浅谈伦勃朗画面的光影艺术和内在精神
专业：美术学班级：0901班姓名：荆丹
指导教师：张宪英
摘要：本文主要分析西方著名的用光大师伦勃朗绘画光影的独特处理方式和效果，从中揭示他通过“明暗法”运用光影如何增强画面可塑性，营造画面生动的气氛，内在精神以及通过光影艺术所传递的内在精神。
关键词：绘画，光影，明暗法，独创性，精神
第一章伦勃朗的生平和所处时代背景。
荷兰伟大的艺术家伦勃朗一生经历坎坷，勇敢坚定的坚持现实主义的创作道路，为欧洲现实主义艺术的发展做出及其光辉的贡献。也使17世纪的荷兰绘画在世界美术史上放出夺目的光彩，被称为世界现实主义艺术大师，他的一生创作以描绘肖像，日常生活场景和风俗画为主，创作了许多不朽的名作，在他的油画作品中已明显突显出他在光影方面的独到建树。
伦勃朗出生于荷兰的最底层，从小就具有艺术天分，在磨坊中和转动的风车里，便感受到光影的神奇，而且一生都致力于光影在绘画中的独特变化。1634年，伦勃朗和莎士基亚结婚。30年代是伦勃朗生活中最幸福顺利的10年，也是他创作上获得丰收的10年。他把几乎所有的精力都放在油画创作之中，不停地探索和表达，把绘画当成他一生的追求。晚年时他的艺术和社会不断滋长的庸俗趣味发生冲突，而且加上他生活窘迫，债务缠身，但他并没有放弃对于绘画的热爱，始终以超乎寻常的潜能，在挫折中更促使其艺术的完美表达，他把对光影的在绘画中的表达发挥的淋漓尽致，他的绘画艺术在他去世后逐渐为世人所认可和欣赏，被称为欧洲油画界的“光影大师”。
第二章研究伦勃朗绘画中光影艺术
第一节解析伦勃朗绘画的光影特点
在伦勃朗的油画作品中，他对光影的处理与运用上继承并发展了卡拉瓦乔的
“明暗法”，与卡拉瓦乔相比，伦勃朗更加注重表现人物的性格特征和内心世界，将作品中的自然主义和抒情成分融为一体，善于以光影为主，将刻画的事物统一在既和谐又完美的艺术形式之中，从而使笔下的人物产生一种特殊的光影效果。伦勃朗对于光影在绘画领域的探索有独到的见解，对光的运用物体空间主次的处理，都是与其创作思想不可分开的一体，有着强烈的主观感情色彩。可以说已经达到出神入化的艺术境界，在创作手法上与传统绘画风格有所不同。
在他看来，应该在遵守自然光影规律的基础上，对物体空间主次的安排，光的运用方面以自己的意图为依据，都是主观而非客观的，是为了创作思想的需要而进行艺术处理。伦勃朗对绘画的光影处理方式独出心裁，他在油画创作时，绘画中的光照都集中在主要物体的突出部位，而其他次要形象则处理在似有若无的阴影中。据专家测算，伦勃朗对于光色在在画面上的分布，最亮的部分占整幅画的八分之一，阴影部分同样也占八分之一，其余是大量的丰富透明的中间调子。这种特殊光影的布局，不仅拓宽了画面的空间，使画面的二维空间延伸到无限的宏观思维，增强了画面的灵动感。而且使画面的构图主次更加分明，形成了统一的绘画法则。
第二节光影所传递的艺术美
伦勃朗把画面中的光影作为艺术的灵魂，它能唤起我们视觉经验的愉悦，就像一首动人的曲子，引导我们按照它的秩序感应它的节奏。伦勃朗对于油画光影的独创性，在欧洲油画发展史上是无与伦比的，这种艺术之光可以说是超越于自然之上的。
在绘画中，虚与实的对比是很关键的艺术处理方法，虚实关系的恰当处理不仅对画面空间的纵深起到重要作用，而且对绘画作品的艺术品位和格调都有一定的提高。伦勃朗画面上的光影表现不是一成不变的，是和环境气氛融合在一起的，营造了一种丰富多变，情趣相生的画面，他把构图，形体，色彩，质感与光影巧妙的结合，使整个画面在光影的渲染下，形成了一种由虚到实，由小到大，由繁到简的井然有序的统一节奏。他用光影主导着整个画面的情绪和感觉，并且运用的恰到好处，光衔接的如此流畅自然，虚与实的过度也很和谐，没有一点不合理之处。
伦勃朗的画中往往只有很小的一部分运用到亮光，大部分是利用暗部的阴影
来烘托，再用恰当的中间色调去过渡和传递，这样才能使亮部形象在光影的衬托下，突显出来。有这种技巧所营造出的空间整体气氛使人们感受到光与影的复杂性以及由此延伸出的震撼人心的虚实美。
光影在伦勃朗画面中起到很关键的作用，主体形象在光影的照耀和衬托下便成为画中的生命。他为了加强主题的放射效果，往往将画面最明亮部分的一切细节全部删掉，把光凝聚在形象最美，最特殊的区域，让观者的视觉集中到画面中心，从而使观者被光影所衬托起的主体形象的美丽所打动。在技法上，伦勃朗采用超乎寻常的厚涂法，在光照集中的亮部采用特别厚的颜料堆起来，而其他部分则采用透明的润色方式，并常常根据光的强弱或多或少的使轮廓线隐没在背景的空间中，在亮部的用色之厚使主题部分很突出。在光照部分用笔触常常采用在润色上加枯笔的方法，使整个画面像是处在光颤动的闪烁中。这种厚涂法，不仅塑造了物象的质感，而使画面物象具有可触性，而且加强了画面的空间效果。伦勃朗的群体肖像《夜巡》采用的就是强烈的”明暗对比法”,最吸引人你的地方就是它的光与影，画面描绘的是联队成员因执行一件紧急任务而即将出发前的情景。28名成人和3个大人以非常规的的形式分布于画面，让人物处在光影对比的调度中，形成一种无序的动态感。为了营造出非常逼真的舞台效果，用一束明亮的白光，照在画面中心的主要人物的身上，并在左侧放置了一个辅助光源增加了第二个层次并丰富了画面，使大量次要细节处理虚化在中间色调中。画面中的许多人物形体和武器的沉浸在若隐若现的阴影中，这种光线的运用增强了各部分的关联和层次感。整幅作品艺术构想大胆巧妙，光影的使用更是耀眼生动，光与技法的完美结合使绘画的艺术效果达到了极限。
第三章解析伦勃朗油画中的光影艺术的内在精神
伦勃朗画笔下的光影明暗无论奏出的是多么响亮的强音，都无法掩盖画家的内在精神气息所散发的直逼人的气势，在伦勃朗的光中蕴含着正是层叠的浓郁的笔触下其坚实的精神内涵。在伦勃朗的油画中，不只是在营造画面氛围和空间，也在诠释人性的内涵。贯穿伦勃朗整个一生的宏愿是，将人类情感以一种由眼可见的形式表现出来。由此可见伦勃朗用自己的图示和语言来表现人类情感和内心世界，他的作品在运用光影，诠释人性方面堪称一绝。《夜巡》不仅有着独特和卓越的艺术表现力，而且还被赋予了某种精神意义，他绝不是想让画中的人物以
个体出现，而是为整件有意义的事件所服务的，通过对于人物表情和动态之间由内到外敏锐的观察和高度的概括能力发挥出来，让画面中的每个人都和即将出发前的那个躁动不安的情境紧密的联系在一起。就以画面中间的女孩为例，她的出现就像她的着装一样，以当时的任意一个标准来看都是非常新奇和开放的，伦勃朗正是特意用这种特殊的光影和穿插来营造画面气氛，给后人留下无数的灵感和遐想。尤其是神秘的，介于确定与不确定之间的心里气氛—来暗示人类精神。
他借助空气，光线，阴影等不可触摸的视觉特性，来唤起人们心灵深处的神秘，揭示人性的美。伦勃朗的光影艺术在揭示人物思想方面是独一无二的。在光影的剖析下，人物的外表细节全部被解化了，袒露出人性的灵魂和精髓。他画中的主人翁不只是在思想，同时还在倾诉自己心灵深处的低诉。在《詹西克斯的画像》中伦勃朗的用光是弱美而温暖的，是一种由下而上的慢射光感，最终定格到詹西克斯的脸上，人物神情微妙，眼神亲切，仿佛这位阿姆斯特丹的市长正在听取市民的倾诉，难怪德国艺术家卡尔纽曼在描述该作品时称画中的人物充满了“思想”
伦勃朗在人物的描写中用光是灵活多变的，他完全是凭借揭示人物精神内涵和思想深度的需要来决定的，为了达到目的，他的用光有时采用顶光，侧光，聚光，有时则是底光，有的用光由中心向旁边延伸，有时则是由旁边向中心聚拢，在描述真善美时，他选用柔和温暖的光，刻画人间苦难时他用昏暗的光；再现暴力，丑恶时，他用聚射光，表现宗教的神秘时，则用弥漫光。伦勃朗在描绘普通劳动人民时比他的文艺复兴前辈更富于温暖的感情和深厚的人道精神，即使是宗教和神话题材的作品也充满人间的生活气息。他常把严肃的宗教题材代之以人间的真实环境和场景来表现，将丰富温暖的人性情感和朴素鲜活的外形赋予教义中的神。
宗教和神话在本质上是表达了现实世界人的理想追求,是一种精神寄托,属于与现实的世界相对立的“精神”世界,伦勃朗对这一“精神”世界题材的把握,则是以一个可感知的“物质”的、现实的世界来表现的。当然,回溯伦勃朗一生艺术的历程,我们不难发现,其实伦勃朗一生的艺术风格是变化的,伦勃朗艺术中的“精神”主题的面貌不是一以贯之的,而是一个由外而内的过程在伦勃朗的宗教绘画中，不仅能看出他独特的光影效应，而且他的宗教题材
的作品都带着浓烈的神秘气息，并且注入了人间的真实情感。伦勃朗一生经历苦难，二度丧妻，在艰难困境中儿子离去，晚年孤苦伶仃，饱受人生的坎坷，世态的炎凉。这种浓厚的人文主义情怀深深扎根在他的艺术创作中，在对宗教的领悟方面，可以说伦勃朗是用自己的生命感知宗教，解读圣经。因此他感觉到天主不是与人同在，而是离人间越来越远，越来越神秘。所以在他的宗教绘画里，在用光上不是阳光普照，而是深沉，忧郁，带有神秘的不可知性。光似乎都很突然，光线从哪里来，没有明确的示意，都带有神秘的色彩，好像《圣经》上说的：“要有光就有了光”纵观伦勃朗的宗教绘画，我们可以悟出这样一个道理，光是上苍给的，光创造了世界上所有的生命，而光线所及的范围之外，一切是不存在的，是虚无的。这种气息让观赏者强烈的感到，所见之物只不过是从虚无中浮现出来的，而人类的视觉，思想所能关照的则是有限的。
伦勃朗油画在用光上所传递出的神秘的宗教意味，虽然难以用文字来解析，但对我们却极具耐人寻味的魅力。
第四章结语
有人说伦勃朗的光是从人或物体里面发出来的，是心灵之光，他主动而谨慎的用光，光线若隐若现般的在画面上起伏转折，意蕴深邃，并且富有节奏感。小结：如果说同时代的画家用光的效果可以用现代高科技电脑仿制出来，那么伦勃朗的用光效果可以从我国一句古话中套用，“此光只应天上有.”是任何技巧都无法模仿出来的。伦勃朗艺术所给予我们的是高度的审美满足和创造启示，他创造的成熟，精渗的艺术语言，高品格的精神性与高品格的绘画性在他手下统一而不可分，在光影的变化中再现出一种内在的精神，在威尼斯绘画体系乃至整个艺术史中，伦勃朗是个难以逾越的高峰。
中国传统绘画的主要种类。从美术史的角度讲，民国以前的国画我们都统称为古画。中国画在古代无确定名称，一般称之为丹青，主要指的是画在绢、宣纸、帛上并加以装裱的卷轴画。近现代以来为区别于西方输入的油画（又称西洋画）等外国绘画而称之为中国画，简称“国画”。它是用中国所独有的毛笔、水墨和颜料，依照长期形成的表现形式及艺术法则而创作出的绘画。中国画按其使用材料和表现方法，又可细分为水墨画、重彩、浅绛、工笔、写意、白描等；按其题材又有人物画、山水画、花鸟画等。中国画的画幅形式较为多样，横向展开的有长卷（又称手卷）、横披，纵向展开的有条幅、中堂，盈尺大小的有册页、斗方，画在扇面上面的有折扇、团扇等。中国画在思想内容和艺术创作上，反映了中华民族的社会意识和审美情趣，集中体现了中国人对自然、社会及与之相关联的政治、哲学、宗教、道德、文艺等方面的认识。 国画在世界美术领域中自成体系。按表现对象大致可分为；人物，山水、界画、花卉、瓜果、翎毛、走兽、虫鱼等画科；按表现方法有工笔、写意、钩勒、设色、水墨等技法形式，设色又可分为金碧、大小青绿，没骨、泼彩、淡彩、浅绛等几种 水墨画 中国画的一种。指纯用水墨所作之画。基本要素有三：单纯性、象征性、自然性。相传始于唐代，成于五代，盛于宋元，明清及近代以来续有发展。以笔法为主导，充分发挥墨法的功能。“墨即是色”，指墨的浓淡变化就是色的层次变化，“墨分五彩”，指色彩缤纷可以用多层次的水墨色度代替之。北宋沈括《图画歌》云：“江南董源传巨然，淡墨轻岚为一体。”就是说的水墨画。唐宋人画山水多湿笔，出现“水晕墨章”之效，元人始用干笔，墨色更多变化，有“如兼五彩”的艺术效果。唐代王维对画体提出“水墨为上”，后人宗之。长期以来水墨画在中国绘画史上占着重要地位。 院体画 简称“院体”、“院画”，中国画的一种。一般指宋代翰林图画院及其后宫廷画家比较工致一路的绘画。亦有专指南宋画院作品，或泛指非宫廷画家而效法南宋画院风格之作。这类作品为迎合帝王宫廷需要，多以花鸟、山水，宫廷生活及宗教内容为题材，作画讲究法度，重视形神兼备，风格华丽细腻。因时代好尚和画家擅长有异，故画风不尽相同而各具特点。鲁迅说：“宋的院画，萎靡柔媚之处当舍，周密不苟之处是可取的。”（《且介亭杂文·论“旧形式的采用”》）以张铨、江宏伟、贾广键、赵蓓欣、喻慧等为代表的现代中青年画家为现代院体画的发展作出了一定的贡献。 文人画 亦称“士夫画”。中国画的一种。泛指中国封建社会中文人、士大夫所作之画。以别于民间画工和宫廷画院职业画家的绘画，北宋苏轼提出“士夫画”，明代董其昌称道“文人之画”，以唐代王维为其创始者，并目为南宗之祖（参见“南北宗”）。但旧时也往往借以抬高士大夫阶层的绘画艺术，鄙视民间画工及院体画家。唐代张彦远在《历代名画记》曾说：“自古善画者，莫非衣冠贵胄，逸士高人，非闾阎之所能为也。”此说影响甚久。近代陈衡恪则认为“文人画有四个要素：人品、学问、才情和思想，具此四者，乃能完善。”通常“文人画”多取材于山水、花鸟、梅兰竹菊和木石等，借以发抒“性灵”或个人抱负，间亦寓有对民族压迫或对腐朽政治的愤懑之情。他们标举“士气”、“逸品”，崇尚品藻，讲求笔墨情趣，脱略形似，强
第四章审美的心理要素 我们说，人的审美活动，是一种特殊的心理活动，审美过程不可避免地总要遵循一般心理活动的规律，在这里，我们对审美中比较突出的诸如感知、想象、情感、领悟等心理要素做一番探讨。 一、感知 人们的审美活动，总是离不开具体的审美对象。面对一个审美对象，欣赏者的第一项任务，就是通过自己的审美感官去接触对象、感知对象，即用眼睛去观赏它的形状和色彩，用耳朵去倾听它各种各样的声音，也就是说，凭着自己的感知，去获得关于这个对象的比较完整的第一印象。如果把人对美的整个欣赏过程，看作是一次长途旅行的话，那么，感觉和知觉（通称感知）就是这次旅行中所达到的第一个站点。第一个站点固然不能看作旅行的全过程，但它却是全程的一个开端，对以后的行程有着重要的影响。同样，人的审美感知尽管对于美的感受还具有某些直觉的性质，在审美活动的整个过程中，也还只是停留在一般的感性阶段上，但是，它对后面即将产生的情感活动、想象活动、领悟活动等，都有着非常直接的影响。可见，研究审美感知的特点，对于我们掌握审美活动的规律，乃至于从事艺术美的创造，都是非常必要的。 那么，审美感知具有哪些特点呢？审美感知首先具有选择性的特点。 （一）感知的选择性 按照唯物主义认识论的观点，客观世界是丰富多彩，也是瞬息万变的。我们每一个人，由于主观条件的限制，不可能在同一瞬间去把握所有的对象。当许多事物朝你纷至沓来的时候，你必然会根据自己的需要有所选择，有所舍弃，把其中的少数事物作为自己的感知对象，而其余部分则统统作为对象的背景而弃置一旁。这就是感知的选择性问题。 格式塔心理学派认为，人在感知客观事物时，必须遵循一条“图形---背景关系”的原则。“图形”就是主体所感知的对象，“背景”就是与“图形”同时存在的其它事物。人要感知某一对象就必须把它从背景中突出出来才行。因此，所谓感知的选择性，就是对象从背景中突出。在审美活动中也是如此，比如，唐代大诗人李白于“烟花三月”的季节，在黄鹤楼送别挚友孟浩然去扬州。按理说，这是春游活动的大好时光，但此时此刻的李白，他所注意的只是渐渐远去的孤帆，孤帆消失后，他所看到的也还只是向天际滚滚东流的长江，而至于烂漫的春色，雄伟的黄鹤楼，以及长江两岸的辽阔原野和头顶的蓝天白云，都被他忽视了。（《黄鹤楼送孟浩然之广陵》：故人西辞黄鹤楼，烟花三月下扬州，孤帆远影碧空尽，唯见长江天际流。） 我们说，在众多的事物面前，究竟把什么作为自己的感知对象，又把什么作为这个对象的背景，这完全取决于主客双方的具体条件。首先是主体的需要，其次是对象是否符合主体的需要，如果双方一致，这个对象就可以选定了。比如，在长篇小说《儒林外史》中，多处写到众人游西湖的场面。游客们所注意的当然是西子湖美丽的湖光山色；朝山进香的善男信女所注意的是坐落在湖畔的大殿古庙；饥肠辘辘的马二先生注意的却是饭馆里“滚热的蹄子”和“极大的馒头”。可见，由于西湖本身包含着许多方面的属性，不同的人可以按照自己的需要，把其中的某一方面作为自己的感知对象，而把其它的方面作为这个对象的背景。即使作为一个游客，也不可能把整个西湖的大小美景，一下子统统收入眼底，他只能按照时间和地点的顺序，一处一处地去观赏它。 感知的对象和背景，也不是固定不变的，它们可以相互转换。转换的原因当然还是主客双方的具体条件。比如，曾在神像面前顶礼膜拜的信徒，当他们了却了祭神的心愿之后，也会一出庙门兴致勃勃地去观赏一下美丽的西湖景色。 审美活动中，感知具有选择性，这就给美的创造特别是给艺术美的创造提出了具体的
浅谈伦勃朗绘画中材料和技法对当代油画教学的影响 以伦勃朗为代表的古典油画透明、细腻而又不失厚重，历来都以它独特的魅力吸引着无数观者的眼球。怎样更好地学习和研究古典油画技法是教学中经常探讨的问题，也是本文探讨的主要内容。 标签：伦勃朗；油画材料；油画技法；油画教学 伦勃朗·范·莱茵1616年出生于莱顿城，是17世纪荷兰乃至艺术史上最重要、最具开创性的艺术家之一。他在17世纪20年代早期曾在莱顿当地的一位画家手下接受初步艺术训练，此后便与阿姆斯特丹历史画家彼得-拉斯曼共同度过了对他影响深远的6个月。伦勃朗是改变艺术史上人物肖像绘画的一位先驱，他的绘画并不是表面地描绘人物的外貌，更重要的是他的画作中有对人物内心和精神世界的探索，他一生画过100多幅自画像，是画自画像最多的一位画家，可以说他在用这样的方式不断地去探寻自己的内心。伦勃朗和利文斯的部分绘画能使我们更好地了解他们早期的风格，他们对于自画像、穿着外国衣饰的人像、光与影的极致使用，让我们领略到了其艺术尝试与开拓的过程。 伦勃朗比自古以来的任何艺术家都注重对人物面部的描绘，因为他能看到更多、更细，而这都出自他的内心。中国人说绘画创作需要三件东西：眼、手、心。我觉得这个洞察十分准确，这三者缺一不可，伦勃朗的每一幅作品都与这句话的精髓相呼应，都是眼、手、心的完美协作。 伦勃朗的作品大多关注肖像与历史题材，伦勃朗的绘画技巧十分高超，包括光与影的强烈对比，丰富的颜色组合，同时伦勃朗也具有将历史题材转化为普通人日常经历的技法。 通过对以下伦勃朗绘画的几个方面的研究，可以更深刻的了解伦勃朗的绘画技法。 一、使用的调色油 伦勃朗使用的调色油是很浓的胶状调色油，很黏稠且干得很快。伦勃朗非常突出他画阴影处的高凸部分，以此来体现画的立体感。伦勃朗的画中阴影处呈透明黑色，光区和阴影区色彩厚度相同但不透明，调色油易干的特性，使整个画面笔触很明显。虽然伦勃朗的每一笔都令人感到他的得心应手，但整幅画却给人一种艰难完成的绘画效果。伦勃朗没有鲁本斯的绘画天才，他总是在画快要干了，且已适于用画笔上色时才开始修改自己的画。所以伦勃朗的画会给人一种先画好后再艰难修改画面的感觉，好像用画刷拉黏液的感觉。这种感觉在画中光区更为明显。 二、伦勃朗的油画底
目录 绪论章单元测试1 第一章章单元测试2 第二章章单元测试绘画4 第三章章单元测试5 第三章单元测试雕塑5 第四章章单元测试建筑7 第五章章单元测试8 第五章单元测试设计8 第六章章单元测试8 第六章书法8 第七章章单元测试音乐9 第八章章单元测试舞蹈10 第九章章单元测试戏剧12 第十章章单元测试电影13 第十一章章单元测试摄影13 第十二章章单元测试宗教14 第十三章美育14 第十四章章单元测试中华美学精神15 绪论章单元测试 1 【单选题】(20分) 下面哪一项关于人生境界的说法不正确？ D.一个人的人生境界，只会反映在超功利的人生层面上。 一个人的人生境界会体现在日常生活、工作、审美等层面上，其中，前两者都是功利层面，只有最后一种是超功利层面。 2 【单选题】(20分) 下列选项中，哪一项人物与其评语匹配错误？ C.柳比歇夫——把科研成果进行商业开发的天才； 3 【单选题】(20分) 美育可以激发和强化人的创造冲动，培养和发展人的审美直觉和想象力，下面哪一种说法不妥当？
C.不仅智育是在理智的、逻辑的框架内进行的，美育亦是； 智育一般都是在理智的、逻辑的框架内进行的，而美育则培养想象力和直观洞察力。 4 【多选题】(20分) 科学研究中新的发现不是靠逻辑推论，而是靠一种直觉和想象力，下面哪些言论能够证明这一点？ B.爱因斯坦说：“想象力比知识更重要”； C.彭加勒说：“逻辑是证明的工具，直觉是发现的工具”； 5 【多选题】(20分) 20世纪最后二三十年，世界各国的经济发展出现了许多新的特点和新的趋势。这些新的特点和新趋势，要求我们的生产部门、流通部门、管理部门的工作人员以及各级政府官员要有： A.经济的头脑； B.技术的眼光； C.文化的头脑； D.美学的眼光。 第一章章单元测试 1 【单选题】(10分) 《艺术与错觉》一书的作者是？ C.恩斯特·贡布里希 《艺术与错觉》的作者是英国艺术理论家恩斯特·贡布里希（学生如只回答贡布里希或冈布里奇，也算对），出版于1960年。该书是西方艺术理论界的名著之一。 2 【单选题】(10分) 符合西方历史上的艺术理念论所主张的观念是？ C.艺术呈现客观精神 艺术理念论主张艺术来自对客观的理念或精神的表达，故符合此观念的表述只有C，而A、B、D三项由于都指向主观的因素的表达，因而都是错误的。
1 【单选题】(2分) 下面哪一项关于人生境界的说法不正确？ A. 一个人的工作和事业，当然最能反映他的人生境界，最能反映他的胸襟和气象； B. 一个人的审美趣味、审美追求，从他的艺术爱好，一直到他的穿着打扮，都体现一个人的审美观、价值观和人生追求； C. 一个人的日常生活，衣、食、住、行，包括一些生活细节，都能反映他的精神境界，反映他的生存心态、生活风格和文化品位； D. 一个人的人生境界，只会反映在超功利的人生层面上。 正确答案是:D 查看答案解析 2 【单选题】(2分) 美育可以激发和强化人的创造冲动，培养和发展人的审美直觉和想象力，下面哪一种说法不妥当？ A. 美感的一个重要特点是创造性； B. 审美活动的核心就是创造一个意象世界，这是不可重复的“这一个”，具有唯一性和一次性，而这正是“创造”的本质； C. 不仅智育是在理智的、逻辑的框架内进行的，美育亦是； D. “想象力比知识更重要”，想象力的培养，不能靠智育，而要靠美育。 正确答案是:C 查看答案解析 3 【单选题】(2分) 以下哪一项不是中国古人所讲的人的精神境界的内在心理状态表现？ A. 胸次 B. 格局 C. 胸襟 D. 怀抱 正确答案是:B 查看答案解析 4 【单选题】(2分) “苹果”的创始人乔布斯带给我们众多启示，其中最核心的启示是？ A. 商品必须有醒目的设计风格，否则难以在市场上获得成功； B. 只有多学科教育背景的研究团队才能研发出畅销的产品； C. 最永久的发明创造都是艺术与科学的嫁接； D. 最简洁的产品设计才是最好的产品设计。 正确答案是:C 查看答案解析 5 【单选题】(2分) 《艺术与错觉》一书的作者是（）。
潘天寿：中国传统绘画的风格特点 风格，是相比较而存在的。现在估且将中国绘画与西方绘画所表现的技法形式，作一相对的比较，或许可以稍清楚中国传统绘画风格之所在。东方统系的绘画，最重视的，是概括、明确、全面、变化以及动的神情气势诸点。中国绘画，尤重视以上诸点。中国绘画不以简单的“形似”为满足，而是用高度提炼强化的艺术手法，表现经过画家处理加工的艺术的真实。其表现方法上的特点，主要有下列各项：一、中国绘画以墨线为主，表现画面上的一切形体以墨线为主的表现方法，是中国传统绘画最基本的风格特点。笔在画面上所表现的形式，不外乎点、线、面三者。中国绘画的画面上虽然三者均相互配合应用，然用以表现画面上的基础形象，每以墨线为主体。它的原因：一、为点易于零碎；二、为面易于模糊平板；而用线最能迅速灵活地捉住一切物体的形象，而且用线来划分物体形象的界线，最为明确和概括。又中国绘画的用线，与西洋画是的线不一样，是充分发挥毛笔、水墨及宣纸等工具的灵活多变的特殊性能，经过高度提炼加工而成。同时，又与中国书法艺术的用线有关，以书法中高度艺术性的线应用于绘画上，使中国绘画中的用线具有千变万化的笔墨趣味，形成高度艺术性的线条美，成为东方绘画独特风格的代表。西方油画主要以光线明暗来显示物体的形
象，用面来表现形体，这是西方绘画的一种传统技法风格，从艺术成就来说，也是达到很高的水平而至可宝贵的。线条和明暗是东西绘画各自的风格和优点，故在互相吸收学习时就更需慎重研究。倘若将西方绘画的明暗技法照搬运用到中国绘画上，势必会掩盖中国绘画特有的线条美，就会失去灵活明确概括的传统风格，而变为西方的风格。倘若采取线条与明暗兼而用之的用法，则会变成中西折中的形式，就会减弱民族风格独特性与鲜明性。这是一件可以进一步研究的事。二、尽量利用空白，使全画面的主体主点突出人的眼耳等器官和大脑的机能，是和照相机、录音机不同的。后者可以同时把各种形象声音不分主次、不加取舍地统统记录下来，而人的眼睛、耳朵和大脑却会因为注意力的关系，对视野中的物体和周围的声音加以选择接受。人的眼睛无法同时看清位置不同的几件东西，人的耳朵也难以同时听清周围几个人的讲话，这是因为大脑的注意力有限之故。比如，当人的眼睛注意看某甲时，就不注意在某甲旁边的某乙、某丙，以及某甲周围的环境等等；注意看某甲的脸时，就不会注意看某甲的四肢躯体。人的眼睛在注意观看时，光线较暗的部分也可以看的清清楚楚，不注意观看时，光线明亮的部分也会觉得模模糊糊。故人的眼睛，有时可以明察秋毫，不时可以不见舆薪。这全由人脑的注意力所决定。俗话说：“心不在焉，视而不见”，就是对人类这种生理现象的极好概括。
作品欣赏：伦勃朗的宗教作品 伦勃朗生于卡拉瓦乔死前四年，比伯尔尼尼小八岁。他从未离开过故乡荷兰，起初在莱顿工作，然后到阿姆斯特丹，在那儿度过大部分创作生涯，他从没有见过卡拉瓦乔的任何作品。但他和洪托斯特·泰尔布吕根这些画家有联系，而这些人是到过罗马的。从这些人那儿他学到一点卡拉瓦乔的现实主义和色彩运用方法，当他到阿姆斯特丹以后，就把它发展到感情丰富、富于人类同情心和浓厚宗教情绪的全新阶段。 这种宗教感情是纯粹个人的，来源于他自己的经历和对圣经的深刻了解。在信奉新教的荷兰，人们阅读圣经、思考圣经，用这些取代天主教的听取神父说教、回顾圣人生平、修行礼拜等等仪式（例如圣依纳爵所规定的那些仪式）。伦勃朗选择的题材也是他自己的，卡拉瓦乔、伯尔尼尼，鲁本斯这些天主教艺术家的绘画雕塑题材是别人指定的，为的是张挂在一个特定的教堂或私人礼拜堂里；荷兰的卡尔文派教堂则没有这种要求，阿姆斯特丹市民享受着新商业繁荣带来的财富，他们的艺术需求是人像画、风景画、花草画等等。但宗教题材的版画也有市场，因此伦勃朗作为17世纪最伟大的画家之一，同时也是最伟大的蚀版雕刻家，即使不是古往今来最伟大的一位也罢。蚀刻版画用板印制，通常是铜扳印制，画家先要在板上画出相反的图形，这一般是用一根针在一层薄薄的抗酸蜡层上涂刮，然后用酸腐蚀这刻露出来的铜板表面，再把墨水施于其上，然后擦去，只在刻出来的槽线中留下足够的墨水，让它印在覆盖于板面的纸上。这个过程还可以改成在板上直接用一根较硬的针刻画，从而使槽线边缘比较粗糙。这粗糙的边缘可以磨平，也可以保留下来，使印出来的线条比较模糊。 在《100盾版画》中（之所以这样称殍是因为它在一次拍卖中以这么高的价格售出），伦勃朗使用了所有这些技巧，创造出一个精细富丽的画面，尽管它并没有色彩．画面内容混合而成，取材于《马太福音》第19章。画上的基督在犹太地方给人祛病除灾，祝福幼孩，开导民智。从右边上来的一群病人让人想起后来贝多芬在歌剧《菲岱里奥》中描写的重返光明的囚徒；靠左边一点，一个女人抱来孩子，但被其上一个信徒挡住。在她左边，坐着那富有的青年，基督告诉他：他若想得到天国的财产，就应把现有的一切都分给穷人；再往左，一群法利赛人正在艨胧中自相争执。基督正中而立，伸出手，眼望孩子。他就是注意力的中心，这不仅因为其他主要人物的动作、手势和目光都朝向他，而且因为整个画面结构都在加强他突起的形像。明暗对比既用来强调重要线条和心理含义，也用来表现空间和整体的结构，虽说它创造出一种拔高的现实主义效果，却又完全不是照相机中的自然主义。试看画上那一大片深色区域如何引出又如何加强基督的形像，
绪章人生境界与加强审美教育 1【单选题】(20分) 下面哪一项关于人生境界的说法不正确？ A.一个人的工作和事业，当然最能反映他的人生境界，最能反映他的胸襟和气象； B.一个人的审美趣味、审美追求，从他的艺术爱好，一直到他的穿着打扮，都体现一个人的审美观、价值观和人生追求； C.一个人的日常生活，衣、食、住、行，包括一些生活细节，都能反映他的精神境界，反映他的生存心态、生活风格和文化品位； D.一个人的人生境界，只会反映在超功利的人生层面上。 2【单选题】(20分) 下列选项中，哪一项人物与其评语匹配错误？ A.冯友兰——“乐道”； B.朱光潜——大树被斩伐，生机并不息，春来怒抽条，气象何蓬勃； C.柳比歇夫——把科研成果进行商业开发的天才； D.王阳明——此心光明，亦复何言。 3【单选题】(20分) 美育可以激发和强化人的创造冲动，培养和发展人的审美直觉和想象力，下面哪一种说法不妥当？ A.美感的一个重要特点是创造性； B.审美活动的核心就是创造一个意象世界，这是不可重复的“这一个”，具有唯一性和一次性，而这正是“创造”的本质； C.不仅智育是在理智的、逻辑的框架内进行的，美育亦是； D.想象力比知识更重要”，想象力的培养，不能靠智育，而要靠美育。 4【多选题】(20分) 科学研究中新的发现不是靠逻辑推论，而是靠一种直觉和想象力，下面哪些言论能够证明这一点？ A.玻尔：“我们都认为你的理论是疯狂的，但令我们意见不一的是：它是否疯狂到有可能是正确的”； B.爱因斯坦说：“想象力比知识更重要”； C.彭加勒说：“逻辑是证明的工具，直觉是发现的工具”； D.霍金：“纵观整个科学史，人们已渐渐明白，（科学发现、发明的）事件不会随意发生——它们反映出潜在的次序”。
光影作为我们现实生活中自然存在的一种事物，我们对光影的接触非常多，了解也比较广。客观物质世界能够被人的视觉感受，靠的是光的作用，然而在影视作品中我们同样依赖于光影。有了光，摄像机就能进行正常的拍摄工作；有了光，所拍摄的被摄体就能呈现出多面的不同的画面形象；有了光，我们想要表达和表现的主题、思想就能被赋予了生命力和感染力。可以说，影视艺术最主要的部分就是用光影在作画，用光影在写意。银幕画面上的影像的形状、轮廓、结构、色彩、明暗、情调等，均受光影的作用和影响。在电影中光线不仅给予画面上的形象以物质生命，而且赋予了它们艺术生命。 在影视作品中，光影不仅仅是呈现客观事物的物质基础，而是一种画面造型语言。光影在画面造型中的作用举足轻重，是摄影造型中常用的基本手段。在影视创意中要有“光影”的造型意识，调动“光影”的造型手段，才能达到艺术效果。在影视作品中，通过光线的变化可以表现物体的体积感、形式感、空间关系以及质感；塑造角色性格特点、心理变化。以光影做传播媒介，运用光影的形态，动与静、虚与实、轻与重来改变人的视觉概念，创造一种新的美学意境，渲染环境气氛，表达思想感情，为画面造型增添新的艺术魅力。因而，在影视创作过程中，要在了解光影基本特性的基础上，充分调动自身的想象空间，扩大光影在影视作品中的作用。 首先，光影可突出事物的空间和立体感，增加画面的层次和质感。 利用光影揭示所描述对象的空间范围、周围环境和透视关系，创造空间感。利用场面调度、色彩、影调、摄像机的运动在二度平面上创造三度空间是达不到的，其中最关键的因素利用光影的变化才能体现出纵深空间感来。此外，光影还在画面构图中起着重要的作用，光线决定着画面的色调，影响被摄体表面质感的再现。例如拍摄海洋、沙漠、雪景等特殊景物时，由于景物本身起伏较小，在直射条件下反差极小，缺乏层次和质感，如能有效利用光影的变化，使沙漠的波纹、雪地的起伏、海洋波浪的光影突出，就可以使这些景物的层次和质感增强。 在电影《星球大战》中，对所摄对象空间感和质感描述最为形象突出的是对西斯大帝面部的拍摄。影片中，西斯大帝作为黑暗势力仅存的力量，由于自身年龄及体力的缘故，在整个故事中是一个年老虚弱但又充满邪恶力量的人物。影片中西斯大帝脸部布满褶子，纹路清晰可见，眼窝深陷而又充满血色，加上其头部所带的帽子，使其脸部始终处在阴影之中，这就从整体上给人一种狰狞邪恶阴暗的感觉。影片通过对其面部的空间感及质感塑造，完整的将这个人物的性格及年老体衰的一面展现给观众，也正是由于其自身的虚弱，他才会不断寻找新的爪牙，蛊惑正义的一方走向邪恶。因而在影视作品中，通过对光影的有效设置和利用，突出所描述对象的空间感和质感，表现对象的特质，以此将更多的信息呈现给观众。 其次，渲染环境，烘托氛围，塑造人物形象 利用光线渲染和烘托环境，形成特定的艺术气氛。合理的光影设置可以营造一定的环境氛围，例如阴冷的牢房中，地面上铁栏的光影使人压抑。在影视作品中应根据主题内容的需要，巧妙合理地利用光影构成情调，喧染气氛。而人物形象是影视叙事的主体，影视人物形象不同于文学的人物形象，他是活动的视觉化的形象，除了演员的表演和服、化、道造型以外，光影对人物形象的塑造起着关键作用。摄影光线不仅应该可以刻画出人物的气质和性格，还应该呈现出人物的内心世界的矛盾与冲突，而这正是推动故事发展的内在依据和动力。 电影中的人物形象不是一成不变的，要运用光影来塑造电影中运动变化的人物形象，具体来说就是人物造型光的整体设计，这里涉及叙事、情节、时空、环境、气氛和角色心理等诸多因素，即需要统一，也需要变化。在影片中，用光对于摄影师刻画人物，塑造人物性格特点来说是一种非常重要的手段，会根据人物的性格和心理状态设计某种特定的光效。 电影《星球大战》中则很好地利用了光影的变化来塑造主人公安纳金的成长变化。年幼
油画大师伦勃朗的艺术成就 潘婷 内容摘要：伦勃朗是17世纪欧洲绘画的三大支柱之一，是荷兰17世纪现实主义绘画的代表，荷兰最伟大的画家,也是欧洲艺术史上开宗立派的大师级人物。在艺术上大胆探索、实践，无论宗教、神话、肖像、风景、动物等各种题材的绘画，都有独到的成就。在伦勃朗的手里，光和影成为他表达主题和情感的有力的艺术语言。他使用的色彩，常带有一种金属和宝石般的高贵感，使粗陋的物象也变得华美悦目。代表作品有《夜巡》《杜尔普教授的解剖学课》等，色彩浓重，构图严谨，很好表现人物精神与性格，他艺术成就还体现在自画像上，伦勃朗最使人好奇的地方，就是他一生高达百幅的自画像，既是是他本人真实写照，也是日后研究他的最佳资料，和梵高一起被认为是自画像双璧。笔者通过西方美术史的学习，得知了作家的生平的际遇、以及画家在艺术上的伟大成就，更是被画家把艺术、名誉和自由看得比金钱更重要，不愿迎合他人平庸的艺术趣味而降低作品的艺术性，不愿放弃自己的美学观点和表现手法，导致自己的晚年的窘迫生活肃然起敬。笔者将从作家生平简述作为一条线索来分析改变作家一生际遇的《夜巡》。 关键词：夜巡、光影 一画家生平简介 伦勃朗是荷兰画家,年轻时在阿姆斯特丹向画家拉斯特曼学习绘画。17世纪初，荷兰新兴资产阶级以加尔文教为国教，废除教堂的装饰画和祭坛画。可是伦勃朗受拉斯特曼影响，加上宗教画在荷兰富裕市民中仍有市场，因而一直对圣经题材感兴趣，一生中没有中断过绘制宗教画，但对这类画作了世俗化的处理。约1625年，他返故乡设画室，从事绘画创作和招收学生。其创作生涯大体上包括四个阶段。 年轻时候的成功使伦勃朗富裕起来。他开始收购艺术品和古董。1639年迁居一座豪华的住宅。妻子萨斯基亚为他许多作品充当模特儿。画家在这阶段中看来过着无忧无虑的生活。评论家们一般认为从他当时的一些自画像中，可以察觉其心情的愉快。但也有人指出，这类自画像和亲友肖像中，有一部分曾被搬用于他的宗教历史画。著名的《怀抱萨斯基亚的自画像》（约1635，德累斯顿画廊），据近年考证，可能是一幅进行道德说教的宗教画。 晚年（1648～1669）1656年，伦勃朗被迫宣布处于变相的破产状态。以后两年,房子和动产均被拍卖。他的油画买主不多,可是宗教题材蚀刻画却销路甚广,其中有一幅俗称《100荷币版画》（约1649）,即是由于买价高而获得这一名称的。1660年，他迁居阿姆斯特丹犹太人区域附近的一座小屋。同年，他充当妻子与儿子开设的一家美术公司的雇员，因为这样才能免于受到债主们进一步的逼债。次年，他受托绘成历史画《西菲利斯的密谋》。西菲利斯于公元69年发动过反抗罗马暴政的起义，是荷兰远古的民族英雄。此画为荷兰历史画中最有纪念碑式气
201203考试批次 《美学》大作业 学生姓名罗慧春学习中心江西会昌 学号100316436310002考号0019269 专业工商管理年级层次1003 专升本 2012年3月
试述审美欣赏中的再创造 内容摘要:艺术是人类在漫长的生活中逐步形成与发展的,主要用于 满足人类的精神需求。在艺术欣赏活动中,艺术作品是审美的载体, 而人类对于艺术的理解和把握主要依靠于对艺术的想象和审美再创造。如果没有艺术家创造的作品,欣赏者就失去了再创造的对象和可能;而没有欣赏者的补充、丰富和审美再创造,艺术形象也是残缺的、不完整的,艺术形象的种种特征也无法充分地显现。 关键词: 艺术作品、想象、审美再创造 在人类的社会生活中,艺术以它特有的形式和特点满足人们的精神需求。艺术作品是艺术的物质载体,是艺术家在对社会生活的深刻体验的基础上的艺术概括和升华。艺术形象主要是由艺术家创造的,没有艺术的分行,欣赏者就没有再创造的对象和可能。但是如若没有欣赏者的补充、丰富和再创造,艺术形象也是残缺的、不完整的,艺术形象的种种特征也就不能充分显现出来。音乐作为一种人类的精神产品,正如马克思所说:“只有在消费中才得到最后完成”①。任何音乐作品都要经过听众的欣赏才能真正成为现实的艺术作品。在人的艺术欣赏活动中,欣赏者是从感知、体验、联想、想象等几个不同的心理层面逐次展开,不是漫无边际的胡思乱想。同时,也客观地存在着受艺术家所创造的艺术品的形式和内容制约。具体地说,主要体现在这样几个方面: 一、欣赏者创造活动的制约性
1 、艺术品是欣赏者想象活动的刺激物和基础。人对外部世界的感知是通过具体可感的事物形象进行的,只有客观上提供了艺术对象,成为欣赏者想象活动的刺激和根据,想象活动才可能产生与进行。 2 、艺术品的特点决定着欣赏者活动的特点。艺术品是真善美的统一体,是真实性、思想性和形象性的统一体。不同的艺术类型决定着欣赏欣赏活动的知觉感知和欣赏形式。如音乐欣赏活动,心理学的研究认为“, 知觉是人类的认识过程之一,是人脑对直接作用于感觉器官的客观事物的各部分和整体的反映。??现代认知心理学家———用信息加工的观点探讨知觉过程,认为是一个主动的反映过程,即个体调整感受器朝向刺激方向,以从外界环境中获得信息,从外界环境刺激中抽取特征,结合个体经验,对事物的特征进行综合和辨别。人对某一事物的精确知觉是上述三个过程的多次反复的结果。??具有选择性、理解性、整体性和恒常性的特点。”②这一特点规定欣赏活动必须凭借形象的感觉和情感的思维来进行,这不同于纯逻辑的思辨。 3 、艺术种类和体裁对思维想象的限制性。一般地说任何艺术品都是造型性和表现性相结合的,但造型性和表现性在各种艺术中是不平衡的。有的偏重于造型,如绘画,雕塑、建筑艺术和工艺美术等视觉艺术;有的则偏重于表现,如音乐等听觉艺术;有的则介于二者之间,如文学、戏曲、电影等综合艺术。一般就造型性强的艺术,具体而又逼真,对欣赏者的想象活动约束也就大些。综合艺术因为综合视听艺术各种因素,给人的想象领域就大得多,欣赏者可以有广阔的想象空间。听觉艺术的造型性最弱,它利用声音来表达情感,因而有极大的不明确性,
生活中有两种光：一种是通过门、窗等位置进行日光照射的自然光。目前在我国，自然光的利用基本上仅达到满足照明的目的，很少能体现出对光与影的巧妙应用，局限性很大。另一种是人工光，是指用各种照具对室内环境进行照明的一种方法。人工光由于可以人为地加以调节和选用，所以在应用上比自然光更为灵活，它不仅可以满足人们照明的需要，同时还可以表现和营造室内环境气氛。照明用光随灯具品种和造型不同，产生不同的光照效果。所产生的光线，可分为直射光、反射光和漫射光三种。 1直射光 直射光源发出的光线，能够直接照射在加工物件上，所以加工物件的向光部分明亮，背光部分黑暗，光线的强度分布不平均。直射光的照明度高，电能消耗少，为了避免光线直射入眼产生眩光，通常需用灯罩相配合把光集中照射到工作面上。 2 反射光 反射光是利用光亮的镀银反射罩作定向照明，使光线受下部不透明或半透明的灯罩的阻挡，光线的全部或一部分反射到天棚和墙面，然后再向下反射到工作面。这类光线柔和，视觉舒适，不易产生眩光。 3 漫射光 漫射光是利用磨砂玻璃罩、乳白灯罩，或特制的格栅，使光线形成多方向的漫射，或者是由直射光、反射光混合的光线。漫射光的光质柔和，而且艺术效果颇佳。 在室内照明中，上述三种光线有不同的用处，由于它们之间不同比例的配合就产生了多种光照方式。 二光影对室内环境的影响 当夜幕徐徐降临的时候，就是万家灯火的世界，也是多数繁忙工作之后希望得到休息娱乐以消除疲劳的时刻，无论何处都离不开光，也都需要用光影的艺术魅力来充实和丰富生活。无论是公共场所还是个人家庭，光的作用影响到每一个人，室内的光影设计就是利用光的一切特性，去创造所需要的光的环境，并充分发挥其艺术作用。光影的作用主要表现在以下三个方面： （一）可以界定空间
世界着名画家及其作品 达芬奇（由于达芬奇打下了坚实的素描 代表作:《蒙娜丽莎》《最后的晚餐》 凡．高全名文森特·威廉·梵高（Vincent Willem van Gogh），1853年3月30日出生在荷兰南部尊得特一个牧师家庭。1890年7月27日，星期天。在外出写生时，凡高开枪自杀！但没有打中要害，被人抬回家，他拒绝接受治疗。1890年7月29日凡高逝世。虽为荷兰人但长年生活在法国，是后印象派的重要画家.和他的同胞伦勃朗一样凡高也喜欢为自己画像。代表作品《向阳葵》 丁托列托﹝Tintoretto，1518-1594﹞，16世纪意大利威尼斯画派着名画家。出生在威尼斯，是一个染坊主的儿子.他长期生活在故乡，用画笔装饰城市的庭院和教堂.他曾拜师提香，追求提香般绚烂的色彩和米开朗基罗般结实的形体是他的目标.代表作品：《基督之翟足》;《最后审判》 毕加索? 全名巴勃罗·鲁伊斯·毕加索（Pablo Picasso,生于1881年10 月25日；死于1973年4月8日），西班牙人自幼有非凡的艺术才能.他的父亲是美术教师又曾在美术学院接受过比较严格的绘画训练，具有坚实的造型能力. 他一生中画法和风格几经变化分为这样几个时期: 蓝色时期\玫瑰红时期\ 黑 人时期。毕加索也是位多产画家，据统计，他的作品总计近 37000 件，包括：油画 1885 幅，素描 7089 幅，版画 20000 幅，平版画 6121幅。代表作品：《拿烟斗的男孩》《卡门》系列。 高更? 保罗·高更（Gauguin, (Eugene-Henri-)Paul，1848-1903年）是法国后期印象派三大巨匠之一.另两个是塞尚、梵高。他起步较晚，早期的画追求形式的简化和色彩的装饰效果，但还没有摆脱印象派的手法.他不但对埃及古代绘画很感兴趣，而且向往仍处于原始部落生活的土人们的风习和艺术.被称为原始人产最高典型.英国名作家毛姆，曾以高更传记为题，写了一部小说《月亮与六便士》，以艺术的创造（月亮）与世俗的物质文明（六便士=金钱）为对比，象征书中主角的境遇。代表作品：《塔希提少女》等 列宾?伊里亚.叶菲莫维奇.列宾（ИльЯЕфИМОВИЧРеПИН，1844—1930），俄罗斯写实主义绘画大师，列宾与法国绘画巨匠莫奈，同为19世纪后期欧洲美术史上，引人注目的重要级人物。他们的艺术在欧洲的东西部，各领一方风骚，影响力延伸到整个20世纪。代表作品：《伏尔加河纤夫》、《押
浅谈中国传统绘画的特点 中国画这一艺术形式之所以能在世界绘画史上占有极其重 要的地位，是因为它代表了东方民族特殊的艺术审美观念。纵观中国绘画史，我们会清醒地发现，创新并不是现在才提出的问题。从隋代的展子虔到清代“四僧”再到近代的黄宾虹、齐白石、徐悲鸿等，哪一个不是在创新中崛起、发展、壮大的呢？ 艺术贵在创新。对于这一点，中国画家似乎没有太大的分岐。但关于中国画传统与创新之间的关系怎样把握、如何去创新等问题倒是众说纷纭，因此，我们很有探讨的必要。对于传统，多数画家仅把画史上几个著名画派的技巧及风格当做传统的本质而加以继承。画派的技巧和风格是形成与发展传统的重要因素，是传统的具体体现，但绝不能代替传统。所谓传统，笔者认为，指的是对具有民族特色的艺术观点、艺术方法、艺术形式、艺术风格等的概括，具有本质性。什么是中国画的传统？根据中国画发展的特点，笔者将其概括为以下五点： 一、以形写神、形神兼备，是中国画创作的一个重要原则。中国画讲究气韵、追求意境。一个画家应具备“画得像”的功
夫。但如果作品有形无神，那么即使画得再像也不是中国画所要达到的目的。有形无神的画是存在的，而有神无形的画是不存在的。写形是为了传神、为了畅神。形可在“似与不似之间”。我们要知道，“以形写神”的最终目的是“达意”。苏轼曾言：“文以达吾心，画以适吾意。”没有“形”的支架，“神”无处依附。相传五代荆浩为松写生的画集达几万册，所以用笔能够“运转变通”、“如飞如动”，用线既不专以浑朴胜，也不专以娟丽胜，而是达到了所谓“神化”的境地。中国画历来要求以“形”这个支架表现“神”。这个“神”指的是客观对象的生命力、生动气韵和本质特征。“形”是次要的，而“神”是主要的。现代大家齐白石、黄宾虹都提出“妙在似与不似之间”的画才算是好画。也就是说，画得太像就太俗了；画得一点儿也不像，更不是中国画。所谓“意象造型”就是这个道理。而从西方绘画史来看，古希腊以及文艺复兴以后的绘画着重于形的逼真再现；发展到现代派，则走上了另一极端。现代派画家主张绘画是“自我表现”的凭借，因此，可以随意摆弄“形”。既然如此，“神”就更谈不上了。 二、中国画以线、墨为主，讲究笔法，追求“笔精墨妙”的艺术效果，讲究骨法用笔。这些都是对笔墨内涵的要求。“骨法”又作“骨力”，指书写点画中蕴蓄的笔力。它是构成点画与形体的支柱，也是表现神情的依凭。画家以挺劲的笔法将自己
2020年自学考试《美学》练习题及答案（16） 4.1.审美经验各构成要素间的关系如何? 4.2.审美经验的心理建构具有重要的意义，请论述此一过程的各 个层面。 参考答案 4.1.审美经验各构成要素间的关系如何? 答：在审美活动中，各个心理要素虽然有着自己的特点和作用， 但它们却不是独立存有的，而是相互交织在一起，既互相渗透，又相 互制约，从而组成了主体的审美心理结构。 (1)在整个审美经验的发展过程中，直接与现实相联系的感知无疑 处于起点的位置。 (2)想象与情感在审美经验中的相互关系。在审美活动中，想象总 是伴随着强烈的情感活动，没有强烈的情感，也就没有活跃的想象。 对此我们能够从以下几个方面来看：①审美情感是审美想象的原动 力;②情感不但是审美想象的动力，而且在某种意义上也是审美想象的 对象和内容;③情感活动对审美想象的支配和调节，渗透在艺术形象之中，使其染上明显的情感色彩。 (3)审美想象与审美理解的关系。想象活动本身并不是审美的最终 目的，而仅仅产生一定审美价值的工具和手段。这样一来，想象活动 就必须受到一定的限制，而这种制约力量就来自于审美理解。借用康 德的话来说，审美想象与审美理解之间应该是一种自由的游戏关系。 伽达默尔从解释学的角度提出了富于启发性的论述。他认为，审美经 验的游戏本质并不是指主体在审美活动中所获得的自由体验，而是指 艺术作品或审美对象的存有方式。这就是说，游戏活动的存有方式本 身就决定了它包含着一定的理性因素。而艺术活动的游戏本质也就决 定了，它必然是以游戏而不是逻辑推理的方式包含着一定的理性内涵。
同理，审美经验在一定意义上也是一种想象力的游戏活动，而理解力 或理性因素本来就是一切游戏活动的本体论内涵。正是这样一种本体 论特征从根本上决定了，想象力和理解力在审美经验中是以游戏的方 式统一在一起的。 (4)审美经验中情感与理智的关系。在审美经验中，情感与理智的 关系表现为，理智渗透于情感之中，而情感又受到理智的引导。总之，情感与理智在审美经验中只有和谐地统一在一起，才符合审美活动的 基本要求。 4.2.审美经验的心理建构具有重要的意义，请论述此一过程的各 个层面。 答：根据皮亚杰的发生理解论：认知结构是一个持续建构的过程，一旦一种结构形成认知图式，就试图用它来同化对象，但无法同化时，就设法调节认知结构，形成新的认知图式。这个心理学的研究探讨能 够协助理解审美经验的心理建构。 首先，审美主体通过同化使得自己能够理解对象，也通过调节来 修正心理图式。自我调节分为有意识与无意识，有意识的调节是功能 性的，而调节本身在心理结构中是无意识的，结构决定功能，功能影 响结构，审美主体的自我调节就是这种有意识的功能调节和无意识的 结构调解的有机统一。不但个体，而且人类的审美经验的产生发展都 是同化——调节辩证关系的产物。所以我们说，同化——调节律是审 美经验的生成规律。 其次，自调节审美有自己的特殊要求，体现在以下两点：第一， 有目的与无目的的辩证统一，按照康德的话来说，就是无目的的合目的，这里所谓的目的指的是在确定审美目标的情况下，通过努力的自 我调节以达到审美目的;第二，反馈调节，为了实现审美目的，主体无 论在创作中还是在欣赏中都必须注重反馈调节，而反馈调节在绝大部 分情况下是在无意识中完成的。
伦勃朗(1609- 1669)出生于荷兰莱顿。伦勃朗年轻时曾在阿姆斯特丹学习绘画，从师于皮尔特·拉斯特曼，他以从心理分析角度画肖像画而闻名于世。皮尔特·拉斯特曼本人曾求学于意大利，深受卡拉瓦乔的影响，所以作为其学生的伦勃朗，也酷爱意大利的浓淡、明暗对比强烈的绘画风格。 伦勃朗早期是典型的荷兰17世纪的绘画风格，但是他中后期的绘画有了显著的变化，伦勃朗进一步发挥厚涂法，在光下加重其厚度，并使阴影更加透明。伦勃朗长期的多幅自画像，完整地记录下了他事业上的成功与失败，以及他在油画技法方面的发展。 伦勃朗与鲁本斯可以并称为最杰出的油画技法大师。他们都尽可能地制造出各种对比效果，从透明与不透明，明与暗，清晰边缘与模糊云状边缘，一直到冷暖色对比。 伦勃朗使用的调色油 伦勃朗使用的调色油是很浓的胶状调色油，很黏稠且干得很快。伦勃朗非常突出他画阴影处的高凸部分，以此来体现画的立体感。伦勃朗的画中阴影处呈透明黑色，光区和阴影区色彩厚度相同但不透明，调色油易干的特性，使整个画面笔触很明显。
虽然伦勃朗的每一笔都令人感到他的得心应手，但整幅画却给人一种艰难完成的绘画效果。伦勃朗没有鲁本斯的绘画天才，他总是在画快要干了，且已适于用画笔上色时才开始修改自己的画。所以伦勃朗的画会给人一种先画好后再艰难修改画面的感觉，好像用画刷拉黏液的感觉。这种感觉在画中光区更为明显。 下面的伦勃朗油画技法示范画中用和鲁本斯相同的调色油：多种的基本调色油，其做法参见《如何制作适合临摹伦勃朗油画的调色油》。 伦勃朗的油画底 伦勃朗主要在灰色调的画布上作画，他也在画板上画过一些一次过作色法的画，但伦勃朗的大多数画都是分几个部分在画布上完成的。 伦勃朗油画技法示范画中，将画布固定在12.7cm的胶合板上。这样既有木板的稳固支撑感，又有画布的质感。画布的准备过程和画提香画的准备过程相同，可参见《详解使用提香的油画技法画油画的步骤》。画布最后上一层生赭色、铅白加调色油的色彩，这层色彩可以做底色调，并使画布不吸水，待其干后即可作画。 伦勃朗的油画步骤 伦勃朗大多数肖像画都是直接写生绘画，他的形体画不如其他大师的流畅，所以他的画分几部分完成。通过对每一部分的不断精心修改，
中国画的特点:意境、笔墨、章法布局处理 所谓意境是指画中所体现的思想感情的境界。意是画家对物象在情感上的"妙悟"，所谓境是境界。 意境是客观生活中事物在画家头脑中所反映的结果。就是画家在作画之前，通过对客观物象的深入观察、体验和认识（即感觉）所引起的主观感受，然后把生动而强烈的感受反馈于被描绘的物象，达到"物我两忘"的境界。并且，中国绘画主张"缘物寄情"、"以景寓意"、"以神取形"、"笔不周而意周，笔不工而心恭"。在概括客观物象的同时，必须融进画家的主观感受，透过描绘对象创造形象的方式来借以体现画家的主观感受，使主观情感和客观物象精神性格交融和转化，即"神遇"（石涛语）及"迹化"（石涛语）为可视可想的。产生动人心魄的意境。 意境是构成一幅中国画的灵魂，其主题的确定，构图的布局和安排，形象的塑造，笔墨及造型的处理，无不受"立意"的主宰。王维在《山水论》中说："凡画山水，意在笔先"。张彦远说："夫象物必在于形似，形似须全其骨气，骨气形似，皆本于立意而归乎用笔"。总之，中国传统绘画历来重视立意问题。 中国画第二个特点是对笔墨的注意 中国画从立意到形象的塑造，总归于用笔用墨。谢赫在《六法》中将"骨法用笔"列为第二条。张彦远说："骨气形似，皆本于立意而归乎用笔"。中国画家以写代描，把笔意墨法置于首位。故使笔墨成为表达"意境"、"形神兼备"的重要条件。 关于用笔。我国绘画很重视线的表现，用线来塑造形象。以线为骨，就是指以线为造 型的骨架。为之"骨法"表现物象须有具体的线去塑造，其关键在于"用笔"。线在塑造形象中力的变化，功在于运用笔法。古今画家通过熟练的使笔、运笔，产生笔力、笔意、笔趣，形成虚实变化，浓淡相依，顿挫回旋，巧拙适度，富于节律的造型底线。中国传统画论中形容东晋·顾恺之的线如"春蚕吐丝"；形容唐·尉迟乙僧的线如"屈铁盘丝"；形容唐·吴道子的线为"吴带当风"；形容曹仲达的线为"曹衣出水"。所谓笔法即指执笔的方法和指、腕、肘的运用。传统的笔法为人所使，其法有中锋、侧锋、逆锋、顺锋、藏锋、露锋等法。所以掌握笔法（即用笔）的起止形态变化及行笔运转方向变化，使之随画意而使转，达到状形立象、传情达意。 关于用墨。中国传统绘画一贯是主张用笔和用墨的。清·恽南田说："有笔有墨谓之画"。 论用笔必然要论用墨，谈用墨必谈用笔。所以，笔与墨在中国画中是相互依存、相互为用的。有笔，墨才能变化；有墨，笔才能显现。故"笔为画之骨，墨为画之肉，有笔无墨非也，有墨无笔亦非也"（潘天寿语）。然而，中国传统绘画尤重用墨。笔以达气，墨以生韵。用墨表现画面的气韵，求得生动是很重要的。中国之墨经用笔引发和水的渗化，可变化出浓、淡、干、湿、黑、白（纸的本色）不同层次的色彩感。古人谓之"五墨六彩"。 中国传统绘画用墨大约始于唐，经五代到宋确立了用墨的重要地位，嗣后经元、明、清得到长足的发展渐次完备了用墨之法。古代绘画用墨法很多，有浓墨法、焦墨法、淡墨法、泼墨法、破墨法、积墨法、宿墨法。归纳其要者，谓之破墨法、积墨法、泼墨法三种。破墨法即淡破浓，浓破淡，干破湿，湿破淡，以水破淡之法，备求墨色的浑化对比。泼墨法即以多量的水份调墨，要求不能太均匀，而后随笔泼洒，一次完成，以求墨色浑化自然、润泽。积墨法即在淡墨上层层加深，每次待干后复加之。求得墨色层次既有变化而又浑厚。此三种