111111摘要：中国古代的名画作展现了先民的生活，对后世的画作风格和趋向有着极为深远的影响。文章中简单介绍了我国古代的著名画家顾恺之的生平经历和主要贡献，并对其代表作品《洛神赋图》、《女史箴图》就其画作背景、内容、价值进行详细论述。同时对中国古代绘画作出了个人的见解。
关键字：绘画，艺术，意境1111111
意存笔先，画尽意在─顾恺之绘画
摘要：中国古代的名画作展现了先民的生活，对后世的画作风格和趋向有着极为深远的影响。文章中简单介绍了我国古代的著名画家顾恺之的生平经历和主要贡献，并对其代表作品《洛神赋图》、《女史箴图》就其画作背景、内容、价值进行详细论述。同时对中国古代绘画作出了个人的见解。
关键字：绘画，艺术，意境
一、春蚕吐丝--顾恺之
顾恺之，东晋画家，绘画理论家，诗人。字长康，小字虎头。为东晋大画家和文学家，他以“画绝，才绝，痴绝”而驰名于世。与陆探微合称“顾陆”，称为“密林”画派，他的画风格独特，被称为“顾家祥”，人物清瘦俊秀，所谓“秀骨清像”，线条流畅，谓之“春蚕吐丝”。顾恺之之所作人物画，善用淡墨晕染增强质感，运用“铁线描”勾勒出劲挺有力的线条，人物五官描写细致入微，动态处理自然大方，并以人物面部的复杂表情，来隐现其内心的丰富感情:衣服线条流畅而飘逸，优美生动，充满艺术魅力。顾恺之的绘画在当时享有极高的声誉，谢安曾惊叹他的艺术是“苍生以来未之有也！”在顾恺之的著作言论中，我们见到他反复强调描写人的神情和精神状态。著有《论画》、《魏晋胜流画赞》、《画云台山记》，其中迁想妙得、以形写神等论点，对中国画的发展，有很大影响。
二、神话爱情——《洛神赋图》
很久以前就喜欢《洛神赋图》，起源于买的一套邮票，后来就开始关注顾恺之的作品，洛神赋图全花用笔细劲古朴，恰如春蚕吐丝，山川树石画法幼稚古朴，所谓人大于山，水不容泛，体现了早期山水画的特点：在一幅宏大的横卷场面中，将山水、花鸟、人物画技巧荟萃一炉，我认为这正式顾恺之不同凡响之处。自然还应该看到画面上匠心独运的痕迹：洛神，鹤立一旁，在画卷的左侧，人物突出，看出是画面的主角，白马王子曹植和随从们则在右侧，形成群体场面，以繁映简，相互衬托，既见出洛神梦见洛神女后的眷恋的神态，又点出了《洛神赋》的中心内容：这是一种想象中的境界，凡人与仙女，这就是所谓的“仙凡阻隔”，本来就应该有距离的--画面中的距离，暗示了文学中的距离。
我觉得《洛神赋图》的成功，还在于它暗示出画家意识到远小近大的景观原则这一枢纽，洛神脚下的洛河水，水纹处理，完全是一种透视处理。作为人物背景的树木，也是近处具体而细微，远处概括而模糊，至于飞龙、仙鸟都不出这一原则，远山一抹单笔，潇洒而简洁，在拉出景观空间，塑造可行可游的实景环境方面，都堪称极为随心所欲的不逾矩的。顾恺之不愧为大手笔，他把中国画从原始意义上的概括，上升到精致技巧的形式处理，显然是对丰富中国化的形式和表现力，做出了卓越的贡献。
画面采取分段连续形式，概括描绘了几个重点。通过对洛神神情、动作的描绘，传达出一种可望而不可及的无限惆怅情意。直接表现在礼教束缚与封建势力压迫之下，男女爱情受到压抑和苦闷的主题。画面色彩很柔和，加上画家对周围环境生动的描绘，突出了画面的诗意气氛，千载之下，亦可遥窥其笔墨神情。
人物安排疏密得宜，在不同的时空中自然地交替、重叠、交换，而在山川景物描绘上，无不展现一种空间美。描绘了曹植与美丽的洛神在湖边奇遇游玩，最终分离的凄美的爱情故事。顾恺之以长卷的形式，构思精巧，设色古艳，浓墨重彩的画笔显现了这一奇特的爱情。
三、历史再现——《女史箴图》
《女史箴图》高25厘米，长249．5厘米。女史，是宫廷中侍奉皇后左右、专门记载言行和制定宫廷中嫔妃应遵守的制度的女官。箴是规劝、告诫的意思。那时候，西晋皇帝昏庸无能，贾后耍阴谋，专朝政，引起宗室诸王不满。张华作《女史箴》，用韵文形式，以女史的口气写宫廷规箴。规劝教育宫廷中妇女遵循封建道德，宣扬对主当忠，对神当敬，对夫当从的女性箴条。同时，也列举历史故事来讽喻放荡而堕落的贾后。
顾恺之就以这篇文章作画题，展现了他的绘画艺术。内容分九段，每段画一个故事。由于顾恺之对贵族妇女的生活比较熟悉。所以画面在一定程度上展示了中国古代贵族妇女生活的某些侧面。作品在绘画技巧上，比较准确地描绘了各种人物的身份和特征。《女史箴图》就是其中的一部分，画面描绘了封建时代的宫廷妇女的生活，中间一位丰采奕奕的贵族妇女正在对镜梳妆，左边的侍女在为贵族妇女梳理发髻。铜镜为圆形，放在一特制的镜架上，镜子旁还有长、圆不同的梳妆盒。画面右边还有一贵族妇女，正左手持镜右手整理并欣赏自己的发髻。整个画面生动形象，是古代绘画史上的杰作。
该图按故事内容分段作画，近似今之连环画。线条柔软而缠绵，就像是蚕丝一样细密流畅。这种线条的出现与篆书的影响是分不开的。后人也逐渐将这种画风娴静的线条，不再赋加色彩使之独立成为画种，谓之“白描”。“白描”工夫也成为了中国画的一种基本功。这幅画较好的注重了人物的内心的精神状态。四、我个人的见解
中国古代画作对后世有着深远影响和价值。一方面，所谓的价值体现在作者本人的绘画功底上，有价值的画其作者的绘画功底一定是精湛的，是超凡脱群的，最起码也要有自己的风格，跟别人与众不同，这样才会受到关注。其次，光有精湛的水平也是不够的，还要在画面上体现一种精神，一种思想，也就是说要托画言志，用艺术的手法表现一种有高度的，更深一层的东西。
随着人的生活产生而产生，并随着人的生活日渐丰富多彩而丰富多彩。风俗历史，肖像仕女，释道隐士，传说故事，无不关注着人的生活，生活的人。中国画都能在简劲中写形，于朴素里传神。人物画是中国画里最直接观照现实，直面人生的画科，凝视这些画面，三千年中国社会的历史变迁和世相百态染指而来中国绘画史犹如一部中国的历史剧，用传奇的文房四宝，绚丽的色彩，优美的线条，描绘一幅幅神奇的历史。中国的绘画艺术，在这个世界上独树一帜，独特的技法，独特的画笔，独特的意境······值得我们不断地去探索，去研究，去学习。
参考资料：
[1]卢辅圣主编《中国书画全书》[C] 上海书画出版社
[2]陈高华《晋代画家史料》[M] 文物出版社1987年版
[3]《美术鉴赏》李新平，成文光哈尔滨工程大学出版社2009年版
中国美术欣赏论文：浅谈中国美术欣赏 【摘要】中国画具有七千年的历史，它经历了漫长的发展过程，受到了儒、道、释等哲学文化思想以及民间艺术、外来文化的影响，才逐渐形成了自己的特点。特有的形式体现着中国画所独有的审美，必然影响到对中国美术的欣赏。欣赏中国美术是从中国画入手，并以中国画的特点作为欣赏的标准来介绍中国美术欣赏的要领。 【关键词】美术欣赏；中国画；写意；主体精神；意境中国是一个具有悠久历史和灿烂文化的文明古国，中国美术源远流长，具有鲜明的民族风格和独特的艺术成就。在漫长的发展过程中，中国古代的美术大师为我们创作了难以计数的美术作品及理论著述，为我们学习、欣赏、研究中国美术作品提供了良好的条件。我们学习、欣赏、研究中国美术，对于弘扬民族文化、增强民族自豪感、体现我们民族文化的先进性都具有重大的意义。我们欣赏中国美术是从中国画入手，并以中国画的特点作为欣赏的标准来介绍中国美术欣赏的要领。 1．我国关于美术欣赏的研究 八十年代以来，我国关于美术欣赏的研究取得了一定的成果。1986年，陈望衡、张涵在其著作《艺术美》中提出，艺术欣赏实质上艺术美的欣赏，是一种美感活动，艺术欣赏的特点主要是娱乐性、主客观辩证统一性、与创造过程的紧
密联系性等。1995年，尹少淳在其著作《美术及教育》中指出，美术鉴赏是运用感知、记忆、经验、、知识，对美术作品，进行感受、体验、分析、判断，而获得审美享受和美术知识的过程。1998年，张道一在其主编的《美术鉴赏》中提出，美术鉴赏对于鉴赏者来说也是一个复杂的心理活动过程，它与艺术的创造一样，同是知（认识）、情（情感）、意（意志）等过程的系统组合。21世纪伊始，关于此方面的研究近一步深入。2000年，王大根在《美术教学论》中提到，美术欣赏是一种视觉心理活动，它是从视觉对作品的直观感受开始，通过知觉与联觉、统觉而变成情感和意识的过程。2001年，王向峰其著作《美的艺术显形》中指出，艺术欣赏的主要特征有：艺术品相对与欣赏者的外在性、艺术欣赏的过程性、欣赏者在欣赏过程中的创造性。2002年，陈新汉在其著作《审美认识机制论》中提出，艺术欣赏是纯粹化、集中化的审美活动，是客观化审美活动的主观化，它作为对艺术作品的具体把握，是欣赏者接触艺术作品而产生的一种审美活动，也是一种通过艺术作品中的形象去间接认识客观世界的思维活动。 总之，美术的欣赏是运用感知、记忆、经验、知识，对美术作品进行感受、体验、分析、判断而获得审美享受和美术知识的过程。 2．写意
---------------------------------裝--------------------------------- --------- 訂 -----------------------------------------線---------------------------------------- 班級 07市場營銷（1）班 姓名 黃傑明 學號 07250102112
創作背景 “文舞雙全”の唐滿城教授給它取名為《扇舞丹青》，給舞蹈一個文化の定位、為舞蹈加上“點睛一筆”。由於作品尚存不足，此舞蹈沒能獲大獎，但在舞蹈界是“小荷剛露尖尖角”，已引起舞蹈專家們の關注，有了較大の影響。之後，編導經過不斷の修改，給表演者更大の再創 扇舞丹青 作の表演空問，充分地調動舞蹈肢體の表現力，透過扇子の舞動，實現舞蹈藝術構想，尋找承載著中國傳統文化の根基，挖掘其蘊藏在中國傳統書法、古典舞中の獨特韻味。在王亞彬和編導默契の合作和共同努力下，作品日趨完善，接近完美。 編輯本段作品賞析 “扇起襟飛吟古今，虛實共濟舞丹青。氣宇沖天柔為濟，憐得筆墨歎無贏。丹青傳韻韻無形，韻點丹青形在心。提沉沖靠磐石移，卻是虛穀傳清音。”這首詩精辟概括、准確描述了《扇舞丹青》這一舞蹈作品。 編輯本段作品評價 中華民族書法藝術の神韻之美 《扇舞丹青》借用一把延長手臂表現力の折扇，演繹了中華民族書法藝術の神韻之美，動態地展現了“紙上の舞蹈”，可謂文治“舞”功。作品通過表演者似飛騰狂草、像描畫丹青般の一招一式の精彩表演，在整個の舞臺空間，塑造出一種古雅、端莊，充滿中國傳統舞蹈文化體態形象，將古典舞與中國書法文化、扇文化、劍文化融為一體，把舞、樂、書、畫熔於一爐，在情景交融、人與自然渾然一體中達到含蓄蘊藉、言有盡而意無窮の藝術境界，營造了一個恬靜、雅致、高遠の意境。它既具有限無限の超越美，又有不設不施の自然美，這不但是舞蹈藝術所崇尚の，
美术鉴赏论文 ———《清明上河图》 摘要：《清明上河图》乃中国十大传世名画之一，它是北宋风俗画作品，该画卷是北宋画家张择端存世的仅见的一幅精品，全图可分为三个段落，展开图，首先看到的是汴京郊外的景物。中段主要描绘的是上土桥及大汴河两岸的繁忙景象。后段则描绘了汴京市区的街景。人物大不足3厘米，小者如豆粒，仔细品察，个个形神毕备，毫纤俱现，极富情趣。该画内容丰富，结构严谨，繁而不乱，长而不冗段落分明，在技法上，大手笔与精细的手笔相结合，善于选择那些既具有形象性和富于诗情画意，又具本质特征的事物、场面及情节加以表现。写了北宋都城东京市民的生活状况和汴河上店铺林立、市民熙来攘往的热闹场面，描绘了运载东南粮米财货的漕船通过汴河桥涵紧张繁忙的景象。 关键词： 清明上河图》是一幅具有历史价值的风俗长卷。作者张择端通过对清明节日北宁都城汴梁和以虹桥为中心的汴河两岸各阶层人物活动情景的描绘，集中反映了这一历史时期社会生活的一些侧面。《清明上河图》这一不朽杰作，无论从绘画艺术价值或从历史价值而言，皆堪称国之瑰宝。《清明上河图》长525厘米，宽25.5厘米，其中计有人物684个，牲畜96头，房舍122座，轿子8顶，舟船25只，树木124棵。《清明上河图》画卷，北宋风俗画作品。传世名作、一级国宝。《清明上河图》是中国绘画史上最着名的作品之一，不但艺术水平高超，而且围绕着它还流传下来许多有趣的故事。该图描绘了清明时节，北宋京城汴梁以及汴河两岸的繁华景象和自然风光。作品以长卷形式，采用散点透视的构图法，将繁杂的景物
纳入统一而富于变化的画面中，画中人物500多，衣着不同，神情各异，其间穿插各种活动，注重戏剧性，构图疏密有致，注重节奏感和韵律的变化，笔墨章法都很巧妙。全图分为三个段落。首段，汴京郊野的春光：在疏林薄雾中，掩映着几家茅舍、草桥、流水、老树、扁舟。两个脚夫赶着五匹驮炭的毛驴，向城市走来。一片柳林，枝头刚刚泛出嫩绿，使人感到虽是春寒料峭，却已大地回春。路上一顶轿子，内坐一位妇人。轿顶装饰着杨柳杂花，轿后跟随着骑马的、挑担的，从京郊踏青扫墓归来。环境和人物的描写，点出了清明时节的特定时间和风俗，为全画展开了序幕。中段，繁忙的汴河码头：汴河是北宋国家漕运枢纽，商业交通要道，从画面上可以看到人烟稠密，粮船云集，人们有在茶馆休息的，有在看相算命的，有在饭铺进餐的。还有王家纸马店，是扫墓卖祭品的，河里船只往来，首尾相接，或纤夫牵拉，或船夫摇橹，有的满载货物，逆流而上，有的靠岸停泊，正紧张地卸货。横跨汴河上的是一座规模宏大的木质拱桥，它结构精巧，形式优美。宛如飞虹，故名虹桥。有一只大船正待过桥。船夫们有用竹竿撑的；有用长竿钩住桥梁的；有用麻绳挽住船的；还有几人忙着放下桅杆，以便船只通过。邻船的人也在指指点点地象在大声吆喝着什么。船里船外都在为此船过桥而忙碌着。桥上的人，也伸头探脑地在为过船的紧张情景捏了一把汗。这里是名闻遐迩的虹桥码头区，车水马龙，熙熙攘攘，名副其实地是一个水陆交通的会合点。后段，热闹的市区街道：以高大的城楼为中心，两边的屋宇鳞次栉比，有茶坊、酒肆、脚店、肉铺、庙宇、公廨等等。商店中有绫罗绸缎、珠宝香料、香火纸马等的专门经营，此外尚有医药门诊，大车修理、看相算命、修面整容，各行各业，应有尽有，大的商店门首还扎“彩楼欢门”，悬挂市招旗帜，招揽生意，街市行人，摩肩接踵，川流不息，有做生意的商贾，有看街景的士绅，有骑马的官吏，有叫卖的小贩，有乘座轿子的大家眷属，有身负背篓的行脚僧人，有问路的外乡游客，有听说书的街巷
北宋山水画的辉煌与中国山水画的特点 宋朝前后延续了300多年，其绘画在隋唐五代的基础上继续得到发展。山水画发展到宋代，出现前所未有的兴旺景象，达到了中国古代山水画的顶峰水平。无论从题材内容还是从表现形式和表现方法都更加的多样化，出现了一批有杰出成就的画家，他们以古人为师,以自然为师,以吾心为师,创作了具有丰富审美特色,面貌各异的山水画杰作,为后人留下了宝贵的典范,在美术史上树立了一块重要的里程碑。 北宋山水画坛在五代的基础上人才辈出,风格技法多彩纷呈,成就突出，这一时期宫廷美术全盛，画院规模齐备，名家层出不穷，佳作硕果累累。画坛上山水画最为突出，水墨格法空前发展，出现了讲究笔墨韵味的皴、擦、点、染等技法程式，山水画造景重造化、重理性，审美特色由政教、宗教精神逐渐转向人文精神，这一时期美学著述独到、艺术思潮活跃、绘画作品精湛，是中国传统审美文化的发展源头。下面就两幅名画作说明。 《情恋萧寺图》是流传在国外一幅影响较大的传为李成的作品。此图作为高山峻岭，深沟巨壑，前景突兀巨石，以边平缓，一边峭拔，产生一种体积感和重量感。岩石的轮廓线，用笔坚实有力，所组成的表面结构具有质感。中景山涧瀑布飞流直下前景深潭，与远景处一悬瀑形成互相呼应之势。途中造型曲尽变化的“蟹爪树”，树干枝杈笔法稳健有力，树态展枝摇曳，显得生动活泼。亭台楼阁的飞檐很有特色，是李成山水画的特点。纵观全图，笔法娴熟老健，用墨层次分明，浑
厚苍劲。构图呈自然开合状，节奏明快，气势雄逸，使观者犹如身临其境。 《溪山春晓图》作者惠崇 此图画江南平远山水景色。画面前后始终以重山叠岭为背景在这山溪河流中间，岗峦起伏，平渚相牵，其上林木葱郁，花开烂漫，竹林深幽，垂柳依依。画中布局取平远之势，但崇山叠岭，云气蒸腾，亦显境界深幽，而萦绕于山间的河流、湖水与云气融为一片，又使其境空灵渺远。画中笔法温和平淡，近山、林木等勾皴外，山石多以染法，随形变化，浓淡相宜。其敷色简淡，醒目异常，增强了画面春日融融的明丽气氛。在这些平凡的景物里，画家感受到万物复苏的欢欣。苏轼咏惠崇《春江晓景》诗，“竹外桃花三两枝，春江水暖鸭先知”成为脍炙人口的名句。 在欣赏诸多山水画名作时，我们不难发现其中有不少的经典之作都是以寒林、雪景为题材，而这种情景较集中地出现在北宋时期，在其他时期则比较少见。只有北宋时期稳定的文化氛围才能使得一种绘画题材稳定化、持久化。毫无疑问，北宋山水画的艺术水平及成就是中国山水画史上的顶峰。南宋山水的“一角半边”似乎是当时残山剩水的真实写照，作品的完整性无法与之比拟。元代由于汉族文人士大夫没有进入仕途的机会，所以并没有太多展示他们艺术才华的机会，他们的艺术也只是“在野”的。明清时期更是趋向于笔墨技巧自身而渐渐忽略作品的内容与形式，技法和艺术内涵本末倒置是无法使他们的作品达到最高水平的。只有在北宋时期，统治者崇文抑武，使得文化和
西藏大型唐卡式歌舞诗《幸福在路上》 《幸福在路上》以藏戏说唱者叙述剧情贯穿全剧，以绿、黄、白、红、蓝对应水、土、风、火、空架构全剧。以贯穿全诗的“福”为眼，通过“祈福”、“寻福”、“育福”、“纳福”、“辨福”、“创福”、“祝福”7大章节，辅以藏族传统舞蹈、器乐、服饰及唐卡艺术，结合现代灯光、舞美技术史诗般的再现了藏族人民独特、悠久、灿烂的传统民俗、宗教文化。该剧是国内首部以歌、舞、诗的艺术形式来再创藏族唐卡艺术，表达了幸福与和谐这一人类永恒的主题的。 序《开启幸福之门》(祈福) 以唐卡形式再现了香巴拉之门，穿着传统服饰的演员们从观众席的走廊入场，汇入舞台在说唱者的叙述“幸福是什么，幸福在何方，让我们走在寻找幸福的路上，在比云彩更高的地方，在比风更远的地方，你可曾听见，西藏在快乐地歌唱，去寻找开启幸福之门的金钥匙吧，去打开幸福的香巴拉大门吧，在伸手就能摸到太阳月亮的地方，幸福比蓝天更宽，比阳光更亮”中跳起祈福的舞蹈，祈求神灵降下福祉，最终，神灵为藏族人民的赤诚所感动，降下了开启香巴拉大门的钥匙，开启了藏族人民的幸福之门，也同时拉开了《幸福在路上》的序幕。 第一场水——《生命之源》(寻福) 幕布中显现出了巍峨的雪山，雪化为了水汇聚成了奔腾的河水，诉说着它的经历，水从雪山中流出来，生命从水中流出来，幸福从生命中流出来，而欢乐从幸福中流出来。藏族小伙们扛起了他们古老的牛皮船冲向河边，将船扔在河中跳上船开始奋力的向前滑行。演员们手拿着浆做着划船的动作，应和着音乐开始舞动，铿锵有力的动作似乎在向世人表明藏族人民的不屈不挠，誓要击破这惊涛骇浪，抵达幸福的彼岸。 第二场土——《母育之恩》(育福) 春天到了，农民们正在田地里播种。演员们将藏族农民播种的动作融入舞蹈，化身为在希望的田野上播种着幸福的农民。秋天来了，庄稼成熟了，该是收获幸福的时候了。演员们弹着六弦琴唱着欢乐的酒歌，唱醉了太阳，唱醉了月亮，唱醉了大地母亲慈爱的情怀。 第三场风——《爱情之灵》(纳福) 英俊的藏族小伙历经百般磨难终于赢的了美丽的少女的芳心，族人们拿着手中的工具，开始为新人构筑新房。演员们手拿着建房工具不时敲击着舞台，仿佛正在一下一下的夯实地基和墙壁。终于，新房在众人的努力下完成了，新郎新娘在族人们的祝福中举行了隆重的婚礼。新房是恋人们最华丽的宫殿，婚礼是高原最幸福的生命交响。 第四场火——《幸福之梦》(辩福) 经幡在风中飘扬，转经筒在手中飞旋，喇嘛们在不停的梵唱。舞台上两个身着喇嘛装的演员在你来我往的争论着，演绎着得道高僧们之间互相辩论的场景。告诫着人们：和平的佛教不允许暴力玷污，安乐祥和是善良人民永远的期盼，和谐才是幸福。 第五场空——《天人之合》(创福) 巍巍雪山之上升起灿烂的太阳，滔滔江河向着大海日夜流淌，那是高原藏族儿女携手并肩奔向新的希望，人们看见幸福又在前方招手，再次在憧憬中展开翱翔的翅膀。五星红旗徐
《中国古代绘画赏析——山水篇》教学设计 中国古代绘画赏析---山水篇 河北省石家庄市第二十三中学张利梅 学生分析：教学对象为高中一年级学生。一方面，他们对传统文化有一定的了解，特别是通过语文和历史课的学习，积累了一定的古诗词知识和历史知识。这对中国画的欣赏、体悟非常有利。另一方面，他们具备了较强的分析归纳能力。在新课改后，小组协作学习已经成为大家喜爱的学习方式。这为本课的探究式学习提供了必备的基础。 教材分析：这一课内容宽、知识面广，涉及到了高中学生学过的历史知识、语文知识等，知识的综合性不仅学生感兴趣，我也喜欢研究，一节课讲完学生绘画知识了解得有点肤浅，于是我从中国古代绘画分类把本科整理成3节，深入浅出的从多角度给学生展示中国画的魅力。 教学目标：了解代表性作品，探究各种山水画画风格特点，加深对中国传统绘画的了解，增强对中国传统文化的热爱。 教学重点：山水作品的时代特色及其风格演变。 教学难点：山水作品时代特色的归纳及其风格演变。 教学策略：采取探究式学习的方法，让大家仔细地、反复地品读作品。通过比较、分析，共同探究不同时代作品的特色，并联系历史、语文知识，来加深对作品的艺术特色理解，引导学生从历史背景转变的角度来发现这些艺术特色的深层原因，使大家获得较为深刻的审美体验，同时，
还可以欣赏体会诗、画等传统文化贯通交融所形成的中国文化，激发起大家对中国传统文化的热爱，产生民族自豪感。另外，引导大家通过探究，看到文化的变迁与时代背景之间的联系，鼓励大家养成尝试利用自己掌握的各种知识去探索和研究艺术、了解作品，获得较深层次的了解和感悟的学习习惯。 教学准备：师：多媒体古代绘画原大挂图若干宣纸毛笔墨汁盘子笔洗。 生：美术书纸笔 教学过程：导入(周围作品)——两宋作品品鉴对比（学生活动）——诗词与两宋绘画风格之对比（学生活动）——山水画特点——老师示范课堂练习——课堂小结 导入： 师：中国古代绘画的三大画科分别是人物、花鸟和山水。中国山水画的成就超过了其他许多艺术部类，成为世界艺术史上罕见的瑰宝。这些附着中国人敏感心灵和微妙哲学的千古佳沉默不语却光华万丈，荡涤心灵。今天，就让我们一起来领略它们的魅力。 出示课题：中国古典绘画赏析 （通过幻灯片欣赏北宋作品《溪山行旅图》）
张僧繇的绘画特点论述 关键词：绘画创造性没骨疏体 摘要：“不过从画面上看。张僧繇的画貌并不明显，张氏绘画的很多精妙技艺，像点曳斫 拂、简笔、凹凸法都无从辨识。只是画神人之体态、面目、衣饰倒还有僧繇‘诡状殊形’、‘奇形异貌、殊方夷夏，皆参其妙’的特色。” ——《中国书画名家精品大典》 张僧繇是南朝梁时代时绘画成就最大的人。擅写真、顼道人物，亦善画龙、鹰、花卉、山水等。擅作人物故事画及宗教画，时人称为超越前人的画家。”的作品有《二十八宿神形图》、《梠武帝像》、《汉武射蛟图》、《吴王栠武图》、《行道天王图》、《清溪宫氠怪图》、《摩纳仙人图》、《醉僧图》等，分别著录于《宣和画谱》、《历代名画记》、《贞观公私画史》。已无真迹流传，仅有唐代梁令瓒临摹他的《五星二十八宿神形图卷》还流传在世。“不过从画面上看。张僧繇的画貌并不明显，张氏绘画的很多精妙技艺，像点曳斫拂、简笔、凹凸法都无从辨识。只是画神人之体态、面目、衣饰倒还有僧繇‘诡状殊形’、‘奇形异貌、殊方夷夏，皆参其妙’的特色。” ——《中国书画名家精品大典》他曾在建康一乘寺门上用天竺（古印度）画法以朱色及青绿色画“凸凹花”，有立体感。姚最《续画品录》中说：“善图塔庙，超越群工。据传他又创造了一种不用轮廓线的“没骨”法，全用色彩画成，改变了顾陆以来的瘦削型的形象，创造出比较丰腴的典型，画人“面短而艳”。”张僧繇的“疏体”画法，至隋唐而兴盛起来。后人论其作画用笔多依书法，点曳斫拂，如钩戟利剑，点画时有缺落而形象具备，一变东晋顾桤之、南朝宋陆探微连绵循环的“密体”画法。后人
将其画法与唐吴道子并称为“疏体”。顾、陆及以前的中国人物画表现都是通过线条来完成，线条的完美是画面成功的《五星二十八宿神行图》唯一保障，这种状况到张僧繇时逐渐发生了变化，线条是画面完成的重要因素，但不起决定作用。画家已不满足于仅仅通过“连绵不断”的周密线条所达到的“精利润媚”效果，而是要创造性地采用新的方法。《历代名画记》卷二载张僧繇潜心揣摩卫夫人书法，“点曳斫拂”依卫夫人《笔阵图》，“一点一画，别是一巧，钩戟利剑森森然”。张僧繇引书法用笔中的“点、曳、斫、拂”等方法入画，这大大丰富了中国画的技法，同时也给画面带来了新的形式。从此，一种新的双向论画规范建立了，它是对以前绘画原则的丰富与拓展：“若知画有疏密二体，方可议乎画”，这种新原则、新规范的确立，张僧繇功不可没。张僧繇对绘画的另一大贡献是吸收天竺佛画中的“凹凸花”技法。所谓凹凸画法，就是现在所说的明暗法、透视法，这在中国本土绘画中是没有的，这种方法对于形体的空间塑造有很大帮助，能使画面具有立体感，收到逼真的效果。大竺的凹凸画法传入，与印度佛教在汉末进入中国，至梁佛法大兴有关。佛教兴盛，同时输入的佛经图像被大量转释、翻摹。张僧繇作为一个高超的佛画家很快便注意到了天竺绘画这一神妙之处，而加以吸收，从而为中国人物画的发展增添了奇光异彩。张僧繇所画佛像“面短而艳”的“张家样”式，是与其他人物画大家进行区分的明显标志。在此以前张怀瓘就认为：“张得其肉，陆得其骨，顾得其神”。“得其肉”即指僧繇之画，人物形体丰腴美艳，这种形象的出现与整个社会的审美风尚转变密切相关。只是画神人之体态、面目、衣饰倒还有僧繇“诡状殊形”、“奇形异貌、殊方夷夏，皆参其妙”的特色以张僧繇为代表的“面短而艳”人物造像风格，在齐梁间逐渐取代以顾、陆为代表的“秀骨清像”风格，到南朝后期已盛行于大江南北。但从美术史的角度考察，这仍是一个形成的基础期，真正的繁荣昌盛，在艺术上达到顶峰当在唐代。丰满艳丽、雍容华贵的泱泱大唐风范才是这一风格的成熟形态。是否可以说，没有张僧繇“面短而艳”的人物造像风格的奠定，就不可能达到唐朝雍容大度、丰满健康、蓬勃向上的人物造像顶峰。 其中所传达的审美判断，正是时代审美特征在绘画上的具体表述，不应当轻率地将它们视为无稽之谈。他继承了顾悄之所提出的“传神论”，他把“阿堵传神”的具体理论用在了一切绘画形象的创造中。如果说顾恺之在强调“阿堵
大红灯笼高高挂舞蹈鉴赏 论文 Last revision on 21 December 2020
信阳学院 舞蹈鉴赏考查课论文 （2016至2017学年度第1学期） 题目： 姓名： 学号： 专业： 芭蕾舞剧鉴赏——《大红灯笼高高挂》 摘要：我国芭蕾舞较之西方起步比较晚， 1959年我国第一个芭蕾舞团中央芭蕾舞团（简称“中芭”）正式成立，曾先后创作了《红色娘子军》《大红灯笼高高挂》等经典之作。其中，《大红灯笼高高挂》被世界舞坛誉为“东方旗袍芭蕾”。本篇借由电影《大红灯笼高高挂》和芭蕾舞剧《大红灯笼高高挂》的对比，浅谈关于芭蕾舞剧《大红灯笼高高挂》的创作背景，创作内容以及其内在含义。 关键词：芭蕾舞剧、《大红灯笼高高挂》、张艺谋、赵汝蘅 一、舞剧《大红灯笼高高挂》的主要情节： 由张艺谋导演、陈其纲作曲、王新鹏编舞、中央芭蕾舞团制作并演出的芭蕾舞剧《大红灯笼高高挂》，由电影《大红灯笼高高挂》的情节进行改编后创作而成。舞剧一共分为五幕。 序幕--幽深的大宅院中，老爷命人将红灯点亮。一个年轻的女大学生被强行塞进花轿做三姨太。上轿前，她想起青梅竹马的恋人——戏班子里年轻的小生。 第一幕--迎亲的喜庆气氛中，大姨太与二姨太怀着复杂的心情接纳这位新人。洞房花烛夜，新来的三姨太拼命抗争，但终于没能摆脱悲剧的命运。
第二幕--唱堂会，打麻将，老爷领着姨太们终日消磨时光。新来的三姨太利用短暂的机会与昔日恋人相会，两个年轻人的恋情被居心叵测的二太太发现了。 第三幕--年轻人继续偷偷相爱相会，二姨太告密。老爷当场捉拿了这对大胆越轨的恋人。二太太想趁机恢复失去的宠爱，但老爷并不领情。二姨太冲动之下，不顾家法，私自抢夺了象征老爷权势的点灯棒，将红灯笼点亮。愤怒的老爷命人将触动家法的二姨太处死。 尾声--那对年轻的恋人与二姨太同时被带到行刑现场，在死亡面前，他们尽释前嫌，以宽容和爱彼此紧紧拥抱。 二、内容论述： 《大红灯笼高高挂》分为电影和芭蕾舞剧，电影《大红灯笼高高挂》是张艺谋导演的一大力作，电影片中开头就是大学生张颂莲被母亲强逼嫁到陈家做四姨太，此后她就在阴沉大宅中被封建思想毒害并同化、与其他姨太勾心斗角争宠，最后疯掉。全片主要通过阐述一个退学的女大学生嫁入大宅后的悲惨命运，来对中国传统社会的家庭结构以及封建思想进行批判。而新芭蕾舞剧《大红灯笼高高挂》仍是张艺谋导演的大作，是张导根据电影改编的。剧中的主人公被简化为只有陈老爷、大姨太、二姨太、三姨太、京剧武生。 在此先拿《大红灯笼高高挂》的电影和芭蕾舞剧做对比。很明显，芭蕾舞剧不能像电影一样可以通过语言来明确表达主人公的性格、思想与心情。舞剧对演员的要求十分高。演员必须用肢体语言来诠释所演的人物与情节。舞台上也没有活生生的风景背景，只能用背景画布上的图画来烘托故事的气氛。人物的介绍也不可能想电影上那样明了，所有人物和角色只能由观众看出来。简而言之，芭蕾舞剧就是让演员用肢体语言辅以音乐、灯光、背景来“讲述”整个故事。 具体来说，如在开场表现的时候电影中女主角是为生活所迫，在母亲的要求下嫁入陈家的，而芭蕾舞剧中可以看得出来女主角是在四位陈家下人的逼迫下上了花轿的。这是因为，在电影中，故事的起因是通过女主角与母亲的对话引起的。而这样的对话用芭蕾舞剧是很难表现出来的，因此在芭蕾舞剧中，导演用四位下人逼迫女主角上花轿来表明她是被强迫上花轿而不是自愿的，以此来为后面女主角喜欢上京剧武生做铺垫。芭蕾舞剧中，女主角要将内心的痛苦与挣扎通过舞蹈来表现出来，用舞蹈来表现出她努力反抗却无济于事的无奈。又如，讲老爷前两个姨太之间的争宠时，电影要有一系列的故事来表现争宠的险恶与勾心斗角
插画艺术赏析之 ——唯美写实风格插画浪漫的唯美—Enakei Enakei是韩国着名的插画家。作品以唯美着称，其画风浪漫委婉，时而朦胧忧伤，时而明朗欢快，画面干净、色调柔和，感觉温暖，在韩国极受欢迎。 Enakei的作品分为两大类：jennie和enakei，是以韩国女星闵孝琳为创作原型而创作的一组插画。 作品主要描述名为jennie和enakei两个风格各异女生的生活。jennie 是个可爱唯美的女孩，而enakei是个时尚活泼的女孩，画面上简单的文字，记述了两个女孩每天的生活，有点小趣味，也有点小想法 韩国插画家Enakei的作品描述了两个风格各异女生的每日生活。作品画面干净、色调柔和，感觉温暖。简单的文字是生活的一些小感想，有点小趣味，也有点小想法。 彩铅水溶后的效果给画面一种柔和的美感。让人从心里感觉到清爽去温和。宁静、可爱、干净、清爽。 黑暗中的唯美——LindaBergkvist LindaBergkvist是一名非常年轻的CG大师，生于1977年，她出生在瑞典，CG的风格充满了童话色彩，神秘、诡异、梦幻。 无论是绘画功底，CG的运用还是充满想象的内容都另人着迷作品细腻但绝对有别于时下流行的韩国唯美的CG，又不同于欧美夸张、浓重的风格不论哪方面都称的上是大师级不管你喜不喜欢或对CG有多少了解认为欣赏她的作品都是种享受 LindaBergkvist1977年出生于瑞典，她的是个典型的完美主义者，酷爱绘画和插画艺术，也喜欢观看电影，又很多喜欢的片子，比如：Clockwo rkOrange,CryingGame,TheNameoftheRose,SentoChihironokamikakushi, ArmyofDarkness……，从很小就开始绘画，她在20岁的时候得到了一份特殊的礼物——一块WACOM画板，于是她开始了电脑绘画创作生活。Lind a的绘画风格细腻，她喜欢刻画人物的特写和幻想中的场景。 这位来自瑞典的女画家，Umeå便是她的故乡，据她自己所说，从小便是个喜欢放飞想象力的女孩，喜欢绘画和向同龄的小朋友讲述自己编造的复杂故事。长大后曾经动过献身教育事业的念头，在一段时间里，努力地学习英语和瑞典语。也不知道是她选择了绘画还是她被绘画选中了，总之，她后来意外地得到了一份为当地一家电脑公司制作图片的工作，并
中国美术鉴赏结课论文人之所以不同于其他生物，其很大一部分原因就是人能思考，思考能带给我们科技，而更重要的，思考也带给了我们艺术，艺术赋予了我们生活魅力，抒发了我们心中的情感，传递了我们心中的思想。而艺术有很多种，看到的图画，听到的音乐，读到的文字，等等，而眼看，实际上是了解万物最基本，最直接的方法。作为一名大学生，不得不说我对艺术的了解实在是太贫乏了，所以选课之初，趁着这个机会，选了这门中国美术鉴赏，希望我对艺术能有体会了解。 中国美术的确很特别，其表现主要在于线条，在于布局，在于意境，这恐怕是其他所偶国家所不能比的，看似简简单单的几笔，画家却能够用远近呼应、以动衬静等手法将人物、山水表现得淋漓尽致、唯妙唯俏，这也是我们中国古代绘画的精髓所在！ 从远古的陶瓷绘画，到魏晋的墓室彩绘砖，再到隋唐的壁画，个人感觉，相比较于西方油画的死板，我们中国美术讲究的是形散神聚，画家们举手投足之间一挥笔墨，就能表达自己对人物、事物的态度与看法——不论是一种巫术，还是讽刺官僚、表现民生疾苦，抑或是细致刻画某种动物等等。通过这几次选修课，我觉得古代的画家不仅仅是画家，他们往往能够用笔墨批判现实或者是表达某种愿望或抱负，总之，绘画的目的已经远远超越了欣赏，我们能够从众多的绘画之中感受到它们所带来的内涵美、意境美，这也是值得我们去欣赏、去研究的地方！
例如，甘肃出土的魏晋墓室彩绘砖上，《出行图》《屠牛图》都具有一定的意义，都能表达出了墓室画家的一种精神志向。在《屠牛图》图中，牛眼和人的衣服都是红色的，这浓墨重彩的一笔把整幅图点染得意趣盎然、活泼生动。除此之外，这幅图更是表现出了民生疾苦。因为在古代是不允许随便杀牛的，而图中的人杀的恰恰又是一只瘦骨幼牛，可见当时生存环境的艰苦，充分表现出了笔者对当时社会的不满，表达一种心中的怨恨之情。而在《出行图》中，更是显而易见的，笔者讽刺了官僚主义，他呼吁劳动人民觉醒。 又如在我国古代鼎盛的唐朝唐太宗时期，吐蕃势力强势，唐太宗会见松赞干布的场景被阎立本用画笔记录了下来，在《步辇图》中，唐太宗被一群宫女所环绕、包围起来，并且就连座椅都是宫女们抬起来的，这些许表现了阎立本对当时唐太宗、当时整个唐朝的不满与讽刺。 还如，在阎立本的《古帝王图》中，将晋武帝司马炎的性格特点表现得淋漓尽致，肥硕的身躯，凶险耿直的眼神，充满杀气的目光，张牙舞爪的造型，都让我们跟恶人的形象联系在一起。众所周知，在历史上，晋武帝司马炎是一个出名的伪君子，尤其是晚年的司马炎，颓废无比，不理朝政，沉于女色，使朝政紊乱，庸臣当道，种下“八王之乱”祸根。而阎立本的这一幅画，精妙绝伦地刻画出晋武帝司马炎的形象，起到了讽刺的效果。 其实，个人认为，我觉得中国美术是最能彰显我国文化特色的历史产物，我国拥有着五千年的深厚底蕴，这不仅仅包括历史，更囊括
舞蹈鉴赏论文 对舞蹈艺术的认识 在南航，作为一名新生，我有幸选上了舞蹈鉴赏这门课程，有幸在路老师的带领下步入了舞蹈的世界。一开始，我对舞蹈的理解还只是停留在舞蹈本身的动作形态这个表面上，而上完《舞蹈鉴赏》这门课程，我便对舞蹈有了更深刻的理解，获益匪浅。 舞蹈，是一种人体动作艺术，但正如老师所说，它与一般的动作最大的不同便是舞蹈是融入了情感的。我们生活中有重大意义的情感和活动，都会用舞蹈来表观。再没有别的艺术行为，能像舞蹈那样的转移和激动我们的内心。舞蹈是表现人们最激动的情感的产物。它是通过寻求和抓住我们的思想感情最集中、最凝练、最动人、最优美之处,进行加工、创造,从而提炼出来舞蹈形象。也就是说,在精美的舞蹈构思中,把深厚的感情、生动的形象、丰富的想象统一和融合起来,促使塑造的形象舞蹈化,以唤起我们的心灵美感。在学习舞蹈鉴赏过程中，我们欣赏到了许多作品，有几部作品令我印象特别深刻。 舞剧观后感 最令我印象深刻的莫过于柴可夫斯基创作的芭蕾舞剧《天鹅湖》了，它讲述的是：公主奥杰塔在天鹅湖畔被恶魔变成了白天鹅。王子齐格费里德游天鹅湖，深深爱恋奥杰塔。王子挑选新娘之夜，恶魔让他的女儿黑天鹅伪装成奥杰塔以欺骗王子。王子差一点受骗，最终及时发现，奋击恶魔，扑杀之。白天鹅恢复公主原形，与王子结合，以美满结局。我最欣赏的是该舞剧的配乐与舞蹈的完美结合，例如第一幕中庆祝王子成年礼的盛大舞会，音乐便是华丽热情的类型；而后出现了天鹅，配乐便充满了柔和温暖的感觉，还是一种淡淡的伤感，我觉得这是为了后文公主的悲情埋下伏笔。《四小天鹅舞》则又令人眼前一亮，它的配乐诗轻松活泼的，描绘出了小天鹅在湖畔嬉游的情景，质朴动人而又富于田园般的诗意。而奥吉莉雅独舞中的挥鞭转在我看来是舞剧中最令人震撼的一幕。综合以上几点我们
摘要：古人言：“书为心画”，一件书法作品的诞生，无疑是作者情感、志趣、意愿的表露，或多或少、或显或隐。而任何一件优秀的书法作品，之所以有强烈的艺术感染力，是因为它借助线条的挥舞，反映了作者独特的精神气格和丰富的内心世界。俄国哲学家普列汉诺夫说过：“艺术既表现人们的感情，又表现人们的思想，但是并非抽象地表现，而是用生动的形象来表现”。就书法而言，黑白相映的作品是静止的，显示的却是一个个活脱脱的生命形象，然而这一切看来都是静止的，需要欣赏者去感悟、去体味。 关键字：书法美艺术视觉造型艺术想象力时代背景
书法是一门独特的视觉造型艺术。人们欣赏一件优秀的书法作品时，无疑会得到美的享受，艺术的陶醉，但是，欣赏书法艺术的美不是一件容易的事。书法艺术与其他艺术如文学艺术、音乐艺术、绘画艺术相比显得更为抽象，更难捉摸。一幅作品、仁者见仁、智者见智、审美结果大相径庭的现象是常有的，即使是对一代书法大师作品的评价，也不一定千口一音。那么，书法艺术的审美是否存在统一标准呢？回答是肯定的、问题在于审美者所占的角度、所持的依据，特别是自身修养的高低。 艺术上的许多范畴，朴拙与呆笨、凝重与滞涩、豪放与粗野、宽博与松散、飘逸与轻浮、差别都很微妙，在欣赏和评价时把握不住就会产生移位，得出截然相反的结论，有俗话说：“会看看门道、不会看看热闹”，对书法艺术了解程度不同，审美的结论也不会相同，“观千器而后识器，操千曲而后知音”，这与审美者自身的修养是分不开的。古往今来，有关书法艺术的审美著作、浩如烟海、今择其要点、归纳如下： 一、线条姿态美 书法艺术的表现形式，是由线条来完成的，而体现线条美的基本要素，则是要求线条富于变化。而书法使用的书写工具是毛笔，以笔锋来说，柔软而富有弹性。书写的轻重、疾快、强弱、顿挫、提按、正偏在纸上留下浓谈、干湿、刚柔、动静、方圆等各种千变万化的线条、它是具有生命力的线条、能够充分体现线条的和谐美和动态美。 1、和谐美。这种美的要素，欧美艺术家讲究得极为精细，作张椅子，也要看长短、疏密、粗细、曲直，作得好就美，作得不好就不美。线的美，在美术中，最为高等，不靠旁物的陪衬，专靠本身的排列。而中国的书法艺术是以线为生命之本的，汉字由点和线组合而成，具有高度抽象化的特质。而“点”是线的浓缩，“线”亦是点的延长，“点”和“线”是一个事物的两个方面。因而中国的书法艺术，又被称作线条的艺术。古人曾说“学书贵能通变”，运笔中掌握提按、顿挫、徐疾和某些过渡性技巧，使线条呈现变化的主要方法，通过按笔可以达到“重若崩云”，提笔又使线条“轻如蝉翼”、令人有种时隐时现的变化感和沉浮感，从
论中国山水画的特点 0742237005 数学教育林庆亚 内容摘要：中国山水画艺术源远流长，尤其自唐以后，历经宋、元、明、清。无论是空间的处理，构图，用墨等绘画的技法，还是审美观念等各方面，都在不同时代得到了提高与丰富，逐渐走向了成熟，形成了中国独有的独特的绘画审美体系。这种体系对后世中国山水画艺术产生了深远的影响。使中国山水画逐步形成了自己的特点和风格。关键词：山水画中国山水画特点 山水画，是一种表现山川之妙并能为人类寻求某种精神寄托的画种。中国的山水画起源甚早，据史书记载，秦汉时期已有了山水画，但实物未见流传。而今天我们所能见到的最早的山水画，当是东晋名画家顾恺之的《女史箴图》和《洛神赋图》中的背景山水。 但是，作为人物背景组成部分的山、兽、林、鸟却结合得很完整，表现得也很真实。山石开始依靠线的变化来表现不同的面，依靠层次来表现不同的山峦变化，利用俯视的角度来表现纵横的山川。这些都是后来山水画的基本表现技法，尽管这种表现还停留在比较幼稚的阶段，但却为以后中国山水画的发展奠定了坚实的基础。 山水画发展之初较为幼稚，对山水比例、人和山水的关系、对山水的描写方法较为粗糙。工笔山水画到了唐代李思训变成青绿山水画，用金碧辉煌的大青大绿，甚至金银粉，以显示富丽堂皇。这些画主要用于装扮王公贵族，大型屏风等。 水墨写意山水画:从唐末五代，南北画家投身名山大川。主要特
点是，面对真实的自然，反映自然特有的山水性格和形象。如董源的《潇湘图》（横卷）。展示南方山水开阔、平远、秀丽、朦胧的特色。山水画到了南宋，主要在构图布景上发生了变化。马远、夏圭的取山水景色一角的构图方式与五代、北宋画家常用的全景山水构图形成对照，故有“马一角，夏半边”之称 元代画家更多借助山水表达个人的情思。代表人物---倪瓒 清代的山水画章法各异，笔法已成熟。画派分承继和创新两路。开创新意的如石涛。 中国山水画的特殊传统是创造形神交融、天我合一的意境，即不但表现丰富多彩的自然景物，且往往由有限的取景来表现对整个宇宙自然的由表及里的认识，或于山水之中寄托对于国土家园的感情，因而集中体现了中国人的自然观和社会审美意识，也可以说从侧面间接地反映了社会生活。在形象描绘上，山水画的特点为重宏观、重整体的把握，而非拘泥于细枝末节。对于物象的组织构造，则创造了独特的程式化表现方法，但并非机械照搬，而是灵活地用高度提炼的结构程式来表现物象。在空间的处理方法上，提出高远、平远、深远、阔远等概念，并巧妙加以融合运用。构图上，则较人物画、花鸟画更重"势"与"开合起伏"的表达。"势"为具体形象间的联系，而"开合起伏"为这种联系中的节奏变化。这表现了山水画中在静态的画面和形象组合中对于大自然的内在联系的一种运动的、全面的观察与表现观念。山水画的笔墨技法，较人物、花鸟画丰富多变，在用笔和用墨方面，是中国山水画造型的重要部分。用笔讲求粗细、疾徐、顿挫、转折、
大学舞蹈鉴赏论文 Document serial number【UU89WT-UU98YT-UU8CB-UUUT-UUT108】
天鹅湖我看的享受 内容概要：古典芭蕾舞剧《天鹅湖》源自德国古老的童话，而无论是在 德国还是俄罗斯文化传统那管理，人们都把天鹅等同于纯洁的少女，这 在一定程度上奠定了这个舞剧的阴柔基调。古典芭蕾的规范跟这种基调 不谋而合。舞剧中男女演员的舞蹈动作和组合，以及女演员的服饰等， 均表现一种典雅、柔美的女性气质，为舞剧渲染了阴柔的色彩。 关键词：柔美芭蕾艺术典雅 正文： 我在大学，有幸选了舞蹈鉴赏，有幸在老师的有声音引领下，静静的观看了，天鹅湖，看的我是一种享受啊。之后我好好的去，了解了下 天鹅湖的历史背景及柴可夫斯基的创意发展，现在跟大家分享下一下。 芭蕾出现于15-16世纪文艺复兴全盛时期的意大利,艺术家极力模仿 古希腊的艺术风格。最早的芭蕾表演是在宫廷宴会上进行的,1489年在意大利的一个小城里,为庆祝米兰公爵和西班牙阿拉贡公主伊达贝尔的婚礼,演出了《奥菲士》。当时的表演形式与我们今天所见到的芭蕾演出绝然 不同,它的每一段表演大致都与上菜联系在一起,比如模拟狩猎的表演开 始以后就吃野猪肉;海洋、河流神灵出场开始吃鱼。然后,许多神话人物 上场献上许多菜肴和水果,最后客人们也都参加到热闹狂欢的表演中去。这是一种把歌、舞、朗诵、戏剧表演综合起来的表演形式,可以说是芭蕾的雏形,后人称它为“宴会芭蕾”。芭蕾继续发展,经历了宫廷芭蕾、情节芭蕾、浪漫主义芭蕾、俄罗斯芭蕾、当代芭蕾几个主要阶段。
传统的芭蕾舞技巧是一个严格的体系。最基本的审美特征是对外开、伸展、绷直的追求,包括脚的五种基本位置,三种基本舞姿,腿的伸展、射击、打开、屈伸、抬腿、踢腿、和划圆圈等动作,还有各种舞姿的跳跃、旋转和转身,各种舞步和连接动作。将其按特定的结构手法编排、组合,就能创造出富有感染力的舞蹈艺术形象。 十九世纪末叶,柴可夫斯基的《天鹅湖》、《睡美人》和《胡桃夹子》把芭蕾音乐提高到交响音乐的水平。在他的舞剧中,音乐是和作品内容与舞台动作紧密联系的重要组成部分。柴可夫斯基提高了舞剧音乐的表现力,通过交响性的展开和对人物性格的刻画,加深了作品的戏剧性。他在《天鹅湖》中,以富于浪漫色彩的抒情笔触,表现了诗一般的意境,刻画了主人公优美纯洁的性格和忠贞不渝的爱情;并以磅礴的戏剧力量描绘了敌对势力的矛盾冲突。因此,柴可夫斯基的《天鹅湖》，自其诞生以来，《天鹅湖》几乎成了古典芭蕾或整个芭蕾艺术的一个象征和代名词。它是一部集大成的作品，既有柴科夫斯基的传世音乐，又有凄美的爱情故事；既有俄罗斯芭蕾大师彼季帕学院派的经典规范，也有伊凡诺夫义创作的新鲜血液。在经典性的基础上，起到了承上启下的作用。同时《天鹅湖》取材于神话故事,描述被妖人洛特巴尔特用魔法变为天鹅的公主奥杰塔和王子齐格弗里德相爱。最后,爱情的力量战胜了魔法,奥杰塔得以恢复为人身。 下面跟大家分享下剧情。全剧分四幕,包含二十九个分曲。其中第二幕描写齐格弗里德和奥杰塔在天鹅湖滨的相遇和相爱,由五个分曲组成。第一分曲的基本主题是天鹅主题,它在全剧中贯穿发展,起着主导动机的
-- 我眼中的艺术 ——Ｆ1００２2232 周磊什么是艺术?我认为我知道,清楚的知道。挂在长廊里的油画,那叫艺术;放在拍卖里行的作品，那叫艺术；在高级展厅里展出的作品,那叫艺术;矗立在游览胜地的雕塑,那叫艺术;艺术家口中提及的作品，那叫艺术;在街头巷尾贩售的，那叫艺术。音乐是艺术；演唱是艺术；摄影是艺术;绘画是艺术;形体是艺术；舞蹈是艺术；雕塑是艺术;木刻是艺术;风雨是艺术；山水是艺术；和平是艺术;战争也可以是艺术。那么,什么不是艺术？于是，我又不知道什么是艺术了。 我试着找出艺术和非艺术之间的区别，然而除了两者之间多了一种人——艺术家之外，他们很难再有区别。普通的石头,在艺术家雕刻后,成了大卫;简单的女人肖像画,在艺术家的描绘之后,成了让世人着迷的蒙娜丽莎的微笑。我便以为我发现了什么是艺术——艺术就是艺术家的作品。但是面对着波澜壮阔的大海,层峦叠嶂的群山,那是人力所能够缔造出的作品吗？于是,我又不知道什么是艺术了。 或许艺术什么也不是,或许艺术什么都是。艺术像是道,师法自然,万物皆有道,万物也皆为艺术。古人求道,顺天意,法自然，只可意会，不得言传。得道的人，视万物皆得其道,看山不是山,看水不是水。不得者,就算站在“道”前也不认得,看山就是山，看水就是水。我眼中的艺术也同样如此,艺术本身的界定是模糊的，但是她的内在则是类似的,是人内心情感的一种表达,是大自然映射出的一种能与人类精神的共鸣的产物。 在字典的解释中,艺术是“用形象来反映现实，但比客观有典型性的社会意识形态。” 从主观的角度来看,艺术更倾向于一种感受，也更贴近字典中的定义“一种社会意识形态”，她没有固定的表现形式。艺术是艺术家内心强烈的情感或意念具象化表现出来的作品,是能够引起人共鸣作品。具象化的形式可以是多种多样的,由听觉效果、视觉效果、甚至是触觉、嗅觉上的各种感官组成。他们是人们现实生活和精神世界的形象反映，也是艺术家知觉、情感、理想、意念综合心理活动的具象产物。 我们常说艺术能够跨越时空,艺术不分国界,而艺术之所以能够做到这一点，正因为艺术的内在远胜其外在形式。人们的审美观、价值观是随着时代社会的改变而改变的，但精神世界的情感共鸣是相通的。譬如说，一件艺术作品她表现的情感是一种“悲”，无论因为什么而悲伤的人,在悲的情感上是互通的，都能够理解这件作品背后“悲”的强烈情感，都能够感受到这件艺术作品的伟大。这就是艺术神奇的地方,是无声的交流,是灵魂与灵魂的互动,跨越了一切的阻碍。 从客观的角度来说，有人把艺术定义为“人类以创造美为主要目的的技术及其产品”。但我眼中的艺术,从客观来说是一种大自然的抽象化的表现。无论是何种艺术作品，她都是依存于自然,源自于自然，但是又超脱于自然。自然是唯一的不添加任何修饰,大家所公认的美，也即美的源头，以自然为本，在作品中捕捉、模仿、组织、变化自然中的“美”,从而形成的产物,都应当是艺术的。 大自然是最伟大的艺术家，因为他有着远比我们所能拥有的更广阔的“画布”,也因为他是一切美的源头。对称的美,对比的美,线条的美;光线、声音、气味。大自然的艺术无拘无束,美轮美奂。 我眼中的艺术，是一种感受,是一种共鸣。只要包含着这样的共鸣，即便是一条简简单单的弧线，一声清脆嘹亮的鸟鸣,一道温和如沐的柔光,都会成为我眼中的艺术。 字数- 1350
中国绘画：线条是中国画造型的基本手段，这与西洋画是不同的，西洋画主要依靠明 暗调子，即通过光投射到对象上所产生的明暗变化来造型。中国画则主要依靠线条来造型。线条不仅用来表现物体的轮廓，也用来表现物体的质感和明暗，因此，中国画线条的变化是很丰富的，有轻、重、缓、急、粗、细、曲、直、刚、柔、肥、瘦等种种区别．而单是中国古代画人物衣服的褶纹，就总结出了十八种描法，称为“十八描”，它包括：铁丝描、橄榄描、行云流水描、枣核描、战笔水纹描、减笔描、柳叶描、竹叶描、混拙、撅头钉描、枯柴描、蚯蚓描、高古游丝描、琴统描、马蝗描、钉头鼠尾描、曹衣描、拆芦描等等，这么多的线的描法，真是五花八门、丰富多彩了。而且古代中国画家们在实践的基础上还总结出了用笔的“五忌”、“六要”。用笔五忌是指忌刻、板、枯、弱、结；用笔六要是指一要自然有力，二要变化有联系，三要苍老而滋润，四要松灵而凝炼，五要刚柔相济，六要巧拙互用等。这些都是画家们的经验之谈，可作为我们品评中国画的借鉴。 用墨就像用色，主要目的是表现物体的色彩、明暗等。墨虽然是黑的，但中国画却有“墨分五彩”或“墨分六彩”的说法，五彩是指黑、浓、淡、干、湿，如果把自也算在内，就成为六彩。古人说“墨即是色”，浓淡水墨可代替各种色彩。用墨要有浓淡于湿之分，只干不湿太干枯，只湿不干太臃肿，浓淡于湿结合起来，变化多，生动而才有气韵。一般来说，用墨之法，有焦墨、积墨、破墨、擂墨之分，焦墨是一种磨得极浓的墨，用焦墨的时候需有浓墨、淡墨在旁呼应，否则，焦墨孤立，难见笔意。积墨，就是用浓墨和淡墨连染连敷几次，使其出现一种深厚的味道，破墨，则是先用淡墨上纸，趁湿再浓墨加上，由于宣纸的特殊性能，会变化出一种奇妙的韵味。擂墨，就是用大楷笔蘸浓墨，拧在纸上捺转，略似鱼鳞，由浓致淡，参差不齐，谓之擂墨。因此，用墨和用笔又是分不开的。 中国画因为讲究笔墨，所以评论或欣赏一幅中国画，就要看它的笔墨功夫。一般认为，笔墨大胆、雄健、流畅、自然，给人一种力量的感觉，是好的：反之，笔墨轻嬴、困弱、滞凝，则是不好的，笔墨常关系着一幅中国画作品成败的关键。 画法洗练纵逸的写意人物画，梁楷以寥寥数笔就把号称诗仙的唐代大诗人李白那种桀骜 不驯、才华横溢的风度神韵，刻画得惟妙惟肖，真可谓“笔”简意赅。中国画在创作上重视 构思，讲求意在笔先和形象思维，注重艺术形象的主客观统一。造型上不拘于表面的肖似， 而讲求“妙在似与不似之间”和“不似之似”。其形象的塑造以能传达出物象的神态情韵和 画家的主观情感为要旨。因而可以舍弃非本质的、或与物象特征关联不大的部分，而对那些 能体现出神情特征的部分，则可以采取夸张甚至变形的手法加以刻画。 《张卿子像》中国画明曾鲸此图描绘的是被董其昌、陈继儒称为“奇才”的诗人兼名医张卿子。乌巾朱履，左手捻须，意态安详。画像面部先用淡墨多层烘染，再行敷色，赭石中略掺铅粉，耳朵等部位则用较浓的赭色勾提，达到笔墨色浑然一体、形神兼备。是我国传统肖像画的代表作。 《溪山行旅图》中国画（宋）范宽现存的范宽最重要的代表作《溪山行旅图》，描写北方雄伟的高山峻岭，一座巍峨的山峰几乎占满了大半个画面，给人以高山仰止之感。单从构图上来说，此画应属平易之作，但却产生了非凡的力量。究其原因至少有两个：一是造型的峻巍。作者在画幅的主要部位安排了一个大质量的山峰，造成了一种心理效应，即所谓的“振人心弦、夺人魂魄”。其次是笔墨的酣畅厚重。作者先用颤涩的侧峰勾勒出山岩峻峭的边沿，然后多层次地运用坚劲沉雄的中锋、雨点皴塑出岩石向背的纹理和质量感，因而出现了神奇的境界。范宽作画常从真山真水中滋发妙悟与灵境。既强调写生，又能妙造其意，得山之骨法，是中国山水画史上卓具开拓精神的大师 《花篮图》中国画（宋）李嵩的《花篮图》，画幅虽小(19．2×26．1厘米)，但以极其