浅析歌剧《弄臣》 摘要歌剧《弄臣》以一个伯爵的弄臣及其女儿的悲剧故事，表现出了对那个时代君主专制制度的抨击以及对弄臣女儿吉尔达的爱情悲剧的同情。歌剧表演效果丰富，具有鲜明的时代特色以及优秀的音乐创作，具有极高的艺术价值。 关键词歌剧悲剧音乐特色艺术价值 一．创作背景 《弄臣》的剧本是意大利著名作家皮亚威根据法国文学巨匠维克多·雨果的讽刺戏剧《国王寻欢作乐》改编而成，音乐的创作则由“意大利歌剧大师”威尔第创作。雨果的原作以描写荒淫无度的宫廷生活为主，旨在抨击封建君主专制制度。在歌剧的创作上，《弄臣》大体上忠于原作，主要还是揭露君主王朝统治下的荒淫无道的生活。与传统意大利歌剧相比，它不仅在剧本上脱离了剧情简单、人物面谱化的窠臼，而且在音乐创作上也取得了大胆突破。此外，它还通过增加剧中的主要角色，丰富了歌剧的表演效果，使歌剧有了更大的发展想象空间，具有很高的艺术价值。 二、人物形象 关于《弄臣》，我这里只想分析一下给我留下印象最深的两个人，弄臣和他的女儿，吉尔达。 弄臣，“弄”，是指“玩弄”、“戏弄”。的确，弄臣就是这样一个角色。“弄臣”其实就是为帝王所宠幸的狎玩之臣。说的通俗点，就是个高级小丑。在歌剧开始时候的一个狂欢的场景中，面对着曼图亚伯爵——他的主人，调戏切普拉诺伯爵夫人的时候，他，一个丑陋的驼背家伙，凑到切普拉诺伯爵跟前。他幸灾乐祸地戏弄伯爵，嘲笑他的嫉妒。可实际上，他对主人的做法也有点不以为然，他私下里对包尔萨嘀咕：公爵做得实在过分。 弄臣是个可悲的角色，他必须不断地为主人找乐，帮助主人实行一切寻欢作乐的计划，因而遭到他人的厌恶和鄙视。对这一切他心里很明白，却无可奈何，谁让他无钱无势无地位，只得以此谋生！你瞧他，浑身披挂着稀奇古怪的装饰物，头上戴着尖顶帽子，脸上画得五颜六色的，一副丑态。最引人注目的是他的驼背，严重的残疾使他有着与生俱来的悲剧性，加上他的特殊地位，更显得怪诞而毫不令人同情了。
格里高利圣歌的特点（源起古希腊） 1，吸收了古代东方，古希腊以及民间音乐的特点，没有固定的节拍。没有乐器伴奏。 2.唱词一律用拉丁文。 3.旋律崇高，超脱。不是用来欣赏的音乐。而是实用性的音乐。格里高利圣歌在音乐史上有重要的地位。是欧洲万代作曲家创作的源泉 复调音乐的萌芽。（公元9世纪） 1.奥尔加农无节制体裁弥撒套曲，经文歌 2.迪斯康特有节奏 3.福布尔东三声部 小结。 1.中世纪宗教支配着社会意识，在音乐方面，宗教音乐有统治地位。 2.中世纪的教会音乐是单音音乐发展的高峰，成为历代作曲家创作的源泉。 3.音乐开始有了复杂的节奏，多声部音乐逐渐代替了单声部音乐产生了最初的对位法。 4.乐器种类的增加预示着乐器的产生。 14世纪的法国音乐和意大利音乐 新艺术（14世纪） 14师姐产生于法国和意大利，法国作曲家兼音乐理论家维特利在其著作《新艺术》中提出新的作曲法，歌词自由创作，少用固定掉。节拍的结构要规范，力求节奏简明匀称。禁止用平行5，8度。提出了对位法复调写作的理论。 代表人物：法国马肖，意大利兰迪尼 文艺复兴时期音乐（约1450 1600年） 1.勃垦第乐派 代表人物： 杜费其成熟时期的代表作品标志着文艺复兴时期的繁荣， 本舒瓦其宗教作品为三个声部构成的和声式织体，世俗作品（尚松）多为回旋歌。 2.弗兰德乐派 拉索运用了主调和声与复调模仿手法的结合 3.威尼斯乐派 A.加布里埃利G。加布里埃利 风格特征：分组合唱的原则，形成富有四声效果的‘威尼斯风格’ 4.罗马乐派 帕莱斯特里娜无伴奏合唱风格，后期作品有清日析的主调化倾向，被誉为‘教会音乐的救星’
第二章 16世纪的新趋势 世俗音乐： （声）法国的尚松，产生于15世纪，法语演唱的世俗多声部歌曲 意大利的牧歌：原意为用母语写的诗或田园诗，14世纪，直接启示意大利抒情歌曲的产生。 德国的利德：用德语演唱的艺术歌曲。 器乐曲：利车卡尔，康佐涅，舞曲，幻想曲，托卡塔 通俗低音（也叫数字低音）：在乐谱低声部下方加注数字，意标记和弦性质，位置与进行，演奏者可以依据数字低音即兴增加或者变化，通常两种乐器同时：大提琴，大键琴。管风琴。 第三章 奏鸣曲：泛指各种结构的器乐曲，17世纪后期，科雷利对套曲形式的奠定起了重大作用，他的奏鸣曲通常由慢→快→慢→快四个乐章组成。 现奏通常3到5个乐章，由乐器独奏或者加钢琴来演奏。 奏鸣曲的形式; 三重奏鸣曲：两件小提琴和通俗低音 独奏奏鸣曲：一件小提琴和通俗低音 键盘乐器 1.克拉维克德：击弦古钢琴 2.哈普西科德：羽管键盘，拨弦古钢琴，管风琴，现代钢琴 协奏曲的代表人物，（独奏协奏曲，大协奏曲） 亨德尔：英籍德国伟大作曲家 主要作品：歌剧《塞尔斯》（1738年）题材：历史题材，神话题材和浪漫题材。 艺术成就：亨德尔音乐简洁明朗，结构宏大，旋律庄严，宽广，悠长，合唱有壮丽的气魄。他重视纵向的和声关系，常用简洁的手法，创造出感人的作品。 巴赫：欧洲近代音乐之父（1685--1750） 声乐作品：200多部康塔塔，5部受难乐 器乐作品：键盘作品《二部创意曲》《三部创意曲》《法国组曲》《英国组曲》《平均律钢琴曲集》《哥德堡变奏曲》 艺术成就：巴赫被誉为“欧洲近代音乐之父”，他的作品博大精深，他使发展了几个世纪的复调音乐达到了最后的高峰，并将高度的复调思维和新颖的主调手法结合起来。创作出了大量优秀的作品，成为音乐史上继往开来的关键人物。
南京理工大学 《西洋歌剧名作赏析》选修课结课论文 威尔第、普契尼及其歌剧作 品异同之比较 班级：10042203 姓名：马若飞 学号：1004220334 电子工程与光电技术学院 2011-12-10
威尔第、普契尼及其歌剧作品异同之比较 世界歌剧的历史，是从意大利开始谱写的，歌剧于1600年左右在佛罗伦萨诞生以来，创造了灿烂辉煌的历史，经过几代作曲家创作、积淀，终于在威尔第、普契尼的创作中达到了又一个顶峰。 不可避免地，全世界的歌剧发展几乎都是在意大利歌剧的影响下进行的。威尔第与普契尼的歌剧创作有着极其相近的共同点，他们都十分敏感、十分准确地观察、审视着他们身边的社会情况，用符合社会心理的思想指导歌剧创作； 因此所创作出的作品风格迥异。但是，他们之间又具有显而易见的差异，两位作曲家所处的时代背景、人生经历、个人审美观的不同，直接影响了他们的思想和艺术创作，影响了他们对人、对社会的认识方式和程度，反映在他们的作品中，因而使得他们作品的社会价值有所区别。虽然他们的歌剧都是十分重要的音乐文献，但如果我们把他们的歌剧与他们的社会、思想联系起来，再把他们之间由于所处的环境差异而导致作品的不同来进行比较研究，我们就可以更准确地学习研究两位作曲家的作品，进而更好地诠释两人的作品。 一、作品整体风格方面 刚刚已经提到，两人作品间有着明显的差异，我以为这种差异具体表现在“威尔第的歌剧中那种胸怀宽广的气度,包含着对祖国对家庭的爱，普契尼的歌剧则更多地描写人间感情；威尔第的歌剧更具有戏剧性，普契尼的歌剧则具有抒情性；威尔第的歌剧创作风格为浪漫主义,而普契尼的歌剧创作风格则属真实主义。” 浪漫主义是继古典主义之后风靡世界的一种文艺思潮，其特点是理想性强，感情炙烈，喜欢描写和赞美自然，艺术手法夸张。而真实主义的思潮还在浪漫主义与古典主义进行激烈斗争的年代里就开始萌动了，直到19世纪30年代以后，真实主义才兴旺发达起来，并逐渐成为占主导地位的文艺思潮，认为“优秀的创作有如一面照路的镜子，既映出美丽的蓝天，也照出路上的泥塘。（司汤达）” 威尔第是一位把浪漫主义歌剧发挥到极致的作曲家，威尔第的音乐集中体现了戏剧性的力量和热情。他具有通晓情节和冲突方面——也就是戏剧方面的全部情感的想象力，因而能使戏剧性场面充满令人激动的表现力。他一次又一次地要求他的脚本作家：“短小的戏剧、迅速的发展、饱满的热情……热情至上！”威尔第是真正的意大利人，他的艺术以旋律为基础，对他来说，旋律是人类情感的最直接的表达。他坚持说：“缺乏自发、自然和简明的艺术不是艺术。”威尔第继承了丰富的传统，又具有惊人的创造力，是浪漫主义歌剧的杰出代表。 如果说威尔第的歌剧能够震撼人心的话，普契尼的歌剧则能够感化人心。 “在普契尼的歌剧中，洋溢着不同于威尔第的清新风格，虽然没有威尔第歌剧那样大气磅礴、那样深刻，他的抒情性吸引了千千万万的听众，无论他们来自哪一个阶层，都感受到了普契尼歌剧所特有的真诚、自然和亲切。”因为在普契尼的歌剧中描绘的人和事，往往就像发生在他们身边故事。普契尼的作品虽然没有威尔第那么多，他一共创作了十二部歌剧，却几乎每一部都代表了他的水平，都是他充分构思之后的精心之作。在普契尼的歌剧中，戏剧化的矛盾冲突、热烈而紧张的舞台气氛、抒情而伤感的音乐风格，寻常百姓的心理和身边琐事的悲剧，以及他对平凡生活中小人物的同情心，无不打动人心。无论是歌剧男女主角的爱情悲剧，还是音乐中的异国风韵，全都会在戏剧和音乐的发展过程中渗入到每一位听众的心灵深处。 比如《托斯卡》，话剧《托斯卡》是一部以重要的历史事件为背景，把性、虐待狂、宗教和艺术各种成分融为一体的一部作品。他以真实主义的手法体现了激烈的心理矛盾冲突，强暴、凶杀和历史事件等因素创造性地融合在一起。这里不仅有善良的爱，正义的爱，也有像斯卡尔皮亚、斯波莱塔那样险恶的坏人。《绣花女》是以博得人们同情的眼泪而获得成功的，《托斯卡》则是能唤起人
音乐欣赏--<<弄臣>>观后感 歌剧《弄臣》是威尔第作品之一．他一生创作了很多歌剧，给后人留下了丰富的精神食粮．在他的作品中，《弄臣》、《茶花女》、《阿依达》等都是世界著名的歌剧。其中，四幕歌剧《弄臣》完成于1851年，同年首演于威尼斯，剧本由波亚维根据雨果的名著《国王寻乐》改编。这部作品是威尔第最惊人的作品之一，至今久演不衰。 《弄臣》为四幕剧，但我认为，《弄臣》的剧情可以分为三部分。第一部分是弄臣黎戈莱托得意之时；在这部分剧情中，黎戈莱托受到公爵的重视，经常帮公爵欺辱大臣们的妻女，使大臣们个个都对黎戈莱托恨之入骨，但是因为公爵的原因，一直敢怒不敢言，私下一定要报复黎戈莱托。第二部分是弄臣黎戈莱托失去女儿时期；黎戈莱托虽然在宫廷中是一个十足的恶人，但是同时又是一个十分慈爱的父亲，人都是有两面的，而黎戈莱托更趋于复杂。在这个剧中，黎戈莱托十分爱自己的女儿吉尔达，让她住在偏僻的房子里，还雇佣了一个保姆照顾她，不让女儿涉足外面的世界，只允许吉尔达去教堂祷告，此举动用现代语言来形容应该是“溺爱”吧，黎戈莱托原本以为这样就可以保护自己的女儿，但是让没有想到是吉尔达在教堂看见并喜欢上了公爵，而之后公爵假扮穷学生去追求吉尔达，而对于这，吉尔达并未曾对黎戈莱托提起，假如吉尔达把它告诉了黎戈莱托，或许最后的结局就不是悲剧了吧。第三部分是黎戈莱托复仇时期。在吉尔达失贞后，黎戈莱托对公爵恨之入骨，认为伯爵的诅咒终究还是应验了，他发誓要为吉尔达报复公爵。 作品中，作曲家创造了性格优柔寡断、内心感情变化多端的弄臣，风流浮华、多情善变的公爵和纯真深情、富于诗意幻想的吉尔达三个不同的音乐形象。其中黎戈莱托是最值得品味的一个人物。他是善与恶的共同体，狠毒与慈爱的复杂结合。不像一般作品中鲜明的善恶设定，黎戈莱托是以个人性十足的，让人又恨又怜的真实的小人物。在做恶时，他毫不手软，心狠手辣，但又只是为了自己的生存，在身不由己的同时渐渐习惯并麻木。但是，一旦涉及到自己的女儿，他又成了世界上最伟大的父亲，让每一个人都如此动容，那种不带一丝虚假的，纯粹的爱，成为黎戈莱托人性中最美丽的亮色。这种爱同样可以驱使他去雇人谋杀，爱在人性的矛盾中摇摆，爱在善恶之间成为刻骨铭心的特征。 这部歌剧的音乐和威尔第其它歌剧一样，声乐旋律起着主导作用。剧中的许多唱段都是世界名曲。第四幕中公爵的抒情歌《善变的女人》，节奏轻松活泼，音调花俏，就是这位情场能手的绝妙写照。于是这首歌很快就成为世界流行的歌曲。剧中还有许多世界著名的唱
音乐剧中的音乐赏析 音乐剧简介： 音乐剧（英语：Musical theater，简称 Musicals），又称为歌舞剧，是音乐、歌曲、舞蹈和对白结合的一种戏剧表演，剧中的幽默、讽刺、感伤、爱情、愤怒作为动人的组成部分，与剧情本身通过演员的语言，音乐和动作以及固定的演绎传达给观众。音乐剧熔戏剧、音乐、歌舞等于一炉，富于幽默情趣和喜剧色彩。它的音乐通俗易懂，因此很受大众的欢迎。 音乐剧是20世纪出现的一门新兴的综合舞台艺术，集歌、舞、剧为一体，广泛地采用了高科技的舞美技术，不断追求视觉效果和听觉效果的完美结合。同时，西方的音乐剧在百年多的商业表演经验中总结出了一套成功的市场运作手段，并且创作出一系列老少皆宜的优秀剧目，使这一艺术形式突破年龄、阶层等客观因素的局限，广受观众的喜爱。一些著名的音乐剧包括：奥克拉荷马、音乐之声、西区故事、悲惨世界、猫以及歌剧魅影等。 音乐剧在全世界各地都有上演，但演出最频密的地方是美国纽约市的百老汇和英国的伦敦西区。因此百老汇音乐剧这个称谓可以指在百老汇地区上演的音乐剧，又往往可是泛指所有近似百老汇风格的音乐剧。 随着我国经济的健康快速发展，人民群众对文化娱乐的需求也出现了多元变化，音乐剧这种新的艺术样式很快以其视听兼备、雅俗共赏的特质吸引了一批固定的并且正在不断扩大的受众人群。 音乐剧特点： 音乐剧的起源与发展：
音乐剧起源于西方民间艺术，由歌舞、说唱等形式综合而成。早在1775年，本达的《阿里阿德涅在纳克索斯》与1778年《美犹亚》已成为早期范例。菲比赫曾写过三部曲《希波达米亚》、R·施特劳斯的《伊诺克·阿登》、奥涅格的《火刑堆上的贞德》.布利斯的《早晨英雄》r这些作品在不同程度上为话剧加入了最有表达情感的音乐形式。早期最具音乐剧的代表作品应该是《黑骗子》它于1866年诞生。1943年上演的《俄克拉荷马》，1975年上演的《群众演员》和1982年在美国百老汇首次上演的《猫》剧是上座率最高、演出场次最多的音乐剧剧目。世界许多著名的作曲家都参与创作过属音乐剧范畴的音乐作品，如英国作曲家戈尔·亚历山大曾自己创办了音乐剧团，为他所创作的《那伯的葡萄园》、《影子戏》、《耶路撒冷奏鸣曲》等音乐剧进行演出还有苏格兰作曲家汉密尔顿·伊恩所创作的《法萨卢斯战役》，英国作曲家城维斯.彼得·马克斯韦尔的《狂王之歌》，勋伯格的《西贡小姐》。英国作曲家安德列·鲁得·韦伯创作的《日落大道》、音乐剧与话剧、古典歌剧及舞剧有着明显的区别。音乐剧的形式多样，可运用不同的表现手法和艺术形式，它借鉴了民间音乐素材、爵士乐风格、黑人说唱及民间舞蹈.踢踏舞、爵士舞甚至芭蓄等。 在歌唱方面，它不同于歌剧，音乐剧中可根据剧情的需要用不同演唱方法来加以演唱，如美声、通俗、民间说唱等。在舞蹈方面，音乐剧中的群众性的集体舞最为典型形式也十分多样，有古典芭蓄、民间舞、踢踏舞等。如《猫》剧，《西区故事》等不同形式的舞组合，形成其独特风格。 音乐剧的诞生，也许是由于一场“意外”，一场令人庆幸的“意外”——1866 年在美国，由威威廉．惠特里（Wil1iam Wheai1cy）制作了一台音乐通俗剧《黑骗子》,正苦于无人演出时，一个芭蕾舞团在美国作巡回演出时剧场被大火所烧，万般无奈又没有路费回家，只好为威廉上演了《黑骗子》。演出时音乐、戏剧和芭蕾舞在整台演出中交替进行，戏剧与舞蹈没有情节上的联系。尽管如此，这台演出竟出人意料地受到了观众的热烈欢迎。从此这样的一种演出模式便由此确立，有人以此为标志，来界定音乐剧在美国的诞生。 但是，音乐剧的诞生绝不是偶然的。它的诞生有着社会的、历史的原因：1、美国是一个“年轻”的移民国家，其历史不过300多年。而具有美国本土风格的音乐从形成至今，则不过200年的历史。因为美国音乐成熟较晚，在20世纪以前，完全受到欧洲音乐影响，只有在十九世纪末开始，才逐步形成真正具有独特美国风格的音乐。它从本质上来说是本土的民族音乐和外来音乐，尤其是欧洲音乐的融合，渗透而产生。由于美国音乐在二十世纪才完全成型，所以，美国需要一种完全属于“自己”的音乐形式，一种基于美国本土文化的表演形式。音乐剧就是在这个时候应运而生的。 2、欧洲移民将许多成熟的传统表演艺术形式带入了美国，如歌剧、芭蕾舞剧等等，为音乐剧的出现提供了“硬件”。早期的音乐剧，一方面接受了欧洲的不同风格的轻、喜歌剧甚至在歌厅舞厅表演的歌舞杂剧（Vaudevil1e）的影响；
分析威尔第的歌剧特点 摘要: 威尔第是着名的意大利歌剧作曲家,举世公认的歌剧大师,他的歌剧将人们内心的激情戏剧化,给人一种悲欢交织中的美感。本文以威尔第的歌剧为切入点,通过威尔第的阶级立场论述威尔第的思想及创作,并探讨其对意大利以及对整个世界歌剧史的影响。 关键词:威尔第;歌剧;特点 一、前言 歌剧是一种有音乐、戏剧、诗歌、舞蹈和舞台美术结合而成的综合艺术。在19世纪,意大利歌剧进入了一个繁盛的时期,最杰出的意大利歌剧作曲家威尔第为自己民族的歌剧艺术开创了一个新的时代。威尔第一生创作了三十部歌剧作品,他在继承意大利歌剧传统的基础上,从艺术创作的源泉与动力的革命性出发,构建了自己独特的艺术风格,取得了歌剧创作上的创造性的伟大艺术成就。 二、威尔第的生平及其代表作 威尔第,l813年10月10日出生于意大利小镇隆科莱,他从小热爱音乐,参加教堂的合唱团,随教堂的管风琴师学习音乐,并在乡村当管风琴手,显露了卓越的音乐才华。 他是世界最负盛名的意大利作曲家,从18年的开始创作第一部歌剧,他的歌剧创作生涯长达54年之久,在他的音乐中,沿用意大利美声唱法的传统,并且非常注意作品的歌唱性,使管弦乐的戏剧发展和声乐的鲜明旋律性完美地结合在一起。他的主要歌剧代表有《弄臣》、《游吟诗人》等,在晚期意大利歌剧史上留下了不可取代的作用。 三、威尔第歌剧的创作时期及其风格 威尔第的歌剧作品洋溢着炽热的情感旋律,其成就代表了意大利浪漫主义歌剧的高峰。他的歌剧创作历程犹如他坎坷不平的生命成长历程,他的作品在年代和创作思想上可划分为三个时期:19世纪四十年代是威尔第歌剧的早期创作, 19世纪的五十到七十年代是他歌剧的成熟时期,内容触及一定的社会问题,使他成为世界瞩目的大作曲家;19世纪的八十年代是其晚期的歌剧的创作时期,下面从三个时期来论述威尔第歌剧特点。 1、处于萌芽时期的早期创作 19世纪四十年代是意大利人民努力推翻法国和奥地利的统治,争取民族独立和统一的时期。受社会和家庭的影响,威尔第从小就有反侵略,反分裂的民
1.时代地域建筑文化背景： 这一时期的意大利建筑风格，有着明显的希腊、罗马建筑风格，加之受到政权更替、文艺思潮、舶来文化等多重影响，风格多变，而又独特。 主要有拜占庭式、罗马式、哥特式、巴洛克式建筑风格。 （1）拜占庭式建筑 “拜占庭”原是古希腊的一个城堡。后东罗马迁都至此，并被称为拜占庭帝国。拜占庭建筑，诞生于此。 拜占庭建筑，以古罗马建筑文化为基础，并汲取波斯、两河流域、叙利亚等东方文化而形成。 建筑的特点：屋顶造型普遍使用“穹窿顶”。整体造型中心突出，一般，圆穹顶为构图中心，周围绕此设置一些与之协调的小部件。集中式建筑形制，在方形平面的四边发券，在四个券之间砌筑以对角线为直径的穹顶，从而使内部空间获得了较大的自由。色彩富于变化又注意统一。 罗马式建筑 10～12世纪，流行于欧洲基督教流行地区，线条简单明快，造型厚重敦实。 建筑的特点：墙体巨大而厚实，墙面用连列小券，门宙洞口用同心多层小圆券，以减少沉重感。窗户、门、拱廊上都采取了半圆形的拱券结构。中厅大小柱有韵律地交替布置。窗口窄小。在建筑史上第一次成功地把高塔组织到建筑的完整构图之中。 哥特式建筑 11世纪下半叶起源于法国，13～15世纪流行于欧洲。 建筑的特点：尖塔高耸、尖形拱门、大窗户、彩色大玻璃。直升线条，外观雄伟，内部空间空阔。由石头的骨架券和飞扶壁组成。拱顶。 巴洛克式建筑 17-18世纪在意大利文艺复兴建筑基础上发展而来。 建筑的特征：外形自由，追求动态，装饰富丽，色彩强烈。富丽堂皇，装饰精美。标新立异，追求新奇。 2歌剧情节： 第一幕：开始是狂欢的宴会，曼图瓦公爵和贵族们寻欢作乐，公爵引诱漂亮的切普拉诺伯爵夫人。切普拉诺伯爵因此妒火中烧,驼背的弄臣利戈莱托嘲笑拉诺伯爵。伯爵马鲁洛,说弄臣也有个美丽的情人，大家惊奇不已。公爵想要得到伯爵夫人，弄臣助纣为虐。蒙特龙伯爵此时来谴责谴责公爵和弄臣污辱了他女儿并诅咒了利戈莱托。 利戈莱托路遇可以为钱卖命的刺客。回家见到女儿吉尔达，美丽，纯洁，是利戈莱托的世界、希望。美丽的吉尔达在父亲的保护下长大，却不知道父亲的名字，不知道母亲是谁。弄臣劝诫女儿绝不可外出,父女告别。公爵已化装成叫梅德的学生，向吉尔达示爱。吉尔达爱上公爵。 一群贵族，把吉尔达劫走。弄臣发现后，悲痛不已。 第二幕,贵族们说抓住了利戈莱托的情人,要献给公爵。利戈莱托找来了，吉尔达伤心地说自己失节。利戈莱托因此决心向公爵报仇。 第三幕, 在河边刺客家。刺客受到利戈莱托委托，杀死公爵。公爵去了客栈，又在调戏刺客妹妹，吉尔达见此伤心不已。刺客妹妹也爱上了公爵,她求哥哥不要杀他,将第一个敲门的人杀死而作为替死鬼。吉尔达为救公爵，女扮男装，被刺客杀死。 利戈莱托拿到刺客给的麻袋，却发现里面是吉尔达，痛不欲生。
欧洲歌剧 1.歌剧在意大利的起源 歌剧起源于巴洛克时期（1066-1750），最初是由意大利佛洛伦萨的一群人文主义者为了复兴希腊时期的戏剧传统而创造的音乐形式，其渊源除了古希腊戏剧还有世纪神秘剧、假面剧，最直接的起源是文艺复兴后期兴起的牧歌（madrigal）。1599年佩里创作的《达夫尼》（已亡佚）是目前所知的第一部歌剧，1600年他创作了《尤丽狄斯》是现存最早的歌剧。这两部歌剧已经有了咏叹调与宣叙调分工，但仍带有文艺复兴后期牧歌剧的人文主义气息，总体看来并不成熟。1607年蒙特维尔第创作的《奥菲欧》是第一部成意义上的近代歌剧，作者运用了相当近代化的管弦乐队为戏剧配乐，用不谐和音烘托气氛和展现矛盾。在他的歌剧里，独唱（宣叙调、咏叹调）、重唱、管弦队和舞蹈综合在一起为剧情服务。蒙特威尔第认为歌剧的音乐要表达人类深刻情感，并且要与歌词意义相吻合。鉴于他对歌剧这种体裁起的奠基性作用，蒙特威尔第被誉为“近代歌剧之父”。 此后兴起的是威尼斯歌剧学派。1637年威尼斯开放了第一家公共歌剧院—圣卡西亚诺剧院，使得这门艺术走出了少数贵族的沙龙，迎接一个更广泛的市民阶层的青睐。此后半个多世纪里，威尼斯前后开放了十几家歌剧院，一大批有才华的作曲家、剧作家为之谱曲、写脚本，比较有名的有切斯蒂、卡瓦利等人。这个时期的威尼斯歌剧场面有时奢华到了夸张的地步，开始运用灯光、道具、布景等手段衬托剧情。 与此同时，17世纪中期，以A·斯卡拉蒂为代表的那不勒斯学派也发展起来，并统治了意大利乐坛和欧洲舞台近一百年。这个乐派特别注重在歌剧中发挥人声美的作用，使声乐独唱水平空前提高，更加强了歌剧的主调风格（即与复调多旋律特点性对的单旋律风格）。当时的咏叹调已固定采用A—B—A的反复三段体形式，在第三段重复第一段音乐材料时，歌唱者可以随意添加装饰和花腔，以显示自己的歌喉和技巧。斯卡拉蒂的歌剧旋律优美亲切，选择不同的咏叹调表现不同的情绪。在重视人声的同时，他重视器乐的独立表现，采用高度程式化的作曲手法，剧情相似的剧目可以使用相同的配乐；首创了歌剧启幕前的器乐合奏—序曲（又称辛孚尼亚Sinfornia），由快—慢—快三部分组成。他树立的这种歌剧典范形式，被称为意大利正歌剧（opera seria）。正歌剧注重人声的特色导致了阉人歌手（即在童年被阉割的男歌手，嗓音高亢，华丽而具有弹性）在欧洲的广泛运用，但后来也出现了单纯追求“美声”的形式而忽略内容的倾向，最终走向了衰败（后来因为剧情雷同、单调，听众只听炫耀技巧的咏叹调，宣叙调一概不听）。 至于罗马歌剧，由于处于罗马教廷的心脏地带，教会的保守势力对其百般迫害，最致命的是1697年教皇英诺森十二世下令封闭并拆毁了罗马最大的一家歌剧院托尔·德·诺那（Tor di Nona）并宣布此后在教皇地内禁演歌剧，从此罗马歌剧一蹶不振。 2.法国早期歌剧的发展 法国歌剧的开山鼻祖无疑是让·巴蒂斯特·吕利（1632-1687)。此人原籍意大利后被贵族带到巴黎。他从宫廷乐手起家，几年之内就掌握了宫廷的歌剧上演的审批权，成了法国音乐界的国王。他很好的把意大利歌剧移植成为适应法国国情艺术形式，把当时法国宫廷崇尚的舞蹈（芭蕾）艺术融入歌剧，同时把法语诗优雅独特的韵味充分的用歌词表达出来，布景服装
威尔第 朱塞佩·威尔第（Giuseppe Verdi），意大利作曲家，出生于意大利北部布塞托附近的一个小酒馆经营者家庭。13岁开始学音乐，1832年投考米兰音乐院，未被录取，后留在米兰向斯卡拉歌剧院的音乐家（拉维尼亚）学习音乐。1842年，创作了他的第二部歌剧《那布科王》，演出异常成功，一跃而成意大利第一流作曲家。当时意大利正处于摆脱奥地利统治的革命浪潮之中，他以自己的歌剧作品《伦巴底人》（1848）、《厄尔南尼》（18744）、《阿尔济拉》（1846）、《列尼亚诺战役》（1849）以及革命歌曲等鼓舞人民起来斗争，因之获得“意大利革命的音乐大师”之称。共写了28部歌剧，7首合唱作品。 创作生涯 威尔第雕塑 第一时期 第一时期，40年代前后。这一时期是威尔第的成名期。威尔第在米兰开始了歌剧创作活动，参与了意大利人民反抗法、奥占领的爱国运动，创作了包括爱国英雄歌剧及爱国歌曲在内的一生中一半以上的歌剧。1839年初，威尔第夫妇移居米兰。同年11月，他的第一部歌剧《奥贝托》在斯卡拉歌剧院上演，观众和舆论给予了很高的评价。《奥贝托》虽然算不上是一部杰作，但在威尔第的创作生涯中有着重要的影响。《奥贝托》打开了威尔第闯进意大利歌剧界的大门。此后，他与斯卡拉歌剧院经理莫雷利签订了创作合同。斯卡拉歌剧院领导梅雷利邀请他写的三部歌剧1840年，其中第一部《王国的一天》一败涂地，又值他妻子和两个孩子相继病亡，曾经一度情绪低落。梅雷利又劝说他，给他看《纳布科》的台本，剧中的爱国主义热忱打动了威尔第的心。1842年3月9日，威尔第创作的以反映意大利民族主义情绪为主题的歌剧《纳布科》，在首演后大获成功，其中希伯来人合唱《飞吧思想，插上金色翅膀》令人热血沸腾，是威尔第艺术生涯中的第一块里程碑。并在威尔第逝世后的葬礼上被成千上万的人们吟唱。《纳布科》的成功，把威尔第引上了意大利歌剧之王的宝座。 第二时期
音乐剧《耶稣基督万世巨星》和《吉屋出租》之比较 音乐剧，是出现于西方并集音乐、歌曲、舞蹈和对白几种元素结合构成的一种戏剧式表演，因此又称作歌舞剧。它擅于用音乐和舞蹈肢体来传达人物的情感、故事的发展和戏剧的冲突。由于语言无法表达时还能用场景和肢体来呈现，因此在戏剧表达形式上它属于表现主义。与早期传统的歌剧相比音乐剧又有所不同，它经常会运用一些不同类型的流行音乐元素及流行音乐器乐来编制其唱法也不受美声的限制，此外还添加了更丰富的舞蹈肢体动作。。。。。。然而随着市场的需要音乐剧也一直在变化着，从早期十九世纪的轻歌剧、喜剧、黑人剧再到百老汇音乐剧等。 提起“百老汇”大家自然而然就会想到美国的戏剧。百老汇音乐剧的前身，实际就是黑人的游艺表演、滑稽剧、歌舞杂剧等等，它比较多的受爵士乐、摇摆乐的影响，其舞蹈也有独创的百老汇风格。可以说，是音乐剧把美国风格的爵士乐和与爵士乐配合得摇摆性很强的舞蹈成功地结合在一起的。在50、60年代百老汇音乐剧正处于全盛时期，它在强化歌唱、舞蹈、表演、剧情的有机综合功能方面又作了一系列的大胆创新（其中以《西城故事》为首）。在百老汇音乐剧中，还有不少优秀的摇滚音乐剧作品，如《毛发》、《耶稣基督万世巨星》、《艾薇塔》《租》等等。 《耶稣基督万世巨星》（简称《万世巨星》）仍取材与圣经中的故事。如果说《约瑟夫的神奇彩衣》是一则圣经童话，热闹纷呈轻松欢快，那么《万世巨星》就是对圣经与信仰的反思，也可以说是圣洁光环下的那抹阴影。毫无疑问，andrew Webber和Tim Rice这对“黄金拍档”的再次合作就已经为这部音乐剧奠定了一定的高度。 《万世巨星》主要讲述一群年轻人在以色列的沙漠和古迹之中上演一个以耶稣生平事迹为题材的摇滚音乐剧，在这部音乐剧中有“鬼才”之称的韦伯创新地将严肃的宗教故事和前卫的摇滚音乐联系了起来，可以说是一部艺术表现十分大胆、思想性也极为深刻的作品。剧中耶稣被人性化处理，比旧式圣经片给人更亲切的感觉。从表面看简直就是对传统的颠覆和反动——上帝的儿子耶稣不再时刻带着圣哲的光环，他有软弱，有动摇，更多的人性代替了神性；犹大卖主也不是出自贪婪，而是出自上帝安排的命运，自杀后的犹大穿着白袍带领一个天使唱诗班向耶稣提出几个哲学问题，耶稣竟然也不知道答案！冥冥之中无所不在的神旨之下,人性更加真实而又变幻莫测。 关于该剧的配乐，由英国摇滚歌手兼演员莫瑞海德(Murray Head)和摇滚名团"深紫"(Deep Purple)团员伊安吉兰(Ian Gillan)担纲的概念版专辑在美国一炮打红, 夺下了1971年2月"告示牌"专辑排行榜冠军.其中无数经典歌曲用惊人的魅力将“耶稣基督“——这么一个严肃的话题给带了出来。充满了新时代的力量，充满激情。比较许多其他的音乐剧来说，它更多的是一种震撼，一种可以带动观众一起去哼唱的感召力。例如插曲《我不知如何爱他》(I don’t know how to love Him)、《万世巨星》（superstar）等等。其中西门的演唱者是我犹为喜欢的，声音清亮，有一种很强的穿透感，当之无愧为乱民的首领。 虽然该作品是以摇滚乐为主导的音乐剧作品，但在《万世巨星jesus christ superstar》中还是听到了不少好听的舒缓歌曲。像其中的一首由Joanna Ampil演唱的《Everything's Alright》就让人印象非常深刻。在耶稣十分烦躁和犹大试图让耶稣醒悟的时候，她演唱了这首歌曲，让耶稣安静下来，睡一个好觉。全曲的歌词可以说是非常的简单，但在Joanna Ampil的口中却显示出了不一样的神韵。在观看完整个影片之后，我甚至能够哼唱出它的旋律，包括现在。 这么一出出经典的歌曲搭配上全部的剧情来看，绝对的美妙绝伦。当然，撇开背景不谈，即便单单作为一出摇滚音乐剧来欣赏，《万世巨星jesus christ superstar》
浅论歌剧《弄臣》四重唱音乐与戏剧完美结合【内容提要】重唱是一种声乐形式，注重立体音响效果，最能体现歌剧中的音乐戏剧性。本文对朱塞佩·威尔第的歌剧《弄臣》进行了分析，并且从艺术创作特征和创作原则等方面进行分析，并且采用歌剧演唱的方式进行了论述，对根据四重唱的戏剧性表达和表演要求进行了阐述，分析了歌剧四重唱的艺术特性，同时根据文献资料的研究比对论证了在歌剧中四重唱的重要作用。 【关键词】《弄臣》四重唱戏剧性艺术特征 四重唱是一种演唱形式，表现力极强，它实现了人声和乐器的完美结合，将高、中、低声部旋律与歌曲和声效果结合进行表演，颇具感染力和戏剧性，对于深入刻画人物内心世界和构造人物性格有重要意义。威尔第是意大利歌剧历史上著名的作曲家，而《弄臣》是他的代表作品之一。 一．歌剧《弄臣》的创作背景和作者简介 （一）歌剧《弄臣》的创作背景 《弄臣》是由朱塞佩·威尔第作曲的著名三幕歌剧，作为威尔第中期作品中的三大杰作之一，其意大利语的剧本由皮亚威根据雨果的讽刺戏剧《国王寻欢作乐》改变而成。 《弄臣》是威尔第的代表作品，也是歌剧历史上的一次突破，在剧目中他对主人公戈莱托进行了深刻生动的内心分析，并采用音乐的形式描绘了这一形象，将主人公的内心真实情感展现在人们面前，揭示了扭曲性格造成的人物性格特征。剧目中公爵演唱的《女人善变》是《弄臣》代表性的音乐作品，演唱宛转悠扬，旋律优美流畅，与公爵本身放荡不羁虚伪轻浮的性格相吻合。此外，在《弄臣》中还出现了《赞美你，美丽的爱神》这首歌剧历史上四大四重唱之一，将人物内心的情感烘托，戏剧性良好，凸显了人物形象，对性格描述有推动作用。 （二）歌剧《弄臣》的作者简介 朱塞佩·威尔第出生于1813年，他是意大利著名的歌剧作曲家，从十三岁开始就学习音乐，但是曾多次被米兰音乐学院拒之门外。在朱塞佩·威尔的一生
内容提要： 歌剧《唐.璜》是伟大的音乐家莫扎特的代表作品之一 ，歌剧中很多咏叹调已经成为人类歌唱艺术宝库中的经典，也是世界各国声乐教学中的重要教学内容。本文作者通过自身演出歌剧《唐.蟥》的经历以及对作品的分析，对莫扎特的歌剧思想、人物形象塑造以及艺术特点提出了自己的观点和看法，希望能对演绎莫扎特的歌剧作品提供一些有益的帮助。 关键词：莫扎特 歌剧思想 艺术特点 音乐表现 深远影响绪言 笔者在意大利威尼斯音乐学院读研期间，参加了意大利威尼斯凤凰歌剧院监制排演的歌剧《唐.蟥》的演出，在剧中饰演了主要角色。剧组分别在凤凰歌剧院、玛里布兰（MALIBRAN）和阿尔斯纳勒（ARSENALE）歌剧院进行了四场演出。为了塑造好角色，在半年多的排演过程中，笔者对歌剧《唐.璜》进行了深入研究。对这部歌剧的音乐形式、人物表现等都提升了认识高度，了解了莫扎特对《唐.璜》歌剧创作的音乐运用手法和艺术特点。 莫扎特是欧洲音乐史上伟大的作曲家之一，他对欧洲音乐的发展可以说是起到了巨大的作用。他年轻而卓越的一生创作了大量的音乐作品, 其中22部歌剧作品是莫扎特最重要的成就之一。说他是音乐天才、是神童，是因为他对音乐有着特殊的敏锐和灵感。他为生活创作了大量优美和欢乐的音乐，但也不难看出其中伤感和悲伤的影子，是那个时代给了音乐家坎坷多舜的命运。代表作歌剧《唐.璜》首演于1787年，它取材于西班牙的民间传说。剧中的主人公唐.璜是中世纪西班牙的一个专爱寻花问柳的胆大妄为的典型人物，他既厚颜无耻，但又机智勇敢、不信鬼神。他利用自己的魅力欺骗了许多妇女，但最终进了地狱。他虽然是反面人物，但又具有一些正面人物的特点。所有剧情都是围绕唐·璜和被唐.璜杀死的司令官而发展的。剧中通过贵族唐.璜这个矛盾的人物及其欺骗、损害妇女行为的可鄙下场，揭露了封建贵族的腐烂生活，同时又肯定了主人翁蔑视封建礼教，追求幸福的一面。莫扎特以细腻的音乐表现，赋予每个剧中角色栩栩如生的形象是这部歌剧成功的必然结果。 一、莫扎特的歌剧思想 通过歌剧《唐.璜》可以看出莫扎特在歌剧创作中是发挥音乐主导作用的。在刻画人物心理、性格、感情等方面用音乐赋予剧中每个角色以强烈的个性，并随着剧情的发展，以及人物所处环境的变迁又赋予其不同的音乐表现，把人物形象表现的淋漓尽致。莫扎特在创作中是本着一切服从音乐，以音乐为主的思想。他对歌剧音乐的主导思想通过他与许多与朋友的通信中就可以了解到：“在一出歌剧中间，诗必须绝对服从音乐。”又说：“音乐居于最高的主宰地位，叫人把旁的东西都忘了。”在他看来，歌词只是用来借题发挥音乐的材料，歌剧中所有人物的真实情感表现及性格特点，都是用来表现音乐的。这是音乐家对音乐特殊的理解，他说：“我不能用诗句或色彩表现我的感情和思想，因为我既非诗人，亦非画家。但我能用声音来表现，因为我是音乐家。”说的真好。他认为作曲家要运用一切尽可能运用的语言，完全通过音乐的表现，把剧情推向各个规定情节。他认为在音乐写作时所表现出来的激情可以“一个狂怒的人是越出一切界限的，他连自己都不认得自己了，所以音乐也应当变得面目全非。”是的，莫扎特是音乐家，他不是用诗歌来指挥音乐，而是要诗歌服从音乐。莫扎特的人生是真正的音乐人生，是纯粹的音 乐人生。他用音乐表现出来生命的音符，都是活灵活现且有血有肉的。他的任何一种用音乐表现出来的情感，都来自于心灵的诉说，这就是莫扎特的歌剧思想。 二、歌剧《唐.璜》的艺术特点 歌剧《唐.璜》从思想性和艺术性的层面上分析，有以下几个艺术特点： 1、剧中音乐在刻画人物心理活动及塑造人物形象上发挥着主导作用。正像上边所讲的，莫扎特在音乐的处理上，针对每个人的个性用不同的音乐来塑造，用音乐的表现形式使每个人都具有灵性，如同就在我们身边。 2、歌剧克服了和改变了意大利以往喜歌剧音乐中的那些卖弄、夸饰的滑音风格，以自己独有的气质和音乐风格，恰倒好处的音乐表现提高了歌剧的艺术品位。 3、利用大量的重唱形式加强了歌剧《唐.璜》的戏剧性。使剧情增强了矛盾的色彩，浓重地突出和渲染了剧情，使重唱这一有着高超技巧和非凡表现力的表演形式，细腻而深刻地刻画了在同一环境中不同人物的不同心理状态。 4、成功地使用中、低声部担任歌剧的主角。莫扎特在歌剧创作中非常善于使用中、低声部担任主角，例如功勋骑士司令官、滑稽的仆人莱波雷洛、马赛托以及剧中的主角唐璜都是男低音，特别是唐璜角色可以是男低音饰演，也可以是男中音饰演，这是音乐家莫扎特非常独到的一面。 5、从人物性格出发，还采用了意大利喜歌剧那种轻快、俏皮和急口令式的演唱风格，如咏叹调《夫人，请听我说》，使剧情更加戏剧化，增加了可看性 三、歌剧《唐璜》人物形象的塑造 这是充满一种勇敢精神的18世纪风俗喜剧，莫扎特把这部作品称为“二幕喜歌剧”。作品将讽刺与狂飙运动的思想融合在一起，以最快和最直接的写作手法直接切入主题情节。在第一场中出现了企图不轨的思想和行为，紧接着是挑战、决斗、和临终前的挣扎、对神灵的亵渎、罪犯的潜逃以及复仇的誓言等等，步步扣人心弦。在所有发生的事件中，都是以剧中人物唐璜为中心。唐.璜是一个富有浪漫主义色彩的人物，温柔多情，但一贯表现出贵族的傲慢态度，习惯于用他自己的方式行事，表现的是个反面人物，但似乎又使人与于同情。他冲破传统的束缚，蔑视社会道德，独自一人站在现实社会的对立面，所有的人物都围绕他而存在，突出了他的主角地位。 剧中唐.璜一共面对三个女主角。第一个女性是唐娜·埃尔维拉，在帷幕升起之前，她就被拐骗，而后又逃走。剧中表现了这个被侮辱的女性的愤怒，但她心地善良，想饶恕唐.璜，愿意拯救唐.璜，并劝说年轻的塞利娜同唐.璜在一起。这段乐曲是典型的巴洛克风格的咏叹调，这一严肃的音乐形式同整部歌剧表现的轻佻情调形成了鲜明的对比。 第二个女性是唐娜·安娜，她那充满情感的生活相当复杂。安娜的父亲死于唐.璜的剑下，在父亲被杀害之后，她表现出极大的义愤和子女对父辈之爱，发誓要追杀凶手为父报仇。她的未婚夫唐.奥塔维奥参与了这一行动。唐·奥塔维奥是剧中维护合法爱情传统的唯一角色，他反对放荡不羁的行为。他的两段男高音咏叹调《来自他的沉默》和《我的心肝宝贝》非常抒情动听。 第三个女性是塞利娜，天真和轻浮全部集中在她身上，她忠诚于自己的新婚丈夫，但对唐.璜殷勤讨好也感到欢欣。塞利娜具 从歌剧《唐.璜》看莫扎特歌剧的艺术特点 文/李明月 2010年 第 11 期
音乐剧《悲惨世界》赏析 看了一场音乐剧《悲惨世界》，从未看过音乐剧的我，居然没想到音乐剧会有这么大的魅力，撼动人心的情节、波澜壮阔的音乐和变化无穷的舞美，让我为之震撼，一种久违的来自心灵深处震撼瞬间传遍了全身，感动经久不息。人生中会有无数次的感动，但你永远不知道下一次会什么时候到来，所以最美。 我实在没想到一部音乐剧居然有这么强的感染力，但意料之外的事情往往也在情理之中，有这么好的舞台灯光、音乐设备，有这么强的阵容齐聚，可谓是一场净化心灵的视听盛宴。 首先，在音乐上 《悲惨世界》音乐整体气势恢宏，大气磅礴，富有史诗般的色彩，配乐是以古典乐为基础的，营造出了一种磅礴而深沉的气势，与剧中所表达的主题非常符合。 在音乐剧《悲惨世界》中，全新的音乐并不很多，而且旋律很简单。而正是因此，才更显出作曲家超凡的创作才能，用很少的素材就能将雨果笔下的鸿篇巨著诠释地如此细腻深刻。旋律简单不仅是为了好唱、好听，而且容易让观众理解和记忆，从而受到广大观众的喜爱。 在《悲惨世界》中，每一个人物都有一种性格，这种性格可以用音乐表现出来，剧中不同人物的演唱曲调总有不同的音乐主题性，比如芳汀的主题、冉阿让主题、沙威的音乐主题等。通过不同主题来突显出人物鲜明的性格，人物的不同性格与各自的命运，冉阿让经过苦难磨练而对上帝的深沉
敬仰，芳婷的纯洁与软弱，沙威的威严与冷酷，都很好的表现出来。总的来说，背景音乐对于剧情的发展起了推动作用，当剧情发生变化，背景音乐也随之变化，并且反映了剧情的内容。 音乐片段《At the End of the Day 》，这首曲子的节奏很快，演员们的词也都很多，但同样的曲调、同样的节奏在两类人的演绎下表现出了不同的感觉。音乐片段《Castle on a Cloud 》空灵般的歌曲这部音乐剧中最振奋人心的音乐，最后尾声时将全场气氛推向了高潮的《Do You Hear the People Sing 》，比如酒馆老板有着喜剧感的节奏不禁让人随着节奏摇摆起来的《Master of the House 》，比如被真挚感情深深地打动人心的珂赛特、马吕斯、爱波宁互诉衷肠的《In My Life 》，比如爱波宁独诉相思之苦的《On My Own》；比如爱波宁为革命牺牲时在马吕斯怀里与马吕斯对唱的催人泪下的《A Little Fall of Rain 》，比如《Do You Hear the People Sing 》让 人在悲惨的世界也存有希望。这些歌曲生动地刻画出了一个个鲜活的形象，仿佛活生生地站在观众面前，令人爱的，令人恨的，令人不屑的，令人同情的??所有这些构成了这部经典的音乐剧。 在人物上在《悲》剧中，剧中的人物也在演员的完美演绎下给我留下了深刻的印象。尚万强的善良令我为之动容，他在大战前夕祈祷上苍保佑 养女珂赛特的爱人马吕斯的独唱《让我死，让他活》，其神情之恳切、旋律之优美，令人过耳难忘。还有，当被寄养在德纳第夫妇家中已5 年的珂赛特在为自己的悲惨命运吟唱时，我也流下了同情的泪水。珂赛特终日受到非人的虐待，但剥削她的黑心肠的夫妇却对自己的两个女儿疼爱有佳。可
弄臣（维克赛尔、格鲁贝洛娃、帕瓦洛蒂）赏析 化学与分子科学学院岑思莹2012301040104 《弄臣》的剧本是意大利著名作家皮亚威根据法国文学巨匠维克多·雨果的讽刺戏剧《国王寻欢作乐》改编而成，音乐的创作则由“意大利歌剧大师”威尔第创作。雨果的原作以描写荒淫无度的宫廷生活为主，旨在抨击封建君主专制制度。在歌剧的创作上，《弄臣》大体上忠于原作，主要还是揭露君主王朝统治下的荒淫无道的生活。与传统意大利歌剧相比，它不仅在剧本上脱离了剧情简单、人物面谱化的窠臼，而且在音乐创作上也取得了大胆突破。此外，它还通过增加剧中的主要角色，丰富了歌剧的表演效果，使歌剧有了更大的发展想象空间，具有很高的艺术价值。 1、建筑文化 伴随着频繁的政权更替和文艺思潮的演进，加上舶来文化的影响，意大利的建筑呈现出丰富多变的风格和别样的独特风韵。各种流派在这里汇聚、交替、融合，为意大利的建筑历史打上不可磨灭的印记。 a.拜占庭式建筑（Byzantine Architecture） “拜占庭”原是古希腊的一个城堡。公元395年，显赫一时的罗马帝国分裂为东、西两个国家。西罗马的首都仍在当时的罗马，而东罗马则将首都迁至拜占庭，其国家也就顺其迁移被称为拜占庭帝国。拜占庭建筑，就是诞生于这一时期的拜占庭帝国的一种建筑文化。 b.罗马式建筑（Roman architecture） 罗马式建筑是10～12世纪欧洲基督教流行地区的一种建筑风格，特征是线条简单明快，造型厚重敦实，部分建筑具有封建城堡的特征，是教会威力的化身。 c.哥特式建筑是11世纪下半叶起源于法国，13～15世纪流行于欧洲的一种建筑风格。主要见于天主教堂，也影响到世俗建筑。 d.巴洛克式建筑（Baroque Architecture） 巴洛克一词的原意是奇异古怪，古典主义者用它来称呼这种被认为是离经叛道的建筑风格。巴洛克建筑是17-18世纪在意大利文艺复兴建筑基础上发展起来的一种建筑和装饰风格，特点是外形自由，追求动态，喜好富丽的装饰和雕刻、强烈的色彩，常用穿插的曲面和椭圆形空间，这种风格在反对僵化的古典形式、追求自由奔放的格调和表达世俗情趣等方面起了重要作用。 2、歌剧情节 第一幕 第一场：宫中别殿 曼都瓦公爵在自己的寝宫举行舞会。公爵心中虽然想着在教堂见到的神秘美女（吉尔达），但他却开始追求西布兰诺伯爵夫人。事实上公爵跟不少朝臣的妻子都有染；他们更绿帽戴上头，弄臣因此嘲笑与会的贵族，并担心自己的夫人被侮辱，建议公爵将他们投入监狱或处死，以免扫兴。与会贵族都将仇恨发泄到弄臣身上，蒙特罗内伯爵更因女儿曾被公爵侮辱，而诅咒了弄臣。 第二场：街上 弄臣对蒙特罗伯爵的诅咒耿耿于怀，但弄臣却在回家的路上，遇到一位名叫斯巴