分析威尔第的歌剧特点 摘要: 威尔第是着名的意大利歌剧作曲家,举世公认的歌剧大师,他的歌剧将人们内心的激情戏剧化,给人一种悲欢交织中的美感。本文以威尔第的歌剧为切入点,通过威尔第的阶级立场论述威尔第的思想及创作,并探讨其对意大利以及对整个世界歌剧史的影响。 关键词:威尔第;歌剧;特点 一、前言 歌剧是一种有音乐、戏剧、诗歌、舞蹈和舞台美术结合而成的综合艺术。在19世纪,意大利歌剧进入了一个繁盛的时期,最杰出的意大利歌剧作曲家威尔第为自己民族的歌剧艺术开创了一个新的时代。威尔第一生创作了三十部歌剧作品,他在继承意大利歌剧传统的基础上,从艺术创作的源泉与动力的革命性出发,构建了自己独特的艺术风格,取得了歌剧创作上的创造性的伟大艺术成就。 二、威尔第的生平及其代表作 威尔第,l813年10月10日出生于意大利小镇隆科莱,他从小热爱音乐,参加教堂的合唱团,随教堂的管风琴师学习音乐,并在乡村当管风琴手,显露了卓越的音乐才华。 他是世界最负盛名的意大利作曲家,从18年的开始创作第一部歌剧,他的歌剧创作生涯长达54年之久,在他的音乐中,沿用意大利美声唱法的传统,并且非常注意作品的歌唱性,使管弦乐的戏剧发展和声乐的鲜明旋律性完美地结合在一起。他的主要歌剧代表有《弄臣》、《游吟诗人》等,在晚期意大利歌剧史上留下了不可取代的作用。 三、威尔第歌剧的创作时期及其风格 威尔第的歌剧作品洋溢着炽热的情感旋律,其成就代表了意大利浪漫主义歌剧的高峰。他的歌剧创作历程犹如他坎坷不平的生命成长历程,他的作品在年代和创作思想上可划分为三个时期:19世纪四十年代是威尔第歌剧的早期创作, 19世纪的五十到七十年代是他歌剧的成熟时期,内容触及一定的社会问题,使他成为世界瞩目的大作曲家;19世纪的八十年代是其晚期的歌剧的创作时期,下面从三个时期来论述威尔第歌剧特点。 1、处于萌芽时期的早期创作 19世纪四十年代是意大利人民努力推翻法国和奥地利的统治,争取民族独立和统一的时期。受社会和家庭的影响,威尔第从小就有反侵略,反分裂的民
乐府新声（沈阳音乐学院学报）2012年第4期 THE NEW VOICE OF YUE —FU (The Academic Periodical of Shenyang Conservatory of Music ) [1]作者简介：崔姝声(1977~)女，沈阳音乐学院艺术学院讲师。 浅谈中国民族声乐的演唱特点及其发展 在中国灿烂悠久的文化发展历程中，各种丰富多彩的艺术形式被不断地派生出来。其中声乐演唱就是主要的艺术形式之一。随着音乐的推动发展，声乐演唱成了人们娱乐生活中不可或缺的音乐元素。从20世纪开始，人们最熟悉的声乐演唱方式大致可以分为民族声乐演唱、美声演唱和通俗演唱，这三种演唱方式已经成为大众赏析声乐作品时的一个特定模式。中国民族声乐演唱是我们根据自己的语言发音特点和审美需求，以传统民歌唱法与戏曲唱腔为基础，借鉴并吸取了西洋美声演唱的技巧和优势，结合时代背景而形成的一种独具特色的民族声乐艺术形式。它具有很强的艺术感染力，声情并茂，真切感人，这也源于人民大众和民间歌手长期演唱实践的积累。民族声乐演唱对于中国音乐的发展产生了十分深远的影响和意义。 一、中国民族声乐的演唱特点 中国各个民族的、民间的歌曲演唱，京剧戏曲演唱，说唱及民族的新歌演唱等唱法统称为中国民族声乐。它的演唱风格多种多样，演唱技巧灵活复杂，演唱效果极富感染力。它是 一种以演唱、表演为主的音乐艺术。在它的演唱中包含的声音类型有真声、假声、真声假声相混合及真声混声相连接。这四种演唱类型无疑使民族声乐呈现出更加美妙动听的声音效果。在民族声乐演唱中只有把握好其演唱特点才能更好的诠释出每一首品。 “声音”是民族声乐演唱的第一个特点。在声乐演唱中演唱者的声音是至关重要的，动听的歌声能引人入胜、回味无穷、产生强烈的共鸣。中国的传统演唱要求是声音洪亮、流动顺畅、委婉动听。在民族声乐的不断发展过程中，经过大量研究并广泛借鉴、吸收其他的声乐演唱手法，使民族声乐演唱对于声音的运用达到了一个科学性、民族性共存的崭新阶段。演唱时的声音要明亮、甜美、委婉，还要保持住声音的耐力，嗓音的音域要宽，各种演唱技巧的运用要恰到好处、灵活细腻，用嗓的方法也要根据具体的作品随时加以调整。在发声方法的运用上，气息要深稳而灵活，声带要具备很强的功能和张力，共鸣的方法和作用应全面发挥，共鸣的位置也要及时掌控等等，把演唱者的声音挖掘出来，这样才能在演唱声乐作品时 崔姝声[1] [内容提要]中国民族声乐演唱是我们根据自己的语言发音特点和审美需求，以传统民歌唱 法与戏曲唱腔为基础，借鉴并吸取了西洋美声演唱的技巧和优势，结合时代背景而形成的一种独具特色的民族声乐艺术形式。本文将通过对其演唱和发展的方向进行分析、研究，来了解中国民族声乐艺术，从而反映出中国民族声乐所产生的深远影响以及深刻的内涵。 [关键词]中国民族声乐/演唱/传承/发展/审美特征 中图分类号：J 616.22 文献标识码：A 文章编号：1001-5736（2012）04-0236-3
浅析中国民族歌剧的表现形式 ——以歌剧中的经典女性角色为例 一、中国名族歌剧概述 “歌剧是一种由戏剧、音乐、舞蹈、建筑、美术等独立艺术综合而成的舞台艺术，而戏剧和音乐又是歌剧构成元素中两个最基本、最重要的元素；据此，人们常把歌剧称为“戏剧的音乐形式”或“音乐的戏剧形式”。[1] 世界上的第一部歌剧诞生于 400 多年前的意大利佛罗伦萨，它的诞生，不仅极大地丰富了音乐艺术的表演形式，促进了戏剧、音乐、舞蹈、美术等不同艺术行当紧密结合，更为重要的是，它推动了歌唱艺术从 17世纪至 20 世纪步入了科学的发声时代，使歌唱的技术与艺术日臻完善、不断发展。 “纵观 20 世纪中国歌剧艺术的历史轨迹，实际上女性声乐文化是一部以女性角色塑造为主线的历史，这与西方歌剧（以男性角色塑造为主）形成了鲜明迥异的民族风格和时代特征。”[2] 从前面提及的《可怜的秋香》、《葡萄仙子》，我们已经不难发现女性角色出现的“萌芽”；到 1945 年《白毛女》的诞生，确立了中国歌剧以女性角色为主人公的主流派风格； 50、60 年代《洪湖赤卫队》、《江姐》两部歌剧体现了那个时期我国歌剧创作的最高水平； 80 年代的《伤逝》、90 年代的《党的女儿》、这些歌剧中的女性角色都在中国的歌剧舞台上留下了光彩照人的一笔。女性角色的塑造已成为一条主线贯穿中国歌剧的发展历程，它成为了一种现象、一种审美、一种中西方歌剧文化的美学差异。 在新世纪的舞台上，中国歌剧，尤其是民族歌剧已发展得更加成熟，跃步世界舞台。中国一批批歌剧创作者和表演艺术家留洋归来，他们带着先进的创作及演唱技法，怀着满腔热忱投入到歌剧创作演出中。中国民族歌剧朝着多元化发展，男性主人公角色也开始粉墨登场，这无不显示出中国歌剧正一步步走向全面、成熟。然而，相比之下，男性角色虽然也同女性角色一起部分占据着中国歌剧舞台，或者部分扮演着主要角色，但是就男性角色的音乐塑造以及在广大人民群众中的巨大影响而言，也许还是远不及女性。本文主要以几部女性角色为主人公的经典代表民族歌剧为例，研究中国民族歌剧的主要表现形式，这对于引导我们深入中国歌剧艺术及文化研究、展望中国歌剧发展方向等具有一定的现实意义。 二、90年代中期中国经典民族歌剧女性形象唱“主打戏” 随着改革开放发展，西方现代主义文艺思潮纷纷涌入中国，中国的民族歌剧艺术家们思想得到了前所未有的解放，他们开始尝试把音乐创作中的新潮技法运用到中国歌剧的创作演出中，他们的创造性、积极性、能动性被充分地调动起来，更新了中国歌剧界的老观念、老思路，开始了各种方面的创新、变革。在经过几年复苏之后，中国歌剧迎来了百花齐放的春天，一批优秀的、内容丰富的、形式新颖的好歌剧腾空出世，一批优秀的歌剧创作者、表演家也随之脱颖而出。“在创作方面的美学观念、陈述原则、结构形态、艺术语言的表现方法等方面和在表演艺术方面的歌剧声乐形象化、歌剧表演的角色创造、歌剧声乐技巧与情感、音乐与语言等方面都发生了深刻的变化。”[3] 中国民族歌剧在继承与发展《白毛女》艺术经验的基础上继续前进，先后创作了《洪湖赤卫队》、《江姐》、《小二黑结婚》、《红珊瑚》等一批以女英雄形象为主人公的优秀歌剧作品，即：“四色”、“三红”、“二姐”,“所谓‘四色’者---乃‘黑’（小二黑结婚）、‘兰’（刘胡兰），一‘绿’（草原之歌），一‘白’（望夫云）是也；所谓三红者，《红霞》、《洪湖赤卫队》、《红珊瑚》；所谓‘二姐’者即《刘三姐》和《江姐》。
歌剧艺术发展及作品欣赏试题
1．歌剧：是结合了戏剧与音乐，并加入舞台艺术元素，集三者于一身的艺术形式。在舞台表演，并有舞台布景、戏剧化妆、服饰、表演的，以角色演唱为主导，以独立的、特定的音乐结构作为推动手段的戏剧音乐作品。 2．正歌剧：经过近一个世纪的发展，意大利歌剧在1680年间渐渐定型为正歌剧。即古典式的意大利歌剧，是一种严肃的歌剧，题材崇高，大抵取材于希腊及罗马故事，内容悲壮，多为悲剧。正歌剧在十七世纪至十八世纪初，是欧洲最流行的一种歌剧形式。亨德尔可以说是主要的代表人物。到了莫扎特时代已走向没落。 3.喜歌剧：与正歌剧相比，喜歌剧的题材就平民化多了，剧中采用轻松、滑稽的主题，多是一般平民的日常生活情节。喜歌剧泛指19世纪包括对白的法国歌剧，此类歌剧中的演唱，咏叹调往往不是表达感情的主要手段，而是采用浪漫曲、分节歌、舞蹈歌曲乃至讽刺歌曲及对白等表现事态风俗题材。 4.轻歌剧：比喜歌剧更加大众化，虽与喜歌剧相似，但比喜歌剧短而通俗，结构简单，没有尖锐的戏剧冲突；旋律流畅动听，配器色调鲜明，且以说白为多，更具娱乐性。 5．宣叙调：歌剧是没有对白的，对话是以半念半唱的形式来表现，宣叙调也称朗诵调，是歌剧演唱音调的一种形态、类型。宣叙调在歌剧中强调朗读式、说话似的自然音调变化，在对白、对话的演唱中用以表现人物关系和剧情进展，不带明显的主题素材，没有固定的结构形式，篇幅短小。常用于咏叹调前面的简短叙述并作为两端咏叹调之间的转换过渡性段落。 6.咏叹调：是歌剧中的一种歌唱形式，是歌剧音乐中的精华。是一种既讲究旋律线条的优美动听，又注重发挥声乐表演技巧的抒情调。每当情节发展到一个高潮﹑主人公内心汹涌澎湃不吐不快时，作曲家便为主角们安排一首动人的咏叹调。由某一角色集中抒发内心情感，发出声声感叹，倾诉人物的喜怒哀乐，此时剧情暂且停止推进。 7.重唱：重唱是当故事里有两个或三个以上角色进行对话时便以重唱的方式来呈现，在此需顾及角色性格的不同，旋律得依角色个性来编写，每一个角色在一个声部很难有完整的音乐样貌。重唱这一形势同时精简了篇幅，压缩了人物各自的宣叙调和咏叹调，为戏剧的进行提供了速度。重唱既有丰满的音响和缜密的织体作为重要的表现手段，重唱所处的部位都在一场之末作为总结，作为高潮的铺垫。 8. 序曲：用以向观众宣告演出即将开始通常序曲的风格能够影响整部歌剧的气氛，能够画龙点睛般提示全局的精华。 9.合唱：歌剧中的合唱多起陪衬或营造气势的作用，大多是配合大场面而出现的旁布偶雄壮的乐章。
浅谈中国民族声乐与演唱方法 中国民族声乐是反映思想感情和意志，反映社会生活的一门艺术。他根植于中国土壤，由各民族人民共同创造。民族声乐实际上是对传统的民歌、戏曲、曲艺唱法和在此基础上有所发展创新的各种唱法的总称，它体现了民族声乐艺术的特点，是长期待的艺术实践中初步建立了以中国文化为背景，以民族语音为基础，以科学的发声为原理的中国式歌唱艺术。民族声乐在演唱中具有一种符合民族欣赏习惯和审美习惯的质朴感和亲切感，并具有民族的气质和感情，容易被我国群众所接受，有着强大的生命力和凝聚力。 从现代社会议论的角度看，音乐教育界开始了对民族声乐的教学研究，成立了民间演唱班，民族歌剧班及本科的民族声乐专业，从这时起我国的民族声乐艺术走进了高等教育音乐学府，在演唱方法上和演唱风格上，开始了全面而细致的教学实践和理论研究。我国的民族声乐艺术已经是艺术百花园里的馨香四溢，与各民族人民的生活息息相关，密不可分的绚丽花朵。全国大多数音乐学院都建立了民族声乐专业，有的是教研室，有的发展成系级等。这样更能够提高音乐学者的兴趣和意志，而在教学方向、教学内容、教学风格、教学管理等方面都已趋完善。 作为民族声乐专业的学者，从本人的所学知识方面来浅谈至关重要的值得注意的几个问题： 一、呼吸和气息的运用 “善歌者必先调其气”呼吸对于唱歌来说是至关重要的。良好的呼吸支持是歌唱的动力与基础。因此，训练民族唱法也应该做严格的呼吸训练，便吸气和呼气肌肉群得到充分的锻炼，形成“条件反射”做到一想唱，一张口，气息就立即准备好，并能控制自如。在气息的运用方面，“声”和“气”必须协调平衡，气多声少或气少声多都不行。唱高音气要向下拉，唱低音则气要略提；声音强气要治，要匀声音弱气要稳，要柔。但在演唱不同风格不同情感，不同速度的歌曲时，用气的方法也应有所不同，有的柔的刚，有的则要轻巧。在演唱某些民歌时，不必像美声唱法那样将气吸得很深，支点拉得太下，用气时后腰肌向下向后坐的劲不要太大，心理上想象的气息悠动轮圈也不要转得太大，气息向上向外输送的“口子”要小一点，集中一点，像消防龙头那样身大嘴小，声音才能轻柔、透亮，集中。 总之，呼吸基本功的训练一定要加强，即使是有多年演唱经验的歌手，每天做几分钟呼吸练习也是大有好处的。 二、发声和共鸣的运用 发声是根据发声生理学研究，人的嗓音的整个音域中，最自然、最容易发出的又最省力的是人们用于说话的一段音区的声音。声乐上称为“自然声区”，也叫“中间声区”。发声是建立良好歌唱状态的基本手段，是有效改善与发展嗓音、提高歌唱能力的必不可少的途径。 首先，学习歌唱必须克服一些特殊的困难。这就是我们要参与发声的器官，大部分长在身体内部，既看不见又摸不着，除了小部分暴露于体外的器官在歌唱时可直接受大脑支配外，其余大部分器官必须通过科学训练才能达到间接控制生理功能的目的。这就是我们发现歌唱发声时的某些弊端，要想立刻改革它却并不那么容易的原因。另外，这些歌唱器官既然是人体的有机组成部分，那么它也必然要受到人体生理上与心理上的种种复杂情绪的影响。当身体的其他部分有病时，嗓音也会感到不舒服，当情绪不高时，歌唱感觉也会受影响。 其次，练声发声还能培养歌唱者对于歌声的鉴别能力，反过来是指导歌唱训练，每个人都可以发出不
二十世纪中国歌剧创作的拓荒者中国歌剧 ------------------发展概况与中国歌剧的创作风格与特点黎锦晖，他创作了儿童歌舞剧《麻雀与小孩》《小小画家》等共12部，在当时的中国曾产生了巨大影响，并为中国歌剧创作开了先河。1934年聂耳和田汉推出《扬子江暴风雨》，这种“话剧加唱”的做法后来也成为一种较为普遍的歌剧结构形式。从三十年代中期起，上海、重庆一些专业作曲家在创造民族歌剧方面作了不同方式的探索，出现了《西施》(陈歌辛，1935)、《桃花源》(陈田鹤，1939)、《上海之歌》(张昊，1939)、《大地之歌》(钱仁康，1940)、《沙漠之歌》(王洛宾，1942)等作品，其中大多借鉴西洋大歌剧的创作经验，力图解决音乐戏剧化问题。在这些作品中，成就较高、影响最大者，当推黄源洛的《秋子》。在延安也出现了《农村曲》(向隅等作曲)和《军民进行曲》(星海作曲)这两部作品。不久，在延安秧歌运动基础上产生的秧歌剧《兄妹开荒》(安波作曲)、《夫妻识字》(马可作曲)这种载歌载舞、新颖活泼的广场歌舞剧形式，改变了中国歌剧艺术的发展方向并且直接孕育着大型歌剧《白毛女》(马可等作曲)的诞生。《白毛女》在我国歌剧史上是一座里程碑式的作品，它标志着中国歌剧终于寻找到了自己独特的发展道路，形成了自身鲜明的美学品格。继《白毛女》之后，又出现了《刘胡兰》(罗宗贤等作曲)《赤叶河》(梁寒光作曲)等优秀剧目。后来歌剧史家把从《兄妹开荒》到《白毛女》《刘胡兰》《赤叶河》等优秀剧作在短时期内连续出现称为“第一次歌剧高潮”。 人民共和国成立以后的十七年中，我国歌剧创作在创作思维上形成几种不同的方式：一种是继承戏曲传统，代表性剧目有《小二黑结婚》(马可等作曲)、《红霞》(张锐作曲)、《红珊瑚》(王锡仁、胡士平作曲)、《窦娥冤》(陈紫等作曲)；一种是以民间歌舞剧、小调剧或黎氏儿童歌舞剧作为参照系，创作新型歌舞剧，其代表作为《刘三姐》；一种是以话剧加唱作为自己的结构模式，其代表作为“文革”后出现的《星光啊星光》(傅庚辰、扈邑作曲)；一种以传统的借鉴西洋大歌剧为参照系，代表作有《王贵与李香香》(梁寒光作曲)、《草原之歌》(罗宗贤作曲)、《望夫云》(郑律成作曲)、《阿依古丽》(石夫、乌斯满江作曲)；最后一种是以《白毛女》创作经验为参照系，在观念和手法坚持以内容需要为一切艺术构思的出发点，既不受制于、也不拒绝任何一种手法，只要内容需要，可以兼取西洋歌剧手法、板腔手法或话剧加唱手法。这种创作模式有两部歌剧杰作——《洪湖赤卫队》(张敬安、欧阳谦叔作曲)、《江姐》(羊鸣、姜春阳、金砂作曲)，足可证明其卓有建树。 到了新时期，由于歌剧生存环境的变化和艺术观念、歌剧趣味的发展，歌剧创作出现了明显的两极分化的趋势： 一种是雅化趋势，即沿着严肃大歌剧的方向继续深入开掘，把歌剧综合美感在更高审美层次达到整合均衡作为主要的艺术探索目标。这种探索的早期成果是《护花神》(黄安伦曲)、《伤逝》(施光南曲)，随后是《原野》(金湘曲)、《仰天长啸》(萧白曲)、《阿里郎》(崔三明等曲)、《归去来》(徐占海曲)，到了九十年代之后，又有《马可孛罗》(王世光曲)、《安重根》(刘振球曲)、《楚霸王》(金湘曲)、《孙武》(崔新曲)、《张骞》、《苍原》(徐占海等曲)、《鹰》（刘锡金曲）、《阿美姑娘》(石夫曲)等作品。就其思想性、艺术性和歌剧综合美的高层次营杂邙论，《原野》、《苍原》、《张骞》可视为新时期严肃大歌剧创作的高峰。
浅谈中国民族音乐的特色及发展趋势 摘要 我国是一个多民族的历史悠久的文明古国。民族音乐是中华民族艺术的精华，其来源丰富多样，特点显着，风格各异，曲调绚丽，它是在我国悠久的历史发展进程中,由各民族共同创造的,有看自己明显特点和深厚文化底蕴及强烈的心理凝聚力和民族认同感的音乐,它体现了中华民族的气质和民族精神，是我国古老文化中的一颗璀璨夺目的明珠,也是民族精神的象征【1 】。近年来随着经济的发展和时代的进步，我国的民族音乐在电影音乐中以及近现代的流行音乐中有着广泛的应用及发展趋势。 关键词中国民族音乐特色应用发展趋势 引言 中国的民族音乐是世界上一个非常独特的艺术形式。中华民族的几千年的文明，创造了许多良好的民族民间音乐文化，形成了一个深刻的含义和内容丰富的民间音乐系统。所以我们要了解中国音乐，不只是唱一些中国歌曲，听传统音乐段落，还必须从民族，历史，地理的角度来研究中国音乐，了解中国音乐的特色，了解中国音乐的真正意义【2 】。中国的民族音乐有着悠久的历史传统，是中华民族传统音乐文化的重要组成部分，体现了中华民族的情感、力量、意志和追求。在中国电影音乐的发展道路上，作为电影音乐中重要构成元素的民族音乐在电影音乐的运用上都是在不断地深入挖掘与加强利用的。而民族器乐又是为电影音
乐洒下的最好的肥料，同时起到了画龙点睛的作用。每种民族乐器都有自身丰富的表现形式，而我国的民族乐器主要分为弹拨、吹管、打击、拉弦四大类别。在这些各具特色的民族乐器中，又产生了风格各不相同的器乐类型【3 】。而且中国当代流行音乐和民族音乐也已经发生了巨大的变化，流行音乐从各个方面学习、模仿、借鉴着民族音乐的某些因素使自己得到发展，并已经成为一个势不可当的趋势。而民族音乐紧跟时代步伐，在创新中存活。“民乐流行化”是一种值得关注的模式【4 】。 1民族音乐的形成我国民族音乐是在以黄河流域为中心的中原音乐和四域音乐以及外国音乐的交流融合中发展起来的。由此我们可以归纳出，四域音乐、中原音乐、外国音乐是我国民族音乐形成的三大因素【5 1.四域音乐。指的是除中原华夏族为主所创造的黄河流域音乐文化以外的中华大地各民族的音乐文化。而中国音乐文化有三大发祥地，即黄河流域、长江流域、珠江流域。在前文中已经提到，黄河流域音乐文化以汉族音乐文化为主。而长江流域的音乐文化则以楚音乐文化为主。如江西民歌《打着山歌过横排》，以江西习惯用的方言“哎呀勒哎”做曲首衬腔，有唤起对方反映和序引的作用。四句用同一材料加以变化而成，质朴单纯，是楚音乐的代表作品之一。 2.中原音乐。指的是以黄河流域为中心发展起来的音乐。在黄河流域生活的大都是汉族人民，他们在漫长的历程中，经过自己的创作、修改、
浅谈中国民族歌剧中戏剧与音乐之间的关系 经济学院蔡小熊（交流生） 21110241 歌剧，顾名思义，即以歌唱方式演出的戏剧。但以歌唱方式演出的戏剧并不一定就是歌剧，所以，把戏剧发展建立在独立音乐结构基础上的艺术样式就尤为重要了。因此，歌剧故有“音乐的戏剧，戏剧的音乐”之说，这是指在舞台表演，并有舞台布景和服饰的，以角色歌唱为主导的，以独立的，特定的音乐结构为推进剧情发展为主要手段的戏剧音乐作品。歌剧是音乐与戏剧的最高综合形式，归属在音乐艺术门类之中，但它是兼有各种艺术的某些特性的，是综合的艺术。歌剧之所以是音乐与戏剧的最高综合形式，原因主要在于音乐与戏剧的结合并非机械组合，而是音乐起主导作用，并有力地推进戏剧的发展，戏剧和音乐总是相辅相成的，每当情节有重大变化时，音乐决不会无动于衷。戏剧即在音乐之中，戏剧语言插上歌声的翅膀，此时的戏剧升华到了更富浪漫气息的美好境地。音乐和戏剧在歌剧中不会具有独立存在的意义，他们相辅相成，互相合作。 以中国民族歌剧《白毛女》为例， 在歌剧《白毛女》中，作者充分利用了中国民歌包括河北民歌和山西民歌的特色音乐曲调来表现喜儿和杨白劳的人物形象和心理活动的变化；作者利用音乐刻画戏剧人物形象，《白毛女》通过剧中各个人物的不同关系，深刻的讲述了我国当时农民生活在地主阶级残酷的剥削之下，性格与心理的刻画是歌剧音乐中塑造人物形象、表现戏剧中一种，要手段能很好的体现戏剧音乐的融合。一部歌剧的成功与否，与主要人物的性格心理刻画是否细腻深刻有非常密切的关系。在剧中，作者巧妙的将音乐与戏剧结合在一起，两者的结合对人物性格心理的刻画起到了不容忽视的作用。音乐通过各种曲调和节奏的变化来表现喜儿的心理活动，如用河北民歌《小白菜》来表现喜儿在黄家受黄母压迫时的压抑情绪，用高亢激昂的山西梆子音乐来表现喜儿的不屈与渴望复仇的心理；而戏曲通过人物形象的各种表象的变化体现人物的环境变化等等。音乐与戏曲二者的完美结合使得《白毛女》成为当时社会家喻户晓的歌剧并被称为“中国民族歌剧里程碑”。 总之音乐与戏剧的结合并非机械组合，而是音乐起主导作用，并有力地推进戏剧的发展，戏剧和音乐总是相辅相成的，每当情节有重大变化时，音乐决不会无动于衷。戏剧即在音乐之中，戏剧语言插上歌声的翅膀，此时的戏剧升华到了更富浪漫气息的美好境地。音乐和戏剧在歌剧中不会具有独立存在的意义，他们相辅相成，互相合作。
浅析歌剧《费加罗的婚礼》的创作特点 论文关键词：歌剧费加罗的婚礼莫扎特创作特征 论文摘要：在西方音乐中，莫扎特是一位具有传奇色彩的音乐天才，出生于奥地利的萨尔茨堡。他自幼就显露出非凡的音乐天赋，被人们誉为“音乐神童”。莫扎特的音乐创作涉猎各个音乐领域，其中，其创作的重要领域是歌剧。莫扎特曾公开表示最喜欢歌剧。他的一生共创作了二十多部歌剧，《费加罗的婚礼》是他最著名的歌剧之一。 在歌剧《费加罗的婚礼》中莫扎特保留了原著的批判精神，废弃了意大利喜歌剧体裁中注重表面夸张的手法，赋予了歌剧很深的抒情性。他使每个角色的音乐都符合人物的特征，并在歌剧情节的发展中保持着他们的基本面貌。莫扎特在该剧中成功地运用了”重唱”这种形式来展开情节及制造戏剧性冲突的高潮。通过该剧的创作，表现出莫扎特在运用歌剧形式反映现实生活方面比之前的很多作曲家有了提高，同时音乐刻画在其歌剧创作中也起了重要作用，突出了角色之间戏剧冲突。 一、歌剧序曲 莫扎特大部分的歌剧序曲都使用奏鸣曲式，歌剧《费加罗的婚礼》的序曲也不例外。首先，音乐直接从主部主题开始，主题为重复乐段，每段由两句构成，第一句旋律为急促的音阶式八分音符齐奏，在1、3小节处使用了休止符，句子的结尾干净利落，这种长句与短句的紧密结合体现了费加罗和苏姗娜急于完成婚礼的兴奋心情。第二句延续前面的情绪，整体气势大大的扩展，二分音符、四分音符的连接与转位和弦的运用共同营造了充满力量的音乐情绪。其次，连接部使用连续的快速八分音符，音乐川流不息，时而在主旋律上，时在伴奏织体上，采用模进与重复等技法使音乐充满了动力性，和声上多采用D-T的连接方式，最后进入D 音A大调。再次，副部主题从A大调的D开始，升四级与D的连接、伴奏织体的不稳定均具有离调的性质，让人感到忐忑不安，预示着费加罗婚礼的曲折。由此可见，音乐情绪的转化与剧情整体情况的吻合是歌剧《费加罗的婚礼》序曲创作的特征之一。 二、歌剧音乐语言 莫扎特在这部歌剧中大胆地废弃了意大利喜歌剧体裁中偏重于表面夸张的手法，赋予作品以更深的抒情，使作品中的每个角色均有符合自己基本性格的一些特点，并且在歌剧情节的发展中始终保持着他们的基本面貌。如在第一幕第二场中，戏剧发挥了自身擅长叙事的功能，让费加罗独白了一大段，把要对付伯爵等人的心理和应对的方法明确地描述出来。在歌剧里，莫扎特运用歌谣曲的形式，用简练的语言，尤其是加上恰当的音乐表达，生动地刻画了他所特有的机智、勇敢、乐观和诙谐的基本性格。在第一幕和第二幕中，凯鲁比诺所唱的咏叹调《我不知道爱情是怎么回事》以及他的抒情小曲《你们可知道》，歌词与曲调紧密结合，用抒情的方式表达了这个盲目追求爱情的少年内心的激动和忧郁之情，此曲也成为了抒情女中音的必唱曲目之一。在第二幕伯爵夫人演唱了著名的抒情咏叹调《求爱神给我安慰》，深情地刻画了这位被遗弃的贵夫人的内心伤痛，音乐擅长抒情的这一特征得到了充分的体现。在这个歌剧里对伯爵、苏姗娜以及次要的角色巴尔托洛、玛采列娜以及园丁安东尼奥等人也有着肖像式的音乐刻画。 三、歌剧咏叹调 咏叹调是歌剧艺术中最具有艺术魅力的声乐表现形式之一。这部歌剧的咏叹调与重唱相比，抒情性比较突出，主要描绘剧中人物的内心情感，也有一些咏叹调表现激烈的人物内心冲突。1.费加罗的咏叹调:《你再不要跳舞，我的小伯爵》，描写了费加罗从苏姗娜口中得知
中国民族歌剧的现状分析 众所周知,歌剧是“由音乐、戏剧、舞蹈和美学相结合而以歌唱为主的一种综合性的舞台艺术形式”。而中国歌剧由于其在音乐上鲜明的民族风格、民族语言的特异性和演唱方式上的个性特征,形成了别具风格的艺术门类。二十世纪初,西洋歌剧理念传入中国后,国内音乐家便开始不断探寻符合中国人审美习惯兼具民族个性的歌剧改良与民族化创作道路。他们在戏剧题材上致力于本土化,反映中国文化及社会现实在音乐语言的使用上则从中国传统戏曲与民间歌曲中汲取养分。经过几十年的发展,到现在已经逐渐形成民族音乐色彩浓郁,传承中华传统文化精神,以民族特色区别于西洋歌剧的“中国歌剧”。 经过了漫长的发展历程，如今的中国民族歌剧与以前相比有了明显的起色，但是民族性绝不是因为你用了民族的故事，中国民间风格的音乐，民族服饰的应用，在舞台华丽的灯光的照耀下，就能成为一部真正具有民族风格的中国歌剧的，这些充其量也只是其表，而在这表面的浮华之下其实对戏剧的力量是一种削弱。民族性的歌剧绝对不只是用民族文化的元素堆砌起来的一场戏，一部优秀的民族歌剧必然是包含着一个民族的思想感情、价值观念，包含着他们的喜怒哀乐，他们的人生观，甚至是他们的丑陋、愚昧和种种不幸。因为对于艺术而言言，所谓的民族性仅仅只是一个侧面而已，并不涵盖艺术的全部。何况民族性并不能代表是艺术性，只有在作品中蕴含深厚的民族特性、民族感情，并具备相当的艺术水准的作品才能成为真正的艺术作品，才有意义和价值，才有可能被全世界所关注。 现今我国民族歌剧的发展现状主要有下面几点： 首先，中国歌剧的剧本创作有待大力改进。所谓剧本就是一剧之本，它是导演和演员二次创作的出发点，在戏剧领域里，它是一切戏剧活动的根本出发点。不仅仅是对歌剧而言，对话剧、电视剧、电影来说，一部好的剧本是决定其成功与否的关键所在。中国歌剧多数取材于历史故事、小说、电影、视剧等，其中，又以革命爱国故事为主，而故事叙述的主要方式以及人物形象塑造多数与中传统戏曲别无二致，这难免就造成了以下几点缺点。第一，过于严肃和单一的故事内容严重欠缺人性化，难以被现代年轻人和海外观众所接受，这必然会失去很大的一块市场。第二，歌剧中的故事线索单一，缺少丰富的线索交织，内容单薄。第三，人物形象塑造欠缺多面性和真实性，定位脸谱化、程式化，这不仅仅影响着整个剧的美感，在更深的意义上也无法做的真正的感人。这三个歌剧的剧本创作上的缺点犹如一个屏障将中国歌剧隔绝于中国多数观众的欣赏范畴之外，对于中国歌剧自身发展来说，无疑是非常不利的。 其次，中国歌剧在音乐创作上也有很多的问题。关于中国歌剧的音乐创作问题，这在歌剧这种艺术形式传入中国之始就一直没有停止过争论。因为歌剧要在
分析歌剧《费加罗的婚礼》的创作手法 摘要 在西方乃至整个世界的音乐发展史中，莫扎特都是一个天才级的音乐神童，在他幼年的时候，就显示出了其非凡的音乐天赋，这为其以后的音乐道路开辟了广阔的领域。在莫扎特的音乐创作中，涵盖了非常广阔的领域，歌剧在他的创作中占了一个非常重要的领域，在众多的歌剧作品中，《费加罗的婚礼》就是最典型的代表。 在歌剧《费加罗的婚礼》的创作过程中，莫扎特对原有的批判精神做了大量的保留。在创作手法上，传统的意大利歌剧比较注重表面夸张的手法，但是在《费加罗的婚礼》中，莫扎特对这一方面进行了修改与删减。在新的创作过程中，大量使用了抒情性的手法。抒情性的音乐更加符合歌剧中人物的性格特征。“重唱”的运用，是歌剧《费加罗的婚礼》的一大重要特色，运用“重唱”的形式，将歌剧情节一一展开，让戏剧性的冲突达到高潮。 关键词：歌剧，费加罗的婚礼，创作手法
目录 绪论 (3) 一、《费加罗的婚礼》的创作背景 (3) 二、《费加罗的婚礼》的音乐分析 (5) （一）序曲的音乐分析 (4) （二）歌剧内容中音乐的整体运用 (4) （三）《费加罗的婚礼》中的音乐特征 (5) 1.把音乐创作与人物情感相结合 (5) 2.用重唱的手法推动整个剧情的发展，用音乐来营造戏剧氛围 (5) 3.序曲和戏剧的情感主题进行结合 (6) 三、浅谈选段《你再不要去做情郎》 (6) （一）选段内容赏析 (6) （二）《你不要再去做情郎》的艺术特征 (7) （三）《你不要再去做情郎》的唱法分析 (7) 结论 (8) 参考文献 (8)
绪论 在莫扎特的歌剧作品中，《费加罗的婚礼》是比较重要的一部作品，也是他晚期歌剧作品中具有代表性的剧作之一。在这部歌剧的装作过程中，在音乐语言和人物刻画方面都使用了一些比较新颖的手法，音乐语言更加通俗与个性，人物刻画更加符合现实，与现实人物表现的惟妙惟肖。重唱成为这部歌剧中最大的特色。 在《费加罗的婚礼》中，费加罗是伯爵的男仆理发师，苏珊娜是伯爵夫人的女仆，两个小人物之间演绎了一段纯洁的爱情。歌剧通过对爱情故事的描写，深刻抨击了封建制度下存在的社会问题。 莫扎特在歌剧《费加罗的婚礼》的创作过程中，吸收了很多传统歌剧中幽默诙谐的元素，更加注重宣叙调和咏叹调之间的组合、布局，在喜剧人物的冲突中，重唱成为重头戏，它推动着剧情的不断发展，进一步揭示人物之间的矛盾和冲突。在创作过程中，莫扎特对歌剧中的每一个人物都赋予了很深刻的思想，让人物情感在自然中寻求突破。 一、《费加罗的婚礼》的创作背景 在莫扎特的一生中，他创作了许多优秀的经典之作，《费加罗的婚礼》就是其后期作品的代表之一。1786年，歌剧《费加罗的婚礼》在维也纳奥地利国家剧院公开上映，上映一开始，就在观众之间形成了强烈的轰动。这部作品几乎代表了莫扎特在歌剧艺术中的巅峰成就。它真实地反映了欧洲社会当时的生活现状，对当时的封建社会制度进行了极度的嘲讽，对当时动荡的政局进行了严厉的抨击。在这部歌剧作品的创作中，莫扎特倾注了极大的热情，在歌剧中大量地运用了重唱的艺术创作手法，将音乐与戏剧的结合进行了完美得展现。 在十八世纪的欧洲，启蒙思想运动的开展，自由、平等、博爱的思想引起了很多人们的共鸣，这在艺术创作中具有很大程度的提现，人们在思想上接受了启蒙思想的洗礼。其中，启蒙精神对博马舍的影响颇深，在这样的思想影响下，他创作了剧本《费加罗的婚礼》，对中下层的小人物进行讴歌，对陈旧的思想和观念进行批判。这与莫扎特的思想具有了统一，因此，在歌剧《费加罗的婚礼》的创作过程中，仍然保留了原作品中的批判精神，用音乐与戏剧相结合的手法，展现了其对贵族生活的深恶痛绝，追求自由与平等的精神。 二、《费加罗的婚礼》的音乐分析
浅谈我国民族声乐艺术的发展特征 【摘要】我国民族声乐艺术特点鲜明，受到来自国内和国外人们群众的较高评价。民族声乐艺术经过了长期的沉淀与继承，在当前焕发出新的时代光芒。本文从我国民族声乐艺术的发展历程入手，分析其发展的不同阶段，并结合当前发展的情况，阐述了民族声乐艺术的发展特征。 【关键词】民族声乐发展历程发展特征 我国民族声乐艺术经过了漫长的发展过程，通过不断地吸收优秀文化、摒弃陈旧内容，形成了其独特的表现方式与系统的体系。民族声乐对人们的生活、文化产生了巨大的影响，以其独有的魅力受到人们的喜爱，随着时代的发展，民族声乐将在人们的生活中发挥越来越重要的作用，成为人们陶冶情操、培育优良品德离不开的艺术。 一、民族声乐艺术的发展历程 1、沉淀期 民族声乐艺术是一个多元的艺术综合体，从其表现形式来看，形式多样，包括戏曲、民歌、曲艺等。可以说，我国《诗经》中对音乐的记载就是我国民族声乐艺术的滥觞，经过千百年的流传，民族声乐在历朝历代中生生不息，经过时间的沉淀而愈加丰富多彩。
民族声乐艺术一个十分重要的特征就在于其继承性，通过对上个朝代的继承，经过沉淀，在下一个朝代绽放出新的光彩。在我国几千年的历史长河中，民族声乐艺术逐渐吸收了各地的特征，乐府、民歌、元曲等逐渐成为当时时代的潮流，也是当时民族声乐艺术的代表。 2、发展期 自上个世纪以来，西方文化与我国文化实现了交流与融合，民族声乐从那时起也迎来了创新与发展的好时期。西方音乐中的歌舞剧等使得我国民族声乐艺术在吸收其优秀性的基础上结合本土音乐特点实现了发展，在我国音乐发展史上是不可忽视的重要内容。 民族声乐艺术中的音韵美、民族特色在于西方文化的碰撞中显得更为突出，从那时起出现了许多优秀的音乐家、作曲家与歌唱家，为我国民族声乐艺术的发展奠定了坚实的基础。 二、民族声乐艺术的发展特征 1、民族性突出，以本土文化为基础 音乐并不是独立于人们的生活的，相反的是，所有的音乐都来源于人们的日常生活，而艺术则高于人们的生活，是音乐的升华。 民族声乐艺术来源于人们的日常生活，在歌颂人们的辛勤劳动、歌颂收获时具有浓厚的民族性。不同地区的声乐
Yi Shu Ping Jian 浅谈歌剧《长征》之创作 朱意南阳师范学院 摘要：歌剧《长征》是中国国家大剧院为纪念中国工农红军长征胜利80周年，历时四年打造的原创中国史诗歌剧。以作曲家印青为首的国内领军创作团队以兼具鲜明民族色彩，同时又符合当代观众审美的风格，圆满完成了该剧的创作。笔者以观众的角度，从舞美、剧情结构、配器、声部编排等方面提出自己的观感和看法，以期能对今后的国产歌剧创作提出一点完善和改进的空间。 关键词：创作舞美结构配器声部 中图分类号：J605文献标识码：A文章编号：1008-3359（2018）19-0006－02 为纪念中国工农红军长征胜利80周年，中国国家大剧院于2016年推出了历时四年打造的原创中国史诗歌剧《长征》。 歌剧《长征》策划于2012年，以“思想上有高度、艺术上有水准，笔力上有温度、内心中有情怀”为创作标准，力邀著名作曲家印青、剧作家邹静之、导演田沁鑫、杨笑阳等国内领军创作团队中的艺术家。四年来艺术家们和全体演职人员呕心沥血，在无数个日日夜夜中磨砺，攻克了舞美、音乐、人物塑造、戏剧冲突等各方面的一道道难关。作曲家印青以既有民族色彩，又符合当今观众审美的当代风格完成了全剧的音乐创作。 长征是一个经久不衰的创作题目，难就难在创作者需要在各个人物层次上兼顾，导演田沁鑫在强化主要人物的同时照顾到小人物，力求突破以往的歌剧表现形式。全剧以长征路线为主线，前后依次分为《瑞金》《湘江》《遵义》《泸定桥》《雪山草地》《会宁》，主要演员（A角）有：阎维文饰彭政伟、王宏伟饰平伢子、王喆饰洪大夫、龚爽饰万霞等。全剧在“我们有热血、我们有梦想，在黑暗中追求光明的力量；我们的意志比钢铁还强，让我们张开双臂迎接人类的光芒！红军万岁！长征万岁！”的大合唱中结束。这部歌剧的杰出成就有目共睹，下面笔者作为一名热爱民族歌剧的普通观众，就这部剧的观感提出一些自己的看法。 首先，在舞美上，该剧与以往民族歌剧相比场面空前宏大，三面半包围结构的LED背景立体鲜明，位于中间的部分上方纪念碑式不断滚动的黑白头像代表着为革命牺牲的烈士不计其数，交相辉映闪过的红色背景光暗示战士们的鲜血染红了江水。剧中所运用的高科技现代化手段前所未有。 剧情结构上，整体上首尾呼应，终曲之前响起合唱《三月桃花心中开》照应主题，随即以进行曲节奏慷慨激昂的旋律“张开双臂迎接人类的光芒”结束。然而战争过程中进行到有人脱队的情节唱词就突然联系到共产主义，没有任何铺陈，过渡略显简单粗暴，人物形象较为扁平，使观众不禁联想到建国初期八一电影制片厂的一些作品中的平面化、脸谱化的英雄和工农兵们。建国初期基于导演编剧水平的限制，这种情况情有可原，时代发展至今，我国文化艺术水平高度发达，人民欣赏水平加速提高，不可仍以这样单一的舞台处理方式面对观众。 配器的选择和运用上，该剧在乐器色彩上突出了以铜管乐器为主，弓弦乐器和打击乐器为辅的整体设置。铜管乐器组的大量使用突出了该剧的军旅题材，伴奏乐器的选取值得肯定。 声部编排上，红色题材的表现往往离不开雄伟壮阔的齐唱，但如果通篇布满大合唱难免把弓拉得太满，脱离了情节起承转合的发展规律，使人不免有些审美疲劳。在重 6
瓦格纳导赏①丨歌剧创作历程概述 中文字幕的瓦格纳《纽伦堡的名歌手》瓦格纳歌剧创作历程概述追求独创性艺术人格的瓦格纳以他卓越的乐剧成为浪漫主义高潮和衰落时期最具代表性的大师。本文将瓦格纳的歌剧作品按创作顺序进行介绍，以对其歌剧的创作历程做出简要概述。纪念瓦格纳主题：1、从《漂泊的荷兰人》学习瓦格纳作曲技法；2、关于瓦格纳的“乐剧”及“主导动机”； 3、杨燕迪丨瓦格纳的叔本华； 4、瓦格纳对音乐做了哪些大胆改革丨带你了解瓦格纳乐剧的特点； 5、瓦格纳的艺术道路丨纪念理查·瓦格纳逝世一百周年； 6、瓦格纳导论丨其人其事在德意志最高声望的艺术节——拜罗伊特艺术节上盛演着理查德·瓦格纳这位天才艺术家毕生的歌剧理想。瓦格纳深刻而复杂的哲学思想决定了他曲折迂回的歌剧创作道路，从初期的继承德国浪漫歌剧传统到以古希腊艺术形态为导向的“乐剧”革新，再到最终的回归于宗教向往，这位德国最伟大的歌剧作曲家在翻云覆雨的19世纪以超然激进的革命思想精神谱写出恢弘磅礴、独树一帜的艺术历程。他的革新引起了艺术与哲学界的轩然大波，更影响了西方音乐的发展进程。瓦格纳共创作有十部歌剧，终其一生的奋斗是为了乐剧艺术理想的实现。切利比达克指挥瓦格纳《纽伦堡的名歌手》序曲
一、沿承传统瓦格纳1833年初，开始创作他的第一部歌剧《仙女》，完成于1834年。这部歌剧依照德国浪漫歌剧风格写作而成且在当时并无影响，瓦格纳去世后该剧才得以上演。1836年由瓦格纳在马格德堡指挥首演的《恋禁》是他第一部上演的歌剧，内容取材于莎士比亚的喜剧《一报还一报》，并明显带有意大利贝里尼式的优美旋律。这两部歌剧作为瓦格纳初试牛刀的作品与他后期歌剧理念的革新相比显得并无深远意义，但这同时为引领瓦格纳日后走上“整体艺术”的道路做了最初的伏笔：正是有了依照主流的平庸才产生了打破传统的信念。这时候瓦格纳也迎来了他的第一次婚姻，于1836年秋天与女高音演员明娜·普兰纳结婚。接下来作曲家在德累斯顿宫廷上演的两部剧作为他赢来了最初的成功，这就是《黎恩济》与《漂泊的荷兰人》。1839年，他与妻子前往法国巴黎。对艰辛生活的痛楚、对不公平社会的愤恨、对霸占舞台的法国大歌剧的不满，这些都使瓦格纳对当下社会局势与艺术现状产生了抵触。于是，革命与艺术革新的种子在作曲家的思想中散播开来。《黎恩济——最后的护民官》是英国作家布维尔的作品，由瓦格纳本人撰写剧本，剧情以中世纪罗马为背景，是讲述一位人民英雄兴衰的大型悲剧歌剧。从题材到风格依照法国大歌剧的模式：14世纪的历史性题材，五幕的庞大结构，群众性及舞蹈的豪华场面，段落清晰的宣叙调、咏叹调、合唱或乐队的传统结构
摘要：作为奥地利作曲家莫扎特的代表作，《唐璜》这部歌剧作品，具有极强的艺术性和思想性，本文结合其剧情和创作背景，对莫扎特歌剧的演唱风格和特点进行了分析。 关键词：《唐璜》莫扎特歌剧特点 莫扎特是西方公认的音乐天才，他的一生作品颇丰，创作风格独具特色，并且歌剧类型多种多样，为后人留下了一笔宝贵的音乐遗产。他用歌剧来诠释人生的意义，而他一生中最具有代表性的意大利歌剧，就包括了《唐璜》。这个歌剧具有优美的旋律和生动明快的角色运用，在情感表达上也是细腻和妥帖。尤其剧中《我心爱的宝贝》这个男高音咏叹调，更是被称为是男高音歌者的“试金石”。因此，本文以《《唐璜》为例，对莫扎特歌剧的艺术特点和演唱风格进行了探究。 一、莫扎特歌剧的艺术特点 要对莫扎特歌剧《唐璜》中的咏叹调进行演唱，就要对作曲家的音乐风格和艺术特点进行了解，同时熟悉作曲家的艺术实践、生活经历和独特的观点和立场，并且首先要分析作品的艺术性和思想性。 （一）莫扎特歌剧作品的思想性 莫扎特在童年时期，就显示出了卓越的音乐才华，被称为音乐神童。他在九岁那年，就举行了钢琴独奏音音乐会。他生活在十八世纪的维也纳，这里也是他音乐创作的中心。他的成功，标志着维也纳古典音乐风格和形式的形成，并深刻的影响了西方音乐历史的发展。舒曼曾指出：莫扎特即是音乐，他的音乐是无法用语言进行描述的，这是对莫扎特音乐艺术的最高度的概括。而莫扎特的突出贡献和音乐特征，还可通过他的歌剧艺术进行诠释。18世纪后期，战乱迭起，而奥地利在德国和法国的迷蒙下，社会各个阶层开始广泛接受其价值观，年轻的莫扎特不但积累着人生丰富的阅历和创作经验，他还满怀着对未来的无限憧憬。后来，莫扎特毅然决然地离开供养他的大主教，而成为一个自由的艺术家。他内心深处，有着强烈的关于自由独立和个性解放的思想。在他的诸多歌剧中，都对这种独立自由的强烈愿望进行了鲜明的体现。他的格局取材符合时代潮流，又新颖别致，都是普通百姓所喜闻乐见的故事。即有对某些社会现象的歌颂，也有对某些社会问题的揭露，更有对当时社会现状的直接体现。尽管当时的歌剧主要是服务于宫廷贵族，但他却能把歌剧创作密切联系普通平民的生活，开辟了一代歌剧的新风。 莫扎特歌剧创作的另一个主题，是对爱情的叙述。在他的歌剧中，能让人感受到浓厚的生活气息，风趣、幽默、轻松和愉快，他歌剧中所塑造的人物形象一个个栩栩如生，体现了他以人为本的思想。作为奥地利人的莫扎特，长期在维也纳生活。在意大利歌剧的影响下，他的歌剧多数是用意大利语写就的，具有显著的意大利风格，和意大利歌剧密不可分。 （二）莫扎特歌剧作品的艺术性 作为维也纳古典乐派的代表，莫扎特的歌剧作品彰显着独具特色的艺术性。他的歌剧艺术充满了活力和生机，即不是矫揉造作也没有粗制滥造。莫扎特的音乐天赋是超乎寻常的，他在创作技法上，大胆的采用了现实主义，其艺术表现力远在格鲁克里之上。在他的歌剧作品里，他用美妙的音乐，来实现对内心情感的表达和角色性格的刻画，这样使人声部分更加的动人。在莫扎特的音乐歌剧中，音乐发挥着重要的作用。正是因为完美的连接着戏剧的剧情动作和音乐的旋律结构，所以歌剧也成为了名符其实的歌唱戏剧艺术。在歌剧《唐璜》中，主人公唐璜是一个反派形象。而这个传说中的浪荡公子，却被莫扎特塑造成一个浪漫大胆、敢于大胆挑战习俗的人。他几乎开创了世纪反叛个性的先河，在死亡面前依然是镇定自若。 这部歌剧的重唱和咏叹调都是非常出色的。而在莫扎特的歌剧中，重唱占据的重要的地位。在《唐璜》《费加罗的婚礼》中，就有着非常精彩的重唱，而且将不同人物的性格刻画的栩栩如生，用重唱将戏剧冲突的重任予以表达，让众多的角色在音乐声中进入了剧情，进而