目录
序
第一章：钢琴技巧
I 技巧
I-1 目的
I-2 什么是钢琴技巧？
I-3 技巧与音乐
I-4 基本方法，诠释，音乐训练，绝对音感
II 钢琴练习的基本步骤
II-1 练习的程序
II-2 手型
II-3 座椅的高度以及与琴的距离
II-4 开始练一首新曲子：分析与聆听
II-5 从最困难的段落开始练习
II-6 将困难的段落缩短：段落式的练习
II-7 分手练习：获得技巧
II-8 连续性的规则
II-9 和弦起音
II-10 自由落体，和弦练习，及放松
II-11 平行组合
II-12 学习与记忆
II-13 速度，选择练习的速度
II-14 如何放松
II-15 学习后的进步
II-16 慢速练习的危险━直觉性方法的陷阱II-17 慢弹的重要性
II-18 指法
II-19 精确的节拍与节拍器
II-20 较弱的左手：用一只手来教另一只手
II-21 培养耐力，呼吸
II-22 坏习惯：钢琴家的最大敌人
II-23 延音踏板
II-24 柔音踏板，音色，及琴弦的常态震动
II-25 合手练习：以萧邦的幻想即兴曲为例
II-26 结语
待翻译章节目录
序- 第一段
这是有史以来，第一本有关于如何练习钢琴的书！倘若你尚未学习一些有效率的钢琴练习方法，那本书中所揭橥的，是一些可以增进学钢琴速度的方法，将使你的学琴速度增进千倍！令人惊讶的是，虽然这些方法在钢琴的早期年代就已经知道，但是却很少被传授，原因是只有极少数的人知道这些方法，而这些人也未曾将它写下！(或是说让其它人知道这些方法)。
在1960 年代时期，并没有关于练习钢琴的好书。怀赛德(Whiteside)的书是我找到最好的书，不过却也令人失望。(请参阅参考书目一节)。当我在康乃尔大学当研究生的时期，虽然常常苦读至半夜，以期与来自世界各的的顶尖学生并驾齐驱，我还是尽量挤出一些时间练琴。虽然在年轻时期，我学了7 年的琴，这些我所知的练习方法还是不管用，以此我一直在寻找一些更好方法。这些钢琴演奏家，如何能弹到这种程度，对我而言，一直是一个谜。就如大多数人的想法，这只是努力，时间与天赋的差异吧！假如真是如此，那我一定是无望成为一个钢琴家，因为我也曾投下相当的时间与努力，至少在我年轻时，在周末一天练习8 小时。
在1970 年代时，这些答案慢慢的浮现，当我知道我两个女儿的钢琴老师教导她们一些极为有效率的练习方法，而这些方法与大多数钢琴老师所教的截然不同。在超过10 年对于这些有效率的方法不停的探索，我了解到，学琴过程中最重要的是练习方法。努力、时间与天赋反倒是其次！事实上，天赋，是难以
去定义与衡量的；天赋，或许会影响到谁能获得范克莱本（Van Cliburn）钢琴大奖的得主；然而，对于多数有企图心的音乐家，天赋就没有决定性的意义了。事实上，适当的练习方法，可以让大多数人成为有「天赋」的音乐家。关于这一点，我在许许多多的学生音乐会及钢琴比赛中亲眼目睹。任何一个认真的学生，只要找到对的老师，都能成为有「天赋」的音乐家。
有许许多多的例证显示，「天赋」是训练出来的，而不是与生俱来（请参考Olson的著作）。莫扎特（Mozart）无疑是「莫扎特效应」（Mozart Effect）最显着的例子（参考本页）。有些人称它为「贝多芬效应」（Beethoven Effect），这或许是较贴切的说法。因为莫扎特有些人格上的弱点，这多少使他的音乐杰作蒙尘。值得一提的是，听音乐只是复杂的莫扎特效应的一环。对钢琴家而言，音乐性是最重要的。因此，良好的练习方法，不仅仅能增进学习速度，而且能增进音乐性思维，特别是对于年轻人而言。学习速度不仅仅是增进，而是加速度（如加速中的汽车相较于等速前进的汽车）。因此，在几年的练习后，没有适当练习方法的学生，常常会陷入绝望的困境中。且会让一些有正确练习方法的学生，看起来比他们实际上更有天赋，因为他们几分钟或是几天能学习的，其他人却需要几个月或几年的学习。因此，「钢琴技巧是手指力量与灵活」，这句话看起来像是一个没有实证的虚构说法；技巧，应该是脑与神经系统的发展，及音乐性与记忆力的能力。
练习方法的不同，可以让一个认真的年轻学生在10 年的学习后，成为杰出的钢琴演奏家或是一事无成。运用正确的练习方法，可以让一个任何年纪的认真学生，在几年的练习之后，能够弹奏一些著名作曲家的作品。令人遗憾的是，这些方法在过去两百年来，一再的被发现，但从未被纪录下来，每一个学生都必需自己再重新摸索；或是幸运的，可以从他们的老师口中，获得这些方法。最好的例子就是「李斯特（Franz Liszt）教学」。有许许多多的李斯特学会，出版了数百种文献。许多有关于李斯特的书（请参考于参考书目中Eigeldinger 的著作），及数千个钢琴教师自称使用「李斯特教学法」，还有一些相关的教学文件。但是却没有任何文献能清楚阐述甚么是「李斯特教学法」。
这些好的教学方法，没有被写下的原因可能是，这些方法是许多钢琴教师赖以维生的工具，因此被视为「独门秘方」。虽然李斯特在钢琴技巧上有着卓越的成就，
但却没有人能清楚说出他是如何到达这样的境界。在一些文献中有提到，李斯特本人已不清楚记得，在他年轻时，究竟是如何练就这些技巧的。这是可以理解的，或许李斯特每天都在尝试一些新的方法。既然，在钢琴教育上，我们无法去追寻这些杰出钢琴家是如何获得他们的技巧，也因此，一本关于钢琴教学的教科书，似乎是遥不可及。你可以想象，学习数学、物理、历史、电脑程序等课程时，没有教科书会是什么样的情况？如果你够幸运的话，只能依赖老师的记忆学习。所以，当你上钢琴课时，你的老师从未给你一本关于钢琴练习的教科书。如此一来，每个老师都有他自己的教学与练习法，而且每个老师都认为他的方法是最好的。如果没有教科书与文献，我们的文明不会比丛林部落高到哪里去。因为丛林部落只靠口耳相传来传递知识。然而，口耳相传，却是我们钢琴教育在过去200 多年的状况！
有许多关于如何学习钢琴的书（请参阅参考书目），但是没有一本书称的上是钢琴练习法的教科书，但这却是学生所需要的。许多书会告诉你需要哪些技巧（音阶、琶音、颤音等等），更高阶一点的书会告诉你指法、手的姿势、手的移动等等，但是没有一本书，能有系统的告诉你如何去练习。大多数初学者的书籍，都有提到一些，但很多都是错的。一个很好的例子就是《哈农钢琴教本》。在该书的前言中提到，「如何在60 个练习曲中成为大师」，这正是哈农本人所写的。（请参考1.3.7.8）。如果你向许多未读过本书的老师请教有关练习钢琴的方法，那你会发现，其中有许多相互抵触。因此我们知道，这些方法，不可能是正确的。其原因不外是：根本没有教科书。因此我们无从得知，钢琴练习的完整方法与资讯。在钢琴教育上，最基本的工具就是一套完整的资讯，告诉我们如何练习钢琴。在本书出现之前，这是付诸阙如的。
序- 第二段
在本书第一版完成前，我尚不知本书中的方法如何带来革命性的影响。我所知道的只是，它们比我之前所用的方法好太多了！几年以来，这些方法确实带给我很好的结果，但不是甚么惊人的成果。在我完成本书之后，我才惊觉到它威力。当我完成本书后，我认真的读它，并且系统性的遵循书中的方法，感受到它神奇的效益。那么，只是知道这些方法，与认真的读一本书有何不同呢？
在写本书时，我必须将各个不同的方法与内容，作有系统的整理，并赋予不同的目的，且确认没有遗漏。身为一个有训练的科学家，我知道，将素材作有逻辑性的组织架构，是撰写手册的不二法门（参考3.2）。如众所周知，很多科学发现，都是在撰写研究报告时发现，而不是在做研究时。就如我有一部车的所有零件，如果这些零件没有被正确的组装及调教，这部车是不会动的。姑且不论本书中的方法为何如此有效，我个人深信它将对于钢），并驱使我完成第二版。第一版并不是一本绝佳的书；甚至连索引跟参考书目都没有。因为我在 4 个月中利用工作空档仓卒完成它。显然的我必须做更广泛的研究，来补足书中的不足，并对相关文献做审阅。也就是说，我必须满足钢琴练习科学研究上的所有要件（参阅第三章）。同时，我决定在我的网页上撰写，这样可以随着我的研究同步更新，并且可以马上公诸于世。如同大家所知，网际网路的书，有许多优点，例如不必去写索引，因为你可以使用文字搜寻。当它实现时，它将是网际网路上免费教学的先驱。
为何这些是革命性的练习方法？要回答这个问题，你必须自己去阅读本书，并试试这些方法。在下一节中，我将尝试展示一些神奇的结果是如何达成的，并简略的解释它是如何做到的。首先，必须说明的是，我并不是这些方法的原创者。这些方法，在过去的200 多年由许许多多成功的钢琴家所发明。本书中的方法，主要是以Mlle. Yvonne Combe 的教学法为架构。她是我两个女儿的老师，教导她们成为优秀的钢琴家，并且获得钢琴竞赛的首奖，每年举办超
过10 场的独奏会，拥有绝对音感，现在她们正尝试着作曲。
其它部分，是我个人在网际网路上的研究，及一些文献的整理。我个人的贡献是，将这些资讯作有架构的整理，并提供一些解释，阐述它们为何这么有效。这些解释，对于这些方法是否能成功，有着关键性的影响。
钢琴，常被认为跟宗教一般：信、望、爱。信：如果你遵循大师级的老师所建议的步骤，你就会成功。望：练习，练习，不断的练习，你将到达彩虹的彼端。爱：牺牲、奉献，你将创造奇迹。而这本书是不同的- 除非学生能充分了解，为何这些方法是有效的，并且能符合他们的需求，否则它是不能被接受的。如何找到正确解释并不容易，因为你无法凭空杜撰（随意杜撰无法得到正确的解释。一个错误的解释，比没有解释还要糟糕）-你需要在这个领域有足够的经验与知
识，才能做出正确的解释。
提出正确的科学解释，会自动过滤掉一些不正确的练习方法。这或许可以解释，一些相当有经验的老师，他们所受的教育只局限于音乐，在解释一些练习方法时，常常会遇到困难－即使这些方法是正确的。对于一个正确的方法，给予错误的解释，往往会得到反效果。这会使学生产生混淆，并认为这些方法是错误的。这很容易让学生对老师丧失信心！我个人的教育及工作经验包括材料科学（金属、半导体、绝缘体）、光学、声波学、物理、电子、化学、科学报告（个人曾在主要的科学期刊发表超过100 篇的论文）等等，对于本书的撰写，都是极为珍贵的经验。由于，撰写这类书，需要广泛的知识基础，这或许可以解释，为何一直没有这类型的书。
那么，这些可能引起钢琴教育革命性改变的神奇方法是甚么呢？让我们先看看这个事实：我们看到钢琴演奏会上钢琴家演奏的曲子极为困难！看起来对他们来说却是易如反掌。他们是如何做到的？事实是，这些曲子对他们而言其实很容易。所以，许多在这里提到的学习技巧，都是「如何让困难变成容易」：不仅仅是容易，而且简单。这是藉由分手练习及缩短练习段落（有时可以短到一两个音符）来达成的。你无法找到比这个更简单的事了！技巧纯熟的钢琴家，能弹奏到不可思议的快！我们如何能达到如此快速的弹奏？简单！利用「和弦起音（chord attack）」-就是弹奏一个和弦（或是任何音符的组成），所有手指都同时压下，这是这一群音符弹奏到无限快的状况，既使对一个初学者也是一样。
当然，我们不需要弹奏比无限快更快〔请参阅1-II-11「平行组合（parallel set）」一节〕。虽然我创造「平行组合」这个名词，这只是「和弦（Chord）」的时髦说法（我使用「和弦」这个字，是采用比较宽松的定义：数个音同时被弹奏，都称为「和弦」）。然而，「平行组合」在这里比「和弦」更为贴切，因为它较能描述弹奏时手指如何运作（其关联就是，弹奏时，所有手指都是平行的弹下，其间并无时间上的落差），而「和弦」在音乐上有其较严谨的定义。将一些平行组合连接起来作音乐性的弹奏是需要练习的。至少我们有一个生物／物理上的程序来发展肌肉／神经上的连结，来做快速弹奏。在本书中，我将「平行组合」提升至较特殊的层次，一方面，它可以用来诊断你的技巧上的弱点，并且能解决这些弱点。也就是说，「平行组合」可以立即的解决你在主要技巧上不
足。「平行组合」的练习，不是像哈农与彻尔尼一般的手指练习；而是一个威力强大的工具，来让你获得技巧。总而言之，成功的关键因素在于，运用这些独创性的「学习技巧」，来解决特定的问题。
即使是利用本书中的技巧，你仍需要数百次的练习，有时会上万次，来熟练一些相当困难的曲子。譬如说，你练习一首贝多芬的奏鸣曲，以一半的速度弹奏（因为你才刚开始学习这一首），你需要一个小时将它弹奏一遍，弹奏一万遍，需要30 年的时间，也就是半辈子（如果你每天弹一个小时，每周
弹7 天）！显而易见，这不是学习一首奏鸣曲的方法，但是却有很多学生用类似的方法来学习。本书中所提到的方法，是先找出一首曲子中，你需要特别练习的段落，这些小段落，你可以用几秒钟的时间练习一次（例如用平行组合的练习方法），藉此，你可以在每天练习10 分钟，每周 5 天的情况下，数周内练习一万次（对于较简单的，你或能在数天内练成）。当然，这种说法有些过于单纯化，当许许多多的复杂因素加进来时，最终的结果也是相同的：好的练习方法，能够让你在数个月内获的绝佳的进展，反之，会让你终生无成（请参阅感谢函一节）。
本书中提到许多有效率的原则，例如，练习与背谱需同时进行。在练习时，你会重复弹奏许多次，而重复是背谱的最佳方法；因此，没有道理在练习时不去背谱。为了要去记忆相当庞大曲库，你必需时时学习记忆，这和你每天作弹奏技巧练习是一样的。如果你利用本书中的方法去练习，你会记得你所弹过的曲子，当然一些能够视奏的曲子除外。
这就是为何，本书不建议练习《哈农》及《彻尔尼》曲集。这些练习曲并不包含记忆与演奏的训练，而萧邦的练习曲是被推荐的。
不含演奏特质的练习，不仅浪费时间，而且会使你与生俱来的音乐性退化。一旦你有绝佳的背谱能力，你将拥有一般人认为天才型音乐家才拥有的天赋，例如，在没有钢琴的情况下，能在脑海中演奏，或是能将整首曲子默写下来。如果你能不看谱将整首曲子演奏出来，实在没有道理你不能将它写下来！这些能力不是用来作为炫耀的，而是能让你在演奏时不出错。即使像我们这种常人的记忆力，这些能力都是使用本书中方法的自然拥有的附带能力。有些学生，能够演奏一首曲子，却无法将它写下，这些学生只有记忆一部分，因此并未到达可以演奏
的阶段。许多钢琴家会因为无法背谱而感到沮丧。然而，他们所不知道的是，学习一首新曲子，会忘记旧曲子。
因此试图保有一个庞大的曲库不是件容易的事！基于此点，配合上本书中所述一步步导入永久记忆的方法，仍需一段长路来远离那些会沮丧的结果，重建信心，并建立自己的曲库。学生如果使用没有效率的方法，会花所有的时间在学习新曲上，因此无法建立一个完整记忆的曲库，所以演奏时，会遇到极度困难。他们总是惊讶于演奏这么的困难，但莫扎特却能随时坐下就能演奏。
序- 第三段
我们看到许多「建立基础技巧」的论述，对许多钢琴家而言，仍是不解之谜。这包含：弯曲着手指弹奏、弹音阶及琶音时拇指由下方穿过（Thumb Under)、手指的练习、在椅子上坐高一些、没有疼痛就没有进步、慢慢的增加弹奏速度，及充分的使用节拍器。我们不只解释这些迷思为何是有害的，而且也提出解决方案。这些是：手指伸平弹奏(Flat finger position)、拇指由上方跨过（Thumb Over)、平行组合、在椅子上坐低一些、完全避免弹错的方法，藉由了解「速度障碍(Speed wall)」来快速的提升速度，及了解使用节拍器的时机与好处。
另一个有用的例子是利用重力。手臂的重量不仅仅是让你能做均匀弹奏的重要参考（地心引力是一个固定的常数），而且是测试你是否充分放松的重要依据。在1-II-10节，我将做更基础的解释，为何钢琴是利用重力作为参考力量。放松是另一个例子，当我们做一个困难的肢体运动，例如弹奏一段困难的曲目，很自然的，我们的身体会紧绷起来。在这种情况下，试图让手指快速独立的弹奏，就像是双脚绑着橡皮筋做百米赛跑一般。如果你能充分放松，只使用到弹奏时所需要的肌肉，你就能很轻松的作快速的弹奏，且在长时间弹奏中也不至于出错。另一个例子是「速度障碍」。
甚么是速度障碍？有多少个速度障碍？速度障碍是如何形成的？及如何避免速度障碍。答案是：你企图去做一些不可能的事（自己造成速度障碍），基本上有无数个速度障碍，旦你可以透过正确的练习方法来避免速度障碍。避免速度障碍的一个方法是，藉由了解速度障碍的成因（紧张、不正确的指法或节拍、缺乏技巧、练习太快、太早练习合手，等等），一开始就避免造成速度障碍。另一
个方法是，利用平行组合的方法，由无限快将速度降低，而不是由低速度逐步的提高速度。如果你能一开始就用比速度障碍快的速度弹奏，那么当你将速度降低时，你将不会遇到速度障碍。
本书最重要的一个观点就是- 令人惊讶的，对几乎所有的人而言（除了少数绝顶聪明的人之外），最佳的练习方法，都是与直觉相反的
（counter-intuitive）。这是钢琴教育法中最重要的一点，这可以解释为何一些错误的练习方法，总是被学生使用，及被老师教授。若不是这些方法这么「与直觉相反」，那么本书似乎也没有存在的必要。所以，本书不仅告诉你该如何做，也告诉你甚么是不应该做的。这些告诉你甚么不应该做的章节，不是用来嘲讽那些错误的方法，而是学习过程中所必需的。我尚未找到一个统计上的解释，为何一些直觉上正确的练习方法，经常导致灾难。或许，弹钢琴是极其复杂的事，因此有许多的方法去做它，如果你只是依直觉随意去找一个简单且看起来是对的方法，那么你找到正确方法的机率近乎是零。底下是一些例子：
1.分手练习看起来是反直觉的，因为你需要左右手各练一次，然后练合手，所以你要练习三次；然而，只练习合手，你只需练一次。既然在最后的演奏时，你不会只有单手弹，那么为何要需要练习分手？本书中，约80% 都是在说明你为何需要分手练习。
分手练习是唯一能让你在无困难的情况下，快速的增加速度与控制力的方法。它能让你在无时无刻，以任何速度弹奏，而不会感到疲惫、肌肉紧张，或是受伤。这个方法是：单手练习。当你觉得疲惫时，就换手练。
换手练的时间掌握很重要，你必需确保休息的那只手，不至于变冷；若换手的时机掌握得好，休息的那只手仍会保持暖身、不疲惫，且可以随心所欲弹奏。分手练习可以让你尝试找到正确的「手的动作」去快速弹奏的唯一方法，而且它是学习放松最快的方法。
尝试用合手练习去学习技巧，是导致速度障碍、坏习惯、受伤、及肌肉紧张的元凶。所以，分手练习时，将速度练到比最终速度（校释：曲子的目标速度）还快是有益处的（事实上，这是必需的）；相反的，以过快的速度合手练习是有害的。但讽刺的是，在辛苦多年的分手练习后，它最终目标却是让你在学一首曲子时，能尽量减少分手练习的时间（甚至于不需要)。
2.合手慢慢弹，然后逐步增加速度。这是一般直觉的方法，但这却是最糟糕的方法，因为它会浪费相当多的时间，而且你尝试去训练你的手适应与最终弹奏速度不同的动作。有些学生会利用节拍器来配合慢慢提升速度，并保持旋律的流畅。这是非常不好的习惯。节拍器只能用来检验你的节奏（速度与旋律）。如果过度使用节拍器，会遇到许许多多的问题（这也是另一个「反直觉」的事实），例如丧失你内在的韵律感、丧失音乐性，甚至于让自己完全混淆。不仅将自己过度暴露在一个固定重复的音响中，这同时也是生物／物理学上的窘境（在这种环境中，你的脑子会尝试去数节拍器的响声）。因此，了解何时、如何及为何使用节拍器，是很重要的。了解在任何情况下，选择最佳的练习速度，是本书中很重要的一环。
快速弹奏的技巧，是透过「发现手部新的动作」来获得，不是单纯将慢速弹奏的动作加快，也就是说，快速弹奏时，手的动作与慢速弹奏时是截然不同的。这就是为何由慢速弹奏逐步增加速度会遇到速度障碍–因为你试图去做一件不可能的事。从慢速弹奏逐渐加速，就像要求一匹马用走的步伐到奔驰的速度–那是不可能的。马从走、快走、慢跑，然后到奔驰，都必须改变脚的动作。如果你要求马用走路的步伐达到慢跑的速度，它会遇到速度障碍，而经常导致受伤。
本书中讨论一些最重要的手部动作。由于人的手与脑的配合极其多样，因此不可能讨论所有的动作。多数的初学者不了解他们的手能够到达像演奏家般弹奏的境界。例如：在弹奏音阶时，你必须学习「滑奏(glissando motion)」的技巧，及如何运用拇指（这是最多功能的手指）–众所周知，没有拇指，就无法弹奏钢琴。本书中讨论许多基本的手指／手的动作，主要是教学生如何自己去发现、感觉一些手的新动作。
3.想要有精准的背谱及快速弹奏的能力，你必须慢速练习－既使你能轻易的快速弹奏一首曲子。慢速练习也是反直觉的，因为你总是在快速的演奏，那为何需要浪费时间做慢速的练习？既然在演奏时都是快速的，很自然的你会认为做快速的弹奏练习会帮助你记忆，及演奏的更好。但事实上是，做快速弹奏练习，不仅会伤害你的技巧，而且也不利于记忆。因此，在演奏会的当天，将演奏曲目做演奏速度的练习，通常会使自己在演奏会上表现不佳。
你听过多少次这样的抱怨：「今天上课时弹的糟透了，今天早上（或昨天）练习时，弹的好多了！」。因此，虽然本书大多是教你如何达到最终的演奏速度，但是适当的运用慢速练习，是达到强力记忆，以及在演奏时不出错的重要因子。慢速练习非常诡异，因为在你能做快速弹奏之前，你不可以做慢速练习。否则，你会不知道你在做慢速练习时，手的动作是否正确。这个问题可以透过分手练习来获得技巧及速度。因此，了解何时需要做慢速练习是很重要的。
4.多数人很难去记忆一首他们不会弹的曲子，所以一般人会先去将一首曲子弹熟，然后再去背谱。但是如果你先将谱背下来，然后从记忆中的谱去练习，你会节省相当多的时间（这里所指的是在技巧上较难，你无法直接视奏的曲子）。本书中也解释，为何先学习后记忆，很难将曲子记的很熟。且将终生为记忆这首曲子所困扰。所以好的背谱方法，必需整合在练习的过程中；背谱是必需的，不是多余的。
以上四个例子，应该可以给读者对于「反直觉」练习法一些概念。令人惊讶的是，大多数好的练习方法，都是与多数人的直觉相反的。很幸运的，钢琴天才们，看到直觉方法上的障碍，而发现这些更好的练习方法。
为何好的方法大都是反直觉的这件事，在钢琴学习上往往带来灾难？纵使学生们学到正确的练习方法（但从未没教导甚么是不能做的），都会慢慢的转变到一些直觉上正确的方法，因为他们的潜意识会不断告诉他们去用这些直觉的方法（这也正是「直觉方法」的定义）。当然，对老师而言也是这样，而家长们更是如此。所以，家长的介入，往往会带来反效果。这是家长们必需被告知的。
这就是为何本书一再强调直觉方法的误谬。也因此许多老师会排斥家长的介入，除非家长们也参加课程。大多数的学生，老师，家长都会自然而然的倾向直觉（错误）的方法。这是为何迄今人有许多错误方法存在，而学生需要一个好的老师与教科书的主因。
序- 第四段
大体上而言，钢琴老师可以分为三大类：（a）无法正确教学的私人教师，（b）相当优秀的私人钢琴教师，（c）在大学或艺术学校教授的老师。最后一群老师通常都相当优秀，因为他们的环境会让他们积极与他人沟通。他们能够很快的认知一
些不好的直觉方法，而去避免它们。不幸的是，在艺术学校的学生，通常都有相当程度，所以老师们不需要去教授基本的练习方法，所以初学者无法从这
些老师中获得什么。
在（a）群的老师，通常不需与别的钢琴教师沟通，因此大多倾向于使用直觉方法，这可以解释他们无法胜任教学的原因。如果选择那些有个人网站的老师，你可以去除掉多数不胜任的教师，因为至少他们愿意沟通。（b）与（c）群的老师，大多知悉这些正确的练习方法，但是很少人能完全知道，因为并没有标准化的教科书。另一方面，他们也知道许多方法的细节，但本书中并未提到。在（b）与（c）群的老师中，有一部分只收一定程度以上的学生。这导致大多数的初学者只能选择（a）群的老师，因此这些学生只能留在初学或是中等程度阶段，而不被（c）群的老师所接受。因此，绝大多数的学生放弃学琴，纵使他们有成为音乐家的天赋。进而导致一个错误的概念，学琴是劳碌终生而无用的。所以，被不好的老师所教导的学生，并不知道他们需要更好的老师。
所有的钢琴教师都应该使用教科书来解释练习方法，如此老师就不用花时间去解释练习方法的机制，而可以专注在音乐表现上，而这正是最需要教师的地方。家长们也需要去看教科书，因为家长特别容易掉入直觉方法的陷阱。
音乐与数学的关系非常紧密。很清楚的，音乐在许多方面是另一种型态的数学，许多伟大的作曲家发现并发扬这种关系：大多数的音乐理论可以用数学方法来表示。许多作曲的基本规则可以用数学的群组理论来解释。合声是最简单的数学原理，合声是从半音阶而来，而半音阶可以用对数方程式呈现。所有的音阶都是由半音音阶所组成，渐进和弦是这些半音阶组合的最简单形式。
我举出一些用数学来解释一些名曲的具体的例子（参阅1.4.4节），并在1.4节中讨论包含未来音乐研究（以数学或其它方式）的所有课题。当然，音乐不是数学！音乐是一种艺术，在1.3.7.1节中将有所讨论。数学是一种定量的描述方法，因此，在音乐中的任何元素都可以被量化（例如：拍子记号，主题结构等等），且用数学方式呈现。纵使数学对于艺术家而言不是必需，但数学与音乐的关系密不可分。了解两者之间的关系，对学习相当有帮助（就如许多伟大作曲家所论证），当数学逐渐接近音乐，而且艺术家们学习如何利用数学，这种关系就更有益处。太多钢琴家会忽略钢琴如何运作，及调音的意义，或音质调整是怎么回事。这很
令人讶异，因为钢琴的维护直接影响到，（1）音乐表现上的能力，（2）技巧上的发展。许多的音乐会演奏家，不了解平均律（well temperament）与均分律（equal temperament）的差异，然而，在他们演奏的曲子中（例如巴哈），通常需要使用其中一种或另外一种。当使用数位钢琴，或是更高品质的钢琴（平台钢琴时），如何认知钢琴的品质，对钢琴家而言相当重要。因此本书中包含一个章节，来讨论如何调音。
身为一个科学家，我常为如何对「科学」下定义而感到苦恼，并且为此与其他的科学家或非科学家争辩。由于科学的研究方法是本书的基础，我在本书「科学方法」一章中说明了一些对于「科学」的误解。科学不是一些天才的理论世界，它是让我们的生活简单化的最佳工具。因此在第三章中，我讨论了以科学达到这个目的的基本方法。我们需要天才来发展科学，一旦科学逐步发展，我们便能从中获得益处。
音乐是一种艺术。而艺术是一种使用大脑的捷径，藉由它，我们可以达到无法由其它方式来表达的意念。科学分析只能运用在最简单层次的音乐上：是科学支援艺术。但是两者你都需要！去假设「科学会取代艺术」的想法是错误的，另一方面，如果你认为只需要艺术来学琴，那也是不对的。从历史来看，李斯特或许只有用纯艺术的观点来发展钢琴的练习。那是由于他卓越的天赋，他可以利用艺术的捷径来成就他的技巧。然而，当他获得技巧时，他无法据以教授他的学生，他只能示范给他们看（参阅Fay 及Jaynes 的著作）。而今天，我们有更好的教学系统。
因为我们需要科学与艺术，显然的艺术是最重要的成分，本书的目的是希望仅用10% 的时间来获得演奏技巧，而用90% 的时间来追求音乐表现。这种练习时间的比例，事实上是让你以最快的速度来获得技巧，因为只有在弹奏乐曲时，你能真正去练习音乐性的指法（节奏、控制、音色、音乐表现、速度等等），（这又是一个反直觉的例子）。因此一直练习困难的曲目，不是获得技巧的最快方式。也就是说，技巧与音乐性是密不可分的。这个练习时间比例，是「不要弹奏超越你技巧程度太多的曲子」的最佳例证。
总而言之，本书在钢琴教学法的历史上是绝无仅有的，并对钢琴教学带来革命性的影响。令人惊讶的是，本书中，基础上属于全新论点的部分非常
少。本书中的方法，是历来的钢琴大师们所发明的，且一再被遗忘及再发明。历来的钢琴家们，耗费许多时间与精力及无止尽的指法练习在发明这些架构，这使得想象力逐渐消散。如果本书中的知识，能在学生第一天学琴开始就让他们知道，我是在引进钢琴学习的全新年代
序- 第五段
本书是我个人对这个社会的礼物，翻译者也贡献他们宝贵的时间。据此，我们开创了以网际网路为基础的免费教育，我们希望将来这种趋势能谓为风潮。毫无疑问的，教育可以是免费的。这种革命似乎会让钢琴教师面临工作危机，但是透过钢琴学习方法的改进，弹钢琴会变得更加普及，因此钢琴教师的需求将会更增加。所以学习方法的改进，将使每一个人受益。很明显的，钢琴教师的教学方法不能再一成不变–他们必须广纳新知，以教育现今越来越好的学生。这个学习方法带来的经济冲击是非常庞大的。这个网站在1999 年夏天成立。从那时候开始至2002 年，我推估约有10,000 个学生学习了这个方法。我们假设，这10,000 个认真的学生每周可以节省 5 个小时的练琴时间，而且他们每年练习40 周，每个小时值美金 5 元，那每年可以节省： 5 （每周 5 小时）x 40 （每年40 周）x 5 （每小时 5 美
元）x 10,000 （学生）= 10,000,000 美元
在2002 年这个数目将会逐年增加，每年一千万美元只是学生所省下的金额，而我们才刚开始。无论何时引进科学方法，导致效率的跃进，在历史上都是繁盛的年代，它似乎是无可限量的，而且使每个人都受益：在这里，大多是学生、家长、老师、钢琴技师，及钢琴制造商。你无法阻止进步。就如数位钢琴永远不需调音，很快的，传统钢琴也将不需调音，例如利用钢琴弦的热膨胀效应，加上电子控制来自动调音（参考本页）。事实上，大多数的家用钢琴，在多数时候，音都是不准的，因为当调音师离开你家的那一刻起，音准就随着时间变化，且音准也会随温度与湿度变化。在未来，你只要按下一个开关，钢琴将在几秒内自动调音完毕。这种装置在大量生产时，它的成本对一部中上等级的钢琴而言，将是很小的一部分。
你或许会认为调音师们会因此而失业，但这是不会发生的，因为钢琴的数目将因而增加，自动调音系统也需要维修，经常做音槌重整（这是大多数人会忽略
的）也将会使钢琴的音乐表现大幅提升。这种高阶的钢琴维护，将随着高阶钢琴家人数的增加而增多。这些钢琴的音色，就如在音乐会中所听到的一般。你或许会突然发现，是钢琴限制了你的技巧以及音乐表现（磨损的音槌，一定会造成影响），而不是你自己。要不然，你认为为何钢琴演奏家对于钢琴会如此神经质的挑剔？
这本书，不是终点–而只是个起点。毫无疑问的，对于练习方法的进一步研究，将促使不断的进步，这是科学方法的必然结果。它将保证我们不会再遗漏任何有用的资讯，我们将一直向前迈进，既使是不好的老师，他们也将分享与顶尖老师一样的资讯。对于我们在获得技巧上、生物上有甚么变化，以及大脑如何做音乐的进化（特别是婴儿），我们仍一无所知。如果我们能了解这些关联，我们就能直接去获得技巧，而不是练习10,000 次。在巴哈时期，钢琴教学还是在被阻碍的发展阶段；现在，我们希望能将钢琴从多数人遥不可及的梦想，变成多数人可以引以为乐的艺术
第一章：钢琴技巧
1 技巧
1-1 目的
1-2 什么是钢琴技巧
1-3 技巧与音乐
1-4 基本方法，诠释，音乐训练，绝对音感
1-1 目的
本书的目的是呈现已知的最佳钢琴练习法。对学生而言，知道这些方法意谓着减少学习的时间（而这在人生中占有相当的比例），进而增加学习音乐表现的时间，而不是在学习技巧中挣扎。许多学生几乎耗尽所有时间在学习新的曲目，这个过程极其冗长，导致没有时间来琢磨曲子的音乐表现。这种状况是获得技巧的最大障碍，因为音乐表现是获得技巧的最快途径。本书的目的是加速学习的过程，用10%的时间来学习，90%的时间来做音乐表现，如此可以将技巧发展极大化。从大方向来看，10%的时间几乎是可以忽略的–因此，当我们约略可以作音乐表现时，就应着手做音乐性的练习。
在这里，我们对于「学一首曲子」的定义是：能够以相当的速度弹奏，并能背谱。有些人会认为，「获得弹奏一首曲所需的技巧」与「学一首曲子」是相同的。从教育学的观点对「技巧」作更严谨的定义：「作音乐性弹奏的能力」，是有帮助的。对于「技巧」，我们将在下面作详细的探讨。如此定义的原因是，我们如何练习才能在观众前演奏？例如，上课时在老师面前弹奏。大多数的学生，在自己练习时，都能弹得相当好，但是一旦在人前演奏，总是弹得很糟糕。他们总会抱怨是由于紧张的关系，但其实这是一个更基本的问题：是因为不当的练习方法所致。如果我们认为这些练习方法是有效的，那么我们应该能很自然的演奏，而不至于紧张。而这些关键就是–获得技巧。
关于这一点，你应该会问，「怎么会这么简单？」。试想一个学生，比起在演奏会演奏，在老师家上课，应该容易多了。这个原因是，你每个星期都会练习在老师面前弹奏一次。很显然的，如果你练习，你就会做的好。本书其余的部分就是在教你如何在练习时就跟演奏一样。你必须尽快的学会如何做具有音乐表现的演奏，以获取技巧。
I-2 什么是钢琴技巧？
我们必须了解技巧真正的涵义，我们才能避免不正确的练习方法。更重要的是，正确的认知，可以让我们发展出绝佳的练习方法。最常见的误解是：技巧，就是手指灵活的天赋。事实上非如此！技巧纯熟的钢琴家与一般浮生大众，两者天生的手指灵活度其实没有太大差异。也就是说，任何人都能弹好钢琴。有许多例子显示，既使是心智障碍的人，仍能展现绝佳的音乐才能。不幸的是，我们这些有着更灵巧双手的人，在音乐路上却走得颠簸不堪，这是因为我们缺乏一些基本、却关键的信息。获得技巧，是脑与神经的发展过程，而不是手指肌肉的运动与力道的训练。
技巧是能弹奏无数钢琴乐句的能力，因此它不是单纯的手指灵活，而是许多技能的总合。获得技巧的课题，简而言之，就是解决如何在短时间内学会这么多种不同的技能。令人惊讶的是，透过正确的练习方法，钢琴技巧确实可以在短时间内获得，这也是本书的重点所在。这些技巧是透过两个阶段来完成：（1）先找出手指，手掌，手臂等等，如何运作。（2）运用肌肉、神经的控制来轻易地执行这些动作。第二阶段是着重在「控制」，而不是力道与耐力。许多学生认为，
钢琴练习就是数小时的手指体操练习，因为他们从未被告知技巧的真正定义。事实上，当你在学习钢琴时，你是在发展你的大脑；获取技巧，是发展更快速的身经连结过程，产生更多能控制手指动作及记忆的脑细胞，及「说音乐语言」。事实上，你是在使自己变的更聪明，让自己的记忆力更好，这也是为何学钢琴有这么多益处，例如增加抗压性及记性。这也是为何，背谱与技巧是密不可分的。
上述的定义告诉我们，一旦你学了一个曲子或技巧，例如音阶，一再重复的练习不能增进你的技巧，只是浪费时间。我们必需了解自己，并发现与获取正确的技巧。对一般大众而言，这似乎是不可能的任务，除非从孩提时，就决定投入一辈子的时间达成。纵使如此，很多人还是不能成功。为甚么需要花一辈子的时间？是因为缺乏适当的指引。钢琴家们必须自己不断尝试摸索正确的动作。例如，当你在练习一段非常困难的曲子，你的手意外找到一个可以弹奏的动作，这种可能性很低。如果你运气不好的话，你永远找不到正确的动作，而卡在那里，这种现象称为「速度障碍」。绝大多数的初学者，对于手指、手，以及手臂的复杂动作没有概念。很幸运地，过往的天才们已经发现许多有效的练习方法，否则他们不可能成为如此成功的演奏家。
另一个关于技巧的误解是：一旦你的手指达到某个技巧程度，你就能弹奏任何作品。任何新的曲目都是挑战，它们都需要重新学习。钢琴家们似乎能弹奏任何东西，是因为（1）你知道的曲子他们几乎都弹过，（2）他们知道如何快速的去学习一首新曲子。因此，乍看之下，获得技巧是令人怯步的工作，因为钢琴曲目几乎是无止尽的–我们怎么可能全部都学会呢？这个问题大部分已经被解决了：我们可以将曲子做不同的分类，例如音阶，这是常常出现的，如果你知道如何弹奏音阶，你已经涵盖了很多曲子的部分。但更重要的是，解决不同的问题，需要不同的方法–这些方法是本书最主要的课题。
我们将讨论一些重要的方法，它们是一些学习的诀窍，能让你以一个通用步骤，来获得绝大多数曲子中的困难技巧。这些诀窍，是让你以最快的速度，找到弹奏困难曲子时，手、手指、手臂…等应该有的动作。有两个原因你需要自己去找出这些动作：首先，因为有太多不同的曲子，弹奏他们的方法不可能一一在此列出。再则，每个人的需求都是不同的，本书中的规则只是一个起点，让每个人据此去找到个人适合的方法。确实了解本书的内容，不仅能立即增加学习速度，
并且能随着技巧的累积增加，使学习速度加速累进。这种加速的程度，会决定你何时能成为一个钢琴家。
很不幸的，许多私人钢琴教师，他们并没有跟一些音乐教育机构有所联系，所以他们并不知道这些方法，而他们却是大多数初学者的教师。另一个极端现象是，许多钢琴大师及教授的著作，都在讨论高阶的音乐表现，而不是如何去获得基础技巧。这也是我写这本书的主因。
I-3 技巧与音乐
虽然，精确的定义音乐不容易，但我们可以讨论如何做音乐性的演奏，就如本书中所讨论的。技巧与音乐的关系，决定了获取技巧的练习方法。技巧是表现音乐所必需的，所以，我们必须作有音乐性的练习。如果我们在练习时，只是专注于手指技巧，而忽略音乐性的练习，我们会养成缺乏音乐性弹奏的怀习惯。但这有一个吊诡的地方，当我们在练习技巧时，表示我们缺乏这些技巧，那如何做音乐表现呢？这种情况下，又如何要求学生作音乐性的练习？当然，还是要从不具音乐性开始。错误通常是从学生老是忘记当他们已经可以将音乐性加入练习时却忘了加入开始的。一个常见的症状就是，当老师或其他人在旁边时，总是弹得一踏胡涂！当有听众在旁边时，他们总是会在一些地方弹错，而在练习时却不会发生。这是因为，学生在练习时，并没有注意音乐性的问题，但当老师坐在旁边，他们却要在这个时候把音乐性加入。不幸的是，当上课结束时，他们还是做不到。
在音乐与技巧间，还有一个更基本的问题。钢琴教师们知道学生必须作有音乐性的练习，来学会技巧。但是在弹奏的机制中，耳朵与大脑要如何配合呢？技巧与音乐性都需要精确性的控制。事实上，所有的技巧缺失，都可以在音乐中测出。至少，音乐是检验技巧是否正确的最佳方法。在本书中，我们将看到更多了解释，为何不能音乐与技巧分开。纵然如此，当没有人在旁边时，学生通常会倾向于做无音乐性的机械化练习。这样的练习，对于技巧学习相当不利，常会造成「琴房中的钢琴家」：他们喜欢弹琴，但是却无法演奏！一旦你成为琴房中的钢琴家，在心理上，是很难扭转回来的。如果学生一开始就被教导做音乐性的练习，这种问题几乎是不会存在。练习与演奏根本就是同一件事。本书中，我们提出许
多建议，如何去练习演奏，例如，从开始学琴时，就学习在练习时录像。但是，最重要的观念还是：作有音乐性的练习。
为何「较慢速的音乐性弹奏」，会比「较快速的练习」能更有效率的增加速度？这有 3 个主要的原因：第一，两者都需要精确的控制力。第二，当慢速弹奏时，你可以避免肌肉紧张以及养成坏习惯。第三，慢速练习时，你可以将注意力集中在手的动作、放松…等等。以上这些因素，组合起来称为「快速弹奏退化症候群」。这种症状是，有一天你突然没有办法弹得很好，怎么弹都不满意，尽管你在昨天或前几天能弹得又快又好。当然，学习快速弹奏的方法也很重要。这里，我们也会做详尽讨论。明智的选择练习速度，在快速与慢速练习间转换，能使你的练习效率更佳。
I-4 基本方法，诠释，音乐训练，绝对音感
教导学生做音乐性的演奏与练习时，老师扮演着关键性的角色。关于音乐性，这里有几个基本却有用的原则。例如：很多作品，开始与结束会用同一个和弦，这看似神秘的规则，其实只是和弦进行的规则。了解和弦的进行规则，对于背谱会有相当帮助。一个乐句的开始与结束，通常会使用较弱的音，中间则使用较强的音，这是一个很好的原则。很多书都有讨论音乐的诠释（参阅 Gieseking, 及Sandor 的著作），在本书中，我也将有所讨论。很显然的，音乐理论、相对与绝对音感…等等，对于钢琴家相当有帮助。
音乐训练对于小朋友有相当帮助。大多数的小朋友如果经常处在音准的钢琴音响环境中，很自然的就会发展出绝对音感–这并非超乎寻常。没有人天生就有绝对音感，这是后天学习而来的（音阶中每一个音的频率是人类制定出来的，自然界没有任何定律规定中央 A 必需是440Hz ）。如果绝对音感没有持续的练习维持，也会逐渐丧失。钢琴训练，可以在儿童3、4岁时就开始。婴儿从出生起，就处于古典音乐的环境中，是相当有帮助的，因为古典音乐是所有音乐型态中，最复杂，也最具有深度与广度的。有些流行音乐，过度集中在一些狭窄的内涵，例如音响、简单的音乐结构，这些并不会激发大脑的音乐性，反而会使大脑的发展与音乐渐行渐远。
人，不需要特殊的天赋来弹好钢琴。虽然作曲是需要一些天赋，但是动动手指来弹钢琴，并不需要音乐性的大脑。事实上，大多数人都拥有相当的音乐性，
只是我们缺乏技巧来做出音乐表现。我们都曾听不同演奏家的演奏，而且能指出其间的差异–这种音乐敏感度，便足够弹钢琴所需。每天练习 8 小时不是必需的，许多成名的钢琴家，建议一天只要练习 1 小时。每周练习 3～4次，每次 1 小时，就能维持进步。当然，如果你多一些练习，就会进步较快。
本书中一个很重要的课题就是「放松」。当你学会在弹琴时完全放松，那是甚么样的感觉呢？首先，速度不再是问题，不只是速度的掌握不再那么困难，而是音乐本身就会给一个速度的极限，当你在遇到速度的困难前，音乐本身就会限制住速度。你会感觉到，手指似乎想要弹的更快，而你必须将他们拉一些回来。你具备了「寂静的手（quiet hand）」：当你的手指飞快弹奏时，你的手却只有极小的动作。甚至你可以弹奏相当困难的曲子，且你的手好像是放在钢琴上休息，疲惫也会逐渐消失。值得一提的是，放松，是仅就身体而言，大脑一直都专注在音乐上，当练习时也是一样。所以，无意识的机械化练习，例如哈农（Hanon）的练习曲，对于大脑音乐性的发展相当不利。如果你在练习时，不培养大脑的音乐性，大脑会对于演奏感到麻木，你会像个机械人一样演奏。这种情形是造成演奏时紧张的成因，没有周全的准备，你知道成功的机会是渺茫的。
最后，完整的音乐教育〔音阶、拍子、听写、听力训练（包含绝对音感）、音乐理论等等）应当包含在学琴的课程中，因为这些课程是相辅相成的。在最终的分析中显示，完整的音乐教育，是学好钢琴的不二法门。但是大多数有企图心的学琴者，并没有这样的资源与时间。本书的目的就是，让学生有个起点，如何快速的获取技巧，然后他们可以再考虑其它的课程。统计上显示，钢琴弹得好的学生，最后都会尝试作曲。往后再来学习这些音乐理论，是不可行的，例如：随着年龄的增加，绝对音感的训练就越难，请参阅 1-III-12 节。另一方面，学习作曲理论，并不是作曲所必需的。许多音乐家，并不赞同在开始尝试作曲前去学习作曲理论，因为这样不利于建立自我风格。
这本书中，这些独特的方法是甚么呢？
1.它不像一些旧有的方法，需要学生全心投入，甚至改变生活型态来符合练琴需要。本书中的方法是提供一些工具，让学生藉由一些步骤来达到特定的目标。如果这些方法是有效的，他们就不需终生的盲目崇拜来达到精通的程度。
有关钢琴的基础知识 键盘与音符： 牢记中央七个音符的位置。 手指符号： 手指用汉字的一二三四五来标示 钢琴弹奏时的坐姿和手的状态： 坐姿1 坐姿2 钢琴的基本练法: （1）钢琴的基本练法就是慢练。 慢练尤如"大镜"，把乐曲中的一切细节都扩大了。慢练的最大优点是来得及根据视觉，听觉得到的反馈信息调整和修正缺点和毛病。慢练的方法之一是用节拍器。即使在作品练习成熟之后，也不应忽视适当得慢速练习。 （2）有计划、有目的地学习： 冰冻三尺，非一日之寒。练钢琴需要的是持之以恒的态度。钢琴曲目繁多、演奏技法多样。初学者应制定一个远期学习目标和近期学习计划，从基础着手，循序渐进地学习，才能目的。 （3）以良好的心态学习钢琴： 学琴过程中，可能会遇到情绪起伏不的情况。应调节情绪，适当减轻学习难度，充分激发学琴兴趣、缓解学琴紧张感。 钢琴弹奏中自然重量的运用: 关于自然重量的运用的要求是整只手臂的放松自如，从肩部的舒展下垂，到整个手臂的协调下垂，通过放松灵活的手腕调节，然后由手指把手臂重量传入键盘。 （1）：认识体会到手臂的自然重量
以前倾上身的坐姿，把两只手臂完全放松地垂下去。此时手臂好像是从肩部自然垂挂下来的物体。在空气中随意摆动，晃动，而血都涌向了手掌，通向了指尖。体会到手臂的自然重量后，我们就要把这个自然重量用到弹琴上去。接下来手指就要发挥它的功能和作用了。 （2）：手指要承受并支撑整只手臂的重量 手指的三个小关节微微凸起，尤其是处于手掌部位的指根关节（以下简称"掌关节"）必须要作为一个力量的支持点。手臂的自然重量落下来，要求每一个手指都能支撑住。我们用断奏入门的方法练习：先分别一个手指一个手指地在钢琴上站好，结合手臂的自然重量。经过一个阶段，在每个手指都能自如地弹出饱满的声音后，再渐渐进入连奏的练习。进一步我们就可以调节重量的轻重 弹奏钢琴时身体的协调: 身体的的协调牵涉到钢琴弹奏的基本坐姿和体位等方面，开始就要明确，随着程序的深化，又要不断发展和更好地运用。 （1）保证身体协调的根本： 保证身体协调的根本是根据自己的身体条件进行调节正确合理的坐姿。随着程度的提高，对力度、速度、音乐情绪和色彩的变化提出了越来越多的要求，所以身体的参与和调节也越来越重要。 （2）坐姿的基本要求： 臀部要稳定而固定地坐在琴凳中部，为了便于灵活用力，不要坐满，坐一半即可。而且为了照顾到高低音，要坐在钢琴中部，不要随意挪动，而两条腿放在踏板两旁，在强奏时左腿可后撤作为全身力量支点。这是坐姿的基本要求。 （3）身体的左右调节： 身体的左右调节主要依据音的高低。以音阶为例，弱低音区时，身体重心放到左腿方面去；弹中音区时，身体重心两面摆平；弹到高音时，身体重心侧往右腿方面。 （4）身体的前后调节： 身体的前后调节可以根据音量的大小、力量的强弱来确定。一般规律是，较弱的力度时，身体可处在较正的位置，力度越强，身体可越向前倾一些。整个身体臆后活动的范围以坐直为基准，随音量加大而逐渐前倾。反之，随着音量减小从前倾的位置逐渐回到身体的坐直位置。前后调节，应是灵活、协调，并随时变化的。 手指的能力与训练： （1）手指的能力： 手指的能力是指每个手指是否有独立活动的能力，是否灵活和有力。表现在弹奏上则是清晰度、均匀度和流畅度。 （2）手指的训练： A：指根关节练习 训练应从指根关节入手，即掌关节的主动性和灵活性。一般来说，在结束断奏练习进入连奏的训练后，就应明确：连奏时每个手指都要主动，绝对不允许在连奏中每弹一个音手腕往下压一次。 B:"快下放松"--手指能力练习 在经过一个阶段，就可通过音阶、哈农等练习，来专门训练手指的独立性和能力。练习方法，简称"快下放松"。如图1练习
第二单元高音F-A-C-E 一、学习高音谱表上的间课程P22 1、间上的跳跃伴奏CD18-19 （1）复习跳进,引入新的音C、E（高音区） （2）踏板的使用（可以引用摩天轮的游戏 （3）左手跨越演奏 （4）强弱的对比（让小朋友们用身体部位感受强弱，比如:拍拍肩或拍拍腿） （5)小游戏:找三个小朋友分别代表F、A、C三个音，来共同演唱谱子 2、间上小行星课程P23 （1）在书本上完成间到间的跳进音符，标出FACE（运用提问、抢答、上黑板写的方式）（2）符干的使用（符头在三线以上符干朝下；反之，符干朝上） 3.我的宇宙飞船没有雨技巧P14 （1）复习“技巧秘诀“：圆圆的手型 （2）复习跳进与级进 （3）强弱 （4）左手跨越演奏 二、你来完成乐曲 1、中场休息课程P24伴奏CD20-21 a、结合图片，帮助小朋友理解所学乐曲的情感表达 （1）反复记号的使用 （2）相同相邻音连线第二个音不弹只保持实值 （3）双音连线 （4）跳音（教小朋友啄木鸟的弹跳音方法） （5）复习四分休止符 (6）唱谱(左右手分开演唱） (7)练习弹奏（也可找小朋友和老师一起弹奏） 注意：强弱问题，乐曲完成后小朋友试着将乐曲移到G五指音阶上弹奏 （很重要，锻炼孩子的动脑能力） 2、你来完成乐曲！加油，加油！课程P25 （1）画小节线（老师唱谱，小朋友数拍子，每四拍停一次） （2）加跳音记号 （3）标出音名 （4）弹奏
三、手指移位练习 1、孤独的松树课程P26伴奏CD22-23 （1）相同相邻音连线的使用 （2）手指移位 （3）强弱对比 （4）弹奏练习 注意：可以让小朋友们在松树上画上小鸟 2、在松树上（主要练习手腕轻轻抬起）技巧P15 （1）保持圆圆的手型 （2）强弱对比 （3）速度标记的使用（渐慢） （4）高八度标记 （5）全曲踩延音踏板演奏 注意：右手用大指支撑三指弹奏 四、新的力度标记（mp中弱） 1、我爱唱歌课程P27伴奏CD24-25（1）跳音 （2）相同相邻音连线 （3）力度标记（用小喇叭来区分强弱，开口越大越强，开口越小越弱） （4）休止符 （5）反复记号 （6）将曲子移到G五指音阶上弹奏 2、钟表商店技巧P16-17 （1）力度标记 （2）找出乐句反复的地方 （3）跳音和连线的不同演奏方法 （4）复习休止符
钢琴入门：汤普森简易钢琴教程
钢琴入门教程：小汤（汤普森简易钢琴教程》 《小汤》的学习目的是：通过对中央C附近的音符进行反复认音练习，掌握五线谱基础知识，并将线谱与键盘有机地联系起来；通过数拍子，培养正确的节奏感。为下一步的学习打下一个良好的基础 第一册涵盖的音域有意识地作了限制。只介绍中央C以上的五个音和以下的五个音，时值也从全音符到四分音符为止，不再扩展，这样就有可能包括许多以复习形式出现的曲例，不必另找补充教材。总之，本教程的每一册课本都保持各自的完整性，都有各自的书写练习、视谱练习和复习曲目，在以后的各册中还将增加技巧练习。 伴奏： 书中大部分曲例，配有供教师和家长用的伴奏谱。它们都经过精心的创作，使那些简易的小曲听起来尽可能像结构庞大的乐曲的片断。这样做有很多好处，不仅有可能用不同的调弹奏，避免总是徘徊在C大调上，令人生厌；而且可以用自己严格的速度和鲜明的节奏对学生施加影响，特别是他们在弹奏中带有充满活力的节拍重庆，能使学生一开始就“感觉”到节奏的存在。 第一册：《约翰.汤普森简易钢琴教程一》 A 音符节奏：(图 1) （图2） B 音域：中央C为中心，上下五个音（见图2） C 节拍：4/4 、2/4、 3/4 D 调性：C调 重点：主要以认识五线谱、手指编号，一拍二拍三拍四拍音符组合。 《小汤1》： 1.严格地只在白键上弹奏。 2.在附点前较早引入了切分节奏（《雷格泰姆舞》、《弗吉尼，我的故乡》、《摘棉花的老人》、《我的忧愁谁知道》） 3.三拍子的巧妙进入。《小矮人进行曲》紧接《小矮人舞曲》。 4.逐渐增加手指数量。 第一学时
内容：从钢琴键盘至练习题 本课时的知识点：1.音名、五线谱、全音符、二分音符、四分音符、中央C 2.钢琴键盘、基本弹奏姿势、基本手型 本课时的重点：1.中央C在五线谱与钢琴键盘上的位置、四个音符的不同形状及时值 2.正确手型中手指支撑与手腕放松的平衡感觉 本课时的难点：1.音符时值在弹奏中的把握、唱名与音名的本质区别 2.大指弹奏中央C的正确手型 练习把握：1.反复确认键盘上中央C在高音谱表与低音谱表上的不同位 置、 2.四个音符长短时值的练习：我采用一个比喻方法，叫数苹果法，具体做法是，在一个相同距离内（比如学生放在钢琴上的书的长短为例）学生拍一下，嘴数一拍，节拍器响一次等于手拍一下的时间，而我就告诉他们，拍一次一个苹果。这个方法对于年龄小（4-5周岁，下同）的初学学生掌握拍子、用节拍器练习节奏非常适用。 3.大指弹奏中央C时虎口的开度、手指支撑时力的均衡。 时间安排：各年龄段不同，我这里以年龄小的学生为例。开始每天以15-20分钟为基点，然后循序渐进逐步增加时间。 第二学时 学习内容：火车、玛丽有只小羔羊、海军工兵、伞兵。注：1.年龄小的学生，可把内容分为两次上课和练习。2.根据学生的心里特点，老师可把课本内容顺序做一定调整，便于学生集中学习和记忆。 知识点：1.高音谱表D、E音名的位置、低音谱表B、A音名的位置 2.键盘上D、E、B、A的位置 3.左右手2、3手指在键盘上的站立练习 4.曲子四拍子、三拍子中强拍的弹奏 重点：1.高音谱表、低音谱表中新学音名的位置 2.键盘上新学音名位置的确认
第二单元移调 一、冰淇淋，更多冰淇淋课程P24伴奏CD14-17 1、用C五指音阶弹奏《冰淇淋》（提醒学生一定要注意指法） 2、用G五指音阶弹奏《更多冰淇淋》 （会跳舞的大指：可在琴盖上练习，用大指轻松的做跳起运动）游戏：①讲解一下两首曲子的每个音的音程关系 ②老师随意说出C五指音阶中的音，让学生找出在G指 音阶上对应的音。 ③或者在地上画出五线谱，让两位同学分别代表C音和 G音，指音阶上两个相同的音，让两位同学同时移动， 感受移调的规律。 3、技巧秘诀：快速运动的手指（可在琴盖上练习）技巧P5 4、移调：《海顿的右手音型》、《海顿的左手音型》 用不同调弹奏相同的音乐，这时音名变了，但音程关系仍保 持不变。（一定要不断提醒学生，移调后，旋律听起来和原 来一样。）技巧P12 二、海顿主题课程P25伴奏CD18-19 1、在练习熟练后，可自己将G五指音阶改成C五指音阶练习。 2、标记出主和弦、属七和弦，提示学生音乐的最后一定是落在 主和弦上。
三、乐理：海顿主题的移调练习课程P26 1、标出书中谱例上的音程类别。 2、将其移调到C或G五指音阶。 游戏：在做游戏之前，教师可在黑板上带他们进行练习。例如：教师随意说两个音，学生做出反应，如果是三度，就向前 走三下。以此类推。 四、听觉训练课程P27 1、学生闭上眼睛，听老师弹奏巴赫、贝多芬和勃拉姆斯的旋律。 2、按照书本的谱例，老师先弹一首曲子，随后再将其移调，让 学生听是否相同，并在书中圈出正确的答案。 五、我的白日梦课程P28-29伴奏CD20-21 1、用手腕画彩虹（画彩虹的动作能让手很优雅的在琴键上运动） （1）用右手的3指在中央C上弹奏。 （2）手腕慢慢向上抬起，轻轻落在高音方向的每个C音上。 （3）用左手的3指反复练习，重复上面的动作。 2、用手腕画半圆 用354指进行练习（注意教师要带领学生进行手腕力量转 移的训练），可一边练习一边让学生有节奏地说出“画-圆-圈” 3、乐曲练习《我的白日梦》 （1）手指移位至G五指音阶。
五线谱钢琴基础教程（1） 基础 篇 1 键盘知识中央C 五线谱入门线上线间八度 2 线上音符线间音符白键7个音符 3 （一）你用的键盘乐器 无论你是拥有一个真正的钢琴，还是一个电钢琴、电子琴或风琴，这里的教程都会教你认识键盘，弹奏五线谱曲子，并学习基本的五线谱知识。 简单说来，钢琴的学习包括认识键盘，将手放到合适的位置，如何控制运用你的手指，如何用双手而不是单单右手来共同弹奏，当然还有如何看懂五线谱钢琴曲谱。 你是用哪种键盘乐器来学习的呢？一共有多少个键盘？我建议你最好使用有61个键盘的那种。如果你的键盘有重力感觉（垂重感键盘）的就更好了，就更接近真实钢琴的机械装置和触感。一般来说简易低档的电子琴的键盘没有重力感设计，键盘的按下时没有什么阻力（比较真实的钢琴键盘就会知 道）。 （二）白键盘黑键盘从哪里开始呢？ 看到键盘可能一开始会迷惑：这么多的键盘---88个键我如何能记住呢？
不过你很快就可以总结出黑键的分布规律：即三个黑键和两个黑键规律性的排列，而且间隔是完 全一样的。 你还会发现上图的白键上有规律的标出绿色的字母C，这个C是出现在两个黑键左面的白键上的。至于这个为何叫C以后会详细介绍。另一个你要注意记忆的是键盘中央的C位置，既所谓的中央C。这是一个需要牢记的位置，你以后会发现这个标志性的C的很多意义。而下面的中央C位置是真实钢琴的 键盘位置。 （三）钢琴键盘的分组五线谱基本要素
上图最上面的就是你经常看到的钢琴的五线谱，中间那个空心圆在短横线的位置---线间就是中央C。这个中央C位置是你弹奏任何一个钢琴曲子都要参考的键盘。 五线谱是记录音乐的一种语言，就象英语、汉语一样，它同样有自己的规则，告诉你弹什么和如何弹奏。最明显的特征就是左端的谱号形式-----高音谱号和低音谱号一起成联合谱表，这是一个标准的钢琴五线谱形式。音符（后面还要讲）在线间或线上。 将中央C的一组白色键盘灰颜色填充，你会发现以C为一个组，七个白色琴键加上五个黑色键盘（两个黑色和三个黑色的)构成一12个键盘组，而且这个C组不断重复。随便用左手或右手弹奏这些不同的 组会发现越往右侧的声音越高，越往左声音越低。 （四）C 和八度 上面的图示显示出在中央C右面和左面的其他的C在五线谱上面的位置。从中可以看出，在键盘上有规律的C的位置排列到了五线谱上面就没有什么规律可循。换句话说，不同C组的键盘位置在五线谱位置上没有什么联系，你只能通过大量的练习和不断的记忆来逐渐掌握。 线上音符
单元六 一、踏板课程P48 1、延音踏板使所有的琴弦延续震动，将踏板放开后，所有的制音 器又全部压在琴弦上制止发音。由于按下制音踏板会使琴声在一定程度上扩大，故又称强音踏板(Loud Pedal)。 2、持音踏板(Sostenuto Pedal)：现代钢琴除了制音踏板及柔音 踏板以外，位于中间的一根具有特殊性能的踏板。它有着令声音或弦的振动持续下去的作用。但由于持音踏板使用机会少，所以现在的找持音踏板的构造和作用都有所改变。大部份现代钢琴的持音踏板被踩下时，一块活动的绒布会夹在琴槌和琴弦之间，使音量变得极细和模糊。通常只使用于夜间或清晨弹奏钢琴。 3、柔音踏板(Soft Pedal)：是一个位于钢琴底部最左则的踏板。 它有两种不同的作用，在平台式的钢琴里，踩下柔音踏板时，琴槌会立刻向旁推移，使它只敲三弦中之二弦，或二弦中之一弦(如果每一音有三根弦，就只敲到二根弦；如每一音只有一根弦，移动的结果使琴槌较软的部份敲到弦)。使音量减少，并使声音变得非常清纯、柔和。在直立式的钢琴中，踩下柔音踏板时，所有的琴槌移近琴弦，藉以减轻冲力，减少打击的长度与强度，使音量变小 二、踏板的使用规则（先让五个小朋友分别踩最右边踏板，然后每个
人告诉我声音有什么特点再进入主题学习知识。） 1、用右脚 2、始终让脚后跟落在地面上 3、右脚的脚掌部分要很舒服自然地放在踏板上（请看老师示范） 三、踏板预备练习 1、踏板标记“______/\_____” A:《踏板推销员》四拍一次，三拍一次，两拍一次技巧P32 B:《高塔上的铃声》技巧P33 C:《徘徊的猫咪》中速稍快技巧P34像猫咪走路时弹跳的样子 D:《踏板的力量》课程P49CD34-35 1、练习右手、不加踏板 2、加上踏板注意如何使用踏板告诉小朋友 3、右手在每个小节的第三、四拍休止时做准备 E:《海滩聚会》 1、学习新的A音，复习C和B音倒入A音。 2、注意曲子的空拍和延音踏板，踏板要平稳而连贯。 四、新音加线上的A课程P50-51CD36-37 1、海滩聚会 2、骑风飞翔课程P52-53CD38-39 乐曲中包含三个段落A B C 学习分乐段。让小朋友找曲子中有没有和第一句开头一样的乐
单元四音程（二度、三度、四度、五度） 音程的概念：在键盘或五线谱上，任意两音之间的距离称为音程。课程P36 (带学生复习一下跳进的内容，引出二度音程，两个音是音程关系，同时弹下去。) 一、二度音程课程P36 1、二度是指从一个音名依次移至下一个音名 2、二度音程=级进 3、二度交通堵塞伴奏CD34-35 （引出我们这节课的主要内容，用公交车在堵车的时候，司机按喇叭的例子让学生学会分辨二度音程，并弹出二度音程的音色，然后学生一起唱谱子，音程的地方唱“咣咣”这些音型词来代替，弹奏时让小朋友找出表情记号，弹奏时要做好表情记号和强弱。） 4、乐理：二度喇叭声课程P37 （这一环节就可以将学生分组或者抢答的形式让学生来做题，加深孩子的印象）注明：二度是线到间和间到线可以找两个小朋友在黑板上完找二度音程游戏，老师随便讲一个音，小朋友比赛，最快最正确的可以得到奖励，每个小朋友都可以参加挑战赛。 二、三度音程课程P38 1、三度是指从一个音名依次跳过一个音名 2、三度音程=跳进 3、双层公交车 注明三度关系是线到线、间到间，之间会隔上一个音。弹奏时让小朋友找出表情记号，弹奏时要做好表情记号和强弱。 4、听觉训练：听辨二度或三度 让小朋友猜一猜哪个是二度哪个是三度，可以用比赛抢答的方式多次练习。 三、1、皮影表演课程P39伴奏CD36-37 学生一起唱谱子，三度音程的地方唱“咣咣”这些音型词来代替，然后老师和学生合作一起弹奏，选派弹的最好的小朋友上台和老师一起表演。弹奏时让小朋友找出表情记号，弹奏时要做好表情记号和强弱。 2、马儿的路径技巧P22 四、小风筝空中飞
（让学生找三度音程，并且可以让学生讲故事，发散他们的思维弹奏时让小朋友找出表情记号，弹奏时要做好表情记号和强弱。） (听觉预备练习，看看二度音程和三度音程出现在什么地方）课程P40伴奏CD38-39 五、四度音程课程P42 1、认识四度音程 （1）带学生在琴键上先熟悉C-F四度音程 （2）在五线谱上数一数四度音程的第一个音到最后一个音 2、混合歌曲（学习自由延长记号）课程P42-43伴奏CD40-41 （全班分两组，一部分唱四度音程用咣代替，另外一部分唱单音旋律，让小朋友找出表情记号，弹奏时要做好表情记号和强弱。老师伴奏多加练习，达到熟练在合伴奏） 3、四度音程=一个跳进+一个级进课程P44 游戏：“小兔子找家”拿出之前准备好的卡片，摆好二度、三度、四度的位置，从卡片中抽出一个音程让小朋友看一下是几度音程，是几度就像小兔子一样蹦跶 到几度的位置，反复练习。 4、混合音程练习题抢答、比赛、小朋友提问等方法做练习课程P44 5、听觉训练：听辨二度、三度或四度音程课程P45 6、混合音程（右手、左手练习）技巧P23 六、喜马拉雅山的笛声课程P46伴奏CD42-43 1、课题引入：笛声 2、教师示范曲目，让学生感受想象笛声 3、学生唱谱，注意高八度记号 4、强弱记号，可比喻成山谷里的笛声和其回声 5、踩延音踏板 6、动脑筋：用2、5指弹奏四度音程) 七、1、逃跑的兔子课程P47伴奏CD44-45 （1）课题引入，兔子为什么逃跑？
第一节：音的分组 在学习谱号之前首先要了解音的分组，我们在钢琴键盘上会发现，虽然键盘上有88个琴键，但是这些琴键其实是以某些音为单位而重复排列的，我们只需知道这其中的一组音，就可以熟悉其他组的音了，于是我们把这新音进行分组。 键盘上有7个基本音，我们用字母C、D、E、F、G、A、B来表示，它们在键盘 上的位置是如下图： 为了避免重复，我们用数字和大小写字母来区别在不同组内的相同音，如下图： 第二节五线谱的线与间 五线谱是目前世界上最通用的记谱法。它是在五根等距离的平行横线上，标以不同时值的音符及其他记号来记载音乐的。五线谱是由五条基本的线构成的，所以叫“五线谱”。这五条线由低到高，依次叫做一线、二线、三线、四线、五线。线与线之间又形成了不同的间隔，我们把这些间隔称为“间”，五条线形成了四个间，由低到高，依次叫做一间、二间、三间、四间。如图： 为了记录更高或更低的音，在五线谱的上面或下面还要加上许多短线，这些短线，就叫做“加线”，这些“加线”又形成了许多“加间”，如图：
在五线谱上，音的高低是根据音符符头在五线谱上的位置而定的。位置越高音越 高，位置越低音越低。 第三节谱号 确定五线谱上音高位置的记号，叫做“谱号”，谱号有很多种，在这里只介绍钢 琴中用到的两种谱号。G谱号，又称“高音谱号”，符号为 。G谱号表示的五线谱上二线位置为g1这个音。由此可以推出c1这个音在下加一线上，如图： F谱号，又称“低音谱号”，符号为。F谱号表示的五线谱上四线位 置为f这个音。由此可以推出c1这个音在上加一线上，如图：
谱号个五线谱结合在一起，叫做“谱表”。如G谱表（高音谱表）、F谱表（低音谱表）等。在钢琴乐曲中，一般将G谱号和F谱号结合在一起使用，构成了“大谱表”。G谱表一般代表右手演奏的部分，F谱表一般代表左手演奏的部分。钢琴上所有的音都可以在打谱表上表示出来，如图： 第四节变音记号 在乐音体系中，音高关系的最小计量单位，叫做“半音”。半音与半音相加，叫做“全音”。在钢琴的键盘上，包括所有白键与黑键，相邻两个键都构成半音，隔开一个键的两个键都构成全音。所有的琴键，从左到右，由低到高，都按半音关系依次排列，如图：
钢琴的基本知识（一） 钢琴有平台琴和立式琴两类。平台琴也叫三角琴，多用于舞台演奏；立式琴则适于作家庭练习之用。世界上第一架钢琴由意大利乐器制造家克里斯托佛利制成。 第一节钢琴简史 大约在14世纪，欧州出现了一种在多弦乐器上加键而成的击弦古钢琴——克拉维卡琴。这种古钢琴发音轻柔微弱，适于演奏温馨抒情的曲调，特别适合家庭演奏室内乐，曾盛行一时。几乎与克拉维卡古钢琴同时存在的还有一种羽管键琴，也叫庆巴罗古钢琴。这种古钢琴装有一套拨弦机械，演奏时机械上的羽毛管拨弦发音。这种古钢琴音色清晰明亮，在教堂、宫庭乐队中曾广泛应用。 克里斯托佛利曾是一名出色的羽管键琴制作家。他于1709年制成世界上第一架钢琴，称其为“piano forte"意即“弱——强”琴。表明这种乐器可以弱奏，也可以大力度演奏，音量的强弱变化很大。这一优点是庆巴罗和克拉维卡两种古钢琴所不具备的。 克里斯托佛利在这种琴内安装了一套打弦机构，这种打弦机构演化成后来的“击弦机”。(击弦机也称机芯，是现代钢琴的重要组成部分)。正是这种打弦机构，才使得钢琴的音量和音色有了更大的变化范围，为现代钢琴的发展和完善打下了基础。克里斯托佛利也因此成为亿万永远敬仰的乐器发明家。 克里斯托佛利最初发明的钢琴音色并不好听。后来有人用毛毡将打弦的小槌包起采，改善小槌的击弦性能，同时采用铸铁的铁骨替代木结构张紧琴弦，使得现代钢琴能承受15—20吨的琴弦张力，琴弦也由原来的铜丝、铁丝发展到后来的冷拔钢丝。这才使这种乐器发出了金属般的声音，成为真正的“钢琴”。 1855年,德籍美国人斯坦威(Henry steinway)制造了一架完美的三角钢琴。这架琴采用铸铁铁骨，低音弦与中高音弦交叉排列。交叉的弦列缩小了钢琴所占空间，声音也很丰富。此后的一百多年中，钢琴虽也有改进和发展，但并未发生根本变化。斯坦威制造的这架三角琴也就成为现代钢琴的典型。斯坦威现在美国纽约和德国汉堡开设两个生产厂，生产世界著名的斯坦威名琴。 钢琴的基本知识（二） 最早的立式钢琴于1750年由德国古钢琴制作家佛里德里西制成。这种立式琴的弦列(琴弦)竖立于键盘和演奏者之上，象管风琴。真正的立式琴于19世纪出现，这种立式琴将原来高耸的音板和弦列缩短，弦轴和弦轴板位于乐器上部，成为比较规范的立式钢琴。这种钢琴结构紧凑，不占空间，加速了钢琴的普及，被称为钢琴史上的第二次革命。 第一个制作这种立式钢琴的是苏时维尔，他于1807年制成一台高两米的立式琴。1828年乐器制作家伯比制作出一种有交叉弦列的立式琴，高度仅一米，和现在的立式琴高度相近。 钢琴生产经过一百多年的发展已形成很大规模。其中美国和德国的斯坦威，奥地利的贝森多夫、德国的布品特纳尔、德国的许密尔、日本的YAMAHA等被公认为世界名琴。就钢琴产量而言，首推日本和韩国，每个国家的年产量均可达到20万台。
菲伯尔钢琴基础教程带给宝宝的五大好处《菲伯尔钢琴基础教程》引入了让人兴奋的新的教学理念。它通过理性、创造性与感性兼有的教学，旨在提升学生的“音乐情商与智商”。于斯课堂在国内率先将这一套教材拍摄制作成高清教程，供广大学琴的宝宝免费试看试学。 学习菲伯尔钢琴基础教程的五大好处： 1、锻炼记忆力：记忆力是需要不断训练的，孩子在演奏的时候，必须在极短的时间内记住乐谱上的一切标记，这对孩子来说无疑是一种极好的锻炼。 2、培养专注力：当孩子学习音乐时，他必须全神贯注地投入其中，才能记住那些乐谱上的音符和各种各样的标记，并且只有专心致志，他才能学会老师所教的演奏方式和各种乐理。 3、培养想象力：许多国家内外知名专家经过研究发现，音乐对开发孩子的右脑大有好处。右脑的开发在孩子的幼年时期尤其重要，因为
幼儿期是孩子创造力和空间想象力开始形成的时期。 4、培养手脑协调能力：当孩子面对乐谱开始演奏时，他必须在几秒钟之内把所看到的音符和各种标记记住，并立刻作出反应，随后通过大脑发出指令，让手指灵巧地活动起来。大脑发出指令，让手指灵巧地活动起来。 5、陶冶性情，培养美感：孩子在演凑乐器和演唱歌曲的时候，让孩子学着去体会音乐中传达的情感。 菲伯尔钢琴教学法之所以在全球范围内广受关注，是因为他是对钢琴教育的一次革命，解决的不仅仅是孩子的学习兴趣，从课程·乐理，演奏·技巧，对钢琴教学做的一个全方位的充实和丰富，使得枯燥的钢琴学习和练习变成开心的“play piano”，与此同时还能确保音乐知识学习的扎实。 于斯课堂是国内在线教育艺术领域的领导品牌，我们专注生产高
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一些钢琴演奏时常见的标记 调性： Major 大调的Minor 小调的Flat 降号Sharp 升号 速度标记： Adagio 柔板Adagio assai 很慢的柔板Andante 行板Allegretto 小快板Allegretto non troppo 不过分的小快板Andantino 小行板Allegretto poco mosso 稍快的小快板 Allegro 快板Grave 庄板Larghetto 小广板Largo 广板Lento 慢板Moderado 中板Prestissimo 最急板Presto 急板 a tempo 回原速in tempo 按原速accelerato 加快的accel 加快的，accelerado的缩写con moto 稍快的Doppio movimento 加倍快molto mosso 很快的memo mosso 稍慢 molto rit 渐慢很多molto allegro 很快的molto adagio 很缓慢的poco a poco rit 一点一点地渐慢poco lento 稍慢poco meno mosso 稍放慢的piu Allegro 更快 piu Andante 更慢piu moto 更快的piu mosso 更快的rapido 迅速的ritardando 渐慢的rit,ritard 渐慢的，ritardando的缩写rall 渐慢，rallendando 的缩写ritenuto 突慢的 stringendo 加紧（加快）senza accel 不要渐快 修饰标记： molto 很assai 很meno 稍微possibile poco 某种程度上piu 更加non troppo 不太过分的sempre 不变的 力度术语： pp很弱p弱mp中弱mf中强f强ff很强sf突强fz突强fp强后即弱>或<重音记号dim渐弱cresc渐强sotto voce很弱的声音semprep始终保持弱
钢琴入门教程：小汤（汤普森简易钢琴教程》 《小汤》的学习目的是：通过对中央C附近的音符进行反复认音练习，掌握五线谱基础知识，并将线谱与键盘有机地联系起来；通过数拍子，培养正确的节奏感。为下一步的学习打下一个良好的基础 第一册涵盖的音域有意识地作了限制。只介绍中央C以上的五个音和以下的五个音，时值也从全音符到四分音符为止，不再扩展，这样就有可能包括许多以复习形式出现的曲例，不必另找补充教材。总之，本教程的每一册课本都保持各自的完整性，都有各自的书写练习、视谱练习和复习曲目，在以后的各册中还将增加技巧练习。 伴奏： 书中大部分曲例，配有供教师和家长用的伴奏谱。它们都经过精心的创作，使那些简易的小曲听起来尽可能像结构庞大的乐曲的片断。这样做有很多好处，不仅有可能用不同的调弹奏，避免总是徘徊在C大调上，令人生厌；而且可以用自己严格的速度和鲜明的节奏对学生施加影响，特别是他们在弹奏中带有充满活力的节拍重庆，能使学生一开始就“感觉”到节奏的存在。 第一册：《约翰.汤普森简易钢琴教程一》 A 音符节奏：(图 1) （图2） B 音域：中央C为中心，上下五个音（见图2） C 节拍：4/4 、2/4、 3/4 D 调性：C调 重点：主要以认识五线谱、手指编号，一拍二拍三拍四拍音符组合。 《小汤1》： 1.严格地只在白键上弹奏。 2.在附点前较早引入了切分节奏（《雷格泰姆舞》、《弗吉尼，我的故乡》、《摘棉花的老人》、《我的忧愁谁知道》） 3.三拍子的巧妙进入。《小矮人进行曲》紧接《小矮人舞曲》。 4.逐渐增加手指数量。 第一学时
内容：从钢琴键盘至练习题 本课时的知识点：1.音名、五线谱、全音符、二分音符、四分音符、中央C 2.钢琴键盘、基本弹奏姿势、基本手型 本课时的重点：1.中央C在五线谱与钢琴键盘上的位置、四个音符的不同形状及时值 2.正确手型中手指支撑与手腕放松的平衡感觉 本课时的难点：1.音符时值在弹奏中的把握、唱名与音名的本质区别 2.大指弹奏中央C的正确手型 练习把握：1.反复确认键盘上中央C在高音谱表与低音谱表上的不同位置、 2.四个音符长短时值的练习：我采用一个比喻方法，叫数苹果法，具体做法是，在一个相同距离内（比如学生放在钢琴上的书的长短为例）学生拍一下，嘴数一拍，节拍器响一次等于手拍一下的时间，而我就告诉他们，拍一次一个苹果。这个方法对于年龄小（4-5周岁，下同）的初学学生掌握拍子、用节拍器练习节奏非常适用。 3.大指弹奏中央C时虎口的开度、手指支撑时力的均衡。 时间安排：各年龄段不同，我这里以年龄小的学生为例。开始每天以15-20分钟为基点，然后循序渐进逐步增加时间。 第二学时 学习内容：火车、玛丽有只小羔羊、海军工兵、伞兵。注：1.年龄小的学生，可把内容分为两次上课和练习。2.根据学生的心里特点，老师可把课本内容顺序做一定调整，便于学生集中学习和记忆。 知识点：1.高音谱表D、E音名的位置、低音谱表B、A音名的位置 2.键盘上D、E、B、A的位置 3.左右手2、3手指在键盘上的站立练习 4.曲子四拍子、三拍子中强拍的弹奏 重点：1.高音谱表、低音谱表中新学音名的位置 2.键盘上新学音名位置的确认 3.左右手2、3指断奏练习的力量感觉
第九单元属七和弦 一、“伦敦交响曲”主题课程P74 1、复习三和弦。 2、游戏：找三个学生来扮演音符，第一个人随便说一个音，后面的同学跳 进来完成三和弦。 3、跟同学们介绍属七和弦的构成方法：采用隔键跳跃的方式。 属七和弦使用罗马数字V，相当于阿拉伯数字的5，并且是由四个音符组成的。 在本书中，我们只使用属七和弦中的两个音的简略形式 FG←属音，音阶的第五级 ↓↖F音是G音向上数的第七个音，放在G音下面方便演奏。 V7 4、弹奏书中的和弦并大声说出它们的名字（分左右手） 5、“伦敦交响曲”主题伴奏CD76-77 弹奏前可以在每个和弦下面标注出I或者是V7 6、海顿小趣事课程P75 （1）先读这首歌的歌词，再弹奏旋律。 （2）在乐谱上方的小方框里写出相对应的和弦标记，I或V7。 如果右手弹奏的大部分是音阶里的1、3、5级音，就用I。 如果右手弹奏的大部分是音阶里的2、4、5级音，就写V7。 （3）双手一起弹奏旋律与和弦 （4）听觉训练：教师可以任意改变这首小曲某小节的节奏或音符，让学生找出不同。 7、小星星和弦技巧P42 复习：技巧秘诀（手轻轻弹跳），用这个方法练习和弦的断奏。 8、王子圆舞曲技巧P43 旋律（曲调）与和声（伴奏）的强弱对比。 二、牧羊人之歌课程P76-77伴奏CD78-79 1、rit.渐慢 2、乐曲中为了表现安详的旋律，使用了分解和弦。 3、低音进行曲技巧P44 在低音区用稳固有力的指尖练习。 4、低音和弦进行曲技巧P45
在上曲的基础上，加上右手的I和V7和弦，还要保持稳固有力的指尖弹奏低音。 5、动人的旋律技巧P46-47 三、乐理：贝多芬的小趣事课程P78 1、复习渐慢标记。 2、为这首曲子添加小节线再弹。 3、在乐曲的小方框里写出和弦标记（I或V7），双手一起演奏。 4、通过歌词回答书上的问题，更加详细的了解这位伟大的钢琴家。 四、乐理：和弦的眼睛课程P79 1、用平稳的节奏弹奏书上的两条旋律。 2、听觉训练： （1）把左手放在低音C五指音阶上。 （2）闭上眼睛，分辨老师弹奏的I或V7和弦连接。 （3）仔细听，弹奏出你所听到的和弦。
钢琴入门教程之手指操 钢琴入门教程之手指操 如何提高儿童的兴趣,是当今幼儿钢琴教学中的一个难题.下面就钢琴入门教程中手指操的相关知识点传授给大家，希望对你们有益。 一手臂放松操 面对钢琴零起点的孩子,在开始正规的课程之前,我总是先让他们信识身体的哪一部分是手臂,手臂可以怎样活动,怎样才能找到手臂 的重量,重量又是如何落下.于是编了以下三节手臂放松操,由易到难,邮简到繁,让孩子们在游戏中轻松愉快地认识了手臂以及手臂在演奏 钢琴时的规范动作.为钢琴演奏的第一步"非连音的弹奏"学习做好了 准备. 1.手臂放松的练习 通过长期观察,我发现孩子们在弯腰的时候比站立时更容易找到 手臂放松的感觉,于是编了以下的练习操,让他们看着自己的手臂放 松的甩动,在教他们认识手臂的同时也找了手臂的重量. "大象甩鼻子:小朋友们请站好,两腿稍微分开,距离与肩宽.弯腰 九十度,手臂放松垂直.手臂像大象鼻子一样,左右服起来. 2.手臂用力的练习 通过前一节前一节"手臂放松操"的练习,有朋友们能够在弯腰的 状态下顺利地找到手臂的重量.此时马上站立起来做以下的第二节操,还象前一节那样前后服甩动.把刚才的整党带过来,就能比较方便的 找到站立状态下的手臂重量.随着摆动幅度的加大,小朋友们还能体 会到重量的由小到大,由轻到重,在找到重量的同时学会如何运用,为"非连音的弹奏"打下扎实的基础.
"小猴荡秋千"小朋友们请站好,两腿稍微分分开,距离与肩宽.两个手臂同时向前后摆动,就象小猴在荡秋千一样越摆越大,越甩越高. 3.手臂协调的练习 第三节操"手臂放松操"可以有多种练习方法:单干手向前甩动,单手向后甩动,双手同时向前甩动,双手同时身后甩动以及双手反向甩动. "荷兰大风车"小朋友们请站好,双手顺时针甩手臂,双手逆时针甩手臂.右手顺时针甩手臂,左手逆时针甩手臂,做两个荷兰大风车. 能过以一一系列的练习,小朋友们已经完全了解手臂的重量,能够熟练地运用重量,并且在用力的同时能够感觉到腰部的支持和身体的平衡,身体的协调能力也得到了很大的锻炼. 二五指练习操 通过第一部分三节操的训练,小朋友们已经能够在弯腰和站立的状态下顺利地找到手臂的重量,并能放松自如的运用,可以说这是个很好的开始.现在我们要训练坐着的状态下找到手臂的重量,让这个重量完全放松,自然地掉在大腿上.这样就可以非常方便地把手臂的重量掉在钢琴上了. 1.手臂重量垂落的练习 在做这个练习时要注意检查坐姿是否端正,手臂弯曲的角度和手掌的方向是否正 确.手臂重量掉在腿上时,是用手腕落下而不是手掌拍打. "宝宝抱大熊"请小朋友们坐在琴凳上,双脚放平,自然分开.两个手臂慢慢抬起,与肩同高,做抱大熊的姿势.手掌向下,手臂自然垂落在腿上.重复抬起--落下的动作. 2.手指关节的练习 为了让小朋友们在弹钢琴时能够拥有比较漂亮的手型和比较独立的手指,需要一些手掌肌肉和手指各关节的练习.此时可以做以下的
单元一 一、C音大家庭 1、月球行走课程P6CD2-3 （1）加线：加线是写在五线谱上方或下方一条短小的线，能使那些很高或很低的音也可以记在五线谱上。（可形容为盖 房子，加一条线为往上或者往下盖一层） （游戏：模拟星球飞行。在地上画五线谱，准备圆形的卡片当做“星球”音符，准备好几个“—”形状的卡片。老师 指定飞到低音谱号和高音谱号的上下加线的C上，小朋友 自己在五线谱上摆出相应音符。） （2）在键盘上用不同的D音交替弹奏此曲 2、月球探测车技巧P4-6 主要复习上加线的C。 技巧秘诀：手臂的重量 二、1、像是在梦里课程P7CD4-5 （1）复习自由延长记号、表情记号，延音踏板的使用和分辨大小调。 （2）教学生数每小节的拍子，纵向读谱。
2、技巧秘诀：连贯姿势技巧P7 A:右手毛笔画 B:左手毛笔画 3、中国画技巧P8 演奏训练，注意左手的提腕动作 4、海盗聚会课程P8CD6-7 （1）感受摇滚风格的乐曲演奏配合技巧P5练习轻盈而灵巧的大指练习。 （2）每小节的重音记号都要要求学生弹出效果。 （3）对乐曲进行两小节的节奏创编。 三、1、鼓励孩子自己编写伴奏旋律课程P9 乐理“大海的音符”：复习上下加线的C 海盗船的节奏：写出每小节的1、2、3、4拍位置，并边数拍 子边敲节奏。然后用八分音符编写术语自己的节奏型。 2、连续的踏板：练习踏板节奏型技巧P5 3、来自水果糖工厂的声音课程P10CD8-9 （1）tempo速度的意思，开始使用节拍器。 （2）左手全跳音，强调把跳音弹奏成不同的强弱力量。 4、A:水果糖预备练习技巧P9 连音和跳音的练习 B:音乐会小奏鸣曲技巧P10-11
第一章 钢琴演奏基础知识 第一节 钢琴简史 一、钢琴简史 钢琴是通过手指触键引起琴锤击弦而发声的键盘类乐器。钢琴起源于欧洲，前身是拨弦古钢琴。17 世纪末，意大利人克里多佛发明了一种以琴锤击弦发音的钢琴。它能够通过手指触键来控制声音的变化，使音响层次更为丰富，声音更具表现力。18世纪中叶，钢琴在德国、奥地利和英国得以发展。19世纪，钢琴被誉为“乐器之王”。 钢琴的发展主要分为四个时期： 巴洛克时期（1600—1750年） 维也纳古典时期（1750—1825年） 浪漫主义时期（1825—1890年） 印象主义及20世纪现代音乐时期（1900年至今） 这四个时期各个国家的民族作曲家、钢琴家因美学观念、追求目标、写作手法及演奏手法上有所区别，形成了钢琴音乐的不同风格与演奏学派。 二、钢琴的种类 现代钢琴主要有立式钢琴（upright piano）（见图1-1）与三角平台钢琴（grand piano）（见图1-2）两种。现在我们使用的钢琴一般都是88个琴键、3个踏板。最重要的两个踏板分别是右侧的延音踏板和左侧的柔音踏板。立式钢琴和三角钢琴中间的踏板则功能不一样。
图1-1 立式钢琴 图1-2 三角平台钢琴 三、钢琴的演奏形式 钢琴的演奏形式多样，应用广泛。钢琴既是非常棒的独奏乐器，也是非常好的伴奏乐器。除了可以独奏外，还有四手联弹、双钢琴，以及与其他乐器和交响乐团重奏、合奏、协奏等演奏形式，常用于声乐、器乐或舞蹈的伴奏。
第二节 钢琴弹奏的基本姿势与手型 一、钢琴弹奏的正确姿势 大多钢琴演奏家认为钢琴弹奏的正确姿势要求是：以最轻松的状态对正钢琴键盘中央而坐，让肩、臂、肘、腕都处于自然放松的状态，并在自然放松的基础上解决好坐位、脚支点、手支点这三个重力支点的平衡、协调，以求弹奏时力量运用的准确和力度色彩变化的敏锐，以利于演奏技巧的发挥和艺术表现。而三个重点支点的平衡度、协调度则同坐势高度、坐位与钢琴的距离、坐凳的高矮等密切相关（见图 1-3）。 图1-3 钢琴弹奏基本姿势 （一）坐势的高度 弹奏者坐上琴凳，双手自然置放于琴键上，肘部与键面基本在一个水平面上；大腿根部到膝盖略呈坡状下斜，膝弯到脚后跟的自然弯曲不小于90?。 钢琴的高度是固定的，而弹奏者年龄大小不一，个头高矮各异，躯干和手臂比例亦不同。要达到正确的坐势高度，就要调整坐凳的高度。如果琴凳过低则应加上硬垫。 需要注意的是，幼儿的腿短，往往出现达到坐势高度要求却双脚悬空，失去脚支点的情况。这时，
钢琴简谱自学基础入门知识 （根据EOP大讲堂整理） 基础知识： 简谱是由法国人发明的，用1234567七个阿拉伯数字代表不同的音，上下加上圆点就有了高低之分 音高：音的高低，由八度和七个阿拉伯数字组成，数字分别代表七个音，这七个阿拉伯 数字分别读作 1 2 3 4 5 6 7 do re mi fa sol la si 在数字的上下方加圆点，就有了高低音变化 音长：用短横线和附点表示，以四分音符为基础，后面加横线，这时横线叫延音线，延 长这个音的一倍四分音符后面加一条横线，延长一倍就是二分音符，下面加横线就是缩短这个音的一倍，就是八分音符 除了横线，音长还可以用附点表示，在一个音后面加一个圆点，这就是附点，表示把这个音增加、延长二分之一。注意，附点的应用只可以到四分音符为止，就是说，二分音符和全音符后面不可以加附点，四分音符、八分音符、十六分音符、三十二分音符以及更短的音可以
加附点。
节拍：用分数表示，每首曲子都有自己的节拍，上面的数字代表每一小节的拍数，下面 的数字代表以及分音符为一拍。注意，不能像数学那样约分！拍子的时间长短是由音符的时间长短来表示的，一拍的时间可以是四分音符，也可以是二分音符或者八分音符。 弧线叫做连音线，连音线有两种，一种是两个相同的音上面的连音线表示这个音只要按照拍子弹一次就可以了，不需要弹两次。第二种，把几个不同的音上面用弧线连起来叫做圆滑线，圆滑线里的音唱奏的时候要连贯，圆滑。 休止符：表示音的休止、暂停、没有声音，用0表示，休止符没有高低之分，但是有长 度，表示方法和七个音符的表示基本相同，唯一不同的是二分休止符和全音符不能加延音线，而是用补全0的方法，附点全休止符和附点二分休止符也是用补全0的方法，休止几拍就是几个休止符。 调号：每一首曲子都有自己的调式，简谱中的调式用“1=调号”来表示，一般认为，调 号有15个： C D E F G A B #C #F bC bD bE bG bA bB（#表示升，b表示降） 有时候也说有12个，因为B就是bC，#C就是bD，#F就是bG。 =68表示这首歌的弹奏速度，表示68个四分音符/分钟，那么八分音符就是136个/分特殊符号 反复记号：共有六种反复。 （一）1、终止线，两条竖线叫做终止线，和小节线一样，只不过它代表乐曲的终止，没有实际的读谱意义。2、终止线前有一个冒号，如果之前没有任何反复记号，表示要从头反复，反复后如果反复记号后面还有音乐的话就接着演奏下去，如果没有则到此结束。如果之前有一个终止线，且后有一个冒号的要重复着两个记号中间夹着的小节。 （二）跳房子，中途反复的结尾处用括号，将一个或几个小节括起来，并且表上数字，这样的记号人们习惯叫做跳房子，一和二代表反复的结尾不同。 （三）D.C.反复，有的反复记号在小节线的下方写着D.C.和Fine，D.C.是意大利语从头反复的意思，Fine是OK，好了，够了，到此为止。总之，看到D.C.和Fine，第一遍弹到D.C.，