中国画昆虫的画法有哪些
中国画主要分为人物、花鸟、山水这几大类。在自然界中，除了花鸟之外，还有形形色色的昆虫，也成为中国画花鸟画画家作为创作的重要素材。下面来看看中国画中的昆虫画法有哪些。
中国画蝴蝶的画法
一、中国画蝴蝶与飞蛾的画法
蝶种类繁多，形体大小亦不一。蝶体分头、胸、腹三部，翅及体表密被各色鳞片和丛毛，形成各种花斑。头部有须一对，复眼一对，口器转化成喙，不吸花粉时作螺旋状卷曲。胸部有足三对，翅两对。翅有脉纹，两大翅在前，两小翅在后，大翅压小翅。蝴蝶色彩斑斓，身体轻盈，飞时在花丛中穿来穿去，翩翻有致。
中国画蜻蜓的画法
二、中国画蜻蜓的画法
蜻蜓生于水际。种类很多，形体及色彩亦多样。头上复眼甚大，四翅六足，后翅压前翅；翅透明有脉络网纹，翅角有翅痣。腹部细长，有环状节。画时可用渴勾、勾填、点染各法。下笔先点翅，次及头、胸、腹，后补足。色彩可用花青、赭黄、洋红、朱、石青、淡墨等。有一种形体小的蜻蜓，色黑，翅细长，腹细，栖息水草间，落下时两翅并拢，六足聚于胸前。
中国画中螳螂的画法
三、中国画螳螂的画法
螳螂头呈三角形，复眼大，有两触须；颈长有棱，转动极为灵活。胸部有翅两对，一对狭长而硬，一对宽而透明。足三
对，生有粗大呈镰刀状的前足一对，称为刀臂，前节生有锯形刺。其腿节和胫节生有勾状刺，牙锋利，与刀臂俱为觅食御敌的武器。颜色有嫩绿色、黄褐色和暗褐色诸种。雄者腹细，雌者腹扁而大。画时可用勾勒法，晕淡彩，再以赭黄重勾，也可直接用色彩点画。螳螂造型要挺劲有力，头、颈、腹要有一定角度，颇有威姿。在画面布置时要注意取势，要有呼应和顾盼。
中国画中金蝉的画法
四、中国画金蝉的画法
蝉俗称“知了”，体长者名蝉，小者名蜩。蝉全身黑色，宽大而有光泽。有六足，前两足长大如刀，可支持头部。翅两对，宽大透明，有脉纹，能飞。雄者能鸣，前胸有鸣镜一对。画时先蘸墨画头及胸部，再画翅，后画腹。要注意表现出在两翼掩映下的胸和腹的效果。再用浓墨画眼和足，也可用淡赭、草绿淡染，亦可应用白描及勾勒法，再赋淡彩。
中国画蜜蜂的画法
五、中国画蜜蜂的画法
蜂有黄蜂、蜜蜂、牛蜂数种。其中蜜蜂较小，黄蜂翅长腰细，牛蜂最大。蜂皆四翅六足，胸腹部都有环节斑纹，头有触须一对。黄蜂前翅长，后翅短小，飞时全身关节甚灵便，后腿稍大而长，与细腰相掩映极为生动，画时可勾可点。蜜蜂、牛蜂身肥翅大。背可蘸浓淡墨点，或用赭黄点表现。飞行时，可用淡墨晕成翅轮，不着墨痕，如闻嗡嗡之声。黄蜂翅狭长，可用淡墨疏晕，头背再用赭黄罩点，须及长足可用赭墨。画时须注意虚灵，头须要见劲健之笔。黄蜂房可用渴墨或赭墨皴勾而成。
中国画天牛的画法
六、中国画天牛的画法
天牛也是画家常画的昆虫，它的分类亦很多。其胸有棱角，
身成椭圆形，黑翅上有白斑纹，六足，有一对长触角，多节劲挺而有力。画翅时可用墨空出白斑，亦可用墨画后再用粉点出斑纹，最后全身可用淡花青套染。中国画蚱蜢
七、中国画蚱蜢的画法
蚱蜢胸方腹细，蝗蝻头大身短，皆六足四翅，能跳跃和善飞翔。其形体与络纬、和蝈蝈有相似之处。蚱蜢的眼长而扁，位于头的上部，触角扁短，后腿长大有刺齿，飞时可见小翅，淡紫色。画时可用渴勾及点染法，亦可白描后晕以淡彩。
中国画蟋蟀的画法
八、中国画蝈蝈的画法
蝈蝈雌者有长针尾，蟋蟀有二尾，雌者有三尾。蝈蝈全身色彩能随季节由绿变黄褐。蟋蟀可用赭墨点画。又有“油葫芦’者，身大色黑，能鸣善跳，雌者亦有针尾。蜗牛多生墙阴石
隙中，雨后常爬于蕉叶花丛，其壳纹有一定转向，行进时有肉足及触角露出壳外，遇敌即缩进壳内，画时可以渴勾后加淡彩。
画写意草虫，一般是勾点并用。只要对昆虫形体认识得清楚，用勾用点，都可以表现得非常生动。画家在掌握了各种草虫的特征之后，又须加以提炼，做概括性的表现。
历代知名的草虫画家很多，五代的滕昌佑，常以彩笔画折枝花果，以墨笔画蝉蝶。北宋徐崇嗣、邱庆余也以彩画花卉，以墨写草虫。古人所说的“微细得其形，神是笔下得”，也是告诉我们，必须先通过深入自然去体验生活，才能获得好的表现效果。以上就是关于中国画中的昆虫画法有哪些的全部内容，感兴趣的朋友请继续关注我爱画画网。
中国山水画发展历程 中国山水画较之西方风景画，起码早了1000余年。它所呈相的图义，实际上是一部中国思想史。早在7000多年以前，先古的觉醒便以图案方式纪录下来。 新石器的河姆渡文化，已用线刻表达着观念性文化的内涵，定居的农耕文明起源，不仅让人认知了工具美，亦让人于器之上认知了形上美。艺术不但是一种征服自然的想象，还是一种征服自然想象的象征。先古与自然一开始便用艺术的方式对活，逻辑的发现与艺术的鉴赏推演着人们的双眼，让一个天人合一的中国图式由混沌而至清晰。 自仰韶文化起，人与自然的关系便具有了象征性。在几何装饰的手法中，对称、运动等构成概念己明显地运用于时空的表现之中。 现存最早的山水画：中国画从创作题材来看，出现最早的是人物画，最初描绘的山川风光是作为人物画补景出现的，后来发展成为独立的画科——山水画。我们现在能见到最早的山水画是隋代展子虔的《游春图》。 到了秦汉时期，描绘劳动生活的场面，由乡土而至皇权，殿堂宫室的壁画成为时代的主流。这种以宫室喻家室的认信取向，使中国美术摆脱了原始形态。 统治阶级士大夫文化开始占主导地位。士者文化实现了与乡土文化的分离。对于山水画而言，这一分离是深刻的。若我们认真研究一下曲阜石刻的《庭院图》，就会被其视错觉创意震撼。这是两种视觉冲突的艺术：在满足正面的平视前题下，建筑物的平移重叠与倾斜重叠构成了矛盾的主要方面，两种不同透视法则所致生的力的碰撞，使画面具有了超现实的立体感。有趣的是，先贤的艺术家一开始便使用了纵横平移重叠、视线具有深度却不消失的重叠透视法则，而且在复合视域中能将正面与倾斜两种透视法则艺术的冲突起来。应该说这一法则较之当今的西方立体派早了近两千年。正如本书一再所讲的，祖先的聪慧绝非三言两语可以道白，只要我们认真地凭藉科学的双眼走入先贤的思想，我们一定会发现经学方式能告知我们的更多更多。
中国画的色彩之美相关分析 摘要：中国画在世界绘画史上独树一帜，占据着举足轻重的地位。中国画之所以能在世界绘画史中占据重要地位，正在于其线条和色彩基础之上的独特的“意境”表达形式，在于水墨与意境的统一。文章主要分析了中国画的色彩之美，以供参考。 关键词：中国画色彩 引言 自中国文化史发展以来，中国画就伴随着其始终。它既是我国传统文化的重要组成部分，也是美术领域中独具特色的画种，有悠久的美术历史，并且在世界美术界领域中，独具特色，自成一家。绘画是作为艺术的一种语言表现形式，而色彩作为绘画的本体语言，是构成一种艺术情调和艺术风格最基本的要素，是刺激视觉神经最有效、造成特定情绪美感的一个重要手段。中国画又被称为“丹青”，因此可以说中国画从一开始就极为重视色彩的运用，色彩的运用始终贯穿着中国画的发展，具有独特的风格。[1] 一、中国画色彩观的发展分析 早在春秋战国时期，中国就出现了真正意义的彩色绘画，《人物龙凤图》和《人物御龙图》就是其中的代表。秦
汉时期，五色观逐渐成熟和发展起来，人们对色彩的把握也更加娴熟得当，所以该时期的绘画多以黑红色为主。如西汉的T型帛画，就直接运用朱红、熟赭、石青、黑、白等色彩，整个画面的色彩效果是较为统一的。魏晋南北朝时期，随着佛教的传入，西域异族的色彩观也融入中国画创作中，先是谢赫在《六法论》中提出“随类赋彩”的理念，随后宗炳则认为应该“以形写形，以色貌色”，所以该时期的绘画色彩主要以蓝绿为主色调，红白黑为副色调，体现了色彩对比和互补的理念。隋唐时期，随着中国画艺术的大发展，色彩运用也随之丰富起来，阎立本、张暄、周舫都在色彩运用上有着鲜明的个人特色。而且在该时期，山水画和花鸟画逐渐独立出来，在色彩上有着较大差异。五代两宋时期，先是青绿山水发展到了高峰，王希孟的《千里江山图》、赵伯驹的《江山秋色图》等，都是青绿山水的典范之作。随后则出现了文人画，这在很大程度上影响了中国画色彩的发展。受到儒、道、禅等思想的影响，文人画追求淡雅、平和、超逸的画面效果，所以玄色就成为了文人画创作的首选色。元明清时期，受到文人画的影响，色彩表现转为以水墨为主，追求简单、质朴的审美趣味，虽然也有青绿重彩作品问世，但是并不占主流。纵观整个发展历程可以看出，整个中国画色彩观的发展和衍变，可以简单概括为唐宋之前尚色彩，唐宋之后尚水墨，两者是一种先后、轻重的关系，而不是有无和对立的关
11、水墨画树 第一课时 教学目标： 1、通过观察自然界中千姿百态的树，启发学生把握其形态特征，选择高低、大小、过近不同的几棵树，用色彩画出来。 2、教育学生爱护花、树，保护优美的自然环境。 教学重点：把握其形态特征，选择高低、大小、远近不同的几棵树描绘出来。 教学难点：教育学生爱护花、树，保护优美的自然环境。 教学准备几种不同季节的树的写生挂图、画树的步骤图。 预习要求准备好水墨工具 教学过程： 一、复习回顾 1、展示上节课优秀作品，师生进行简单评价。 2、出示树的写生挂图，通过观察认识各种不同的形态、种类的树，导入新课。 3、板书课题：《画树写生》 二、精讲探究 1、由于树的种类与生长环境的不同，树的枝干刚柔粗细有别，枝干穿插交错各异，叶子的外形不一，枝叶有轮生、互生、对生的区分形成了千姿百态的树形。例如高大的木棉，迎风飘舞的杨柳……（学生认真听老师讲解示范，为下一步写生做准备。） 树叶是有大小的，有颜色的。它随着季节的变化而变化，春天的树叶是嫩绿色的，夏季渐变成浓绿色，到秋季又变为黄红色。有的树到了冬季，叶子落尽，树干呈带色彩倾向的灰色。用色彩画树，要抓住外形特征的大感觉，树木也表现出季节的特征。 2、绘画步骤（教师边讲解边示范）。 （1）选材构图（画纸横放或竖放，用铅笔定出高宽的位置和比例）。 （2）画出外轮廓（抓住树的伞形和叶子形成的团块结构以及高低左右顾盼的姿态）。 （3）着色方法：分清整体大明暗关系，大胆用色，灵活用笔，画出大体明
暗，然后点招染细部（局部），最后再画枝干。 形式： 1、铅笔淡彩（用铅笔画好大效果，然后略加颜色）。 2、勾线填色。 3、油画棒加水彩。 三、练习展评 1、带领学生到室外作写生画。 2、教师指导，尤其是画树叶时对绿色的使用（例如明部可用浅绿加上柠蒙或土黄，暗部用深绿加上钴蓝或土红加群青，层层处理，在暗部边缘画出树叶的形状）。 四、拓展反思： 展览作业，共同评议。表扬优秀作业，指出存在问题（如树叶绿色不能过于单调，否则表现不出树的色彩特点）。 11、水墨画树 第二课时 教学目标： 1、通过观察感受树的自然形态美，学习用毛笔作画，概括、简练地画出一棵树。 2、用水墨工具表现各种树。 3、通过学习有关的国画知识激发学生热爱和学习中国绘画艺术。 教学重点：学习用毛笔作画，概括、简练地画出一棵树。 教学难点：通过学习有关的国画知识激发学生热爱和学习中国绘画艺术。教学准备毛笔、中国画的工具材料等、宣纸 预习要求准备好水墨工具 教学过程： 一、复习回顾 1、展示上节课优秀作品，师生进行简单评价。 2、欣赏课本中的图例，感受国画笔墨的表现力和作者笔下创造出来的“树”的造型美与艺术美。欣赏傅抱石的《大树》及任伯年的《古树》，指出本课学习内容，板书课题。前课学习用色彩画树，本课学习用毛笔画树，画法
中国人物画发展史 ?2010/10/10 10:22:30 在中国传统绘画的三大画科之中，人物画扮演着一个极其重要的角色。我国最早的人物画出现在新石器时期，作为一种纹饰绘制在彩陶等生活用品上，如《人面鱼纹》、《舞蹈纹》等。在《人面鱼纹》中，人面为圆形，眼、鼻、口都用直线表示，口角两边各画一条鱼，表示对渔猎收获丰收的希望。而出土于青海大通县的舞蹈纹彩陶盆，是最早的具有情节的人物画。画中五人一组，手拉着手，排成一线，人头南向左侧，发辫摆向右边，表现出舞蹈的动势，反映了原始人类朴素的欢乐。这一画面不再是那些只有象征意义的图腾或只具有一般装饰作用的动物纹样，而是直接表现了人类的现实生活。它说明了随着人类社会的发展，人物画造型虽然极其简单质朴，但已开始注重反映现实生活，并开始具有一定程度的形象概括力和想象力。 当我国历史进入阶级社会后，随着社会分工日趋明确，专业画工开始出现。据史书记载，商朝初年的宰相伊尹曾画了九个君王的形象来劝诫商王成汤、殷高宗武丁命人画梦中宰相，并以此像求人，这大概是有文献记载的最早的人物肖像画，说明夏商时期人物画就已经开始发挥一定的社会效用，并且在很大程度上服务于统治阶级的需要。进入先秦以后，随着宫殿壁画的盛行，帝王功臣之像成为主要的题材。相传孔子曾经参观周代的明堂，看到墙壁上绘有“尧舜之容，桀纣之像，”而且各有善恶之状。又看到“周公相成王，抱之，负斧庆，南面以朝诸侯图”，这可能是最早的历史故事画了。当时的人物画主要是为统治阶级政教和贵族生活服务，所以得到上层阶级的重视而迅速地兴盛起来，并在技法上得到很大的提高。现在所能看到的春秋时期的楚国帛画，如《龙凤人物图》、《人物御龙图》无不充满着现实与幻想相结合的浪漫主义的倾向，也同时说明了线描在当时已成为人物画造型的主要手段，而单线平涂法作为人物画的基本表现手法由此已经确立下来。 汉代人物画进入了一个蓬勃发展的时期，无论是画像石、画像砖、木板画、漆画、帛画、墓室壁画，几乎都以人物为主要题材。人物画在汉代社会中的意义和影响更加深远。同时有系统、有规模的绘画活动被统治者广泛利用，如西汉甘露三年，皇帝为了表彰抗击匈奴有功的十一位大臣，“图画其人于麒麟阁，法其形貌，署其官爵姓名”。东汉永平二年明帝双命人画中兴名臣二十八人像于洛阳云台，在当时都起到了很好的、宣扬政教的作用。然而当时人物画成就最为突出的还是汉墓帛画，如《软候妻墓帛画》、《软候子墓帛画》等，无论是线描技法、想象力、还是复杂画面的构图能力，都远远超过前代。可以看出汉代人物画虽仍处于稚拙阶段，表现手法还欠精致，但它对魏晋南北朝，以至隋唐的人物画发展，已打下了比较坚实的基础。 魏晋南北朝是人物画的发展成熟期，开始注重系统的绘画技法，脱离了前期的稚拙风格，出现了许多以人物画驰誉后世的大师。据唐张彦远《历代名画记》的记载，当时的画家有百人以上，而且都有一定成就，如三国时期吴国画家曹不兴作巨幅佛像，心敏手运，须臾即成；东晋画家戴逵图圣贤人物，情韵连绵，风趣巧拔；东晋画家顾恺之写《女史箴图》、《洛神
中国画的基础知识 一．中国画的艺术特征 中国画作为中国的一种独立的艺术形式，讲求“以形写神”，追求一种“妙在似与不似 之间”的感觉，有别于西洋画讲求“以形写实”。国画独特的特征，还表现在其艺术手法、艺术分科、构图、用笔、用墨、敷色等多个方面。按照艺术的手法来分，国画可分 为工笔、写意和兼工带写三种形式。从艺术的分科来看，国画可分为人物、山水、花鸟 三大画科，它主要是以描绘对象的不同来划分的。而国画中的畜兽、鞍马、昆虫、蔬果 等画可归入在花鸟类。 国画的构图或作长卷，或作立轴，长宽比例是“失调”的，但它能够很好表现特殊的意 境和画者的主观情趣。在透视的方法上，国画就不一定固定在一个立脚点作画，也不受 固定视域的局限，它可以根据画者的感受和需要，采用散点透视或多点透视，这是中国 的古代画家们根据内容和艺术表现的需要而创造出来的独特的透视方法。 在用笔和用墨方面，是国画造型的重要部分。用笔讲求粗细、疾徐、顿挫、转折、方圆 等变化，以表现物体的质感。而对于用墨，则讲求勾、皴、擦、点、染交互为用，合理 调配，以塑造型体，烘染气氛。国画的用墨之妙，在于有浓谈相生相融。由于国画与书 法在工具及运笔方面有许多共同之处，有“书画同源”之说。 以上谈的国画的特点，主要是指传统的国画而言。但这些特点，随着时代的前进。艺术 内容和形式也随之更新，并不断地发生变化。特别是“五四”之后，西洋画大量涌入， 国画以自己宽阔的胸怀，吸收了不少西方艺术的技巧，丰富了国画的表现力。但是，不 管变化如何，国画传统的民族的基本特征不能丢掉，国画的优良传统应该保持并发扬光大。 南北朝时代的谢赫作为中国第一个绘画理论家，提出的“六法论”为后世画家、批评家、鉴赏家们所遵循的原则，全面系统总结了传统绘画的创作实践。所谓“六法论”是指： 气韵生动、骨法用笔、应物象形、随类赋彩、经营位置、传移摹写六个方面。一、气韵 生动所谓的气韵即画面形象的精神气质。中国国画的要求就是要在描绘出拟物的外形之外，还要表现出拟物的精神。二、骨法用笔用笔，顾名思义就是我们所说的中国国画特 有的笔墨技法。骨法用笔其实就是就是指如何把笔墨技法恰当地将对象的形状和质感绘 画出来。与气韵作比较的话，气韵指“神”，则骨法用笔指“形”。三、应物象形绘画 者在描绘对象时，必定要顺应事物的本来面貌，用造型手段把它表现出来。不过在追求 艺术创新时，是可以在尊重客观事物的前提下，进行概括、取舍、想象和范围内的夸张。 四、随类赋彩随类赋彩是指色彩的应用，我们可以根据不同的描绘对象、时间、地点， 运用不同的色彩。五、经营位置经营位置是指构图的设计方法及应用，绘画者可以根据 画面的需要，进行形象调用。也就是通过勾画合理的空间布局。六、传移摹写传移摹写 指对真人真物进行临摹写生，或对古代作品进行临摹。这种方法也是对自然学习和传统 继承的一种方法，值得我们借鉴。 二 . 中国画的笔墨特点 1.笔墨概说 A.中国画使用中国特有的毛笔具有笔锋尖、笔毫齐、笔柱圆、笔毛柔软而富于弹性等特征，这种笔配合上中国特有的墨、色,并发挥水的作用使得笔下的线条,表达创作者丰富的感情。
中国绘画艺术发展简史 1.上古绘画（先秦、秦汉时期） 魏晋以前，绘画主要是“设色之工”所从事的职业，多是在岩壁和器物上作画，服务于礼教。 2.中国画样式的确立与发展（魏晋南北朝时期） 魏晋南北朝时期是中国绘画最重要的发展是时期。在这一时期，中国绘画渐渐摆脱了各种羁绊，走上了独立发展的道路。 顾恺之：东晋画家。提出“以形写神”、“迁想妙得”等主张，至今仍成为中国画的基础理论与指导纲要。顾恺之第一次提出“凡画，人最难”的观点，将绘画引导到人的精神 表达之高度。他是中国历史上第一位被正式列入传记的画家，也是有画迹，画论著 述流传至今的最早的著名画家。与其弟子陆探微，南朝齐梁之际的张僧繇，盛唐时 期的吴道子一道被尊为“画家四祖”。 谢赫：南朝齐梁时期著名画家和理论家。首次在其著作《画品》中总结“六法”，标志着中国绘画理论体系的确立。“六法”是绘画创作要求和评定标准的六个范畴，即“气韵生动、骨法用笔、应物象形、随类赋彩、位置经营、传移摹写”的准则。《画品》亦成为世界上第一部系统的评论画家及其创作风格的著作。 中国画中主要门类之一的山水画，在此时期开始渐次独立形成。隋代画家展子虔所做的《游春图》，标志着山水画已成为一种独立的品类进入中国画的殿堂。 3.中国画特殊语汇体系的完成（唐宋元时期） 1）从初唐到宋代是中国画全面发展完善的时代。“唐工宋巧”。 （1）唐代 阎立本：是初唐著名的人物画家，有“丹青神画”、“冠绝古今”之誉。传世之作有《历代帝王图》、《步辇图》等。 吴道子：是唐代最具代表性的画家。善于处理各种题材，绘制过大量的壁画，亦兼工雕塑，对唐代画风影响极大。有后世人摹本《天王送子图》。 张萱：玄宗时代的著名画家。著名作品《捣练图》和《虢国夫人游春图》。 周昉：晚唐画家，善画贵族妇女，严装华饰，雍容丰满，且注重仪态表达。传世作品《簪花仕女图》可被视为唐代仕女经典绘画的精品。 （2）唐末五代至宋代是绘画重大变革时期，产生了山水画的几位大师，也形成了花鸟画的重要派别与风格，人物画亦有相应的发展。 山水画：五代至宋初时期，荆浩、关仝、董源、巨然四位画家为山水画做出了里程碑式的贡献。基本完善了山水画中最重要的笔法——皴法的探索和总结，在擦、染方面， 也有不用程度的创造与突破。 北宋的山水画充分发挥了各种皴染的技巧，将中国山水画那种宏大的把握能力发展 到极致，在北宋画家李成与范宽的作品中表现得最为充分。范宽作品《溪山行旅图》。 “南宋四大家”：刘松年、李唐、马远、夏圭。 花鸟画：五代时期是花鸟画发展并形成流派的重要时期。宫廷画院对花鸟画的发展起到重要作用。中国花鸟画开山鼻祖黄筌，传世作品《写生珍禽图》，有着高妙的写实技巧。 五代南唐金陵布衣徐熙。独创“落墨法”，为后世“没骨法”开创先河。“黄家富贵， 徐熙野逸”。 宋徽宗《芙蓉锦鸡图》是院体花鸟的代表作品。“院体画”精美豪华，雅致细腻。人物画：五代南唐人物画家顾闳中、周文矩，为人物画描写现实生活做出开拓性贡献。顾闳中《韩熙载夜宴图》为古代历史人物画中不可多得的杰作。 《清明上河图》——北宋画家张择端。该图以手卷的形式展示出北宋晚期的都市生活与民
中国古代绘画之美 中国古代绘画起源很早，可以上溯到原始社会的新石器时代，距今至少有七千余年。五六千年前，先民们就用矿物颜色在岩石上涂画拙朴的动植物纹样和人形图案，在陶器上描绘各种美丽的图案纹饰，之后又在青铜器上刻铸纷繁神秘的花纹及其他图形。这些作品由于年代的久远，所保存下来的实属凤毛麟角，却使我们得以一窥早期绘画的面貌。在无数画家不断探索、创新的努力之下，逐渐形成了具有鲜明的民族风格和民族气派，并有着自己独立的绘画美学体系的中国绘画。 一、中国画与西洋画 早期的中国绘画以作品的题材划分为若干画科，如人物画、山水画、花鸟画等。公元17世纪前后，欧洲绘画传入中国，为了与本土传统绘画相区别，舶来的欧洲绘画作品被冠名为"西洋画"，本土绘画自然就称为"中国画"。因此，中国画最初的称谓，是相对于西洋绘画(泛指欧洲绘画)而言的。 相对西洋画来说，中国画有着自己明显的特征。传统的中国画不讲焦点透视，不强调自然界对于物体的光色变化，不拘泥于物体外表的肖似，而多强调抒发作者的主观情趣。中国画讲求“以形写神”，追求一种“妙在似与不似之间”的感觉：而西洋画呢？则讲求“以形写形”，当然，创作的过程中，也注重“神”的表现。但它非常讲究
画面的整体、概括。有人说，西洋画是“再现”的艺术，中国画是“表现”的艺术，这是不无道理的。 中国画是东方绘画艺术的主流，在世界美术领域中自成体系。无论在艺术内容、形式，还是表现手法上，中国画与西方绘画都有极大的差别。中国画与西洋画相比有着自己独特的特征，表现在其艺术手法、艺术分科、构图、用笔、用墨、敷色等多个方面。 按照艺术的手法来分，中国画可分为工笔、写意和兼工带写三种形式。工笔就是用极其细腻的笔触描绘物象。而写意呢？相对“工笔”而言，用豪放简练的笔墨描绘物象的形神，抒发作者的感情。兼工带写的形式则是把工笔和写意这两种方法进行综合的运用。从艺术的分科来看，中国画可分为人物、山水、花鸟三大画科，它主要是以描绘对象的不同来划分的。 中国画在构图、用笔、用墨、敷色等方面，也都有自己的特点。中国画的构图一般不遵循西洋画的黄金律，而是或作长卷，或作立轴，长宽比例是“失调”的。但它能够很好表现特殊的意境和画者的主观情趣。在用笔和用墨方面，是中国画造型的重要部分。用笔讲求粗细、疾徐、顿挫、转折、方圆等变化，以表现物体的质感。而对于用墨，则讲求皴（cun一声）、擦、点、染交互为用，干、湿、浓、淡合理调配，以塑造型体，烘染气氛。笔墨二字被当作中国画技法的总称，它不仅仅是塑造形象的手段，本身还具有独立的审美价值。中国画在敷色方面也有自己的讲究，所用颜料多为天然矿物质或动物外壳的
一：中国画简介 中国画，简称"国画"，它是用毛笔、墨和中国画颜料在特制地宣纸或绢上作画，题材主要有人物、山水、花鸟，技法可分工笔和写意两种，富于传统特色。 二：国画分类 国画可分为人物画、山水画、花鸟画三种。 1：人物画 （1）人物画的历史进程： 我国的人物画，历史悠久。据记载，商、周时期，已经有壁画。东晋时的顾恺之专尚画人物画，在我国绘画是上第一个明确提出"以形写神"的主张。唐代闫立本也擅长人物画。还有吴道子、韩斡等等。都为人物画做出了卓越的贡献。唐以后画人物画的画家就更多了，历代都有。 （2）人物画的画法和表现方法： 要画好人物画，除了继承传统外，还必须了解和研究人体的基本形体、比例、解剖结构，以及人体运动的变化规律，方能准确的塑造和表现人物的形和神。画人物有几种表现方法，各有所长，如：白描法，勾填法，泼墨法，勾染法。 2：山水画 （1）山水画的历史进程： 山水画(俗称风景画、风光画或彩墨画)，是专门的艺术学科，历史悠久。自唐代以来，每一时期，都有著名画家，专尚从事山水画的创作。尽管他们的身世、素养、学派、方法等不同；但是，都能够用过笔墨、色彩、技巧，灵活经营，认真描绘，是自然风光之美，欣然跃于纸上，其买相同，雄伟壮观，气韵清逸。 （2）山水画的组成： 山水画的组成包括：山、水、石、树、房、屋、楼台、舟车、桥梁、风、雨、阴、晴，雪、日、云、雾及春、夏、秋、冬气候特征等. 3：花鸟画 （1）花鸟画的介绍： 中国花鸟画多姿多彩，引人入胜。它与山水、人物画并列为中国绘画艺术的专门学科。花鸟画就广义讲，应包括花鸟、禽兽、昆虫、鱼介等。 （2）花鸟画的画法和表现主题： 花鸟画的画法大致可分为二类： （一）工笔花鸟； （二）写意花鸟； 昆虫亦有工、写之分。表现的方法有：白描（又称双勾）、勾勒、勾填、没骨、泼墨等等。他和山水一样，有悠久的历史。花鸟画的学习步骤不外乎临摹、写生、创作。表现的主题有：竹、兰、梅、菊、牡丹、荷花等；禽鸟有：鸡、鹅、鸭、仙鹤、杜鹃、翠鸟、喜鹊、鹰；昆虫有：鹦鹉、蝴蝶、丰、蜻蜓、蝉，杂虫有：蝈蝈、蟋蟀、蚂蚁、蜗牛、蜘蛛等。 三：国画的欣赏 初看国画，要欣赏的不是画面如此简单，还要看一下几项是否精美。 1：画工 画家的作品，可表现出作者的成就。画面的形象，就是画工的具体，我们往往主观批判该画的好与坏，就是受画工的影响最大2：书法 一：中国画简介
《中国画的形式美》教案备课人：金婷
初中美术说课模板一 尊敬的评委老师： 你们好！今天我说课的内容是中国画的形式美，我将围绕教什么，怎样教和为什么这样教从教材分析、学情分析、教学目标、教学重难点、教学准备、教法方法和教学过程七个方面来汇报我的教学设计。 一、教材分析 本课节选自人民美术出版社的美术八年级上册，在新课改理念下，我明确了本课课型属于设计应用领域。之前，我们学习了山水画，这为过渡到本节内容的学习起到了铺垫作用，因此，本节的内容具有不可忽视的重要地位。 本节内容前面承接本教材的中国山水画内容，后面是本教材三位中国美术家的内容，所以学好此内容为今后学好美术知识打好基础，起到了承上启下的作用。 二、学情分析 进入八年级后，初中生的个体差异趋向明显，形象思维往抽象思维转化，但形象思维仍然占主体地位，因而直观性教学更贴近学生实际，对于美术课程的学习，利用图片、图像等直观演示，能够比较直接的激发学生的学习兴趣，活跃课题气氛，促进学生对知识的掌握。
三、教学目标 教学目标必须从学生角度出发，同时结合教材人文与科技的特色。 通过本课的学习，使学生感悟到中国画具有丰富文化内涵，并内化为热爱祖国的情怀。运用形式美因素和法则对中国画的形式美进行分析，从而加深对中国画的整体认识和理解。 四、教学重难点 根据教材内容和学情分析，我确定本课教学重点为： 教学难点为：中国画形式美各因素的价值判断，即对形式美的把握。 教学兴趣点为：赏析中国画的笔墨美感。 五、教学准备 巧妇难为无米之炊，因此备好画具是上好本课的前提条件。 教师准备：教材、多媒体课件画具等 学生准备：网上资料收集画具等 六、教学方法 我以观察、问答、小组讨论等多种方法结合来完成我的教学内容，另外以多媒体课件贯穿全课。 七、教学过程
中国画的历史发展简述 国画，也叫中国画，它是我国传统文化的重要组成部分，有悠久的历史，在世界美术界自成一家，特色鲜明，是中华民族的传世之宝。 早在周代，我国就有了人物画像，春秋时期出现了大型壁画。秦汉时期的绘画作品题材多样，种类不一，造型生动，笔法简括，善于以动态传情。 魏晋南北朝时期，是一个继往开来的变革时代。佛教艺术的传入，从内容到形式给我国绘画注入了新的血液。佛教壁画空前兴盛，其中敦煌莫高窟的壁画数量最多，也最精彩。专业画家在这时登上历史舞台，他们带来了新的绘画艺术，这标志着中国绘画进入了一个新的阶段。
隋唐画坛更是名家辈出，人物、山水、花鸟画都趋于成熟，为后世所仰慕。阎立本是当时画界的领军人物，他的《步辇图》等作品一直为后人所推崇。中唐是中国绘画史上空前繁荣的时期，人物画达到了一个新高潮，注重心理刻画与细节描写，代表人物有吴道子、张萱等。牛马题材开始盛行，以韩滉的《五牛图》为代表，给绘画注入了清新的田园气息。晚唐的绘画又有了新的发展，以周昉为代表的人物画达到完美的境界，疏淡简洁的花鸟画也开始形成。中国画在唐代呈现出五彩纷呈、绚丽多姿的局面。 五代两宋时期的绘画达到了中国古代绘画艺术的顶峰。文人画家的大量出现，使绘画从诗歌中汲取营养，以诗入画的风气更加明显，同时注意写生和技法的探索。文人画在这时大量涌现，主要有苏轼、黄庭坚、米芾等。
（接昨日上文，感谢您的持续关注） 到了元代，崇尚以书入画，强调笔墨情趣的形式感，出现了赵孟頫、黄公望这样的一代宗师。明清两代山水花鸟画成为大宗，宗教、人物画衰落。明代出现了以地区为中心的名家和流派，如以戴进为代表的浙派，以沈周、文徵明为代表的吴门派，以董其昌、赵左为代表的松江派等。清代形成了以“扬州八怪”为代表的扬州画派，对近现代的花鸟画产生了深远的影响。 明清时期，与民间工匠美术家关系更为密切的壁画、版画与年画的发展呈现出了不同的状况。壁画由盛转衰，版画、年画则异军突起，发展迅猛。壁画的功用大多已为卷轴画所替代，所以壁画的数量和质量都有所下降。自唐代就已经出现的木刻版画，作为插图在宋元时期被广泛地应用于各种经、史及讲解技术生产的书籍。到了明代，由于市民文化和民俗文学的兴盛，版画在戏曲小说插图中得到了巨大的发展，并吸引了一些著名画家参与绘稿，佳作叠出。五代北宋时期的年画多以手绘的形式出现，在明中期以前，也开始有刻制的形式问世，但数量较少。随着版画的兴起，木板年画也勃兴起来，至清代已巍为大观。作为最为普及的美术形式，年画在民间曾经起到了传播知识的作用，在西方印刷术冲击中国之前，曾出现了万紫千红的繁盛局面。
人教版小学六年级美术下册教学设计：学画中国画— —树 （一）教学目标：１．通过对古代画家的两幅画的欣赏，引导学生开端了解 和了解中国山川画，引发学生热爱民族艺术的情绪； ２．学习山川画中树的根本画法； ３．感觉山川画中树的美感，勉励学生在生存中善于视察。 （二）作业要求：画两棵差别形状的树。 （三）课业种别：绘画底子课。 （四）教学重点：通过欣赏山川画作品，了解中国画“效法造化”的原理， 并引发学生勇于实验用翰墨体现本身喜好的树； （五）教学难点：山川画中树的根本画法。 （六）用具准备：１．老师：书、国画画东西、范画、录像。 ２．学生：书、国画东西。 （七）教学历程： 一、构造教学：查抄用具。 二、导入新课： 1．由儿童画“树”与国画“树”举行比拟，引出新课。 2．板书课题：学画中国画——树 三、教学新课： １．看录像：中国画“效法造化”的原理
２．看书p4讲老画家以大天然为师，作画的故事。 ３．解说山川画中树的根本画法：边演示边解说。 （1）画树起首要视察、研究种种树木的形态和特性及生长纪律和构造布局。 （2）画枝干：“树分四比方”，要有立体感。 （3）画叶： a.单叶：用点的要领，中峰直点，侧峰横点。 b.夹叶：双勾法。 ４．出树模画、挂图，学生阐发范画画法。 ５．看书p4与挂图比力，感觉山川画中树的美感。 四、部署作业，提出要求： １．先在别的纸上画出树的根本形态； ２．直接画在宣纸上，细致回想领会老师所讲的根本画法。 五、学生训练，老师引导： １．用翰墨的要领； ２．技法的运用。 六、作业小结： １．讲评，展示作业结果。 ２．摒挡东西。 同时，特别感谢安老师为我们提供这么优质的教学设计。
中国国画的特点的介绍，一共分五步进行讲解，其中部分观点来自中国专业字画交易平台-易从字画商城，查看更多好的字画作品也可以直接登录易从字画商城网站。 中国国画的特点一：传统的中国画不讲焦点透视，不强调自然界对于物体的光色变化，不拘泥于物体外表的肖似，而多强调抒发作者的主观情趣。中国画讲求“以形写神”，追求一种“妙在似与不似之间”的感觉：而西洋画呢？则讲求“以形写形”，当然，创作的过程中，也注重“神”的表现。但它非常讲究画面的整体、概括。有人说，西洋画是“再现”的艺术，中国画是“表现”的艺术，这是不无道理的。 中国国画的特点二：中国画有着自己独特的特征，还表现在其艺术手法、艺术分科、构图、用笔、用墨、敷色等多个方面。按照艺术的手法来分，中国画可分为工笔、写意和兼工带写三种形式。工笔就是用画笔工整细致，敷色层层渲染，细节明彻入微，用极其细腻的笔触描绘物象，故称“工笔”。而写意呢？相对“工笔”而言，用豪放简练的笔墨描绘物象的形神，抒发作者的感情。它要有高度的概括能力，要有以少胜多的含蓄意境，落笔要准确，运笔要熟练，要能得心应手，意到笔到。兼工带写的形式则是把工笔和写意这两种方法进行综合的运用。 中国国画的特点三：从艺术的分科来看，中国画可分为人物、山水、花鸟三大画科，它主要是以描绘对象的不同来划分的。而中国画中的畜兽、鞍马、昆虫、蔬果等画可分别归入此三类。 中国国画的特点四：中国画在构图、用笔、用墨、敷色等方面，也都有自己的特点。中国画的构图一般不遵循西洋画的黄金律，而是或作长卷，或作立轴，长宽比例是“失调”的。但它能够很好表现特殊的意境和画者的主观情趣。同时，在透视的方法上，中国画与西洋画也是不一样的。透视是绘画的术语，就是在作画的时候，把一切物体正确地在平面上表现出来，使之有远近高低的空间感和立体感，这种方法就叫透视。因透视的现象是近大远小，所以也常常称作“远近法”。 中国国画的特点五：在用笔和用墨方面，是中国画造型的重要部分。用笔讲求粗细、疾徐、顿挫、转折、方圆等变化，以表现物体的质感。一般来说，起笔和止笔都要用力，力腕宜挺，中间气不可断，住笔不可轻挑。用笔时力轻则浮，力重则饨，疾运则滑，徐运则滞，偏用则薄，正用则板。要做到曲行如弓，直行如尺，这都是用笔之意。古人总结有勾线十八描，可以说是中国画用笔的经验总结。而对于用墨，则讲求皴、擦、点、染交互为用，干、湿、浓、淡合理调配，以塑造型体，烘染气氛。一般说来，中国画的用墨之妙，在于浓淡相生，全浓全淡都没有精神，必须有浓有淡，浓处须精彩而不滞，淡处须灵秀而不晦。用墨亦如用色，古有墨分五彩之经验，亦有惜墨如金的画风。用墨还要有浓谈相生相融，做到浓中有淡，淡中有浓；浓要有最浓与次浓，淡要有稍谈与更淡，这都是中国画的灵活用笔之法。由于中国画与书法在工具及运笔方面有许多共同之处，二者结下了不解之缘，古人早有“书画同源”之说。但是二者也存在着差异，书法运笔变化多端，尤其是草书，要胜过绘画，而绘画的用墨丰富多彩，又超过书法。笔墨二字被当做中国画技法的总称，它不仅仅是塑造形象的手段，本身还具有独立的审美价值。 以上谈的中国国画的特点，主要是指传统的中国画而言。但这些特点，随着时代的前进。艺
中国山水画与中国古典的起源和发展 简介：中国山水画与中国园林被誉为“姊妹艺术”。通过分析从殷周秦汉、魏晋南北朝、隋唐、宋、元明清时期的社会发展的五个典型的阶段两者的兴衰的历史和相互作用，总结出中国山水画与中国古典园林发展的共通之处以及前者对后者 的影响和作用。 关键字：中国古典园林中国山水画发展 人们自古以来就有着亲近自然、追逐山水的欲望。“高山流水，小桥人家”是古代人们所追逐的，便出现的山水诗；古人描绘山水，便出现了山水画；古人创造山水，便出现了中国古典园林。中国山水画与中国古典园林的起源和发展有着密切联系，两者的创作一脉相成。在漫长的发展过程中相互作用，逐渐形成了 一种独特的风格和审美情趣。 1.起源（石器时代、殷、周、秦汉） 山水画是中国画中的特有的画种之一，说到中国山水画起源得先从中国绘画说起。早在旧石器时代，制陶工艺的出现使得绘画在陶器的装饰上得以表现；在新石器时代，彩陶上的装饰图案代表新石器时代绘画的最高水平；原始岩画是中国绘画最早的遗存，原始岩画包含着人类的智慧和本性，反映了原始先民的朴素理想、信仰和生活；而到了秦汉，实现了全中国的统一，宫殿壁画的大量涌现，促进了绘画的发展。这时虽未出现山水画，但出现了表现山水的图画，如东汉时期的山系平陆早园汉墓壁画《山水图》。 最早见于文字记载的园林形式是“囿”，园林里面的主要建筑物是“台”。中国古典园林的雏型产生于囿与台的结合，在奴隶社会后期的殷末周初。囿台主要是满足上层社会阶级，他们用囿台狩猎、游玩、观察天象和气候以及祭祀。而在秦汉园林则以山水宫苑的形式出现，离宫别馆与山水环境结合，范围大到方圆数百里。其中最为有名的是“阿房宫”，它首先在苑囿中建立朝宫，实现了皇家园林里的游赏、居住、朝政等活动的兼容，促使了具有宫苑式的“园”的形成。中国园林从汉起称“苑”。其中以上林苑最为著名，它是中国历史上最大的一座皇家园林。同时在汉文帝时期还出现了私家园林，《西京杂记》就记述了这个时期茂陵富人袁广汉所筑私园情况：“东西四里，南北五里，激流水注内。构石为山，高十余丈，连绵数里。”以山水为建筑要素亦在私家园林中建设。 综上所述，中国绘画起源于人们的生产活动，原始画和原始囿台都是先民的智慧和汗水的结晶，而秦汉时期的统一促进了园林和中国绘画的发展，山水宫苑的出现也说明园林已经有意识的与自然山水结合，私家园林的出现说明当时园林 已开始普及。 2.发展 2.1转折（魏晋南北朝）
6.中国画的形式美 《中国画的形式美》这一课要依托于中国古典哲学和文化的深厚背景，中国画的形式美构成了高雅的艺术品位和丰富的艺术品类，如同一切文化遗产一样，中国画也正随着时代的发展而不断变化、发展。通过本课的教学，可以使学生了解中国画的形式美，涵养学生的人文精神，加深对中国画作品的形式语言的认识和理解，从而丰富和提高审美视知觉的能力。 中国画在其千余年的发展进程中，形成了对于意与境、形与神、感性与理性等关系的极具独特的关学理论，尤其是在表现形式上，将绘画、书法、诗歌、篆刻等进行有机结合，形成中国画独特的形式美感，成为具有丰富的文化内涵的艺术形式。中国画依托于中国古典哲学和文化的深厚背景，构成了高雅的艺术品位和丰富的艺术品类，如同一切文化遗产一样，中国画也正随着时代的发展而不断变化、发展。 本课的学习可以使学生了解中国画的形式美，涵养学生的人文精神，加深对中国画作品的形式语言的认识和理解,从而丰富和提高审美视知觉的能力。 教学目标： 一知识目标： 1、认识绘画中形式美感与内容的协调统一是构成作品艺术美感的重要的两个方面。 2、认识中国画是通过形象、笔墨、色彩、章法等外在形式语言来表达作者的思想情感。 二能力目标： 运用形式美因素和法则探究中国画的综合性，初步尝试体验中国画的形式美。 三情感目标： 通过学习本课使学生感悟到中国画具有的丰富文化内涵并内化为热爱祖国的情怀。
教学重点： 赏析中国画的笔墨美感、体验笔墨情趣及提高国画的审美能力。 教学难点： 中国画形式美各因素的价值判断及相互关系。 教具准备： 课件（包括丰富、典型的各种风格的名作），画架、画板、笔墨纸砚等绘画用品。 学具准备： 准备笔、xx、纸、砚、等国画用具。 教学过程： 一、课前准备 师：调试多媒体设备，准备教具，组织教学。 生：准备学具。 二、导入新课 首先播放上海美术电影厂的水墨动画《牧笛》 在欣赏了一些片断之后，请学生回答水墨动画的一些特点。引入本课内容《中国画的形式美》。 三、授新课 1、演示课件 2、讲解形式美概念 师：通过刚才同学的剖析，我们知道所谓中国画的形式美概括起来大致有：
中国画----山水：树木画法 第1 课时：树木画法课型：综合课 教学方法：欣赏、讲解、示范与练习相结合。 教学目的: 通过树木画法的教学，增加学生对中国画山水的了解，提高学生对中国画山水树木画法的技法与欣赏水平。为以后学习山水画打下基础。 重点：树木的结构和中国画画树的特有的表现手法。 难点：树木的穿枝插叶。 教具准备：山水画二至三幅，树木结构图一幅，树枝、树叶分类挂图学具准备：国画工具——笔、墨、纸、砚。 教学步骤 课前，在教室前面挂出写意山水画二至三幅。 1导言： 先欣赏挂在墙上的几幅山水画，由此引入新课，介绍树木是山水画中的重要组成部分，作为祖国的传统艺术，我们要十分珍爱并发扬光大。2树木的结构： 树木的种类繁多，形状也千差万别，但每株树都是由枝、干、根、叶构成，它们的生长规律是：主干粗、枝干细，枝干越分越细。 3树干、树枝的画法： 画树的顺序是：先立干，后分枝，最后点叶。 古人有“树分四枝”之说。意思是指画树要四面出枝，才能表现出一棵树的立体感。再则，画树枝要注意取舍、概括，以达到简化，同时在
画面的树干时，多用浓墨，画后面的枝干时，多用淡墨来表现，使其具有远近关系和层次。古人经过长期的观察、提炼，把各种树木的种类和各种树枝的生长规律和形态概括为两种基本形态。 即：“鹿角法”和“蟹爪法”。 鹿角法：枝条上挺如鹿角状，两枝交接处的内角多为锐角，也有成钝角的，但不宜取直角，因直角太呆板。 蟹爪法：枝条下屈，如蟹爪。（枣、柿等树，大体属于这一类。） 4树叶的画法： 树叶的表现法虽很多，但基本上可分为两大类。即：点染法和双勾法。点染法： （1）胡椒法：为密集的圆形小点。最好用微秃的毛笔画，落笔时笔锋直擢纸面，有节奏地点下去。注意墨色的浓淡变化。 梅花点与鼠足点：由五点聚成一个小单位，其形状如梅花和鼠足，然后由许多小单位交错排列而成。梅花点下笔重；收笔轻；鼠足点下笔轻，收笔重。 松叶点：松叶又叫松针，由八、九笔或更多的笔画组成上仰的扇形，一般由中间一笔画起，先左后右，每个小单位参差交叠构成一大片树叶。 介字点与个字点：叶形下垂，每个小单位形如“介”字或“个”字。要注意参差交叠与浓淡变化。 双勾法： 双勾法，就是用勾线的方法画树叶。其组织排列规律也与点染法相似。
发展史 国绘画又名国画，是现代人为区别于西洋画而对中国传统绘画的泛称。它包括卷轴画、壁画、年画、版画等各种各样的门类。有时特指以中国独有的笔墨等工具材料按照长期形成的传统而创作的绘画。中国画现分为三大画科：人物画、山水画、花鸟画；有工笔与写意两大种画法；有卷、轴、册、屏等多种装裱形制。 一、中国绘画发展概况 中国绘画艺术历史悠久，仅从已知独幅的战国帛画算起，已有2000余年的历史。如果从内蒙古、甘肃、山东、新疆以及东北各地的原始岩画及1986年发现于甘肃秦安大地湾原始地画来看，它的历史已不下5000年。以汉族为主包括各少数民族在内的画家和匠师，创造了具有鲜明民族风格和丰富多采的形式手法，形成独具特色的中国传统绘画。明清以来，特别是辛亥革命以后，随着封建社会的崩溃，外来绘画艺术不断传入，丰富了中国绘画的体裁。中外艺术交流日益频繁，使画家从中得到吸收和借鉴，中国绘画创作发生了前所未有的变化，油画、水彩画、漫画、宣传画等相继发展起来，特别是中华人民共和国建立以后，各个画种都展示出新的面貌。 （一）中国古代绘画 中国绘画的最早遗迹可上溯到远古的岩画和繁荣于新石器时代彩陶器上的装饰纹样。黄河上、中游是彩陶繁盛的地区。分布在渭水、泾水流域一带的老官台文化（距今约7000～8000年间）已有绘着简单纹样的彩陶。这是迄今发现的最早的彩陶。新石器时代的绘画，技巧上尚处于稚拙阶段，但已具有初步造型能力，对人物、鱼、鸟等外形动态亦能抓住主要特征，并表现作者的信仰、愿望，用以美化生活，犹如一片绚丽的彩霞，映现了中国绘画史的黎明。 商、周时期的绘画处于发展的初期阶段。绘画应用的范围主要是壁画、章服以及青铜器、玉器、牙骨雕刻、漆木器等的纹饰。早期基本上是装饰性图案，到西周以后，开始有以表现人物活动为主的纪事性绘画作品，绘画的作者是百工。从风格上看，商代庄严神秘而缛丽，西周趋于典雅，春秋以后绘画内容逐渐更多地反映社会生活，形象活泼生动，技巧上有着巨大的飞跃。 秦汉王朝是中国历史上早期建立的中央集权的封建大帝国，国势强盛，疆域广阔，丝绸之路沟通着中外艺术交流，秦汉王朝与相邻各族也有密切的接触，这时期的绘画更加重视绘画的政治功能和伦理教化作用。具有雄厚博大、昂然向上的总的统一的时代风格，是中国绘画史上的第一个发展高潮。这时期的主的绘画形式是纯绘画的宫殿壁画、地上建筑壁画、墓室壁画及与此相关的画像石、画像砖等。秦代为了宣扬秦始皇统一大业及其拥有的无上权威，而建造的规模宏大的建筑群内部，绘制有许多壁画。汉代，从宫室殿堂到贵族官僚的府邸、神庙、学堂及豪强地主的宅院，几乎无不以绘画进行装饰。汉代习俗事死如生,以厚葬为德,薄殓为鄙，这就是使得装饰坟墓，为死者表彰功德的绘画活动规模和数量都达到了空前高涨的程度。东汉赵岐甚至在活着的时候，就为自己的坟墓准备壁画。画像石是东汉时期重要的美术作品。因以刀代笔施于石材平面上的绘画，因此称石刻画。其题材内容与墓室壁画大致相同。主要分布在山东、河南、四川、陕北等地区，江苏、陕西、山西、安徽、河北、湖北
《中国画的形式美》教案 备课人：金婷 教学内容设计 学习目标知识与能 力目标 运用形式美因素和法则探究中国画的综合性，对中国画的形 式美进行分析，从而加深对中国画的整体认识和理解。 方法与过 程目标 通过本课的学习，使学生感悟到中国画具有丰富文化内涵， 并内化为热爱祖国的情怀。 情感与态 度目标 认识中国画是通过笔墨、色彩、章法等外在形式语言来表达 作者的思想情感。 重点难点 1、赏析中国画的笔墨美感。 2、中国画形式美各因素的价值判断（对形式美的把握） 教具 准备 多媒体课件、教材、中国画笔墨纸砚、学生作品、挂图等。 课堂教学设计过程 教学 程序 教学过程 （一）复习导入 1、上节课我们学习了《中国山水画》，通过学习我们知道了意境美是山水画的灵魂，下面就让我们再一起欣赏几张国画作品，在欣赏时请同学们说一说这些作品在哪些方面给你以美的愉悦? 2、教师出示范作并解说作品、作者、作品特点。 学生讨论回答：中国画色彩很艳丽；笔墨很有趣，很特别，形象不是很准确但很美等等。 3、教师总结导入课题：同学们的看法很独特，很好，其实同学们刚才所说的这些都是中国画的形式美，那么什么是中国画的形式美呢？下面就让我们共同去学习《中国画的形式美》。 （二）授课 1、演示课件激发学习兴趣，学生迅速参与到分析讨论中来。 2、讲解形式美概念。通过刚才同学的剖析，我们知道所谓中国画的形式美就是在大小横竖不同的画幅中通过构图将点、形、色等形式因素按表现需要有规律的组合起来所呈现的多样统一的美感。 中国画的形式美概括起来大致有：形神之美、笔墨之美色彩之美、形制之美四个因素。 3、演示课件白石老人的《虾》与生活中虾的照片。 提问：白石老人笔下的虾在形象上与现实生活中的虾有什么不同呢？ 学生分组讨论。学生回答：回答生活中的虾腿很多，是透明的，
中国画的笔墨技法 (1) 用笔的技法特点:笔锋勾勒的线条:“吴带当风”“曹衣出水”，传统的国画“十八描”等等。侧锋的皴法:“折带皴”“斧劈皴”等等。 (2) 用墨的技法特点:墨的点染、晕染、渲染，“没骨法”等等。用笔用墨的辩证关系: (1) 用笔用墨的相互依存关系:笔不离墨、墨不离笔。笔由墨现、墨随笔生。 (2) 用笔用墨的侧重关系:用笔角度、力度、速度的差异产生的不同效果等。着墨的干湿、浓淡、深浅变化，墨分“五彩”之说等。墨与色彩的调配产生的墨色变化更是丰富多彩。 (3) 笔墨在表现物象变化中的运用:表现的质感，意境的再现，笔墨变化的趣味等等。 中国画特点 相对西洋画来说，中国画有着自己明显的特征。传统的中国画不讲焦点透视，不强调自然界对于物体的光色变化，不拘泥于物体外表的肖似，而多强调抒发作者的主观情趣。中国画讲求“以形写神”，追求一种“妙在似与不似之间”的感觉:而西洋画呢,则讲求“以形写形”，当然，创作的过程中，也注重“神”的表现。但它非常讲究画面的整体、概括。有人说，西洋画是“再现”的艺术，中国画是“表现”的艺术，这是不无道理的。 中国画与西洋画相比有着自己独特的特征，还表现在其艺术手法、艺术分科、构图、用笔、用墨、敷色等多个方面。按照艺术的手法来分，中国画可分为工笔、写意和兼工带写三种形式。工笔就是用画笔工整细致，敷色层层渲染，细节明彻入微，用极其细腻的笔触描绘物象，故称“工笔”。而写意呢,相对“工笔”而言，用豪放简练的笔墨描绘物象的形神，抒发作者的感情。它要有高度的概括能力，要
有以少胜多的含蓄意境，落笔要准确，运笔要熟练，要能得心应手，意到笔到。兼工带写的形式则是把工笔和写意这两种方法进行综合的运用。 从艺术的分科来看，中国画可分为人物、山水、花鸟三大画科，它主要是以描绘对象的不同来划分的。而中国画中的畜兽、鞍马、昆虫、蔬果等画可分别归入此三类。 中国画在构图、用笔、用墨、敷色等方面，也都有自己的特点。中国画的构图一般不遵 循西洋画的黄金律，而是或作长卷，或作立轴，长宽比例是“失调”的。但它能够很好表现特殊的意境和画者的主观情趣。同时，在透视的方法上，中国画与西洋画也是不一样的。透视是绘画的术语，就是在作画的时候，把一切物体正确地在平面上表现出来，使之有远近高低的空间感和立体感，这种方法就叫透视。因透视的现象是近大远小，所以也常常称作“远近法”。西洋画一般是用焦点透视，这就像照相一样，固定在一个立脚点，受到空间的局限，摄入镜头的就如实照下来，否则就照不下来。中国画就不一定固定在一个立脚点作画，也不受固定视域的局限，它可以根据画者的感受和需要，使立脚点移动作画，把见得到的和见不到的景物统统摄入自己的画面。这种透视的方法，叫做散点透视或多点透视。如我们所熟知的北宋名画、张择端的《清明上河图》，用的就是散点透视法。《清明上河图》反映的是北宋都城汴梁内外丰富复杂、气象万千的景象。它以汴河为中心，从远处的郊野画到热闹的“虹桥”;观者既能看到城内，又可看到郊野;既看得到桥上的行人，又看得到桥下的船;既看得到近处的楼台树木，又看得到远处纵深的街道与河港。而且无论站在哪一段看，景物的比例都是相近的，如果按照西洋画焦点透机的方法去画，许多地方是根本无法画出来的。这是中国的古代画家们根据内容和艺术表现的需要而创造出来的独特的透视方法。