哀”之美 (一) 和歌 所谓的和歌是日本文学中一种诗歌形式。此词最早见于《万叶集》中的题语，训读为“和答之歌”，但同时有可见“倭歌”二字即“大和之歌”用来区别传入日本的汉诗。进入平安时代“和歌”的意义基本确定，“和”即“大和”，“歌”即具有抑扬顿挫可以吟唱的诗句。从《万叶集》中可以很鲜明看出“和歌”脱胎于日本民族的短歌、长歌、旋头歌等，由于中日文化交流频繁，和歌这一形式是处于附庸汉诗的地位。在纪贯之的《古今集》就有这样的记载： “昔平成天子昭侍臣，令撰万叶，自尔来，时历十代，数百年。其后和歌，并不被采，虽风流如野宰相，轻情如在纳言， 而皆以他才闻，不以斯道显.”[2] 可见和歌并不是彰显才学的形式，因而并不流行，文人知识分子轻视这种文学形式。《万叶集》后，至平安时代即9世纪初叶至中叶和歌始终处于文学低层，直至公元905年，纪贯之的《古今集》才将和歌这种日本民族文学推入了古典殿堂。 《源氏物语》虽然不是一部和歌集，但是其中的和歌数量之多，艺术成就之高却是十分罕见的。江户时代的国学者本居宣长曾在他的《紫文要领》中对《源氏物语》中的和歌作过这样的评价： “欲知歌道之本意，宜精读此物语，领悟其中情味，且欲知和歌之风格，宜细观此物语之风采，以领悟之。此物语之外则无歌道；歌 道之外则无此物语，歌道与物语其趣相同，盖夫论辩此物语之事之前，即 当先知歌道之论，咏歌者之情趣，当全为此物语之情趣也.”[3] 《源氏物语》中的总共收录了795首和歌，可见和歌是《源氏物语》的重要支撑点，而其中所表现的“情趣”二字即是日本文学中的物哀之美。
课程：文化美学学号：1510026 任课教师：杨岚 题目：借川端康成浅谈日本文学中的物哀精神 数学科学学院数学类 大类二班 何国栋 1510026
借川端康成浅谈日本文学中的物哀精神 数学科学学院大类2班何国栋1510026 一、物哀的含义及其在文学中的体现 “物哀”精神是日本文学精神的重要特点。所谓“物哀”精神，可以概括为以下四个特点：其一，它不只是感于物而哀，而是物本身的哀。其二，它是无法解脱的，无望的哀，是在绝望中对哀情的摩挲玩味。第三，这种哀情又是对其它情绪感动的净化。第四，这种精神层次由于被物的无常束缚，所以它对人精神的提升是有限的，带有无法预料的偶然性和眼前物象的局限性，但同时又具有无比细腻和纤巧的特质。【1】中国学者叶渭渠曾解释“物哀”说道：除了作为悲哀、悲伤、悲惨的解释外，还包括哀怜、同情、感动、壮美的意思。 在川端康成的许多作品中都体现出这种物哀精神，他经常将这样一种精神的表达与作品中人物的塑造结合起来。其代表作《伊豆的舞女》其‘我’与舞女两人邂逅之后，自始至终谁也没有向对方倾吐一句爱慕的话，而彼此对对方的感情又都处于似觉察又非觉察之间。这与日本‘物哀’所蕴含的空寂美，一种安静、恬淡的美，似有却让不懂其中之美的人无法察觉。没有激烈的非内心的碰撞，却似乎真有爱情的发生。而川端康成的另一部著作《雪国》却将他所践行的生死观描述出来。在小说中，面对放电影时引起的火灾，岛村不仅不紧张，看到美丽的叶子从火中落下，他也没有觉得叶子已经死去，“在这瞬间，生与死仿佛都停歇了”。他常常在风花雪月的自然环境和细腻缠绵的语言文字里，在含蓄、感伤的格调中突出描写人物的失意、无奈、苦闷、惆怅。 除日本作家外，其它国家的作家的作品有时也有这种物哀精神。屠格涅夫《父与子》的结尾部分写到：巴扎洛夫的父母只有巴扎洛夫一个孩子，巴扎洛夫替农民做手术时受到感染，在几个月的时间里，父母亲百般照料，四处求医。病情只要出现一丝转好的迹象，两个老人就高兴得直祷告跪拜。而当病情出现恶化迹象时，两个老人担惊受怕，互相瞒着对方哭泣。巴扎洛夫死去时，父母亲“都倒下地去了”。下葬后的整整一年里，两个老人一次次蹒跚着去墓地：“他们互相搀扶着，慢慢地走来；他们走近铁栏旁，跪在地上，呜呜咽咽地哭起来，哭得很苦，哭得很长久……” 二、中国的物感说对物哀精神的影响 川端康成曾将日本文学中的“物哀”美潮源于平安潮的《源氏物语》。据日本学者上树菊子，大川芳枝的统计，《源氏物语》中出现“哀”多达1044次，出现“物哀”13次紫氏部将“哀”之前加上了“物”，形成弥漫在整个《源氏物语》中的审美情调。通常日本文学中最常见的审美意识也总是带给人一种感物伤情的哀愁，用“物哀”一词来概括是十分恰当的。然而《源氏物语》的时代正是唐代文学大量传入日本的时代，因此可以推测日本文学中的物哀精神很有可能是受到了中国文学中的物感的影响。在中国古代艺术理论中，“物感”是指人对客观事实的感受。“物”感而“情”动，物感是审美活动的起点。这一理论最早可以追溯到《礼记·乐记》，其中就谈到：“凡音之起，由人心生也。人心之动，物使之然也。感于物而动，故形于声。声相应，故生变；变成方，谓之音。比音而乐之，及干戚羽旄，谓之乐。故乐自心生，心楽而动，乃生其音，心之动者，感于物也。诗亦然焉。”意思是艺术的创造源于创作主体的心灵波动，而心灵的波动是由于感受到外物的变化而有了感应，从而形成了音乐。这里所说的“乐”是指诗、乐、舞三位一体的综合性艺术。不仅关乎音乐,也涉及文学的理论。【2】 在唐朝，传诵到日本的诗集大多由白居易所作，而同为诗坛巨匠的李白与杜甫的诗则较少，原因很可能是白居易的诗作中哀怨的感伤诗迎合了日本人最为敏感的物哀意识。这种物哀在中国人的审美意识甚至在白居易本人的审美意识中反倒不怎么看重。在唐代，从儒家积极入世的正统观念出发，白居易各类诗歌中，价值最高、最为人称道的是前朝所作的那些讽
从川端康成的作品中感受到的美意识 概要 川端康成是日本著名的小说家。他于1986年，作为日本的文学家首次获得了诺贝尔文学奖。川端康成著有《伊豆的舞女》、《雪国》、《古都》、《睡美人》等代表作。 从川端康成的作品中可以感受到日本的传统美和自然美、精神上的余情美以及女性美。我的论文就是在试着探索这些美的表现与根源。 我以川端康成的作品《伊豆的舞女》为代表，举出了我所感受到的美的例子，并且，就这些例子以自己的想法说明了作者是如何表现他的美意识的。 据说川端康成从中学时代就开始阅读《源氏物语》。而据说《源氏物语》的最大的特征就是表现出了日本传统文化中的“物哀”的精神。因此，我认为“物哀”的精神是川端康成的美意识的一个根源。 除此之外，川端康成认为佛典是世界中最博大精深的文学。由于佛教的禅的影响，川端康成的审美情趣似乎也与佛教的意识相联系。他的作品大多都反映出了佛教的虚无思想。因此，我认为佛教的禅的影响也是川端康成的美意识的一个根源。 关键词：川端康成、美意识、伊豆的舞女、物哀、佛教 概要 川端康成は日本の著名な小説家である。彼は１９８６年、日本の文学者として初めてのノーベル賞受賞した。 川端康成には『伊豆の踊り子』、『雪国』、『古都』、『眠れる美女』などの代表作がある。川端康成の作品から日本の伝統美と自然美、精神上の余情美、女性美が感じられる。私の論文はそれらの美の表現とその根源を探る試みである。 わたしは川端康成の作品『伊豆の踊り子』を代表として、感じられた美の例を出した。それに、それらの例について、作者はどのように彼の美意識を表現したのかを自分の考えで表した。 川端康成は中学時代から『源氏物語』を読み始めたという。それに、日本伝統文化の中の「物のあはれ」の精神が表に出されるのが『源氏物語』の最大的な特徴だという。だから、「物のあはれ」の精神が川端康成の美意識の一つの根源であると思う。 また、川端康成は仏典を世界中で一番内容の豊富で奥の深い文学であると考える。仏教の禅の影響で、川端康成の審美情趣も仏教の意識につながっていたようだ。彼の多くの作品に仏教の虚無の思想が表してきた。だから、仏教の禅の影響も川端康成の美意識の一つの根源だと思う。 キーワード：川端康成、美意識、伊豆の踊り子、物のあはれ、仏教 川端康成の作品から感じられた美意識 序論 川端康成は日本の著名な小説家である。彼は１９８６年、日本の文学者として初めてのノーベル賞を受賞した。 川端康成には『伊豆の踊り子』、『雪国』、『古都』、『眠れる美女』、『ゆくひと』などの代表作がある。 川端康成の作品が虚無を基調としながら、、そこには日本の古代以来の文化脊髄－－淡い悲しみが溶けあって、凝集している。川端康成は以前、自分の作品には表面から見れば何も見られないが、実はその中に日本の古代以来の悲しみが含まれていると語っている。川端康成には美について深い研究がある。彼は綿密な観察力がある天オ的な作家である。彼はいつも字句を練っていて、できるだけ美しいものを追求していた。それは芸術品を作ることと同じようであった。彼の文章の描写は極めて細かい。それに彼の思想の表現は物
川端康成经典语录作品摘抄大全 导读：本文是关于川端康成经典语录作品摘抄大全，如果觉得很不错，欢迎点评和分享！ 1、黑夜给我准备的，是蟾蜍、黑犬和溺死者。——川端康成《睡美人》 2、他凭倚在桥栏杆上，闭上眼睛，想倾听那几乎听不见的潺潺流水声，而不是人潮或电车的轰鸣。——川端康成《古都》 3、黄昏时分，下了一场暴雨。巍巍群山染上了一层白花花的颜色。远近层次已分不清了。前面的小河，眼看着变得混浊，成为黄汤了。流水声更响了。这么大的雨，舞女们恐怕不会来演出了吧。我心里这么想，可还是坐立不安，一次又一次地到浴池去洗澡。——川端康成《伊豆的舞女》 4、山间的路氤氲着雾气，衣服被蒙蒙的雨打湿，胸前和双脚本该觉得冷，背后却因为疾步而行被汗湿，更因为难耐的情绪而焦躁。初识爱情在这样年轻的年纪，在这样如梦似幻的山里，就注定这是一场足以铭记但是却不可能结果的感情。——川端康成《伊豆的舞女》 5、风雅，就是发现存在的美，感觉已经发现的美。——川端康成《美的存在与发现》 6、她，就是那舞女。洁白的**，修长的双腿，站在那里宛如一株小梧桐。我看到这幅景象仿佛有一股清泉荡漾着我的心。——川端康成《伊豆的舞女》
7、一个人在一生当中，也需要做一两件可怕的坏事吧。——川端康成《古都》 8、山谷东边的山巅上，耸立着一排排参天的杉树。秀男通过杉树树干的间隙，窥见了金色的晚霞。——川端康成《古都》 9、秀男，你说得很对，如果没有自己的根，那么自己到底是谁，永远都会是个不解之谜。——川端康成《古都》 10、她那双娇媚地闪动着的，亮晶晶的又大又黑的眼珠，是她全身最美的地方。双眼皮的线条，也优美得无以复加。她笑起来像一朵鲜花。用笑起来像一朵鲜花这句话来形容她，是恰如其分。——川端康成《伊豆的舞女》 11、岚山总是美的。自然总是美的。不过，有时候，这种美只是某些人看到罢了。——川端康成《花未眠》 12、我处在一种美好的空虚心境里。——川端康成《伊豆的舞女》 13、自然的美是无限的。人感受到的美却是有限的，正因为人感受美的能力是有限的，所以说人感受到的美是有限的，自然的美是无限的。——川端康成《花未眠》 14、我处在一种美好的空虚心境里，不管人家怎样亲切对待我，都非常自然地承受着。我想明天清早带那个老婆婆到上野车站给她买车票去水户，也是极其应当的。我感到所有的一切都融合在一起。——川端康成《伊豆的舞女》 15、感情这种东西，已经不可依赖，如今世道变成这个样子。
论川端康成作品中的日本传统美 【摘要】川端康成作为日本首位诺贝尔文学奖获得者，在他的文学作品中有着西方现代文学的特色，然而更重要的是他能使其作品深深扎根于日本传统文化之中，并不断继承和发扬日本的传统之美。 【关键词】川端康成；风雅；好色 0 前言 1899年6月14日川端康成诞生于日本大阪府三岛郡丰川村，祖辈在当地颇有名望。川端康成的父亲毕业于东京医科学校，但在川端康成出世翌年便患病去世。3岁时川端康成的母亲去世，从此被祖父母带回大阪抚养，而他唯一的姐姐则被寄养在另一亲戚家。8岁时祖母去世，12岁时寄养在别人家的姐姐去世，16岁时祖父去世，此后无依无靠的川端康成住进了学校宿舍。坎坷的遭遇使川端康成的性格受到严重扭曲，但却由此催生川端康成的创作才华。 1920年川端康成考入东京大学英文系，后转入国文系。大学毕业后，川端康成与横光利一等人创刊《文艺时代》，发起了新感觉派文学运动，并发表了新感觉派纲领性论文《新进作家的新倾向解说》。《伊豆的舞女》的发表，展现了川端康成在创作手法上的突破，成为他的代表作之一。随着日本军国主义对外侵略和扩张的逐步升级，日本法西斯政府建立了”战时新体制”，川端康成的写作也受到政府的干预，他这个时期的重要作品有《水晶幻想》，《抒情歌》，《禽兽》，《花的圆舞曲》，《母亲初恋》，《雪国》等等。《雪国》的出现奠定了川端康成在日本文学史上不可动摇的地位，也成为他登峰造极的作品之一。不知道究竟出于什么原因，1972年4月16日川端康成在公寓内含煤气管自杀，结束了自己酸甜苦辣五味杂陈的一生。 川端康成（1899-1972）是日本当代著名作家，也是日本第一位诺贝尔文学奖获得者。独特的孤儿经历及复杂多变的时代使川端文学深深地扎根于日本的传统之中，同时他又是一战后遍布全世界的现代派艺术潮流中的弄潮儿，这些都造成了川端文学的复杂性和多重性。 1 川端康成作品中体现的日本传统之美 1.1 “风雅” “风雅”作为日本传统的美学范畴之一，有着漫长的发展史，川端康成也感受到风雅文学的魅力，他曾经说过：“风雅，就是发现存在的美，感受已经发现的美，创造有所感受的美。”他在分析矢代幸雄提出的“雪月花时最怀友”这个命题时指出：无论是雪之洁，月之明，也即四季各时之美，由于触景生情，中心感悟，或因审美会意而欣然自得，这时便会思友怀人，愿与朋侣分享此乐。也就是说，美者，动人至深，更能推己及人，诱发为对人的依恋。此处的“友”，广而言之是
川端康成与日本传统美 【作者】李伟萍； 【导师】高文汉； 【作者基本信息】山东大学，比较文学与世界文学，2007，博士 【摘要】川端康成(1899-1972)是日本当代著名作家，也是日本第一位诺贝尔文学奖获得者。从1914年创作《十六岁的日记》开始，到1972年自杀止笔，川端在日本文坛活跃了半个多世纪。独特的孤儿经历及复杂多变的时代使川端文学深深地扎根于日本的传统之中，同时他又是一战后遍布全世界的现代派艺术潮流中的弄潮儿，这些都造成了川端文学的复杂性和多重性。从本质而言，日本的传统美是川端文学的根基，而他对西方现代主义文学的借鉴和吸收，不仅没有冲淡其对传统美的执着追求，相反使他的探索更为深入，并使传统之美焕发出新的光彩。因此，本文在前人研究的基础上，从川端文学的本质入手，力求深入挖掘川端康成传统审美意识的形成根源，进而以其著作为依托，探讨川端文学对传统美的继承与开拓。论文共分四章。第一章主要从作者的个性和时代入手，试析孤儿遭遇与战争对川端康成的影响，进而探明其浓厚的传统审美意识的形成根源。川端康成是一个孤儿，为了摆脱生活的孤寂，他很小就沉醉于古典文学的世界。《枕草子》、《徒然草》、《竹取物语》等都是他喜欢的作品，古典名著《源氏物语》更是令他爱不释手。此外，江户时代的江岛其碛的“好色”之作也深受少年川端的喜爱。年幼时的广泛阅读为他日后的创作奠定了深厚的基础，可以说川端文学中的“物哀”美、“好色”美，以及他对处女的崇拜、对自然的情愫等，莫不与其早年的广泛阅读有着密切的联系。另外，亲人的不断去世使死亡的阴影浓重地笼罩在川端幼小的心灵上。为了克服对死亡的恐惧，为了寻回失去的亲情，他认同了佛教“轮回转生”的世界观。对川端来说，这一传统思想观念的确立具有两方面的意义：一方面，它可以使川端在与万物的主动交流中寻回失去的情感，进而使其浓重的孤儿性情得到最为深广的解脱。另一方面，它还进一步使川端体悟到了传统的“空”、“无”思想。在“轮回转生”的世界里，人生依然如过客，不同的是人的心灵可以变得更为宽广。这种超越个体生命局限的广博心境使川端体认到：与其执着于现实，莫如投入到随缘任运、宁静淡远的“空”、“无”世界。因此，孤儿的遭遇是川端康成传统审美意识形成的内在根源，并进一步使传统美成为其内心的积淀，从根本上制约了川端文学的民族化方向。此外，战争使川端康成更加坚定了继承传统的信念，并进一步促进了其传统审美意识的形成。在长达15年的战争中，日本国内的政治形势异常复杂，人性受到了极度的压抑。在此情形下，川端也陷入彷徨之中，并试图寻求着超越的途径。于是，他背负着内心的痛苦，抱着一种悠然忘我的态度，把目光投向了抚育过自己的“故乡”。在以《源氏物语》为代表的古典世界中，川端体悟到了战争的“徒劳”，并进而在忘我的“空”、“无”境界中获得了一颗自由的灵魂，实现了对战争的超越。战后川端的诸多文坛好友大都因战争的戕害而辞世，而日本的世相和风俗更是令他哀伤、痛惜不已。在如潮水般涌入的美国文明面前，战败的日本陷入了自我否定的风潮中，极力抛却民族的传统，而这进一步导致了民族灵魂的失落。面对此种情形，川端深切地感受到：继承民族的传统、寻归心灵的故乡，这是战后的日本获得新生的唯一出路。因而，战后的川端把古都作为心灵的故乡，并从中汲取丰富的灵感和力量，进而使传统之美在他的作品中绚烂多姿地绽放。正是川端的努力使日本文学承载着民族的传统之美，打开了诺贝尔文学奖的天窗。这不仅照亮了日本的文学，更照亮了战后日本的新生，增强了民族的自信心。因此，继承民族的传统、守护心灵的故乡，这不仅是川端对因战争而故去的恩师好友的最好祭奠，更是时代的需要。第二章力求对川端文学所体现的自然美展开具体论述。要谈日本民族的传统美，首先要谈自然美。受到岛国美丽的自然环境的滋养，日本人对自然怀有深切的爱和特殊的亲和感。自古以来，日本作家以自然为友、以四时为友，他们能从一草一木的细微变化中敏锐地掌握四季时令的变化，并感受到自然生命的律动、万物的生生不息。由于其浓厚的传统审美意识，川端康成对季节的感受也非常敏锐。在创作中，他以
川端康成作品精选精练 石榴 川端康成 一夜的大风，把石榴树的叶子都刮光了。 落叶在树根处围成了一个很圆很圆的圆圈。 清晨，仁子看见光秃秃的树干吃了一惊，而那落叶围成的圆圈又使她惊奇不已。她想，风本该把这些树叶吹乱的。 石榴树上还残留着一个饱满的石榴。 “来看呀!”她喊她母亲。 “我真把它给忘了。”她母亲抬头看了看石榴，然后走进了厨房。 这使仁子联想起她们的孤单处境。站在走廊上看，那石榴也是孤单的，像是被人遗忘了似的。 大约两星期前，仁子七岁的外甥来看她们。这孩子一下便注意到了石榴，于是爬到树上。这可使仁子嗅到了生活的气息。 “上面有个大的!”她在走廊里喊道。 “要是摘了这石榴，我就下不来了。” 是啊，手里拿着石榴要从树上下来，可不是件容易的事。仁子笑了，外甥真可爱。 这孩子不来，她们是注意不到石榴的；在这以前，母女俩谁也没想起过石榴。 石榴原被遮掩着，现在能清楚地看到了。 在这石榴以及树底下围成圆圈的树叶里，似乎有着一种活力。仁子拿了一根竹竿把石榴打了下来。 石榴熟透了，里面的石榴籽像是要把它胀裂似的。她把石榴放在走廊上。石榴在阳光下闪着光，晶莹透亮，阳光仿佛从里面透射出来。 仁子心中泛起了一阵歉意。 大约十点钟，她上楼缝衣服。蓦地，她听到了圭吉的声音，虽然门关着。他好像在花园里，那声音显得很焦急。 “仁子，仁子!”她母亲喊道，“圭吉来了!” 仁子把线从针上抽了下来，再把针放进针插里。 “仁子总在念叨着您，说在您出征之前，很想再见见您。”她母亲说，“但是，未经允许，
我们是不能去看您的。而您呢？总不来，总不来!今天，您来了，我们可高兴啊！” 仁子母亲要他吃了午饭再走，但是他没有时间。 “好吧，那至少吃个石榴，我们自己种的石榴。”她又喊起仁子来。 仁子在楼梯上止住了脚步。圭吉用眼神同她打招呼，仿佛只能如此而已。 圭吉的眼睛里流露出脉脉深情，石榴不禁从手里掉落到地上。 他们互相凝视着，脸上带着微笑。 圭吉从走廊里迎了上去。 “您多保重，仁子。” “您也多保重。” 他又转过身同她母亲告别，然后走了。 仁子站在花园门口，久久地望着。 “他走得太匆忙了，”母亲说，“多好的石榴。” 石榴被圭吉遗忘在走廊上。 仁子十分清楚，是圭吉眼睛里充满深情的痛楚的时刻，石榴才掉到地上的。要不，他准把石榴掰开了。可是，石榴掉在走廊上，还是那么饱饱满满的。 她母亲把石榴拿到厨房里，用水洗了洗，递给仁子。仁子皱起眉头，把石榴推开，刹那间脸又红了，不知所措地接过石榴。 仁子见母亲注视着自己，知道要是不吃，母亲准会感到奇怪的。她心不在焉地嚼了几颗， 一股酸味直酸到牙根。仁子感到了某种带苦味的幸福 ．．，像是全身都渗透了这种滋味。 她走到镜子前坐下来：“看看，我这头发，同圭吉告别时，就这么乱蓬蓬的。” 仁子简直能听到梳子的答话。 “你父亲死了以后，”母亲温和地说，“我很害怕梳头。每当我梳头时，就感到六神无主，好像你父亲就站在我身边似的，直待我稍稍清醒。” 仁子想到了她母亲吃父亲剩饭的习惯。忽然，心中有什么东西在翻腾着，一种幸福 ．．感使她几乎要哭泣起来。 母亲给她石榴，仅仅是舍不得把石榴扔掉，这是唯一的原因。她从来不喜欢随便扔东西。 因为内心充满了悄悄的幸福 ．．感，仁子在母亲面前感到害羞了。 她想，这可能是圭吉没有意识到的更好的告别，不管多长时间，她都要等他回来。 她看着母亲，落日的余晖照在纸糊的墙上。门那一边，母亲正坐在镜子旁。 仁子把石榴放在膝盖上，不敢再嚼了……（选自川端康成《掌小说全集》，有删改）
川端康成小说中的色彩与传统之美 摘要：日本著名作家川端康成久浸于日本传统文化的滋养，具有敏锐的艺术感受力，能捕捉万物色彩丰富微妙的变化，由其色彩所反映出的真诚、物哀、幽玄等特色，贯穿他一生的创作，展现出日本文学的传统之美。 关键词：川端康成；小说；色彩；传统美 受日本传统文化的影响，川端康成笔下自然万物的色彩都细腻、优美，他的小说创作深深扎根于日本传统文学和美学的土壤之中。“一般认为，真诚、物哀和幽玄是贯穿日本文学传统的三大美学理念”[1]这三大美学理念影响着川端康成的创作。 一、“修辞立诚”?自然而然?人性之真 “真诚”即“修辞立诚”，是日本上古时代的美学理念，它是指在创作上通过艺术手法，自然而然地展现出人性之真。 川端康成就是一个表现人性之真的作家，小说中处处流露着他发自内心的情感体验，其对色彩多角度、多层次的表现正是这种情感最直观的表达。在他的小说中，同一色彩往往被赋予不同的象征意义与感情基调。比如白色，有时代表女性的纯洁美好，如《伊豆的舞女》中舞女“洁白的裸体”，
带给“我”荡涤心灵的力量；有时营造一种死亡的气氛，如《参加葬礼的名人》中“我”对姐姐全部的印象便是那在空中飘动的白色的东西；有时充满神秘的幻想性，如微型小说《雪》就借助白色构建了一个梦幻王国。 白色在川端小说中丰富、深刻、立体的艺术效用与其古典文学素养与成长经历有着密切的关系。川端对白色的审美认识体现着禅宗的影响，也与日本传统的茶道、花道所崇尚的素简之美相同，白色象征纯洁、清高。川端康成非常欣赏的俳人松尾芭蕉在游历那谷寺时写下：“比起石山石，秋风色更白”[2]，把白色之美描摹到了极致。然而，川端康成的童年不断经历着亲人死别，他对夭折的姐姐芳子唯一的印象就是葬礼上素裹全身的白色丧服。因而，白色又让他联想到了死亡。 川端康成的小说创作忠于自己、忠于生活，他用色彩诠释了自己独特的生命体验，他对色彩的尊重和热爱恰恰显示了他为人的坦率与真诚，令人敬佩。 二、“感伤自然”?同形感应?爱怜之情 “物哀”是日本中古时期的美学观念，是指在人与自然的同形感应中抒发纤细优美的哀怜之情。 自然万物都会触动川端敏感纤细的神经，他把一切放在心中细细咀嚼、品味其情致。《古都》中，川端康成把千重子与植物的色彩融合在一起。小说伊始，老枫树上的紫花地
川端康成的死亡观研究 【摘要】每个人对死亡有着不同的理解。“艺术的极致就是死亡”，这是川端康成独特的死亡观。其死亡意识无疑是受到“孤儿的根性”、物哀传统和禅宗的影响而逐渐形成的，展现了其独特的人格。本文主要从以上三个方面分析川端康成作品中死亡意识的成因。 【关键词】川端康成；死亡意识；孤儿的根性；物哀传统；禅宗 1968年10月17日，川端康成凭借《雪国》、《千只鹤》及《古都》等作品获得了诺贝尔文学奖。川端康成一生写了100余部长篇、中篇和短篇小说，此外还有许多散文、随笔、讲演、评论、诗歌书信和日记等。在这些作品中有三分之一是同死亡相关联的，可见死亡是他作品中屡见不鲜的主题。我们甚至可以说川端康成小说的灵魂就是“死亡”。有评论家在谈及川端康成小说的死亡现象时说到：“大多数作家把死亡当作故事的终结，而川端康成却有把它当作起点来写的的特色。”⑴从此我们不难看出死亡在川端康成小说中占据的核心地位。川端康成描写了众多死亡现象，使作品散发了一种独特的魅力，映射出他对生与死、生与美、佛教轮回独有的感悟。 对其作品的大量分析，我们可以将川端康成的死亡观简单概括为：生命是无常的，人的存在只是一个逐渐走向死亡的过程。生在死的包围下，生是死的前奏，生死相随，生死相通。正是基于这样的认识，川端康成认为惘味而生不如顿悟而死，人死也可以拥有一种死灭的美。川端康成甚至认为死是最高的艺术，艺术的极致就是死亡。川端康成在34岁时，发表了散文名篇《临终的眼》，其中着大量的笔墨放浪恣肆的探究死亡。他援引日本夕阳画家古贺春江先生生前的口头禅，再没有比死亡更高的艺术了。死就是生。 川端小说反映了独具日本特色的“死亡哲学”：生即死、死即生。川端康成曾经说过“死亡就在我们脚边”⑵，死与生时刻相伴随着。他没有把死生对立起来理解，他说：“我觉得人对死比生要更了解才能活下去”。⑶换句话来说，要真正明白生的意义，就要透彻的明白死，死生一线之隔，死是生的延续。如此看来川端康成的眼光必然是超越于生死的。