当代古典写实油画七层肖像技法
简谈冷军油画作品的艺术特点 冷军是中国超写实主义油画的代表人物。但他的超写实并非传统意义上的超写实，如果将它的作品归属到传统写实主义或者超写实主义未免武断。他本人更加赞同日本画界称其作品为超限绘画(超越了油画材料本身表现范围的一种极限绘画方式)。 冷军的作品不仅使用直接画法，保留了作品的绘画性，并且加入了现代的新思想。从他的作品中，我们不仅能看到画面精致的质感、真实的色彩，还能从他的作品中读出大家都能懂的情感。冷军评价自己的作品道:我的作品很通俗我的话没有那么深奥，但很丰富，内容很多。冷军作品从题材内容、技法表现、思想情感上都给观者带来强烈的精神和视觉冲击。无论是他的《世界风景》油画系列，还是锈迹斑斑的复印机技术，都在向人们毫无争议地展示着这种肉眼的真实是任何机器都没办法做到的。 冷军的作品可以分为三个阶段，第一阶段是上世纪上半期，代表作品有《网关于网的设计》《文物新产品设计》《世纪风景》系列以及《五角星》系列等。第二阶段是20世纪90年代末，代表作品有《突变有刺的汤》《锯子》《强保》。第三阶段重新回到绘画本来之中，代表作有《肖像之相》系列，以及近几年的竹子题材的作品。 一、冷军的超写实油画风格的形成 冷军的超写实风格是自然而然形成的客观、真实，他说自己形成这样的风格靠的是感觉。从小就酷爱画画的冷军在绘画方面有特别的天赋。幼时乐于海报、宣传画的临摹，经常是先记下海报、宣传画上的图，再默画;回忆不起的时候再跑去看，如此重复。长期的临摹使他对物的形象记忆能力越来越强。幼时没有系统学习过绘画理论，只是依照海报、画册等临摹，或许是冷军绘画风格不拘一格的原因。 还在学院学习时期，冷军就对写实描绘、细致刻画、生动表现非常热衷，着迷于静物本身的残缺和痕迹，并在画面上生动表现。他认为绘画的乐趣就在于不断深入细节。虽然之后有过改弦易辙，偏向抽象和表现主义，但最终仍回归到写实，并且越走越深、越来越细致、越来越充实。 二、技法冷军油画中的真实与细腻 在百花齐放、百家争鸣的艺术形式和艺术理念中，冷军选择了实物写生这一方式。他用各种办法按自己的想法将实物拼接起来，大量使用焊烧、拼接、复印，将生活中的各种物品组装成自己内心向往的样子，然后将这些生动的形象转移到画布上，最终将作品由实物的真实上升到艺术的真实。他曾受到照相写实主义的影响，但是不久便不满足于那些毫无生气的单纯的复制品，转而寻找艺术上真实并且细腻的道路。 1.技法中的复制性 冷军第一阶段的作品《五角星》，其材料来自废旧的弹壳。炮弹隐含着战争、残酷的喻义，但是经过冷军的焊烧、切割，成为代表正义的五角星。在创作手法上，先用暗色的灰调的油画颜料在玻璃板上厚画一个五角星形，将这个造型清楚地复印出许多轮廓来，然后将轮廓不
后期的古典写实油画较少使用单纯的透明罩色技法，一般是与多层混合技法结合起来使用。传统混合技法即多层技法，指在单纯透明技法基础上用坦培拉材料进行底层塑造和透明油色罩染结合、反复交替进行的技法，也属于间接画法。混合技法与透明技法的主要区别在于它是在一个中间色调的半透明底子上开始作画的，用坦培拉白色作形体塑造和透明油色罩染反复交替的方法进行，形成比单纯透明画法更为丰富厚实的形体与色彩关系。由于画布的有色底子，底色与透明油色的交互作用产生出微妙的中间“灰”色，与受光部响亮的透明色及暗部浓厚肯定的调子产生了对比。制作半透明有色底了的方法是在定稿了根据画面色调在润色光油中加入颜色如，浅赭色或土绿色等来罩出一个中间层次调子，形成一个浅浅的半透明底色，但这层颜色不能厚，透过半透明的颜色层应能看得出下面的画稿。然后趁湿时用坦培拉白色从受光部开始提亮，对形体进行塑造，用扇形笔将白色按形体结构向中间层次过渡。如果不用坦培拉白色颜料作底层塑造而改用油性颜料的话，即使是快干并偏瘦的颜料，底层色的干燥时间也会比较长。传统的技法在这一步用排线方法逐次进行以形成明确的层次。当底层造型部分色彩干后，再用透明媒介剂调和油画色均匀地罩上颜色。由于混合技法底子的中间层次为浅灰色，所以在罩色时要充分估计到，罩色后色相和明度的变化。用坦培拉白色塑造形体和以透明油色罩色这两个步骤往往要反复交替进行，直到呈现预期的形体和色彩效果为止。要注意的是，用坦培拉白色提亮可在湿的底色上画，而以透明色罩染则一定要等底色干透。
油画：穿棉衣的男子，画家：提香 以透明技法或多层混合技法为主的古典写实风格油画创作具有透明性好、色彩鲜亮和层次感强的特点，但缺点是由于形与色分开处理，两者容易出现不够协调的问题。而由于色彩以固有色为主，相对会比较单调，颜色也不如直接画法那样厚实。另外古典透明技法制作过程较长，容易注重制作程序而忽视画面节奏的联系和画家情绪表达的问题。 现代油画创作中的古典写实风格油画中透明画法大多与混合技法结合起来运用，也有比较多地采用直接画法先局部完成，然后再用透明技法进行罩染和润色。透明技法或混合技法都并
古典油画罩染技法 1.起稿 起稿阶段分两个步骤。 （1-）用木炭条起稿 a.直接在画布底子上起稿。尽量准确地造型，减少在画布上的擦改以免损伤底子。起稿时以线条为主，只 要明确形象的轮廓及重要结构线就行了。完成后用软布轻掸去多余的碳粉只留下淡淡的线稿不致于污染颜 色。 b.用转印的方法起稿。先在与画布等大的纸上画出详尽的素描稿，然后用刺孔扑粉法，色粉转印法等方式 把稿子转印画底子上。这种方法可以让画家有更多的时间考虑构图和形象刻画等问题。 （2-）墨汁定稿 用少量的水稀释中国墨汁，使墨线淡一些，用尖头毛笔或小号笔蘸墨汁按木炭条草稿勾勒，使画面形象 更加明确并固定下来。中国墨汁性能稳定，附着力强，气味好且无毒，是很好的油画定稿材料。
2.着色前的准备 用宽笔蘸媒介剂或者乳液快速刷画布一遍，紧接着用软布或海棉擦一遍画布，将多余的媒介剂吸去， 只留薄薄的一层吸附于底子之上。第一层的媒介剂含油量应该少些。作画要坚持“肥盖瘦”的原则，即各 层的含油量由下至上递增。媒介剂中松节油的含量可以从底层的3份至最后一层的一份。 这一层的目的是作为底子与颜色之间的介质，媒介剂既被底子吸收又与画在其上的颜料牢牢结合。 3.罩染基底色 用媒介剂调和土红油画颜料，用宽笔刷上画布。颜料的量要适中，使画面有一个半透明又沉着的效果，
必须透出墨稿，如果颜色太重，要用海绵或软布快速吸去。 这一层的作用在于使画面得到一个稳定沉着的中间调子。底层画色调并不透明，并且应该比透明色层浅淡，随后罩染的透明色层将逐渐的加深画面的色调，因为透明色层薄罩染后底层素描仍会透出，不会变动造型。半透明的土红色经常被古代大师有目的地作为画面色彩留到完成阶段。 4.提白 （传统上称为“灰色法”。灰色可以是黑白调和成的浅灰，也可以是赭石和白调和的灰，或土绿和白调和得灰。先用这些浅灰把素描关系和必要细节充分表达出来） 趁土红未干，用乳液调制白色，用较宽的笔从形象的受光部开始下笔，将亮部画成白色的效果。画的过 程用一只干净的笔过渡白与土红，产生灰面。这一步骤只塑造大的形体而不及细节。亮部尽量画白，如果 白度不够，覆盖于上面的色彩将不够明亮鲜艳。画得时候应忘记现状，只有形体的明暗光影的关系，可以 只按光的方向行笔。 完成了这一步骤，画面呈现的是以土红色为基础的调子素描。
《肖像艺术》说课稿 尊敬的各位评委，大家好！我是--号考生。今天我说课的内容是人美版五年级美术上册第1课《肖像艺术》(板书），我准备从教材分析、学生情况、教学目标、教法学法、教学过程、板书设计6个方面谈谈我对本课的整体教学设计。 一、教材分析： 本课属于“欣赏评述”学习领域。本课教学内容综合了中国画、雕塑、油画、版画、素描和速写等肖像艺术表现形式，是一节引导学生对各种表现形式的肖像艺术进行综合认知的“欣赏评述”学习领域课程。 二、学生情况 五年级的学生在之前的学习中参与了许多欣赏、评述活动，积累了一定的欣赏和评述经验，能够从作品内容、表现形式、人物神态、作品内涵等方面进行评述。但是，本课是以单个人物出现在画面中，与具有一定情节的作品相比，评述起来还是有一定难度的，这就需要教师在欣赏方法和评述技巧上帮助学生。 三、教学目标： 根据对教材和学生情况的分析，我确立以下教学目标： 知识与技能：了解欣赏肖像作品时，要注重人物的外貌，神态，感悟人物的内心世界，体会艺术家将作品形神合一的表现手法，学会用文字对作品进行评述。 过程与方法：通过欣赏作品，体会画家的创作意图；通过小组讨论、教师指导等方法，认识、了解肖像艺术。 情感态度价值观：通过对比欣赏，激发学生对艺术的热爱之情，培养学生善于发现艺术中的真善美，形成良好的审美价值观。 由此确定，本课的重点是：学习肖像作品，欣赏方法，体验不同媒材创作的作品，给人带来的不同视觉感受，能对不同表现形式的肖像艺术作品进行欣赏评述。 难点是：认知理解作品内涵，并将自己的感受通过文字表达出来。 四、教法学法：秉承美术学科核心素养的理念，本课我将采用启发引导、直观演示、多元评价等教学方法，采用“基于问题的学习”，小组合作、自主探究的学习方法，真正做到亦师亦生，教学合一。 五、教学过程：
直接画法与古典油画的绘制方法在程序上也有很大的不同。直接画法作画必须开门见山，一下子就反映出画面的黑、白、灰布局和总体的色彩效果，然后再在这种基础上进行逐步的深入。一般用直接画法作画都不会离开如下的步骤： （1）起稿 用木炭在画布上勾画出物体的轮廓和处理好大致的素描关系，也有的画家直接用熟褐加上少许的冷色，或用群青经松节油稀释后在画布上直接完成这一工序。因为褐色是一种中间色，易于与其他任何颜色协调关系。群青（有些画家也用翠绿、深红、土黄）一类的颜色所勾画的轮廓在作品完成后残留一些断断续续的边线，可以呈现出一种特殊的色彩效果。 （2）上大色调 用轻松节油稀释并与物体颜色近似的色彩迅速弛画出画面的总的色彩感觉。注意色调应比最后要达到的效果对比稍强一点，在这一步时颜色不宜画得太厚。上大体色调时应取一点提前量，将色调画得鲜明一点，随着不断地刻画深入，各种不同的灰色自然而然地会把这种“过火”的色相关系处理得恰到好处。 （3）深入刻画 待松节油稍挥发后，用较厚的颜料逐步在画面上进行深入刻画，如有
条件把作业时间进行得比较长最好。应该注意有计划、分步骤地去完成，比如说今天只画脸，那么其他地方就不动。明天画手，手以外的任何地方都只保留上大色调时所画的底色。一天画不完的地方应用画刀将厚颜色刮去，待其基本上干透后再画，以免吸油。 画油画时应注意亮色一般都应画得比较厚，而暗色一般都须画得比较薄。 （4）整体调整 经过多次完成的油画画面细节丰富，有些细节可能已超出了预定的需求，除去不必要的细节，调整整体关系，使整个画面虚实相生，主体部分更加突出。 新材料的应用 随着近代工业文明的兴起，西方画坛的绘画用材已经完全脱离了手工制作的阶段，特别是近一二十年来由于现代科技的高速发展，种种性能各异的新型画材不断涌现，许多油画材料是过去闻所未闻的。如各种快干油、快干颜料、调水的颜料，能做出各种厚、薄、粗、细感觉不一、而又快干并具有极强韧性的底料等等不胜枚举。各种新材料的问世大大丰富了油画的表现语言并使画家能在进行创作时百无禁忌，一心只需考虑去如何达到最佳的画面效果。
论述当代画家冷军写实画之风格 摘要：油画原本起源于西方逐渐进入了中国的大门，冷军老师是超写实油画的 领军人物。超写实油画在21世纪发展是非常成功的，冷军在当代艺术中具有卓 越的成就，引领了超写实派油画发展的先驱，其绘画作品独树一帜，他的作品已 经达到了“细而不腻，逼真而又非真”冷军将自己的满腔热情奉献给了中国油画艺术，长期探索于中国的绘画发展，很好的诠释了超写实主义，在这之后则用现代 绘画语言来表现现代生活为主，将写实主义发展为超写实主义。 关键字：超写实油画阶段现代风格前期发展 曾有人说，冷军是当代中国最伟大的艺术家之一，不了冷军或是圈外的人听起来，这可 能有一些夸大其词，但是冷军的确是最杰出的画家，他给人们带来了惊艳的作品给社会带来 了宝贵的艺术产物，他有着超人的天赋和悟性，是当代中国当之无愧的超写实引领者，其在 水墨画方面也有超人的造诣。 超写实油画经历了三个阶段将近100年就这样一路走来，我们既要保留中国的传统油画 优点，也要吸取国外油画的精髓，走出属于一条当代油画创作的新道路，油画本来就有很多 表达方式，每一种方式的画法对画面都会构成不一样的感受。“做艺术是一件很自由的事，他们有说的自由，我又作的自由”。冷军个人发明了复印技术的画法，绘画的技法本来就不计其数，为完成一幅画我可以使用任何方法来表达我想要完成的画面。中国的书法、篆刻等。真 是方寸之地见乾坤，是不是很经济呀？一点都不浪费，当然我是从一个十分狭隘的角度，一 个小的方面谈东西方文化的未来前景。中国的现当代艺术无疑是我们这个时代的艺术成果和 现实写照，是必须的，不可或缺的！是我们这个时代的大文化特征！没有它们，我们这个时 代的艺术将是一个空白。但是前人也为我们今天创造了丰富的物质和精神财富。我们不去正 确对待，一味的不顾一切的制造属于自己的历史，在资源十分有限的今天是不是一种釜底抽 薪的行为呢？ 一、前期的作画过程 冷军小时候很长一段时间都是在脑子里绘画，他没有经过专门的绘画训练，但是他从小 就自己专门学习画画。冷军对于绘画是热爱的，人对于自己热爱的事情都会付出很多。可染 先生曾说，造就一个伟大的艺术家必须具备四个条件：天才、勤奋、修养、长寿。 二、冷军对艺术的独特看法 是否能成为一件好的有意义的艺术作品，我总结了三个“度”，必居其一，否则就不是。 首先是艺术的宏观角度：这个角度指的是艺术家站在什么样的角度认识艺术和表达艺术，其 实就是个艺术世界观的问题。主要作品集中在现当代艺术中，所谓观念性艺术也是说的这个事，拥有一个异于他人的艺术视角就能创造出异于他人的艺术作品，这类艺术家的艺术成果 往往是颠覆性的，其艺术地位也自然是最高的。同时，现当代艺术也因为现代社会的开放性 导致视角众多，从而也使其流派风格众多，更因为视角众多同时也导致其作品不易被观众弄懂，因为你不可能一下就寻找到艺术家的视角和立场，需要批评家来引导。其次就是表现的 深度：主要指的问题揭示的深度和艺术表现的深度。问题揭示的深度往往多见于一些现当代 性的作品之中，艺术表现的深度则着重体现在传统艺术的形式表达之中。前者表现为思想性 和前瞻性，后者表现为艺术性和趣味性。当然并不那么泾渭分明，它们也相互渗透着。第三 就是艺术审美的高度：这类作品审美意义大于一切，大部分只体现在传统艺术审美和趣味之中。这类作品往往需要艺术家具备极高的艺术涵养，广博的知识储备和学养以及高境界的精 神形态等。这类作品往往自有一片广阔的天地，艺术家游离其中自娱自乐、超然出世。高境 界的审美也不容易使观众接受，没有一定的审美修养是难以读懂其中的境界！这时的批评家 也无济于事，高审美就必须多看、多读而别无它法。 三、冷军的艺术角度 第一阶段的作品主要针对工业文明对我们今天社会带来的影响，第二阶段的作品主要表 现工业文明之下的精神失落和人性变异，第三阶段的作品视角回望传统、重提审美。三个阶 段的视角和立场其实大同小异，都是对当下的关注和批判。只有回望传统重提审美显得保守，但要知道在一片张牙舞爪的浮浪中反到凸现出它的独特意义和价值，静穆和优雅的审美成为
古典油画的透明画法 油画作为一种独立的画种最早是由西方的艺术家们不断的探索研究而形成,从古到今风格多变.但最美最经典的仍然是最初唯美而又严谨的古典主义油画,也是最喜欢的绘画风格,它具有一定的程式规范.文章从古典油画的透明画法作为切入点来进行剖析. 一、素描初稿。透明画法主要依赖于清晰、成功的单色底画;;素描。在这个阶段，可以用任何素描媒介;;炭条、色粉笔等清楚地确定一个可填充底色的框架;;素描稿。之后，喷一层发胶或上光油。 二、纯灰画法。一般用白色与黑色调和的灰色作画，也可用赭石或褐色与白色调和。基本要求是反差强烈的明暗层次，尽可能用亮色调表现，因为其后每一遍上色都会使画面变暗一点。根据“肥盖瘦”原则，这一阶段尽可能少用油，古代画家多用铅白，因为铅白在油画颜料中最“瘦”，而黑油画色含油多，因而要少用。在表现明暗层次反差强烈的肖像时，并不意味着越暗越好，在保持亮度的基础上，最深的调子处于中间灰色即可。在画灰色画时，应常备一支扇形笔或油画滚子，不断用它把颜料抹平，一般只在确实需要的地方才画稍厚的笔触。灰色画完成之后，至少要让它干两天以上再涂上一层润色光油，这利于随后的色层上光。 三、着色。开始时色层要概括，大面积涂上单纯的经过稀释的上
光色是着色过程的第一步。待一层上光色干后才能覆盖下一层色，间隔约为一至两天。当然可以采用湿盖湿的画法，但不易控制色彩，所以很多采用透明画法的艺术家同时画几幅画。 四、薄涂。透明着色之后，为增加物象的体感、质感，高光及细节部分常采用薄涂方式强调，用大量白色调和大量的调色油涂于干后的上光色上，多加调色油是为了遵守“肥盖瘦”的原则。注意：这一阶段不要使用松节油。松节油只在灰色画阶段使用。 在透明画法中，上光着色与薄涂覆盖可以交替进行。有时两三遍即可，也可能三、四十遍不止。作品完成后需干燥几个月，然后涂一遍上光油。有人说：有多少采用透明画法的艺术家就会有多少种技法，可见透明画法并不局限于上述方法。画家可根据自己的需要探索属于自己的技法风格。下面再介绍一种古典透明画法： 首先用木炭起稿，然后用长锋勾线笔蘸乳胶调和的黑颜料或墨汁准确地勾出轮廓，再用大刷笔蘸“三合一”油(达玛上光油∶亚麻仁油∶松节油=1∶1∶3)调出赭色调的稀薄色，以松散的笔意涂满画面，再用抹布轻擦吸去多余的油。第二步：用大笔蘸乳液(甲基纤维素乳液或干酪素乳液，详见“坦培拉乳剂的制作”)，调钛白粉画出物体受光部分，趁白色未干时用笔轻扫，向暗部过渡，制造飞白效果显出中间色调，此时画面的明暗对比应概括、强烈。第三步：白色干后接着用“三合一”油调色粉釉染，即所谓的“上光术”。如果没有色粉可将油画颜料用高丽纸吸去油份再用。第二步的提白与第三步的釉染反复进行，直到造型与色彩完美结合为止。
古典油画中画家对人物对象眼神的研究 摘要 油画起源于西方，油画人物肖像在欧洲有着很悠久的历史。本文以油画人物肖像画发展的过程为主线，截取在这个过程中比较重要的人物画及画家，就油画人物中的眼神做深入研究。从纵向和横向，比较和分析有代表性的画家对眼神的不同表达方式，总结和阐述各自的画风继承和表现手法。在分析画家在作品中显露的技巧的同时，探究画家更为深层的审美取向及精神动力，深入思考画家和对象，也就是主体与客体之间的关系，使我们在今天解读大师们的作品的时候，不仅仅局限于关注他们的技巧，更应学习他们那种严谨、塌实，又敢于创新的精神。 关键词：油画眼神古典油画
摘要................................... I 一、不同时期画家对于人物眼神的表现 (1) 1.1文艺复兴时期 (1) 1.2巴洛克时期 (1) 1.3洛可可时期 (2) 1.4新古典主义时期 (2) 二、人物眼神的表现手法 (2) 2.1真实的追求 (2) 2.2明暗与阴影 (3) 2.3线条的表达 (4) 2.4色彩的表达 (4) 三、眼睛的神态在肖像画中所起的作用和达到的效果 (5) 参考文献 (7)
、不同时期画家对于人物眼神的表现 早期的绘画对油画发展有着重要的影响，它们是油画产生的前奏。本文把早期绘画划分为文艺复兴时期，巴洛克时期，洛可可时期，新古典主义时期的绘画。由艺术史可以得知文艺复兴时期的绘画继承了古希腊的再现理论，现代派绘画曾从原始绘画中获取灵感，也曾从中世纪的艺术中吸取平面装饰的经验，可见早期绘画的重要性，使我们有必要了解一下这时期人物绘画中眼睛的表达方式。 （一）文艺复兴时期 文艺复兴时期，人们追求模仿现实，这时的艺术家在人物绘画中处理表情方面，已经有一定的技术造诣和熟练程度。从现存的绘画作品来看，在人物绘画中，开始注意眼睛的体积和起伏，也就是掌握了有关眼睛结构的知识，并且注意了对眼睛的刻画，虽然还略显的简单，但是有角度的变化，显然不同于古埃及的人物绘画中的表达方式那样无论头部在何种角度，都是刻画正面的眼睛。人物眼睛的表达方式已经有了明暗表现和变化，左右眼睛也有大小变化，而不是单一的一只正面的眼睛，而且笔触流畅，显得很生动。这个时期的画家对人物眼睛的表达已经有了一定认识和表现技巧。比较有代表性的有，凡?埃克兄弟的《根特祭坛画》，荷尔拜因的《迈尔像》，多那太罗《格太梅拉达骑马像》，桑德罗?波提切利《维纳斯的诞生》，拉斐尔《大公的圣母》，马萨乔《逐出乐园》等。 （二）巴洛克时期 17世纪的巴洛克绘画中在空间中出现的光显示出当时人们对光线认识在深化：光可以不依赖任何物体独立存在。这种光的出现时视觉的需要，任何空间只要有光的穿越和驻足，立即就会产生生动的效果，对光的运用时绘画强调视觉效果的关键一步。证明光已经脱离物体成为自在的视觉语言。与文艺复兴时期的绘画艺术相比，画家不是表达真实生动的形象，而是表现抽象的灵魂，写实是根本不可能的，不允许的，绘画呈现平面化和程式化的特点。人物没有生动的表情，所以在对眼睛的表达方式上显得简单、刻板，似乎每个人都有一双杏仁大眼，眼神庄重、呆滞，
文艺复兴时期人物肖像油画选辑1 美术复兴是整个文艺复兴运动的一部分，大致发展阶段是在14世纪兴起，15世纪全面展开，16世纪达到了鼎盛期。17世纪后，欧洲美术风格渐渐转向矫饰主义。 由于文艺复兴时期倡导以重视人的价值为核心的人文 主义，美术家们的思想逐渐从长期的基督教神学的桎梏中解放出来，敢于探索，一方面从希腊、罗马的古典艺术中吸取营养；另一方面通过实践和科学的探索，发明了透视法，解决了在平面上真实地表现三度空间的方法；同时，改革了油画材料和技法，大大地提高了油画的艺术表现力，使西方绘画描绘客观对象的技巧得到了空前的提高，产生了波提切利、达·芬奇、米开朗琪罗、拉斐尔、乔尔乔涅、提香、扬·凡·埃克、勃鲁盖尔、丢勒、荷尔拜因等一批成绩卓著的画家。 Walter William Ouless Edward Armitage, 1817-1896 in 1886 文艺复兴时期人物肖像油画选辑枫荣室内配画艺术网资 料收集整理。 Thomas Eakins The clinic of Dr. Gross, 1875,
文艺复兴时期人物肖像油画选辑枫荣室内配画艺术网资料收集整理。 Walter Frederick Osborne Summertime, 1901 文艺复兴时期人物肖像油画选辑枫荣室内配画艺术网资料收集整理。 Charles Spencelayh A touch of rheumatism. British, 1865-1958 文艺复兴时期人物肖像油画选辑枫荣室内配画艺术网资料收集整理。 Margaret Lindsay Williams Louise McIlroy, 1874-1968 文艺复兴时期人物肖像油画选辑枫荣室内配画艺术网资料收集整理。
古典油画材料与技法教程 2011-02-24 20:10 看过冷军画的人，都非常佩畏他画面中写实细腻逼真的特色。他的照相写实主义的画面需要极大的耐心才能完成，基本功过硬当然是基础。可是就国内而言，许多想画成这样并有素质画成这样的人却往往对实现这一效果过程的技法感到无从下手，这里我先谈谈冷军油画的画面效果： 1.他的油画极为写实、细腻，就算凑得很近也看不出笔触的痕迹。 2.表面非常平整。 冷军是武汉一所普通师范院校美术专业毕业的学生，之前少有人知，但蛰伏到了中年他开始爆发，通过其超级照相写实主义的画作，一下子确立了自己在国内画坛的地位，先前他的一幅《五角星》在纽约苏富比拍到了900多万RMB，直追张晓刚过亿的记录，位列当代画坛第二。在胜名之下，人们对他乱真的技法必然发生兴趣，不过技法包括画家本人以及各方人士谈得都极少，我觉得在这样的关注之下，他要是自己写本技法书出版，肯定卖得不错，还有包括像徐芒耀这样相对纯种的法兰西十九世纪学院派技法的衣钵传人，要是能出本结合自己经验跟国情的技法书，图文并茂，就算贵点，我想卖得人还是很多的，造福学子。市面上我看到的国内的只有一本姚尔畅的比较深入全面些，但我读过还是有些疑问。因此在这里我只能通过展览上的观看再结合自身这些年的经验来尝试写点技法，我并非说冷军就是这么画的，我只是讲以我这样来画可以达到同样的效果，希望跟大家切磋一下（虽然我知道以我博客的访问量这几乎是无望的）。 冷军油画作品局部 一.了解技法前的前提 1.毅力与决心的试金石 这个前提就是你别幻想技法万能或唯一的传说，这种技法就是由于掌握它并实践它时的难度才变得曲高人寡，而最关键的不是技法本身难学，学并不难，只是你必须要有超绝的毅力与耐得住寂寞的耐力才能实现这一目标。冷军一年只能出一张画，每天用小笔（传说是说他用一种日本进口的尼龙小笔）架着画杖从早到晚一点一点地画，一天只能画硬币大小的一块（传说，真实性有待商榷），不厌其烦地一遍遍很薄地罩染。用“关起门来无人知，走出门来吓死人”来形容他的画再好不过。所以这类画法是相当辛苦和需要坚持的，它的乐趣就在坚持之后，出效果时所带来的愉悦。 2.学院派写实绘画的含义 这里所谓学院派不是在美院里学的都可以算，说得清楚点，狭义一些，其实它指的就是在19世纪的法国一批顶级的油画家发展出的一套科学更有效的写实绘画方法。它的精髓真正掌握的人不多，在国内而言也只有为数不多的画家可以运用地游刃有余，大多数画家一来可能对其不了解，二来是因为畏惧学院派技法的艰苦程度而放弃学习和实践。
《浅谈古典写实油画画技法教学》 整理人：徐君冬 1 古典风格的写实油画在当代西方几乎成了绝响，然而在目前的中国油画界却有许多画家仍然热衷于这一古老的绘画方式，出现了很多有东方韵味和时代感的古典风写实油画作品，并且在学术界和收藏界都有广泛的影响力。在当下的美术学院油画教学中，笔者认为系统的教授学生古典写实油画的制作技巧、方法和步骤，以及帮助他们理解古典写实油画的深厚底蕴和精神内涵是十分必要的。首先，在教学中应使学生明白古典写实油画是人类绘画史上的最高峰，所有的画风都是从古典绘画中派生出来的，那种精深唯美的样式，具象的外表下升腾出的灵性之美是我们在作品中一直要追求的。其二，通过对古典写实油画材料、技法以及制作步骤的熟悉和掌握，使学生在今后的油画创作实践中能够获得较强的写实能力和画面控制能力。在实际的教学过程中，任课教师应从古典油画普遍使用的技巧、步骤以及材料方面的运用讲起，在学生对古典绘画的艺术准则以及各个阶段最具代表性画家的风格技巧有初步的理解的基础上，通过临摹和写生训练能够掌握一定古典写实油画技巧，并运用在以后的创作实践中。以下本文就从古典写实油画材料、技巧和训练方法三个方面总结一下笔者在教学中的经验和体会。首先，学习古典技法的油画在绘画材料上应该有所研究和讲究的，学生在平时的写生课上往往忽视对这方面的关注和应用，因此在绘制作品之前系统的向学生讲解古典油画材料的制作和应用是很有必要的。油画的材料主要为画布、底料、画笔、光油、颜料，以下是古典写实油画在这几个方面所要注意的。画布：画布中最好的是纯亚麻布，国产亚麻布质量较好，可选用。目前画材商店的现成的油画布极易出现问题，如脱落、龟裂等。我们应该提倡学生自己刷制画布，因为它是绘画过程中的一个重要组成部分。绷画布的时候不要绷的太紧，而是绷的即要紧又要有弹性。画布须钉的平整，纤维的纹路要平直，不能扭曲，扭曲的纹理会破坏作品表层的肌理美感。底料：底料分为涂胶和涂粉两步。涂胶是绘画作品的第一层结构，可鼓励学生自己用动1 1 8576280. doc- 2 - 物胶来制作底胶，没有条件的也可用商店的白乳胶代替，但效果不如动物胶好。涂胶的时候，第一遍和第二遍要以稀薄为佳，第二遍要待第一遍干后再涂，第三遍胶要略厚于前两遍。涂胶之后可用立德粉加乳胶加水再涂两到三遍，干后可用刮胡刀修整。如用砂纸打磨，磨后要上一遍稀薄的胶以防吸油。画笔：画笔与绘画的技巧语言、肌理、画面的气势有着密切的关系，不同样式、不同笔锋产生不同的绘画效果。单一的画笔不会产生丰富的用笔和笔触效果。一般来说写实油画用狼毫画笔较好，因其柔软，利于在画面上进行晕涂和扫染以取得细腻而微妙的效果。此外，学生也可根据自身的风格特点选用扇形笔和圆头、尖头笔以及猪鬃笔等。光油：光油也称为媒介剂。它的使用在古典写实油画技法中是十分重要的一环。光油的作用很多，首先是在两遍的绘制之间起衔接的作用。因古典油画都是多遍完成的，所以每遍之间需用光油来联接，这样能够防止吸油和产生透明效果。光油还可用在透明罩染中，用不加白色而只是被媒介剂稀释的颜料进行多层次描绘。此外，光油还能协调画面的效果，使各个部位的反光度一致。光油和作品的色彩技巧是密切相关的，不同的作品效果应选择不同折光程度的光油，这对于作品的整体效果十分重要的。油画颜料：古代大师用的颜料都是自制的，现在我们不具备这样的条件，只能选购画材店的现成品。一般来说，选颜料时请注意它干的速度和色素颗粒的大小，写实油画要求颜色颗粒小而细腻，色彩的透明度要好。此外，可让学生多选用各种灰色颜料，如灰紫、灰绿等，这样在绘制过程中画一些色彩较微妙的地方时方便了很多。在了解了油画制作材料的基础上，教师对古典写实油画的几种主要的技法应有详细的讲解，使学生在创作作品之前能够对绘制步骤和方法有一个总体的理解和把握，这一点在绘制精细而严谨的古典写实油画方面是十分重要的。古典写实油画经过几个世纪艺术家们的实践，形成了多种技法，使油画材料发挥出丰富的表现效果。主要技法有：一、透明覆色法：用不加白色而只是被媒介剂稀释的颜料进行多层次描绘。这种画法适于表现物象的质感和真实感，尤其能惟妙惟肖地描绘出人物肌肤细腻的色彩变化。它的缺点是制作过程复杂，色域较窄，完成作品耗时较长，不是能够特别的表达出画家的艺术激情。在教授学生这种技法的时候重点是讲清楚每一绘制步骤的注意事项，如必须在每一层干透后进行下一层上色, 由于每层的颜色都
初学油画时应该掌握的作画步骤与技巧 面对眼前景物进行写生时，会存在许多难以解决的问题，比如构图、色调、还有对油画技法的表现等等。特别是掌握油画技法是非常重要的一关，油画技法中的直接画法又是一个重点，也是我们平时画画时最快捷的方法。也可以说整个西方的传统油画，都是对自然景物的客观规律来进行不同的表现，再深入研究，逐步地发展起来的，而那主要是通过对客观实物进行写生来实现。西方绘画中古典油画的艺术家们主要任务是怎么样解决物体的造型问题，但印象派的油画是以油画的笔触和色彩来评判一幅油画作品的好差。对我们平时画一幅完整的油画习作的时候要求做到形、神、色兼备，缺一不可。 那我们又如何使一幅完整的作品在色彩上处理得能够别出心裁以达到一种最理想的艺术境界，最好方法是在行笔的时候使形与色的处理上达到完美的结合，这才是我们在油画教学上最基本的要求。那么多年来有许多杰出的绘画大师都在这方面以自己独特的方法达到了成功，他们的实践为我们提供了无数的教学参照和优秀作品典范。假如说这其中有什么诀窍的话，那就是我们长时间地进行实物写生练习，并在这样的练习中不断地提炼和优化自己的艺术语言、走进艺术的大门。直接画法是我们平时最容易操作，同时又是最容易见成效的画法。所以我们在这里所讲述的油画写生实际上主要是指使用直接画法来进行油画写生。
进行油画写生需要一个循序渐进的过程。我们不可能要求一个初学者一开始就去描绘那些构成非常复杂的物象、全身人像甚至双人体。我们可将这种学习过程分为静物、风景、人物(其中又包括头像、着衣半身像、全身像及人体)。现在我们就以几个不同的阶段来依次进行分析讲述油画的作画步骤，由浅入深地进行练习。 一、静物写生 静物画是我们平时一种最简单基本的画种，也是一个初学者必须经历的一项造型过程，它的简单同时也有它趣味，我们不能以简单的物体来衡量其艺术价值，它同样有着与其他画种一样的艺术价值。如果我们仅仅将它作为油画学习时的一门基础训练课程，那我们就只要去观察其形态的静止性、光线的固定性和色彩关系就可以组合成一幅完整的油画作品，都可以使初学者在写生练习时对其进行反复的观察和研究，因而这种方法是显而易见的，同时也是任何其他练习所不可取代的。在我们平时完成一幅油画静物练习应从如下几个方面着手，那就是静物设置、构思构图取舍、组织色调、细部刻画、整体调整来进行。 (一)静物设置 静物设置实际上是包含着很深的学问，并非那么简单。当我们平时欣赏一幅优秀的静物画时，可联想到作品画幅作者的艺术追求，其实这是作者在作画前的艺术构思，作者的心里早有了画的设置。我们作画的时候能否设置好静物往往是这幅作品最终能否成功的先决条件。不过对于初学者来说应该选用那些形体相对简单、色彩丰富而又
刮胶： 概括来说，先是将亚麻布刮一遍胶，再刮一遍红色底子，最后刷2遍灰底子，这样画布就完成了。关于画布，目前多用亚麻布、棉布、尼龙布。棉布收缩性大，不好用于绘画油画。亚麻布比较适合。画布用的第一遍胶最好是用兔皮胶。具体的做法是：先把兔皮胶打碎，用水浸泡6个小时。在水里放7%到10%的胶（这可以根据天气气温来定，气温高，得多加水），有时也可以用少的水将胶泡软，再兑水。化胶的水在水温为25℃到30℃之间，待温度降到17℃时，便可往画布上刮胶。如果实在嫌麻烦，那您用进口的乳胶得了。但这效果可就差远了。将钉上画布的内框平放，画面朝上，然后刮胶。在其
过程当中，要注意胶的温度，刮胶时动作要快。最后须要将画布背面的胶液刮去。把画布放在通风处，待干后用浮石或细砂纸把画布上凸出的小毛结打磨去。画布上有凸包时，可将画布反过来放在平滑的硬质材料上，用小锤轻轻将其敲打平。画布底胶起两个作用，一是把画布上的小毛头粘盖住，二是把画布的细孔堵住。刮胶这一道工序比较难，是很重要。胶温度过高，胶水会透到画布背面，胶温度低又难以刮得均匀，同画布结合的效果也不理想。使用兔皮胶为最好，如果用白乳胶，效果可就差了，因为乳胶对热、酒精反映敏感。 红底料： 红底料是由一份红铅粉、二份白铅粉和三份土红粉同熟（注意）核桃油均匀搅拌、研磨而成的。在将以上三类粉质均匀混合后，慢慢的加入熟核桃油，然后均匀研磨，研磨至用两手指甲背摩擦时感觉不到明显的颗粒为止，这时再加入适量的熟核桃油稀释，加油多的多少根据画布的表面和自己的需要来定。油的粘稠度以拉起时稍带丝状为宜。这样，红底料就做成了。 把画布平放，刮上红底料。然后把刮有红底的画布放在干燥通风处阴干。待三天后才上灰底子。超过三天反而不合适，因为时间长了，红底和灰底将结合不好。在上灰底前先用细砂纸打磨一下，要适度，切忌打磨过分。当画布有小结时，底下垫一木版或是平整的石头，然后在背面用小锤敲平。在红底料中，加入红铅粉是起快干的作用。 灰底料： 将一定量的铅白粉加入少量的铁黑粉混合均匀，然后加入50%的生亚麻仁油调和、研磨。在研磨过程中，油是慢慢逐渐加入的，切忌一次加入过多的油、灰底料要比红底料稀一些，刮灰底子的刀刃更要薄一些，这样刮出的灰底子才能薄，待第一遍灰底子干后再刮或用排笔刷第二遍灰底子。古代大师们仅用板刷刷灰底料，而不用刮刀，但对伊维尔来说，他需要特别平的画面，他的第二遍灰底子也用刮刀。 媒介底 这种媒介是由熟核桃油和玛蒂树脂光油这两种液体混合调制而成的。媒介剂在作画过程中成为不可缺少的材料。 马蒂树脂（Mastic）光油的制作： 用量杯量出75毫升新蒸馏过的松节油，再取50克玛蒂树脂（正常光油含树脂为44％），研碎后倒进烧杯中，然后加入上述准备好的75毫升松节油，小火慢慢加热烧杯，使树脂慢慢溶化。在此过程中不断用下班棒搅拌直至溶化。 在用小火加热的过程中注意温度不宜过高，因温度过高能使松节油蒸发。当温度过高时要断火，这样整个加热过程中要时断时续，待玛蒂树脂溶解时用其所长丝袜过滤倒入容器中，放几天以后，杂质沉淀，这时的光油几乎变白，把光油倒入小口瓶中直至齐口满，放在阴凉处保存。 还有另一种制作光油的方法： 即将研碎的玛蒂树脂放入丝袜中，放在松节油中自然溶解，但用这种方法做出的光油像奶一样不透明。 媒介剂的制作： 取一份的玛蒂树脂光油，再取一份熟核桃油，将两种混合，在很短的时间二者就会变成果冻状的媒介，这是因为一氧化铅与光油产生化学反应，帮变成果冻膏状物质，然后将媒介装进锡管保存，这种媒介
古典油画透明技法（教学设计） 教学目的： 1．使学生了解古典油画透明技法的方法与地位作用 2．使学生了解古典油画透明技法中使用的材料分类与区别 3．使学生初步掌握古典油画透明技法的绘制步骤及其在油画临摹与写生当中的方法运用。 教学重点： 掌握古典油画透明技法的制作步骤教学时间20分钟教学过程导语：前面同学们已经学习了关于油画的相关概念，材料介绍，技法介绍等，包括古典油画技法是什么，我们为什么要学古典油画技法，想必大家都有一定了解了，那么今天我们就来学习怎么样来画古典油画静物，如何使用这古典油画透明技法。这是油画最传统的技法，也是我们必须学习和掌握的技法。一、古典油画透明技法： 古典法是最早留下来被认为正宗典范的技法。它的表现形式有二：一是层层罩染，二是直接铺色。它们的共同点是注重对象描绘的精确性和立体感；造型严谨，用色单纯，刻画细腻，讲求滋润和柔和。（以宾卡斯的古典油画透明技法为例） 二、作品赏析： 凡爱克：油画形成时期的关键性人物，改进丹培拉乳剂材料的方法，用油代替。《阿诺尔芬尼夫妇像》空间，光线，细节，质感都有高超的把握。 伦勃朗：制造出各种对比效果，从透明与不透明，明与暗，清晰边缘与模糊云状边缘，一直到冷暖色对比。上光着色与薄涂覆盖可以交替进行，亮厚暗薄。
三、技法步骤 1、做框做底（胶底，油底） 2、起稿定稿 3、着色准备，罩基底色（达玛上光油∶亚麻仁油∶松节油＝1∶1∶3） 4、提白（向暗部过渡，制造飞白效果显出中间色调，此时画面的明暗对比应概括、强烈） 5、罩染（提白与第三步的釉染反复进行，直到造型与色彩完美结合为止。 6、上光四、作业布置临摹一张40×50cm左右大小的古典油画静物，要求掌握材料选择与技法步骤的运用。 古典油画直接画法授课教案 15世纪古典画家在处理花草时，往往采用直接画法，17世纪一些画家则开始更多地使用局部直接画法来描绘人物。如委拉斯贵支后期作品的人物与服装善用透明画法与直接画法的混合技法。19世纪法国画家安格尔则以直接画法为主，透明画法为辅的手段作画。我认为直接画法利于色彩的呈现。因此，我根据自己绘画特点和艺术追求，从效果出发按其所需择用表现技法。多年的实践、感受与思考，悟觉油画布制作、绘制技法的得当运用和颜料之间的科学调合是不可忽视的技术问题。反之，会招致制作过程中可能产生的麻烦和作品龟裂、剥落与变色的严重后果。 一、画布制作：画布较平整，也可十分平滑。我通常选择细致、质地紧密的亚麻布作画布，上兽皮胶为佳（指兔皮胶、鱼皮胶和牛皮胶），但由于国内难以寻见，目前只能以进口乳胶代之。一般上两层底色，必要时可上三层，但第三层较薄。在伽洪先生工作室进修期间，通常用亚麻仁油或核桃油调合色粉制成涂料。因为油画颜料的成分是：核桃油或罂粟油或亚麻仁油和色粉，因而亦可
2008--2009学年第一学期教学计划 课程名称：《油画头像写生》 任课班级： 07级美术学专业油画班 学时：48学分：3 开课学期：第三学期 课程类别：专业选修课 课程性质：专业课 先修课程：《素描头像写生》 考核方式：作业考评 一、教学目的： 油画人物写生一般按头像、胸像、半身像、全身像和人体写生等五个课题循序渐进。油画头像写生的教学注重人物写生造型能力训练，掌握基本的绘画方法和步骤，并对点、线、面、形、色、质在内的绘画基本形式要素进行深入的学习与研究。通过课程训练使学生掌握油画人物头像写生的传统方法，培养较高的绘画观察分析能力和熟练的表现技巧，为今后的油画人物课教学和创作打下坚实的基础。 二、教学重点： 本次教学课程开设在油画的低年级，本次教学重点在于使学生进一步加强人物写生造型能力并各对种绘画语言进行探索尝试，主要要求： 1.通过写生对点、线、面、形、色、质在内的绘画基本形式要素进行深入的学习与研究。 2.尝试油画语言丰富的表达形式，探索与学生自身个性相适应的表达方式； 3.绘画语言上仍以写实语言为主，并将写实绘画体系范围内的 4.人物头像写生，主要讲解头像的神情、结构、构图、人物的肤色、采光状况及其特 点等内容。 5.要求学生掌握头像写生的步骤与方法，能有一定的造型能力，注意形与色的结合，并 有一定的油画技巧。
二．油画人物（头像）写生基本要求： （1）人物的动态与个性表现。 （2）油画色彩的均衡与色彩的节奏 （3）油画的材料与用笔。 （4）要求学生掌握人物的动态与性格表现，注意油画的用笔与油画画面用色技巧对人物服饰的造型与质感有一定的处理。 三、课程的基本内容： 1、油画肖像艺术（头像）的美学特征和历史演变。 2、油画肖像艺术（头像）的构图形式规律。 3、人物结构。（重点是头、颈、肩的结构关系） 4、写生中色彩运用： （1）人物皮肤色彩变化的冷暖相对性。 （2）色彩运用的主观处理和把握。 5、油画头像的表现技法。 6、人物内在精神的感觉与表现。 7、个性的语言和特殊的形式感。 四、教学内容重点与难点： 1、重点：掌握油画肖像艺术的构图形式规律。 油画头像写生直接画法的方法步骤。 人物内在精神的感觉与表现；个性的语言和特殊的形式感。 2、难点：色彩运用；人物内在精神的感觉与表现。 油画头像写生的方法步骤与基本要求 五、课程学时分配：
古典油画技法(宾卡斯油画的透明画法) .
透明画法是宾卡斯先生的主要授课内容之一。他对透明画法的讲授并没有做一套从头到尾的完整技术示范，他自己也认为他所示范的一些透明画法已不再是绝对精确的古典模式，而只是他个人对这种传统技术的研究成果。 一幅作业的开始：一幅艺术品的开始并不是在画家举笔落墨之时，而是从画家观察对象，选择绘画表现手段、工具以及材料时就已经开始了，所以完成一幅作品的全过程应包括选择表现内容和准备工具材料两项内容。这两个最初的绘画步骤对于整幅作品的完成起着不可忽视的作用。正因为如此，它们应该引起我们的重视。 油画通常画在布、板或纸上。每种材料都有其独特的美感，利用和表现这种美感是画家的水平所在。 画布：纯亚麻布、棉布和混纺布。画布中最佳者莫过于纯亚麻布，它作为油画布已经具有久远的历史。国产亚麻布质量较好，可选用。但混纺亚麻布不适于作画，因为不同质地的纤维收缩程度不同，作品表现的油画色会因纤维的收缩差异出现龟裂。另外好的棉布也属油画布中的佳品。眼下商店出售的现成的油画布由于制作工艺水平的局限极易出现问题，如龟裂、脱落等。我们应该提倡艺术家自己刷制画布，因为它是你的绘画过程中的一个有机部分。 绷画布：绷画布时应注意四点。 第一，买来的亚麻布用之前要用水洗去胶质； 第二，不要绷的太紧，像鼓一样，而是绷的即要紧又要有弹性。太紧，布眼会被扯大，对涂胶层以及将来的绘画过程都有影响，太紧也会导致
颜色层龟裂； 第三，画布须钉得平整，纤维的纹路要平直，不能扭曲，扭曲的纹理（尤其是粗画布）会破坏作品表层的肌理美感； 第四，钉子间距以四公分为宜。 涂胶： （1）胶层的调治：涂胶是绘画过程中的极重要的一环，也是作品的第一层结构。（注意：透明画法要求胶层为白色，以便于形成色层的透明折光效果） （2）涂胶：第一遍和第二遍胶要以稀薄为佳。第二遍要待第一遍干后再涂。涂是画布要平放，同样，涂毕也要平放晾干。第三遍胶要略厚于前两遍，干后可用刮胡刀修整。如用砂纸打磨，磨后要上一遍稀薄的胶以防吸油。 有时因刷的胶太多，或因画布网眼太大，背面会出现漏胶现象，以往大家都不予以注意，宾卡斯先生强调说，这种现象能是画面吸油程度不一,并导致油画曰后局部损坏，如出现这种情况可做如下处理：先用海绵将漏出的胶吸去，再用画刀将余者刮掉即可。 绘画工具： （1）画笔：这方面有两点值得注意。A.画笔与绘画的技巧语言、肌理、画面的气势有着密切的关系，正如我们认为不同的依托材料有不同的美感那样。不同样式、不同毛锋产生的绘画效果。单一的画笔不会产生丰富色彩的用笔和笔触效果。B.国产毛笔是很好的画笔，毛锋较挺健的可以充当非常好的油画笔。在西方，类似中国毛笔形制的油画笔有很多种。