摘要：歌剧，是声乐艺术的表现形式之一。在歌剧中最常使用的两种演唱形式是宣叙调和咏叹调，宣叙调是一种美声化的说白，为了将对白取而代之，因此也无法单独演唱。咏叹调则是歌剧中用来表达角色情感的，在歌剧中占据了重要地位，但是歌剧对于我们来说毕竟是有些距离的，即使是专业歌唱者，接触整部歌剧的机会也是有限的。因此我们学习外国声乐作品的时候对于丰富个人演唱歌曲的类型及语言，提高演唱技巧，增强在舞台的表演形式，传播歌剧艺术等都是有必要的。歌剧里的内容，描写人性的真善美，对当代社会的青年，但凡你真正进入歌剧的音乐殿堂，便会爱上歌剧，对歌剧的传承和发扬作用。《奥非欧与优丽狄茜》这部歌剧，是古典时期德国的作曲家格鲁克歌剧改革的代表作品，他力求反应自己“追求一种质朴美”的审美观念，将音乐和戏剧相互结合，他在十八世纪的时候对歌剧改革作出了很大的贡献，对之后的歌剧起了很大作用，咏叹调《世上没有优丽狄茜我怎么活》这首的声乐作品音域跨度小,旋律走向平稳,经常用在声乐学习者初中级等阶段的教学歌曲选择中。本文针对咏叹调的曲式和演唱情感做了简单分析，并对歌曲情感表达自己的观点。 关键词：歌剧格鲁克奥非欧优丽狄茜演唱技巧 一、简述《世上没有优丽狄茜我怎能活》 (一)作者介绍 格鲁克，完成了十八世纪歌剧史上最重要的改革，为近代歌剧奠定了基础。早年创作意大利风格的神话歌剧。1750年起移居维也纳。1754年任宫廷歌剧院乐长，后与意大利诗人卡尔萨比基(1714—1795)合作，用其脚本作《奥菲欧与尤丽狄茜》、《阿尔且斯特》和《巴吕德与爱莱娜》，从事歌剧改革。1773年移居巴黎，继续改革事业。主张歌剧必须有深刻的内容，音乐与戏剧必须统一，表现应力求自然、纯朴，并创造了标题性序曲，又恢复群舞场面与合唱在歌剧中的重要地位。处在歌剧承前启后的时代中，他之后是莫扎特的无尽辉煌，他之前是拿波里月派和法国歌剧的鼎盛时期，。他是德国人却卷进了法国歌剧和意大利歌剧的争论中。毋庸置疑，格鲁克并非反对意大利歌剧本身，而是作为真正的革新者，并不赞同守旧的某些意大利作曲家。 他出生在奥地利的一个农村家庭中，在农村里的小学和耶稣会的院子里学习了有关音乐的一些基本知识以及古钢琴的弹奏，但是他非常喜欢大提琴。青年时期为了赚些钱，与流浪的音乐人到处参加街头的演出活动。他的歌剧改革是在启蒙运动的影响下进行的，十八世纪中叶，虽然意大利歌剧在欧洲广泛流行，但是它的表演形式日渐趋于板滞，演唱者太过显耀声乐的演唱技巧从而破坏戏剧的连贯性。 创作中，他注重歌剧的整体思想，在歌剧的写作中提出意见，这样的改革方向偏向于音乐戏剧，是西洋歌剧发展的重要阶段。他改革的意义是针对十八世纪封建保守思想的抗争，而不只是提高音乐本质和音乐美学思想。实质上是。因为这个原因，他的歌剧改革为歌剧艺术摆脱封建思想泥古，为之后的歌剧发展作出了巨大的历史贡献。 (二)背景介绍 歌剧自从诞生经过一百多年的发展，形成了两大歌剧派别，分别是意大利歌剧和法国歌剧，尤其是意大利正歌剧逐渐背离了佛罗伦萨卡梅拉塔社团的艺 术理想，变成一种夸张造作的情形。不管是作曲家、作家、歌手还是听众，都沉 湎在浮华的形式中。意大利歌剧的题材任然取材于神话故事，但内部结构和角色 的分配，一点也没有改变；对阉人歌手的崇尚，经常对戏剧情节和动作进行随意 改动；具有炫耀技巧的咏叹调数量增多；在十八世纪，人们反感了这些弊端，格 鲁克开始提出改革主张。 《奥非欧与优丽狄茜》这部歌剧，是德国作曲家格鲁克针对意大利的正歌剧浮华、夸张的弊端改革时创造的，改革创新首先是音乐本身，在这部歌剧中可以 感受到过去歌剧中感受不到的戏剧性的紧张气氛。但更大的创新是格鲁克在这部
电影声音设计中的电影音乐创作分析 电影音乐创作属于电影声音设计的一个重要组成部分，它贯穿于电影声音制作的整个环节之中，其创作基于电影所提供的故事类型、情节、人物、地点、时间等。其次，电影音乐的表现力还能够在整个电影声音的构思中得到发挥，它能够完美呈现出电影的风格与特征。 一、电影音乐创作三符号 概括来说，音乐主体、视听与声音是电影音乐创作的三大符号。 (1)音乐主体。音乐的创作离不开相关的音乐语言要素，音乐本体是进行音乐创作的永久性工具。 (2)视听。电影音乐必须通过视听才能够完成一次美的体验，电影音乐实现电影化的关键在于正确把握视听语法并运用相关的视听要素。 (3)声音。电影音乐必须通过声音才能将其传达给观众，因此，音色、声强、频率等因素是音乐创作造型的重要因子。 二、电影音乐设计 以声音为基础的电影音乐设计在进行音乐设计时，首先要避免音乐与音响效果在频率上产生冲突。以电影《黑客帝国》为例，此电影属于动作片，整个影片注重于追求大响度，但是导演要求在保持激烈音乐与音响效果的同时，还要保证其清晰度。因此，声音设计师与导演的共同意见是通过音响效果与声音之间的切换来避免音频重合，例如在进行爆炸时，不会有中度低音，在玻璃破碎时也不会出现类似小提琴的这样的高音。另外，在处理音响效果与音乐在频率上存在的问题时，要根据影片的不同类型进行相应处理。对于动作片与战争片这种类型的影片，他们属于在同一时间有多种因素的影片，在进行处理时，要特别注意音乐化音响与音乐的分层处理。其次，在进行音乐设计时还要充分发掘电影音乐作为声音造型所需要使用的材料。音乐不仅可以用乐音来创作，也可以采用噪音来进行创作。例如，在电影《群鸟》中，作曲家与声音专家从鸟的尖叫声与扑打声中设计出了电声学的噪音效果，代替了管弦乐队的不和谐音。电影《精神病患者》中，则通过打破传统管弦乐配器的手法给观众带来了新的视听体验。 三、以视听为基础的电影音乐设计 在电影音乐的创作与设计过程中，音乐剪辑能在很大程度上满足观众与导演的视听需求，音乐剪辑是实现视听表现的源泉。音乐剪辑不仅是一种动作，更是一种观念。在进行音乐剪辑的过程中，首先要充分考虑到节奏的重要性。节奏
浅谈关于作曲的一些小技巧之一 作曲的技巧，有很多人都在谈，很多人都在和弦上花工夫。也有一些人完全按照感觉来写。诚然，按照下行5度和弦圈的经典走位，旋律怎么写都不是很难听，但学一些作曲的另外一些技巧，也许你的旋律会有另外一番天地。小生在这里抛砖引玉，希望大家都来谈谈自己的看法。小生写的不当之处，恳请各位高手指正。 流行歌曲创作： 1：先有词后有曲。 2：先有曲后有词。 这里我只谈第二种情况，即先曲后词。 一：倒影。 就像你在河上，看到河里自己的影子。如：33345 33321 在五线谱中，以3横线，就会发现，345往下翻180度的话，其旋律线条就会和321吻合。这样写出来的旋律，不会很散。 二：模进。 模进分严格模进和自由模进。 严格模进要求各旋律音程之间完全一样。旋律线条也要完全一致。如：3323 2212 自由模进则没有这个限制。如：1123 3345（1和2之间是全音，3和4之间是半音，音程不同） 三：重复。 重复永远是音乐中不二法门，从段重复到小节重复，几乎每个作品中都可以看到他的影子。（注意，重复也是同度模进） 四：对格。 艺术都是相通的。在文学中某些技巧，放到音乐里也完全适用。在一些诗联中，第一句的最后一个字，是第二联的第一个字。放到音乐中的话，就是第一句最后一个音符，是第二句的第一个音符。然后依次类推。如：123 312 234 465 大家注意，前面的最后一个音符，都是后面的第一个音符。在李宗盛的鬼迷心窍中，通篇都是使用的对格的技巧。大家有兴趣的话不妨回家把谱子翻出来看一看。 五：前面说到艺术是相通的，并借用了文学技巧，这里我们借用国画技巧来看看是怎样的。1：疏密有致。在国画中，如果中间画了很多的树，在四周一定要留出大量空白的地方。这
音乐剧产业的现状分析 汇总 公司内部编号：（GOOD-TMMT-MMUT-UUPTY-UUYY-DTTI-
课程论文 标题：中国音乐剧产业的现状分析 专业：文化产业管理 班级：B1201 成员：雷xx 曹xx 胡xx 刘xx 音乐剧，早期译称为歌舞剧，是一种舞台艺术形式，结合了歌唱、对白、表演及舞蹈。通过歌曲、台词、音乐、肢体动作等的紧密结合，把故事情节以及其中所蕴含的情感表现出来。 一、中国音乐剧的发展前景 随着中国经济的健康快速发展，人民群众对文化娱乐的需求也出现了多元变化，音乐剧这种新的艺术样式很快以其视听兼备、雅俗共赏的特质吸引了一批固定的并且正在不断扩大的受众人群。《妈妈咪呀！》中文版总票房达亿元，而原创音乐剧《三个橘子》、《钢的琴》、《大红灯笼》以及《碟》等都凭借完整的剧情故事，完美的制作团队得到了观众的一致好评，这足以证明中国音乐剧的巨大市场潜力。 另一方面，就是因为中国音乐剧市场是一块可以预见的“大蛋糕”，越来越多的人投资制作音乐剧，但中国音乐剧的起步太晚，又企图腾飞得快些，难免有些误区，若仔细观察就不难发现，目前音乐剧在国内的发展并非想象中那般顺利，还存在诸多问题。 二、中国音乐剧发展中存在的问题 中国音乐剧的发展分为3个阶段，“首先是原版引进，然后是改编中文版，最后是做原创音乐剧”，3个阶段的核心落脚点在于如何本土化，因为音乐剧是西方舶来品。例如，中文版《猫》的场景是垃圾山，所以不同版本的《猫》中，垃
圾山会根据不同地方的特点做“本地化处理”，这次中文版《猫》在北京演出时，垃圾山里就出现了“鸟笼”等京味元素；《我，堂吉诃德》走的是另一种路径，这部经典音乐剧在得到授权后，由曾为美国百老汇戏剧导演的约瑟夫·格雷夫斯带领一群中国演员排演完成，剧中不论是台词还是唱段，所有演员都用英文完成，在演出形式、舞美、道具甚至是音乐上，导演都有相对较大的改编权限，他可以根据剧场、观众、时间等各种客观环境的不同，而对剧目呈现做出针对性的调整或修改。虽然这几部改编的音乐剧反响不错，票房收入较高，但有专家指出，国内大部分音乐剧还面临着各种各样的困境，它们首轮演出依靠一系列大张旗鼓的宣传，尚有不错的反响。到了第二轮，情况便会明显弱于前一轮，到了第三轮情况显然不容乐观。造成上述现象的原因有很多。 1.缺乏资金投入。“除了百老汇音乐剧，国产音乐剧是做文化市场的人最怕碰到的课题，能回避也就尽量回避了，因为基本没有一个赚钱的，能不赔就不错了。”一位从事了多年文化市场营销的工作人员这样告诉记者。这些话直接反映了中国音乐剧的一个重要问题，那就是资金。在很多中国舞台演出的制作方看来，音乐剧就应该有恢弘的场面、精美的道具、人多势众的舞台，这些外在条件甚至比音乐剧情节本身都来得重要，可出得起这个钱的投资者并不多，就算是北京和上海这样的一线城市以及文化重镇，其间的音乐制作人也轻易不敢碰音乐剧这个话题。例如，在上海，本土音乐剧《狂雪》投资了900万，却只演了5场就不了了之，而有关锦鹏坐镇的《长河》，7场演出也耗去了900万投资。另外，国家对音乐剧这一产业重视程度不高，相关的音乐剧创作扶持政策和引导性政策不完善。 2.演出专有剧场的稀少。毋庸讳言，我们在音乐剧作曲、作词、编剧和编舞等极其重要的具有音乐剧特色的专业方面创作力量薄弱，而缺乏能够展现他们才
声乐演唱与表演的几点思考 【摘要】歌唱演员怎样才能表演好、演唱好声乐作品，从而达到声情并茂的理想效果，这是歌唱演员们永远都在探讨的一个的话题。歌唱者只有做到把感情融入到声乐作品中去，做到身心的统一，能在声乐作品中寻找出自我，在从自我走向角色，真正做到用“心”、用“情”去歌唱，才能完美地演绎好声乐作品。 【关键词】三统一；身心统一；情感把握；走向角色 歌唱演员要想演唱好声乐作品，达到声情并茂的理想效果，就要完全领悟和理解词作家和作曲家的创作意图，再通过自己的意识或直觉对声乐作品进行再创作；只有做到把感情融入到声乐作品中去，在声乐作品中寻找出自我，在从自我走向角色，真正做到用“心”、用“情”去歌唱，才能完美地演绎好声乐作品。 一、歌唱要做到作者、歌者、听者三统一 演唱者要想演绎好每一首声乐作品，首先要真正理解词作者创作的真正涵意，把握和理解曲作者的乐曲音符所要表达的思想感情，理解曲目中昂扬顿挫、悠扬委婉、悲凉凄楚的真实目的，然后根据自己的理解对作品进行二次创造，这才完成了第一步；要想完全唱好这首歌曲，除了自身所必具的条件如：嗓音、声部、歌唱技术、歌唱技巧，甚至还要包括舞台经验等都完全适合外，还要对歌曲中的句子要逐步分析，对每个句子所具有的特定的情感，要对每一句歌词一句句的抠，一句句的揣摩，才能把作品的词意和曲意淋漓尽致地表现出来；演唱者必须与词曲作者取得情感上的契合，用整个身心去感受和领悟作品的音乐世界，去理解词曲作者想要表达的东西，才能有更细腻、更形象、更具有感染力的表演和演唱；演唱者在充分认识和分析音乐作品的同时，建立自己的艺术个性。把自己对作品的理解通过演唱和表演充分展示出来，这是认识作品的过程，同时也是对作品进行二次创造的过程；要通过对音乐作品的充分认识和理解，从而达到词、曲、歌三者间的默契配合；再通过自身感情丰富的演唱，把观众带进歌声中，或讴歌时代，或表达赞美，或传达思念，把听众的感情带到歌声里，也就达到了作者、歌者、听者的三统一。 一部音乐作品是词、曲作家情感的抒发和写意，是声乐表演者酝酿感情的依据。作家的创作必定是来源于生活，作品中必然蕴藏着深厚的情感，也就是演唱者要捕捉的“情绪触发点”。歌唱者必须从整体上深刻地认识作品，并在自己的身心上找到对作品的总感觉，才能把“情”字淋漓尽致的表演出来。所以，完整、全面而富于创造性地认识音乐作品，是为了在演唱中更好地体现、展示作品的艺术魅力。 二、声乐演唱和表演要做到身心统一 从声乐训练开始，我们就要使每次发出的声音都能蕴藏情感，而不只是单纯的音阶、音程和音母的练习。要做到让每次发声练习都由心底而出，也就是说演唱者一触及音乐就应该激起表现音乐的意识，这种表现音乐意识的训练一定要贯穿整个声乐训练过程，要使声音里有情；我们看到很多表演者在唱法上无可挑剔，但声音却毫无内容，也就是说不能用嗓音来揭示音乐形象和表现人类情感，使人感觉索然无味，与作品本身的思想感情脱节，“声”不由衷，通俗的讲应该是唱什么就像什么。唱高山，声音里就出现了雄伟挺拔；唱草原，声音里就要表现的辽阔无边；哪怕是唱喝酒，歌声里也要有那种豪爽和酣畅。例如蒙古族歌手呼斯楞演唱的《草原鸿雁》，歌的最后两句：“酒喝干，再斟满，今夜不醉不回。”呼斯楞演唱的那个“干”字，把草原的宽广和草原人的豪迈演绎的尽善尽美。声音里有了情感，就要体会在身体上。既然用情去演唱了，身体不能无动于衷，就要表演出来，身体的表演动作更有助于情感的发挥。因此，声乐表演中形体应变
音乐作品分析 1. 乐段是构成独立段落的最小的结构。乐段的特征：①乐段是音乐作品中表现完整 乐思或相对完整乐思的最小结构，是建立在单一主题上的，最小的完整曲 式。②乐段的组成部分是乐句，乐句间相互用终止式划分开来，又通过终 止式的功能关系联合成有机的曲式结构。③乐段常由几个乐句组成，这些 乐句之间具有问答呼应的关系。④主调音乐风格的乐段，在陈述发展和结 束乐思时，和声的表现手法起很大作用。⑤乐段的结构规模一般不太长， 但形式完整，统一，能体现鲜明的音乐形象。⑥乐段可以作为独立乐曲的 曲式，也可以是较大型作品的一部分。 2. 单乐段划分依据原则：①依据和声——调性布局可以分为开放性乐段（乐段不结 束在原调的完全终止），收拢性乐段（乐段结束在原调的完全终止），转调 乐段（乐段结束在从属调）等；②依据主题材料及乐思发展的状况可以分 为：重复性乐段，飞重复性乐段，展开性乐段，“无终旋律”式的乐段等； ③依据乐段拥有的乐句数量可以分为：二乐句乐段，三乐句乐段，四乐句 乐段，多乐句乐段等；④依据结构的模式可以分为：方整性乐段，不方整 乐段等。 3. 乐段的补充，扩充和约缩 A ．补充——乐句或乐段末尾形成终止式以后的收束性扩展称为补充。补充的典型 形式是：①延长或反复主和弦，如肖邦《g 大调前奏曲》最后8小节。主和弦的延长常常构成主音持续音，并常常出现下属系的和声或向下属系的离调和转调；②反复终止和弦，如贝多芬《第十一钢琴奏鸣曲》第二乐章9~12小节。③用正格终止结束以后再用变格终止作为补充终止，如格里格《加德》最后9小节。 B ．补充——乐句或乐段在内部（即在用终止式结收束以前）进行结构的扩展，称 为扩充。扩充的方法有：①动机或乐节的反复，模进，模仿或变奏。②延长终 止和弦。③在阻碍终止或不完全终止后，重复前面的乐节或乐句，最后以完全终止结束。④用复调手法，变奏手法或调性发展的手法扩充内部结构。
课程论文 标题：中国音乐剧产业的现状分析专业：文化产业管理 班级：B1201 成员：雷XX曹XX胡XX刘XX
音乐剧，早期译称为歌舞剧，是一种舞台艺术形式，结合了歌唱、对白、表演及舞蹈。通过歌曲、台词、音乐、肢体动作等的紧密结合，把故事情节以及其中所蕴含的情感表现出来。 一、中国音乐剧的发展前景 随着中国经济的健康快速发展，人民群众对文化娱乐的需求也出现了多元变化, 音乐剧这种新的艺术样式很快以其视听兼备、雅俗共赏的特质吸引了一批固定的并且正在不断扩大的受众人群。《妈妈咪呀！》中文版总票房达1?3亿元，而原创音乐剧《三个橘子》、《钢的琴》、《大红灯笼》以及《碟》等都凭借完整的剧情故事，完美的制作团队得到了观众的一致好评，这足以证明中国音乐剧的巨大市场潜力。 另一方面，就是因为中国音乐剧市场是一块可以预见的“大蛋糕”，越来越多的人投资制作音乐剧，但中国音乐剧的起步太晚，又企图腾飞得快些，难免有些误区，若仔细观察就不难发现，目前音乐剧在国内的发展并非想象中那般顺利，还存在诸多问题。 二、中国音乐剧发展中存在的问题 中国音乐剧的发展分为3个阶段，“首先是原版引进，然后是改编中文版，最后是做原创音乐剧”，3个阶段的核心落脚点在于如何本土化，因为音乐剧是西方舶来品。例如，中文版《猫》的场景是垃圾山，所以不同版本的《猫》中，垃圾L L［会根据不同地方的特点做“本地化处理”，这次中文版《猫》在北京演出时，垃圾山里就出现了“鸟笼”等京味元素；《我，堂吉诃德》走的是另一种路径，这部经典音乐剧在得到授权后，由曾为美国百老汇戏剧导演的约瑟夫?格雷夫斯带领一群中国演员排演完成，剧中不论是台词还是唱段，所有演员都用英文完成，在演出形式、舞美、道具甚至是音乐上，导演都有相对较大的改编权限，他可以根据剧场、观众、时间等各种客观环境的不同，而对剧目呈现做出针对性的调整或修改。虽然这几部改编的音乐剧反响不错，票房收入较高，但有专家指出，国内大部分音乐剧还面临着各种各样的困境，它们首轮演出依靠一系列大张旗鼓的宣传，尚有不错的反响。到了第二轮，情况便会明显弱于前一轮，到了第三轮情况显然不容乐观。造成上述现象的原因有很多。
浅论声乐表演的曲目选择 摘要：声乐表演中曲目选择的好坏会影响表演的成败。对经常参加比赛的声乐演唱者来说，由于曲目选择的失误而导致比赛中原有实力没得到充分展现的例子数不胜数，尽管如此，正确科学地选择恰当的曲目仍然没有得到更多声乐专业人士的重视。本文将从声乐演唱中比较突显曲目选择的重要性的表演形式，如音乐会、比赛等方面阐述正确、科学、恰当选择声乐曲目的意义。 关键词：声乐演唱特点曲目选择重要性 一场成功的声乐演出不仅仅是优美动听的歌声和旋律，它是由很多因素组成的，而且都是我们肉眼所看不见的。比如，作为一名声乐演唱者，首先要具备声乐演唱的专业技能，如自然嗓音、演唱技巧、表演的能力等，这些都属于内在的表现力，虽然可以通过努力来提高，但不是以人的意志为转移的。然而，在具备以上条件的基础上，如果你能根据自身的嗓音、技术、舞台表现力等条件选择一首或几首适合自己演唱的曲目，就能恰到好处地将自己的优势表现出来，往往会有事半功倍的效果。相反，在一些比赛中，有的选手为了得高分，盲目地选择高难度和不适合自己演唱的曲目，结果会让评委和自己处于一种想快点结束演唱的情境，这自然是由于曲目的选择失败所造成的。因此，曲目的选择甚至
会决定一场比赛、一场考试或者一场音乐会的成败。尽管曲目的选择有如此重要的作用，但没能引起业界足够的重视。曲目的选择是有一定的理论和实际依据的，它是建立在科学的基础上，通过对以往经验的不断总结，将经验的理论和现实的实践相结合，本文将在理论的基础上，结合实践来探讨如何才能科学地选择曲目。 一、声乐曲目选择的重要性及意义 首先，曲目的选择不管是在声乐领域还是在器乐领域都有着同样重要的作用。曲目的选择是正确实施教学的前提条件和重要环节，选择恰当曲目才能进行有效的教学，才能更好地锻炼和提高演唱技能。这就要求教师要在教学中把握好教学的尺度，因为曲目的选择直接会影响教学成果和学生的自信心。所以，相对而言，曲目选择是进行有效教学的基石，是将一位学生能否培养成功的关键。有些学者认为，科学恰当的曲目选择是进行基础音乐教育的重要环节，因为它不仅能将已经学到的技术进行强化和巩固，还能使声音的应用能力得到加强、拓展音乐理论知识、培养良好的乐感。总之，合适的曲目会给学生带来一个立体的音乐世界，在这个世界里，学生能够更容易和清晰地了解所要掌握的知识。 其次，目前声乐界关于曲目选择相关的研究成果比较少，但也有一些以实践为例的成果。这些成果主要从曲目的选择直接影响演出的成败，从而得出要选择恰当的曲目的结
从音乐剧四大要素分析音乐剧《悲惨世界》 音乐剧是一门融合了戏剧、音乐、舞蹈、舞台艺术等表演形式为一体的综合性艺术，以其令人陶醉的流行音乐元素，扣人心弦的戏剧故事，吸引众人眼球的舞台艺术效果，以其不可阻挡之势征服了和征服着越来越多的音乐爱好者。美国著名音乐剧作家奥斯卡.小哈默斯坦曾给音乐剧下了这样一个定义：“它是你能想象到的任何一种形式。”从音乐剧的四大要素来看，音乐剧是以戏剧为基石，以音乐为灵魂，以舞蹈为重要表现手段，讲舞台美术融为一体讲述故事、刻画人物、传达概念的表演艺术娱乐产品。 改编自法国文学巨匠雨果同名小说的音乐剧《悲惨世界》诞生于1978年的法国，首演于1980年。1985年被改成英文版登上伦敦舞台。1987年亮相美国百老汇。乃当今音乐剧界"四大名剧"之一。 提起法国著名文学大师维克托·雨果的名字,中国人并不陌生。用他的长篇小说《悲惨世界》、《巴黎圣母院》改编的同名影视及芭蕾舞剧，就有几种版本在我国放映或公演过。他这两部小说的中译本,以及戏剧《欧那尼》、《笑面人》,诗集《惩罚集》,也为我国文学、戏剧爱好者所熟悉。但是谈到雨果一生费时最长,耗去精力最多的作品,当数《悲惨世界》了。《悲惨世界》是雨果1828年在巴黎听到一个真实的故事后,激发了他的创作灵感后而创作的。从他搜集资料、构思情节,到1848年小说正式出版,前后整整经历了34年时间。也可以说,《悲惨世界》耗费了雨果一生大部分心血。是他创作的伟大结晶。从优秀的文学、艺术作品中取材，使音乐剧的作者能够站在巨人的肩膀上进行创作，使音乐剧的剧本有了坚实的文学基础和艺术基础。自一九八五年上演《悲惨世界》以来，世界各地的《悲惨世界》剧迷们如滚雪球般不断地快速成长，超过《猫》、越过《歌剧魅影》，从来没有一出音乐剧可以十二种语言，同时在世界一百多个城市上演。《悲惨世界》能在全世界范围内受到如此大的关注，其剧本起到的作用不可忽视。而提起剧诗，许多人会感到陌生，但是一提起音乐剧中那一首首脍炙人口的歌曲中令人难忘的歌词，人们会侃侃而谈。比如剧中拉马克将军的死讯传开后，学生领袖恩佐拉带领众人唱的“你可听到人民的歌声”充满着昂扬的斗志，激荡人心，让人听后不禁热血沸腾、心潮澎湃。且旋律朗朗上口，过耳难忘。而后面的一首“只待明天”也是一首很有气势的大合唱，与前一首相比可谓有过之而无不及。所以说，剧本和剧诗是“一剧之核”。 但在我个人看来，音乐剧《悲惨世界》的成功主要是因为其音乐创作的成功，而声乐在该剧音乐中又占有主要位置，从观众在欣赏完后对剧中的多首歌曲的久久难忘也可见该剧歌曲创作的成功。毫无疑问，音乐定义了音乐剧的存在，是音乐剧的灵魂。小哈默斯坦在解释音乐剧的定义时还说过另一句话：“其中，只有一个元素是音乐剧必不可少的，那就是音乐！” 音乐剧《悲惨世界》的音乐整体气势恢宏，大气磅礴，富有史诗般的色彩。其中有许多令人难忘的曲目，比如《I dreamed a dream》、《Who Am I》等。《Who AM I》这首曲子是在悲惨世界的故事中，沙威暗示冉阿
成人高等教育学士学位《曲式与作品分析》考试纲要 第一部分课程说明 一、课程的性质和设置说明 《曲式和作品分析》是为培养和检验应考者的曲式和音乐作品分析基本理论和应用能力而设置的一门基础理论课程。包括两方面的内容：一是曲式分析基本理论;二是音乐作品内容分析。要使学生比较全面系统地掌握各种曲式类型的特征以及判断依据，能分析具体的音乐作品的曲式特征及音乐内容特征。 二、参考书目 《曲式分析基础教程》（高为杰陈丹布编著） 第二部分考试内容和考核目标 第一章：绪论 1、曲式的定义及概述。 2、有关曲式结构的一些基本术语概念。 3、曲式发展的基本结构原则。 4、音乐的陈述类型。 第二章：一段曲式 1、识记：什么是一段曲式；乐句、乐节和乐汇之间的区别;一段式的分类原则。 2、理解：一段曲式的特征；乐段内部各单位的相互关系；复乐段的结构意义。 3、重点分析曲目：格里格《我爱你》 巴托克《献给孩子们》。 4、分析要求：能在乐谱上划分乐句；作简要的和声分析；说明音乐内容。 第三章：二段曲式 1、识记：什么是二段曲式？二段式呈示段的特征；什么是再现的二段式？什么是无再现的二段式？ 2、理解：二段式第二部分与第一部分之间的对比主要表现在哪些方面？ 3、重点分析：舒曼《初衷》 格里格《索尔维格之歌》。 4、分析要求：在乐谱上划分乐句；判断曲式形式；画出曲式结构图；分析音乐内容。
第四章：三段曲式 1、识记：什么是三段曲式？什么是引伸型中段？什么是并置型中段？ 2、理解：引伸型中段和并置型中段各有哪些特点？ 3、重点分析：肖邦《玛祖卡舞曲》OP33NO2 《在银色的月光下》。 4、分析要求：判断何种类型的三段曲式；画出结构图式；分析中段写法;说明音乐内容。 第五章：三部曲式 1、识记：三部曲式的基本结构图；中部的写法可分为哪两种基本类型？什么叫三声中部？ 2、理解：三部曲式的基本特征；呈示型中部与展开型中部有哪些不同？ 3、重点分析：贝多芬《钢琴奏鸣曲》OP2.NO1第三乐章 肖邦《降E圆舞曲》OP18 柴可夫斯基《如歌的行板》 4、分析要求：在乐谱上划分乐句、乐段；判断曲式类型；画出结构图式；分析音乐内容。 第六章：变奏曲式 1、识记：变奏曲式的定义；什么是固定低音变奏？什么是装饰变奏？ 2、理解：变奏曲式依据变奏方式的不同可分为哪几种类型？ 3、重点分析：阿连斯基《固定低音》OP5.NO5 莫扎特《主题与变奏》 刘庄《钢琴变奏曲》 4、分析要求：能较准确地描述变奏曲主题及各个变奏的创作手法特征及调性布局。 第七章：回旋曲式 1、识记：什么是回旋曲式？画出其图式。 2、理解：回旋曲式插部与叠部之间的关系。 3、重点分析：洗星海《到敌人后方去》 贝多芬《钢琴奏鸣曲》OP14.NO2第三乐章。 4、分析要求：在乐谱上标出叠部和插部；画出曲式结构图。 第八章：奏鸣曲式、回旋奏鸣曲式及其他 1、识记：奏鸣曲式的定义、结构图式；回旋奏鸣曲式的定义、结构图式。 2、理解：奏鸣曲式的呈示部、展开部及再现部各有哪些特征？回旋奏鸣曲式与奏鸣曲式、回旋曲式各有哪些不同？
浅谈中小学音乐创作教学 王亚丽 (岷县闾井镇中心小学，甘肃定西 748407) [摘要]：音乐创作教学是音乐新课程改革中一个崭新的领域。在中小学音乐创作教学中应注意消除音乐创作神秘感，采取循序渐进的教学方法，逐步激发学生学习兴趣，使之体验到音乐创作的快乐，最终实现培养学生创新能力的教学目标。 [关键词]：新课程音乐创作教学方法 引言 由国家教育部制订的《全日制义务教育音乐课程标准》第一次把“音乐创造”作为四个内容标准之一，这样的拓展表明新课程标准对发展学生创造性思维能力的重视。在中小学音乐教学中大力开展音乐创作教学，是发挥学生想象力和思维潜能的重要手段，对培养具有创新精神和实践能力的新型社会人才具有十分重要的意义。在中小学音乐创作教学实践中应该注意哪些问题，是中小学音乐教师普遍关心的问题。 一、消除音乐创作的神秘感 古今中外，许多感人至深的音乐名做都是作曲家在艰苦的脑力劳动中创作出来的。所以人们想当然地认为作曲不是一般人可以涉足的，超出了普通小学生在音乐课堂上的学习范围。然而，中小学生并非没有音乐创作的愿望和能力。我们没有理由认为能写作文、会自由绘画的儿童，不能创作出自己的旋律和节奏。中小学音乐教学不以培
养作曲家为教学目标，学生只要能通过创作实践获得体验，从而加深对音乐美的理解也就达到了目的。 从个体成长发育角度看，音乐创造的欲望是与生俱来的。婴儿的咿呀之声不仅仅是说话的前奏，也是歌唱和无拘无束作曲的开始。我国学者许卓娅研究发现：婴儿在3个月左右时就会开始进行嗓音游戏，2岁前后许多儿童开始进入近似歌唱的阶段，3岁的儿童能够为短小、重复的歌曲填写新的歌词，4岁的儿童已经初步意识到创作应该与别人不同，4—6岁的儿童在良好的教育影响下能独立地即兴哼唱出相对完整的新曲调…… 中小学生是具有音乐创作能力的，关键是要通过各种手段激发他们的创作兴趣，培养他们的创造欲望，从而破除他们对创作的神秘感、恐惧感。首先，要使学生相信自己具有创作音乐的能力，教师可以用大量的事实鼓励学生，使他们从原有的思想束缚中解脱出来。其次，在创作实践中采取循序渐进的教学方法，使他们在实践中看到自己的成绩和进步。教师也要尽力发现学生在创作上每一个细小的闪光点，适当给予赞扬。重要的是，要帮助学生创作出较为流畅自然、相对比较理想的作品，好像朗读学生作文中的范文一样，在课堂上予以吟唱、分析。这样，学生必然会增强信心提高兴趣，获得成功的乐趣。 二、将创作教学带入到其他音乐教学当中 音乐作品体现着音乐创作的一般规律，以作品为载体，在欣赏教学、歌唱教学和器乐教学中，处处都可以渗透音乐创作的知识和技能。 例如：在欣赏民族管弦乐曲《春江花月夜》时，可以向学生介绍
龙源期刊网 https://www.doczj.com/doc/6517016666.html, 浅谈影视歌剧表演中的感情表现技巧 作者：曲政一 来源：《戏剧之家》2019年第20期 【摘要】影视歌剧表演要求创造出有血有肉的人物形象，离不开感情表现技巧。在影视 歌剧表演中，感情表达作为表演艺术中最重要的环节，可以起到塑造形象、传达情绪、情感的作用，体现着影视歌剧艺术的美感。本文以感情表现为切入点，在概述影视歌剧艺术的现代化发展现状的基础上，重点探讨了影视歌剧表演中的感情表现技巧，旨在说明加强感情表现技巧的重要性，以期提供参考借鉴。 【关键词】影视歌剧表演;现代化发展;感情表现;技巧 中图分类号：J812 ; ; ; 文献标志码：A; ; ; ; ; ; ; ;文章编号：1007-0125（2019）20-0028-01 一、影视歌剧艺术的现代化发展现状 人文精神是歌剧作品永远的灵魂，人文精神的缺失，表现为缺少对歌剧艺术表现的思想深度。演员是影视歌剧表演的主体，由于感情表现能力不足，塑造的人物缺乏生命力，没有过于深刻的东西，造成影视歌剧表演堕落为一种肤浅的感情消费，这些是歌剧人无法回避的。感情表达是表演艺术中最重要的环节，影视歌剧人物的情感，从表演的感情角度挖掘剧情，对于专业演员的要求也越来越高，现如今，在影视歌剧现代化产业模式下，影视歌剧表演中感情表现的重要性日益凸显，唯有将影视歌剧表演技巧和感情表现有机结合，阐释影视歌剧艺术之中所包含的情感，才能体现影视歌剧艺术价值，给观众带来极富感染力的影视歌剧作品。 二、影视歌剧表演中感情表现的技巧 （一）热爱歌剧艺术并忠于表演 热爱歌剧艺术并忠于表演是影视歌剧表演中感情表现的关键。剧本是演员进行影视歌剧表演的前提和基础，角色塑造前要充分理解剧本，对歌剧表演者而言，热爱歌剧艺术，加强自身的艺术修养，通过熟悉剧本揣摩人物感情，才能充分表现人物情感。热爱歌剧艺术的同时要忠于表演，剧中的矛盾冲突通过演员的演技表现出来，需要扎实的表演功底，深入地挖掘出人性和人心的复杂，准确地表达出歌剧作品的思想感情，使人物情感符合影视学歌剧表演实际要求。感情表现技巧可利用情景模拟的方式，还原歌剧作品的情境，呈现应有的艺术效果。 （二）保持良好的歌剧表演心态 保持良好的歌剧表演心态是影视歌剧表演中感情表现的重要环节。心态对表演者至关重要，表演者在影视歌剧表演期间，结合自己的优势和个性表现歌剧中的感情，应该保持一个好的心态，在对自己的身份进行重新定位后，保持内心充满乐观开朗的情感。心态直接影响着表
巴洛克时期声乐音乐的发展 摘要 巴洛克时期创作了大量永垂千史的的声乐作品，作品中涵盖了浓厚的艺术趣味。这些声乐作品不仅内容强烈反映人性主义的光辉，肯定人的理性，同时运用广泛的题材、优美的旋律和新的节奏记号把音乐表现的酣畅淋漓，许多力度表情记号也用来暗示音乐的强弱变化，从而进一步加深音乐的表现力，还有高贵典雅、雄伟庄严、内省而极富哲理性的音乐风格，正是由于这些丰富的艺术特征，才使其在四百多年的音乐长河中一直颇受人们的喜爱。 关键词：巴洛克时期声乐发展特点 1.绪论 1.1 声乐音乐的相关概念 1.1.1 声乐的概念 声乐（vocal music），是指用人声演唱的音乐形式。声乐包括：美声唱法、民族唱法和通俗唱法，2006年中国又出现了原生态唱法。通常声乐指美声唱法。 1.1.2 声乐的分类 1.女高音 女高音的音域通常是从中央c即小字一组的c到小字三组的c。演唱女高音的歌手，由于音色、音域和演唱技巧的差别，又可以分为抒情、花腔和戏剧三类。 2.女中音 女中音的音域和音色都在女高音和女低音之间。音域通常从中央c下面小字组的a到小字二组的a 。 3.女低音 女低音是女声中最低的声部，音域通常从中央c下面小字组的f到小字二组的f。音色不如女高音明亮，但比较丰满坚实。 4.男高音 男高音是男声的最高声部，音域通常从中央c即小一字组的c到小字三组的c。按音色的特点可分为抒情和戏剧二类。 5.男中音
男中音的音域和音色介乎男高音和男低音之间，在一定程度上兼有两者的特色。音域一般从小字组的降A到小字二组的降a。 6.男低音 男低音是男声的最低音。音域通常从小字组的e到小字二组的e。按音色的特点还可细分为抒情男低音和深厚男低音等。男低音的音色深沉浑厚，擅于表现庄严雄伟和苍劲沉着的感情。 1.1.3 声乐的唱法 所谓“唱法”，实际上就是一种特有的演唱模式，这种模式直接影响着演唱的外在表现风格。 1.2 巴洛克时期的音乐 在西方音乐史中，巴洛克时期是指1600-1750的150年历史，巴洛克音乐的节奏强烈、跳跃，采用多旋律、复音音乐的复调法，比较强调曲子的起伏，所以很看重力度、速度的变化。巴洛克音乐是后期发展的一个基础。在声乐方面，巴洛克音乐带有很浓的宗教色彩，当时的宗教音乐在西方音乐的发展占很大的分量。 2. 巴洛克时期音乐的历史背景 2.1 科学文化 科学文化的进步，特别是实验科学的进步，成为新的音乐风格的重要源泉之一。社会崇尚理性主义，科学家的新观念和成就深刻的影响了音乐的发展。（十二平均律、和声学等） 2.2 宗教兴盛 该时期是宗教兴盛的时期。天主教和新教之间的斗争对艺术产生了重大的影响。代表中产阶级利益的新教和代表封建旧王朝的天主教，都在利用巴洛克这种新的艺术风格为自身服务。 2.3 社会环境 西方殖民化和资本主义的发展为音乐的发展起到了积极的推动作用。首先，中产阶级累积的财富为艺术的发展提供了更大的可能性；其次，贵族宫廷成为重要的音乐文化中心。
经历几年的教学，我在实践中对音乐课堂的创作教学进行了一些尝试。1、依靠原课文材料进行创作，启发学生创造性地进行艺术表现 基于课文原材料的基础上，进行音乐创作实践。例如：让学生把学会的这首歌的内容展开，去想象，去创作。把他们对歌曲感受到的最美妙的东西完整地表现出来。所以，我请学生上台来说一说歌曲描绘的故事，他们都讲得有声有色，有的甚至还会模仿不同角色的语言声音来表现故事中的每个角色的特点，他们各显身手，都想表现自我的创作才能。 2、进行旋律片段的创作 旋律片断的创作，目的是要发展学生的音乐思维能力，要指导学生进行大胆想象，进行旋律片段创作的练习，，通过一定数量的练习以后，适时地进行理论上的总结，并以这些规律去指导今后的练习则大有好处。例如，为旋律选择未尾结束音的练习做多了，我们可以进行总结“一个完整的旋律其结尾往往给人以终止的感觉，造成这种终止感的因素之一，便是旋律以它所属的调式中最稳定的主音为结束音”。平时在唱歌、视唱、欣赏以及旋律片断等教学中要适时地进行总结，各种调式的主音是什么。如大调式主音是1，小调式主音是6，商调式主音是2，徵调的主音是5等等。平时也可介绍旋律发展的手法，如：重复，模进，对比。如：师生互动，接唱旋律，我们唱出或者弹出前半段（句）曲调，请同学们去接唱，如：老师唱：1 2 |3- |，学生就唱：3 2 |1- |（师）3 4 |5- |（生）5 4 |3- |等，加强他们对乐曲终止及曲式中起承转合的感性认识。 3、表演类的创作 小学生天性好动，他们往往不满足于仅用歌声来表达自己的内心情感，而更喜欢用动作加以补充。他们期望老师允许其边唱边动作或边欣赏音乐边动作来表现音乐。事实上，依靠身体动作有助于更好地感知音乐的节奏，因此，教师要善于创造一切有利于学生用形体动作表现音乐的机会，以此促进学生即兴创作能力的提高。即兴律动。学生在静听音乐的基础上，创编出与音乐相符合的动作进行表演。如：《小企鹅》一课，在听唱歌曲的基础上，让学生通过模仿小企鹅的动作来，既进一步理解巩固了歌曲，加上动作，很好地配合了歌曲的节奏，对掌握歌曲的旋律学习也极为有利。又如《小雨沙沙》这首歌曲，宛如一幅画，绘声绘色地再现了春雨的场面。在教唱时，先准备好打击乐器，一部分学生边唱边做下雨和麦苗的动作；另一部分学生按歌曲节奏敲击沙捶进行伴奏。学生边做动作、边唱歌曲、边伴奏。这样生动地表现了歌曲的场面和意境，活跃了课堂气氛，在歌曲中培养了学生的实践能力。 4、听赏后即兴表演 欣赏教学中经常要进行创作活动。先让学生静静地专心聆听音乐，边听边想，然后引导学生根据音乐展开想象，通过情景、律动、舞蹈、声势（拍手、拍腿、跺脚）等自由地表演音乐的节奏、旋律或内容。如：《采茶舞曲》，学生在欣赏乐曲的基础上，让学生扮演角色，通过动作来表现采茶女的情境，再现的欢快的劳动的音乐形象。 总之，音乐课堂教学创作活动与表演融合在一起，灵活多变，随意而为，敏捷而又自然流畅，因为具备这些特点而深受学生的喜爱，并很容易使学生产生浓厚的兴趣，从而有利于培养学生的兴趣、自信心，也有利于个性的发展和思维的提高。在音乐课堂教学中，通过各种形式的音乐课堂的即兴创作，能够唤醒了学生沉睡的潜能，激活了学生封闭的记忆，开启了学生的心灵，放飞了学生的情感，使新课标下的音乐课堂成为师生共同发展的广阔天地。
何为正歌剧.喜歌剧.轻歌剧.趣歌剧,以及之间有什么差异和联系? 歌剧是一种高度综合的艺术，它融音乐、戏剧、诗歌、舞蹈及美术于一体，把丰富多采的表现手段至善尽美地结合在一起，显示出独特的魅力和感染力，成为在本质上区别于其它舞台艺术的一种形式。歌剧基本上分正歌剧与喜歌剧两种。自１７世纪初经长期发展又派生出多种类型，有正歌剧、大歌剧、喜歌 剧、轻歌剧、乐剧及清唱剧等。 正歌剧(opera seria) 这名词常指17世纪或18世纪早期的意大利歌剧，或者相类似的歌剧。题材崇高，以神话人物、英雄骑士为主要角色、营造一种理想化了的纯美境界音乐风格崇高华丽、追求歌唱技巧的歌剧。是和宫廷贵族的艺术趣味相适应的，在形式上注重华丽的演唱技巧。音乐包含序曲、咏叹调、有伴奏的宣叙调、重唱、合唱等。正歌剧不仅盛行于意大利而且还流传到欧洲其他国家，德国、奥地利和法国的作曲家也常采用意 大利剧作家的脚本写作正歌剧，用意大利语演唱。 喜歌剧 又称“谐歌剧”，和正歌剧相对立的歌剧种类。盛行于十八世纪。题材取自日常生活，音乐风格轻快幽默。它包括这样一些常见的特点：表现人们熟悉的生活场景和人物，具有喜剧因素，结尾往往是团圆或胜利，音乐轻快，用本民族语言等。喜歌剧主要流行在法国、意大利、德国等欧洲的主要国家。这些国家的 喜歌剧有着不同的特色。 正歌剧：盛行于十七世纪，题材重大严肃、音乐风格崇高华丽、讲求歌唱技巧。 喜歌剧：盛行于十八世纪，取材于日常生活，音乐风格轻快幽默。 趣歌剧 属于喜歌剧的特殊重要类型。一般分为两类：①意大利趣歌剧：指18世纪具有喜剧性内容的意大利歌剧，与正歌剧相对而言，常取材于现实生活，通常分为两幕。剧中人物分正角与趣角两大类，后者以男低音为重要角色。剧中无对白，多使用干朗诵调，有重唱，并常有小合唱的终曲。意大利趣歌剧在19世纪得到进一步发展。如G.罗西尼的《塞维利亚的理发师》大利作曲家G.罗西尼的歌剧《塞维利亚的理发师》）。 ②法国趣歌剧：19世纪法国喜歌剧的变种，是一种较轻松活泼的通俗音乐喜剧，部分对话使用说白，规模接近于独幕歌剧，也有分为两幕的，J.奥芬巴赫的《地狱中的奥尔甫斯》为其代表。 轻歌剧 源于喜歌剧和歌唱剧，因此它可以自由地运用对白。剧本题材通俗轻松，内容大多抒情。结构通常比较短小，大多为独幕剧形式。剧中除独唱、重唱、合唱外，还有说白。旋律流畅动听，配器色调鲜明，与正歌剧的严谨风格形成对比。轻歌剧这一名称源自意大利文“operetta”，其原词意为“小型歌剧”，它是歌剧的缩小形式，因此，“operetta”又可译做“小歌剧”。在一般意义的“轻歌剧”，是指法国的轻歌剧和维也纳 的轻歌剧，也把滑稽歌剧为轻歌剧。
1.乐段是构成独立段落的最小的结构。乐段的特征：①乐段是音乐作品中表现完整 乐思或相对完整乐思的最小结构，是建立在单一主题上的，最小的完整曲 式。②乐段的组成部分是乐句，乐句间相互用终止式划分开来，又通过终 止式的功能关系联合成有机的曲式结构。③乐段常由几个乐句组成，这些 乐句之间具有问答呼应的关系。④主调音乐风格的乐段，在陈述发展和结 束乐思时，和声的表现手法起很大作用。⑤乐段的结构规模一般不太长， 但形式完整，统一，能体现鲜明的音乐形象。⑥乐段可以作为独立乐曲的 曲式，也可以是较大型作品的一部分。 2.单乐段划分依据原则：①依据和声——调性布局可以分为开放性乐段（乐段不结 束在原调的完全终止），收拢性乐段（乐段结束在原调的完全终止），转调 乐段（乐段结束在从属调）等；②依据主题材料及乐思发展的状况可以分 为：重复性乐段，飞重复性乐段，展开性乐段，“无终旋律”式的乐段等； ③依据乐段拥有的乐句数量可以分为：二乐句乐段，三乐句乐段，四乐句 乐段，多乐句乐段等；④依据结构的模式可以分为：方整性乐段，不方整 乐段等。 3.乐段的补充，扩充和约缩 A．补充——乐句或乐段末尾形成终止式以后的收束性扩展称为补充。补充的典型形式是：①延长或反复主和弦，如肖邦《g大调前奏曲》最后8小节。主和弦的延长常常构成主音持续音，并常常出现下属系的和声或向下属系的离调和转调；②反复终止和弦，如贝多芬《第十一钢琴奏鸣曲》第二乐章9~12小节。③用正格终止结束以后再用变格终止作为补充终止，如格里格《加德》最后9小节。B．补充——乐句或乐段在内部（即在用终止式结收束以前）进行结构的扩展，称为扩充。扩充的方法有：①动机或乐节的反复，模进，模仿或变奏。②延长终