艺术读书笔记4篇
本文是关于艺术读书笔记4篇，仅供参考，希望对您有所帮助，感谢阅读。
《领导的语言艺术》作者：邢春如，出版方：辽海出版社
书籍简介
语言是人类最重要的交际工具，人们借助语言保存和传递人类文明的成果。语言是思维工具和交际工具，它同思维有着密切的联系，是思维的载体和物质外壳以及表现形式。语言是符号系统，是以语音为物质外壳，以语义为意义内容的，音义结合的词汇建筑材料和语法组织规律的体系。语言是一种社会现象，是人类最重要的交际工具，是进行思维和传递信息的工具，是人类保存认识成果的载体。
语言是人类的创造,只有人类具有真正的语言。只有人类才会把无意义的语音按照各种方式组合起来，成为有意义的语素，再把为数众多的语素按照各种方式组合成话语，用无穷变化的形式来表示变化无穷的意义。
人类创造了语言之后又创造了文。文是语言的视觉形式，突破了口语所受空间和时间的限制，能够发挥更大作用。口才是我们在交际的过程中，口语语言表达得十分准确、得体、生动、巧妙、有效，能够达到特定交际目的和取得圆满交际效果的口语表达艺术与技巧。
口才是一种综合能力，不仅包括语言表达，还包括聆听、应变等多项能力。中国著名演讲家、“新中国演讲事业开拓者”、中国第一位演讲学教授邵守义有一句名言：“是人才未必有口才，有口才必定是人才。”有口才的人说话具有“言之有物、言之有序、言之有理、言之有情”等特征。总之，善表达，会聆听，能判断，巧应对，是衡量口才好与坏的重要标准。
口才并不是一种天赋的才能，它是靠刻苦训练得来的。古今中外历史上一切口若悬河、能言善辩的演讲家、雄辩家。他们无一不是靠刻苦训练而获得成功的。
近日，我有幸读了《魏书生教育教学艺术》，对于其中关于如何培养学生自主学习有一些自己的感受和见解，以下为一些读书心得体会。
一直以来我们的课堂教学以教师讲授，学生接受为主。语文课常用的教学模式是：以教师为中心，教师利用讲解，板书和多媒体作为教学手段，以教材为依
据向学生传授知识。学生要做的就是接受教师传递的知识。教师是知识传授者，学生是接受者，教材、参考资料以及教师的个人经验是知识来源，是学生学习的内容。在这种模式下，语文课堂教学便有“填鸭式”的满堂灌，教师充分“咀嚼”的内容，到了学生“口中”自然也就变味了。学生的思维习惯了顺从接受，渐渐对变化和发展产生抵制，不肯接受新事物、新知识;自己也忘记了是一个有着独立思想的活生生的人。因而，我们要培养学生自主学习的能力，把培养学生的自主学习能力作为语文教学的首要任务。
一、教师适时引导，促进学生自主学习的能力发展
据专家统计，许多成功人士，在学校时大多不是第一流的学生，只不过是二、三流的，什么原因使得这些并不冒尖的学生在以后的日子里能成为拔尖的人才?靠的是后天的努力，是一种锲而不舍的意志和毅力，而这种精神来源自于学生时代培养自主学习的能力。据此，语文课堂教学中要着眼于引导，激发学生的学习积极性，以达到学生自主参与学习活动的教学效应。
语文课有其得天独厚的优势:拥有丰富多彩的文学作品，生动多样的教学方式，又与学生生活有着千丝万缕的联系。教师要做的是：第一、要让学生热爱语文，将语文学习看作是他们生命成长的一部分。第二、兴趣是最好的老师，教师要充分利用好各种教学媒介和教学手段激发学生的学习兴趣，增强教学的趣味性、思想性，打破课堂教学如死水般的寂静，激发学生自主学习的兴趣。第三、教师要注意每个学生原有语文水平的差异性，因材施教引导、鼓励学生以积极的态度;对语文水平相对较差的学生要降低评价标准，发掘树立学生认同的学习榜样以提高学生的语文学习积极性。第四、支持、鼓励学生采用创造性的自主学习方式，对他们在学习中有思想、有创造的问题不抹杀、不否定，而是更加积极地给与反馈、赞扬。但初中生的感情胜于理智，他们的行动不只受认识的支配，更多的还是受感情的支配。所以，在提高学生自主学习的认识基础上还要设法激发他们的兴趣，使学生乐于学习。这些都需要靠教师在课堂上适当的引导才能完成。
教师要怎样来引导、调动、激发学生潜在的学习需要呢?我们可以通过各种各样的方法去引导学生。例如：讲名篇和名人故事，或把其他学科内容引进语文课堂等。在讲课中引导学生去想去学习，在思考中慢慢感受到成功的喜悦，发现学
习的兴趣。学生的自主学习是不能完全脱离教师，只有通过教师的正确引导，采用有效的策略，才能更好地促进自主学习意识和能力的发展。教师在语文教学中应努力实施以下的策略：
(一)、语文教学中教师要把握学生自主学习的环节，加以积极引导。1、引导学生自我确定学习目标。教师不必把课文分成大小不等的问题，然后让学生来解答问题。而是在教学中应从整体入手，让学生自我感知的基础上引导学生确定学习目标，选取自己最需要的最感兴趣的学习内容。语文新课标中就明确有一个单元是由学生自选课文学习的。2、引导学生自主选择学习方式。学习方式应因人而异，我们教师应引导学生自主选择适合自己的学习方式，从而提高学习的能力。我在文言文教学中是这样做的: 课文是由老师翻译，还是学生自己翻译?我让学生来选择，然而学生选用了小组合作翻译，那样我就放手让学生自己完成，只是在学生不懂的地方要我帮忙的地方，我就去引导。同学们在自主、合作中显示出高涨的学习热情，这课收到了很好的效果。3、引导掌握良好的学习方法。学生掌握学习技巧和方法是自主学习的关键。学习一篇课文，引导学生掌握“整体感知——精析、研读——归纳、总结”这样既见森林又见树木的学习模式是魏书生教给学生的“六步法”学习法就收到很好的实效，学生找到了方法，就有了主线，就能触类旁通，自主学习就如鱼得水。
(二)、要把握课堂互动、合作的学习环境，教师要加以积极引导。发动学生自主学习，通过互动、合作的方式，往往收到实效。学生在合作、互动中，互助中取长补短。让学生有更多的表达自己观点和倾听他人观点的机会。培养学生的学习能力。如在互动、合作中创造竞争情境，就会收到很好的效果。大脑这部机器处于竞赛状态时效率要比无竞赛时的效率高得多，即使对毫无兴趣的智力活动，学生因热望竞赛取胜而产生的间接兴趣也会使他们忘记事情本身的乏味，而兴致勃勃地投入到竞赛中去。所以，我在班上是经常开展自学比赛活动。如：记忆力竞赛、口头作文竞赛、速读竞赛、书写竞赛、查典竞赛等。或在限定的时间内看谁完成的任务最多，或是在限定任务量的前提下看谁用的时间少。竞赛使学生大脑处于高效率状态，提高了学习的效率，对所学习知识充满了兴趣，以致在欢乐中忘记了困难和疲惫。人的能力是在动力下得到发展的，学生在这种竞赛中培养
了一种学习语文的能力。又如，课堂上常常采用分组朗读或表演等方式。学生在表现自我，评价别人中，自己的学习能力从中也得到发展。教师布置学习任务给学习小组，小组成员自主分散和合作查阅信息，或在共同讨论中达到自己学习效果。在单元复习中，教师采用学生互相命题，互相测试的方法进行，这样学生充分发挥了自主性，积极性;很好地达到了提高学生学习能力的目的。
二、变换课堂教学方式，促成自主学习能力的提高
新课标的新理念，要求教学实践的改变，教师也将随着学生学习方式的改变来改变教学的方式。教师在语文教学中不断变换课堂教学方式，使课堂教学生动、形象，引起学生的兴趣，使学生能够自主选择自己喜欢的学习模式，学生在参与的过程中自主学习，在课堂中主动、大胆、尽情地动脑、动口、动手，自由发挥自身的学习个性，真正体现学生在教学过程中的主体地位。课堂采用多元化教学方式，通过学生的参与、互动、体验和实践活动，使学生的语言综合能力和自主学习能力得以不断提高，树立学习主人翁意识。
1、营造开放式课堂，拓展学生自主意识。希尔伯曼认为开放式课堂包括空间上的灵活性，学生讨论活动的选择性，学习材料的丰富性，课程内容的综合性。教师要致力于还学生以心灵自由，发挥群体交互激励机制，大胆地拓展课堂时空，创设“无拘无束的气氛”，让学生“自由地呼吸”，使其自主意识转化为自主学习能力。成功感是学生获得自由的最重要情素，苏霍姆林斯基说:“人的心灵深处，会有一种根深蒂固的需要，这就是希望感到自己是个发现者、研究者、探索者。”因此，教师要善于捕捉来自学生思维的灵感，智慧的火花，不失时机地将其延伸为自主思维过程，拓展为一种自主学习的能力。
2、创设情境式课堂，培养学生自主学习能力。爱因斯坦说过:“想象力比知识更重要，因为知识是有限的，而想象力概括着世界上的一切，推动着进步，并且是知识的源泉。”在课堂教学中培养学生的想象力，首先要使学生在广度和深度两方面学好基础知识。其次要根据教材潜在因素，创设想象情境，提供想象材料，诱发学生自由想象，让学生在创设的课堂情境中，充分展开想象翅膀，在想象的自由王国里遨游。
3、构建参与式课堂，培养学生探究参与式课堂教学是一种师生以平等的身份参与的教学活动，老师让学生直接参与课堂教学，包括学习计划的制定，课堂讨论题目的设计，发言
提纲的编排等。在此基础上，教师要引导学生运用已知的基础知识，撰写小论文，编演课本剧，评价影视作品等，着力培养学生的探究能力。
4、拓展自学式课堂，培养学生自主学习的能力。自学式是学生在教师的指导下，自学教材，自做读书笔记，自己发现问题、提出问题、解决问题的一种教学模式。学生在教师指导下自学教材，学全观察，学会发现。突出强调学生自学课本知识的能力和良好的观察问题的能力。观察力是人类智力结构的重要组成部分，敏锐的观察力是创新能力的重要内容。
总之，自主学习是主体教育思想在教学领域的反映，我们只有把语文课堂教学建立在自主学习的基础上，充分发挥学生自主学习的潜能，积极促进学生学习形式的改变，激励学生主动参与，主动实践，主动思考，主动探索，主动创造，才能全面提高学生的素质，才能使语文课堂焕发出生命的活力。
本人曾多次翻阅此书，起先只是随意乱翻，因为我觉得班主任工作是件十分累人的?差事?是什么让李老师能一干50年半个世纪不变呢，我当时很难想象，像是在寻找答案似的我拜读了这本书，当然后来被吸引于一则则有趣而富有实效的案例，读后颇感李老师育人手法之高超。渐渐读全了，愈发感受到了一种真正的育人思想蕴含其中，这是教育的精华、生命所在。读罢《班主任工作艺术一百例》，书中列举的许多案例，拨开了我教育中的许多迷雾，也使我更多地品尝到了成功育人的滋味。其中让我领悟最深的是以下几点：
一、爱心不变
相信任何一个教师都会说自己爱学生，处处为学生着想，但我在平时工作的时候，由于和学生们之间了解不深，每逢有学生上课违反纪律，自己总是气得两眼呆直，面红口青。由于受传统教育思想的影响，我经常在课堂上严厉的批评学生，甚至有时罚站。我原以为辱骂、讽刺、斥责可以镇住学生，结果却生疏了和孩子们之间的关系，使孩子们失去了学习的兴趣。我们班有个小朋友李戴庆刚开始上课时从来不专心听讲，做小动作交头接耳，随意下位闲逛，说话还有时口吃，很让我和其他几位任课老师头疼，于是他上课经常被罚站，堂堂被训，可成绩任旧不见起色，被我视为班级毒瘤分子之一。拜读了李老师的《班主任工作艺术一百例》，它如一道闪光，划亮了我充满疑云的心灵。李老师在书上谈道：?光强调
教师要爱学生是不全面的，还应具体研究怎样去爱，想爱还要会爱。如果不会爱，原来想爱，后来也变得不爱了。?是呀!自己对学生也有爱呀，可从来没有想过如何去爱，一犯错，就大声斥责、批评，没真正试过如何走进他们的世界，心平气和地用道理去说服他们，从不冷静下来想想，如何爱才得法，才能让学生明白道理。我想通了后先从转变自己的教法做起。试着去了解他，如他在上课讲话了，我一改过去那种罚站、批评、讽刺的做法，而是先以目示意，到了下课之后再找他个别谈心，先跟他了解自己讲课的情况，有哪些地方听得不明白，并检讨了自己的教法，然后再分析他言行弊病，让他明白这种做法首先对自己不好，再就是对他人的不尊重，说明一个人处于一个环境里，一定要先学会尊重他人的道理。同时我也常常站在学生的角度去关心他，多从关心他的生活着手，了解他的需求，掌握他的困惑，跟他一起解决难题。鼓励他陪同他一起作业背书，他现在课上表现欲很强，读书也不口吃了，有时还能妙语连珠，正因为对他施于感情，所以他很乐意找我聊天。他私下跟别的小朋友交流说丁老师可喜欢他留他讲作业还给西瓜他吃，还经常在他家人面前夸他进步很快奖五角星给他，他也有事没事就往我跟前蹭，告诉我他们家中午吃什么了，爸爸周末带他去什么地方玩了，妈妈喜欢什么小动物、让我惊讶地发现他原来是那么率真讨人喜爱的孩子，学期最后的期末考他乐呵呵地捧着素质报告书调皮地对我说：?老师，我以后不会考倒数了，我得的全是优，放假爸爸奖励我去北京玩，你能和我一起去吗??此番话我打心眼里开心，不是因为他的邀请而是我俩的关系从以前的毒瘤分子到现在我们很亲密的谈话。用李老师书中第4页所说：?由一个见习班主任到成为胜任愉快的真正班主任，我有两点体会是做出来的：一是做一个和同学打成一片、亲密无间的姐姐，二是做一个让同学敬佩的科任老师。
二、严格不变
时下，赏识教育、无批评式教育的提法越来越热，社会舆论都在大声疾呼?尊重学生，善待学生?。诚然，爱护学生是教师的天职，但这并不意味着教育手段只能是和风细雨式的。相反，有别于体罚的惩罚如果运用得恰当的话，还会成为赏识教育的积极补充。李老师在教书育人的实践中做了很多尝试，如惩罚唱一首歌，惩罚犯错误的同学为班集体做一件好事，这更能激起学生向善、向美的追求，罚
写说明书，这比一般的检讨效果好，罚写心理病便，使学生保持一颗清醒的头脑。专家认为，没有惩罚的教育是一种不完整的教育，是一种脆弱的不负责任的教育。只是罚要罚得巧，罚得妙，赏与罚就能真正促进学生个性的和谐全面发展。
三、精神不变
50年坚守讲台，这本身就是李老师执著、持恒之意志品质永葆不变的最生动的写照。当然，它还表现在对许多个体的教育、对许多情况环节的处理等上面。譬如书中第25页这个例子就是说某生因为父母骄宠，懒惰成性，常不刷牙，虽经多次教育，仍然旧习难改。李老师请来大医院牙科医生，为全班同学进行一次护牙洁齿的教育，使其终于明白不刷牙的坏处，开始爱卫生。须知，这是一个连家长都失去信心、都准备放弃教育的坏习性，李老师却以?咬定青山不放松?的韧劲和耐力想法设法、不厌其烦地?展开攻势?终于助其攻下陋习顽堡。这个故事让我的心灵为之感动，为李老师的精神和行为而感动!再回想起我班的李鑫一号毒瘤分子，记得开学典礼上他将跷起二郎腿放到我腿上晃悠悠的时候，当我瞧他那自在样子时，真是气不打一处来，重重甩掉他腿后严厉的命令他站到我指定的原点点上不许动，他也可谓顽固不化，经常打架斗殴，打架几乎成为他每天必修科目，是办公室里的老常客，就在我对其失去信心时，是李老师的《愿你拥有一口美丽的牙齿》让我觉悟，让我重新坚定信念，不能听之任之，要想办法促其克服不良陋习，改变他。进一步了解他后知道他因父母离婚，没人照料他，跟着爷爷奶奶过，是个很不幸的小孩，爷爷奶奶可怜孩子认为放任自由，任其发展处处顺着他就是为他好，所以其在家就养成了无法无天，上天入地的坏习性，于是我就经常和他的爷爷奶奶交流如何教育孩子，怎样才是真正的对他好，在学校我也特别注意对他的教育方式，在生活上不断给他帮助，帮他准备水杯，天凉给他加衣服，总之调动一切可以调动的因素，极力去感化他引导他，于是就象李老师说的?办法总比困难多?在面临困难时，生成许多新的办法，新的能力，现在的李鑫已经是我们班的一位劳动积极分子，助人为乐成了他的口头禅。正是李老师的《愿你拥有一口美丽的牙齿》教会了我怎样才是尽心尽力，不留遗憾。
《班主任工作艺术一百例》融汇了李老师多年的教育思想精华，给人的启迪是深刻而长远的。研读此书，受益匪浅。
《雅舍小品》是6月由江苏文艺出版社出版的图书，作者是梁实秋。主要讲述的是作者对生活琐事的感悟。雅舍小品读书笔记语言流畅优美。
雅舍小品读书笔记：谈话的艺术
正如此书封面语，它里面是满满一本谈话的艺术。
初读这本书时我没有注意到时间的白驹过隙，以及作业还有很多。他操着朴实无华而略带一些小幽默的轻松笔吻，向我娓娓叙说着一桩桩一件件同样无足轻重，低头不见抬头见的家常小事，就像喝着几杯小酒和一个熟络无比的街坊邻居聊天。无论是痰盂还是萝卜汤，是吃相还是头发，是狗肉还是啤酒，他都能侃侃而谈，就这话题无限发散开来，凭借他八十年的阅历，举足轻重地作出洋洋洒洒数千的言而有物的文章。不需深思熟虑，不需故弄玄虚，脱口而出已是浑然天成。这么一个慈眉善目的耄耋老人，就这么突兀的坐在了我的面前，他戴着眼镜，圆脸，头顶光溜溜，咧着嘴，两眼弯得像月牙，笑得很自在。他笑，我也笑，他的笑容那么平易近人，那么有感染力，仿佛把空中的阴霾也染成了阳光，仿佛流云也停滞不前;他骂，我也骂，不带一丝烟火气的冷嘲热讽、嬉笑怒骂，像凛冽的冬风，奔流的江河，柔软却蚀物无声。
他给了我莫大的帮助和启发。首先是文章中频出生僻和成语，更加准确，更加精炼，能用一个拎清，不用两个磨叽，就是稍加模仿，也使我文章增色不少。其次是对事例的引用，在我书架上它是首屈一指的，从50前的尧舜禹汤，到昨天打的领带，一篇杂文可以引用七八个恰到好处的事例。再者，与当今社会的浮华风正反，他的文风非常平实，从这篇文章的题目就可以豹窥一斑，在我的同学们焦虑的思考如何给读后感取一个华丽的主题目来哗众取宠给文章加分时，“读后感”三个已经概括了一切。除了作文，还有做人，上善若水，厚德载物。
这是一本好书，我愿意在空闲时想起他，愿意吃撑时站着阅读他健胃消食，愿意在出远门第一个想起他，愿意向朋友推荐他，愿意在作文山穷水尽时翻翻他，这也许就是对他最大的崇敬。
雅舍小品读书笔记到这里就结束了，你从中得到了什么启发呢？
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没有艺术，只有艺术家——《艺术的故事》读书笔记 看完了《艺术的故事》，再回过头看书名和内容简介，不由觉得“故事”真的是再适合不过的形容了。它概述了从最早的洞窟绘画到当今的实验艺术的发展历程，但是相比于说它讲述了一段关于艺术的历史，更多的是在叙述艺术和艺术家们的故事。 每一个作品都是一个艺术家讲述的一个故事，书中有一半都是图片，作者用图文结合的方式将这些故事用大众的语言娓娓道来。所以从书中，我们不只看到了艺术的发展历程，也看到了各个时代的艺术家们的生平故事。作者给了这些艺术家们新鲜的血肉，而非人物介绍中如“巴勃罗·毕加索（1881年～1973年），立体画派创始人”这样冰冷的文字。艺术家是鲜活的，他们存在于不同的时代地域、不同的文化背景，作为普通人类思考着关于自己与世界的事，他们把自己的思想成果酿造成艺术作品，所以这些艺术作品也是鲜活的，是艺术家们的一部分。 对于艺术的含义，贡布里希认为艺术在不同时代和地区的定义不同，而“艺术”这一概念则是武断地用一个思维框架来套所有艺术家的所有出品。贡布里希认为，仅仅由于一幅画让他想起了童年而喜欢它，没有任何问题。没有错误的“喜欢”，只有错误的“不喜欢”。错误的不喜欢指的是任由偏见蒙蔽自己，丧失了欣赏艺术作品的机会。在序中贡布里希说道，“实际上没有艺术这种东西，只有艺术家而已。”而在书中他又说道，“实际上根本没有艺术其物。只有艺术家，他们是男男女女，具有绝佳的天资，善于平衡形状和色彩以达到‘合适’的效果；更难得的是，他们是具有正直性格的人，绝不肯在半途止步，时刻准备放弃所有省事的效果，放弃所有表面上的成功，去经历诚实的工作的辛劳和痛苦。我们相信永远都会有艺术家诞生。” 那么艺术家又是什么？书中提到，“所谓的艺术家，从前是用有色土在洞窟的石壁上大略画个野牛形状，现在则是购买颜料，为招贴板设计广告画。”这两个例子冰山一角，并不能全面的概括一个艺术家的真正定义。但这样的说法，也说明贡布里希对艺术并不持有崇敬而疏远的态度，他认为艺术家是亲近的，艺术也是可以亲近的。他对艺术家们的创作是这么
《艺术与视知觉》读书笔记 第一次听说这本书是在大一，设计老师说到排版的问题，给我们翻阅了一些做的比较好的杂志，里面的图片大多放置在四角顶住两边，至少也是贴着一边，并且也不似我们想象的和文字排版那样留出统一的页边距。老师说这涉及到格式塔心理学，并推荐了这本《艺术与视知觉》。书名一晃而过，可惜我并没有去看过。 第二次听说它，是2011年暑假在中建西南院实习时，项目的老总给我们几个实习生推荐的。可是我依然没有放在心上。 直到这次课程要求，我才鼓起勇气去看这55万字的著作，长期以来一直觉得它名字玄乎，又是大家都推荐的好书，于是我带着敬畏之心开始翻阅。谁想，文章虽然有些地方比较难懂，但却不似枯燥的理论书籍，只用简单的图示和风趣的语言，阐述了本质的问题，这些问题往往是我曾经心生疑惑但不求甚解后忽略的，或者是从未意识到，一朝发现却觉得异常有趣的。 书的内容很多，短时间内我只阅读了第一章《平衡》和第四章《发展》。在读此书前先从我初始它的格式塔心理学开始了解。 格式塔心理学又称完形心理学，其将心理现象视为有机整体，认为整体虽有各个部分组成，但并不等于部分之和儿时大于部分之和，并且认为，整体先于部分并且决定部分的性质。阿恩海姆从完形心理学出发，反对元素主义的审美联想观。他认为，审美知觉并不像元素主义认为的那样是初级的、零碎的、无意义的，而是本身就显示出一种整体性，一种统一的结构，情感和意义就渗透于这种整体性和统一结构之中，而知觉结构是审美经验的基础。 阿恩海姆的知觉概念是建立在一种力的式样（或力的结构）的基础上的，知觉结构是一种特殊的“力的结构”，也就是一种对于力的感受结构。艺术建立在知觉的基础之上，而知觉又是对于力的结构和式样的感知，由此得出的必然性结论便是：力的结构和式样对于艺
《艺术与视知觉》读书笔记 ——之有关“平衡”小悟 第一次仔细阅读《艺》这一类的书籍，仔细阅读时总是反复斟酌试图正确的去理解作者的思路，后来慢慢的对书中某些从未接触过的理论知识产生了兴趣，并且引发了我很多的联想。 “感受只能是‘观看’或‘发现’的结果，而不是‘观看’或‘发现’赖以进行的工具”，在我开始观看后，我认为，它确实是一本很值得阅读的书籍。 我想大多数不太接触艺术的人都常常会认为画作是绝对静止的，认为艺术品所表达的情感仅仅是由色彩、用笔、构图等等来表现的，认为画框仅仅是增加美感，认为画作中中间的物体所占面积大于周围物体是突出物体的重要性等等，在还未阅读《艺》之前我也是这样认为的。 好像从来都没有“视觉式样实际上是一个力场”的这种想法，原来一幅静止的画作中，哪怕是一个小正方形中也可以引申出复杂的“内部结构”，作者也正是通过描述这些“内部结构”中的力的活动来确定知觉对象的生命，来表现出画作的张力的。于是从前认为的“艺术品所表达的情感仅仅是由色彩、用笔、构图等等来表现的”的认识便被推翻了。在读了更多内容后发现不仅是这一点认识被推翻，还有很多诸如原来画框并不只是为了美观，它在某种程度上也保护了绘画之中的力的自由作用不受周围背景的干扰和束缚，又如画作中中间的物体有时所占面积大于周围物体是由于“杠杆原理”，中心受力较小，作者故意增加中间物体的面积以增加其重力达到画面平衡的例子等等。说到书中所提到的“杠杆原理”（即距离影响重力）不禁又想到，作画时所谓的“近实远虚”是不是也能由“杠杆原理”来解释呢？远处的物体重力大，所以对远处的物体忽略细节刻画，近处的物体强调细节刻画，以达到画作中力的平衡，给人协调之感。 书中提到影响艺术品“重力”的因素还有很多，诸如事物与观察者的颜色、作者偏爱、形状和方向、知识等等。其中提到影响重力的“知识”时也涉
19世纪工业革命的发展开始摧毁可靠的手艺传统。最直接的后果产生在建筑上。建筑开始了大批量的生产，只在最后让建筑家加上一点带有文艺复兴时期风格的装饰，表现出冒牌仿古的风格。由于技艺的缺乏，建筑显得太简单而不再具有丰富的艺术内涵。当然也有一些建筑家智慧地在这个时代找到了出路。国会大厦的建筑就是一个很好的例子，既不是冒牌的仿古也不是奇特发明，文艺复兴风格专家查尔斯·巴里爵士的设计保持着浪漫主义的风格，同时也不乏高贵。 对于绘画和雕塑的影响相对建筑较小。只是艺术家们在19世纪依然遇到了谋生的难题。虽然他们依然靠着亘古不变的老路子谋求生计，但是由于艺术的题材极大地扩大，艺术家们在风格、题材选择时往往会遭遇难以和顾客一致的窘境。后果就是，循规蹈矩地迎合公众需要的艺术家和“不为五斗米折腰”的艺术家形成了鸿沟，以至于意志薄弱者寻求在个性的表现上显得出众，从而更加失去了取得公众信任的本钱。 当然，在那些坚持孤独的艺术家中不乏名家，他们不与时代逐渐低俗的趣味同流合污，有决心坚持自己对于艺术的想法，不论结果如何，他们在精神这一点上已经是一个成功者了。 除此之外，绘画题材的观念又发生了转变。辛苦农民与农妇史无前例地成为人物画的主体，而不再是风俗画、风景画的一员。米勒的《拾穗者》就是这样一个表现。以库尔贝为标志，现实主义成为了艺术革命的标志。现实主义的艺术主张以自然为师，坚持真实，而不是空虚的优美与浮华。 此外，马内也开启了绘画明暗强烈对比表现手法的时代。虽然这一想法一开始被否定，但又有什么新思想没有经过否定呢？时间必然是检验真理的最好尺度。 印象主义也在这个时代出现了。它的诞生是因为讽刺，但是却被这个流派的艺术家们拿来当作派名使用。虽然在当时受到较多的批评，但是他们的作品在现代最终得到了认可。
一、作者简介 （一）生平 卡米诺·西特（Camillo Sitte）奥地利人，是19世纪末到20世纪初著名的建筑师和城市设计师。他于1889年出版《城市建设艺术》（The Art of Building Cities）一书，当时在技术领域取得了很多成就，而在艺术领域的成就几乎为零，壮观的纪念性建筑往往屹立在缺乏构思的、尴尬别扭的环境之中，该书批评了当时在城市设计中盛行的形式主义刻板模式，认真总结了中世纪城市空间艺术的有机和谐特点，努力探索城镇建设的内在规律。他非常强调城市空间要和自然环境相协调。 （二）影响 他的这些理论都是从大量分析中世纪欧洲城镇的实例中总结出来的，对后代影响很大，形成了“城市的艺术”（Civic Art）这一专门领域。对伊里尔·沙里宁（Eliel Saarinen）的“有机生长理论”产生了极大的影响。“国外许多近现代城市设计著作如《城市艺术》（Civic Arts）、《城镇设计》（Town Design）、《城市空间》（Urban Space）等都引用他的论述。英国建筑师吉伯德设计哈罗新城时，不能不说是受到西特的城市艺术学说的影响。” （三）地位 西特的《城市建设艺术》在西方规划史上占有相当重要的地位，学术界常常将西特和他的这本书与现代城市规划和城市设计的开端紧密联系在一起。“将西特称为现代城市规划和城市设计的第一人，将此书称为现代城市规划和城市设计的第一本经典著作是不为过誉的。” 二、历史背景 西特考察了大量中世纪欧洲城市的广场和街道，总结出这些街道和广场的特点：以人为基本出发点，提供了大量宜人尺度的公共空间，人们乐于在户外交流、活动。而他当时所处的时代是工业革命以来的大发展，城市不再以人为基准点而是汽车，快速路为设计原则。而当时建筑的内部变得日益舒适，从而使人们失去了对在外部空间中进行露天活动的欲望，导致许多人不愿意外出活动。他针对这一现状并结合中世纪的城市原则，归纳出适应当时条件的城市建设艺术原则，提出了一条在城市内形成一种具有文化和情感刺激的室外生活环境的美学途径，同时也奠定了建筑应是反映时代条件的有机的城市形态环境的一部分，注重城市空间形态与形体的设计。 西特认为：如果我们能得到一些建筑物间的开敞空间，步行者就会从漫长的隧道式的街道中得到解脱，小的开敞广场就能使朝向他们的建筑物与之产生一定的关系，这些室外空间就能提供改善了的外观，以及为生活和工作在建筑物中的占有者提供阳光和空气。 三、文章核心内容 本书作者在研究中世纪广场和城市平面的基础上找寻它们美的因素，然后总结一些原则，这些原则被人理解后，就在实际中加以利用。 （一）建筑物、纪念物及公共广场之间的关系 在中世纪，重要的建筑物往往集中于一个地方并有喷泉、纪念物和雕塑的装饰。这一形象能唤起人们的历史记忆并能在内心深处得到共鸣。广场和其周围的建筑物形成一个有机的整体。每个广场都有适当的比例，装饰广场的雕塑等与广场的比例是在一个体系内的，两者相辅相成，整合出一个更高层次上的宜人空间，吸引的大量市民的参与。而当时西特所生活的环境却是另一番景象。各个重要的建筑松散地布置着，广场和其周围的建筑缺乏联系，公共广场也游离于这一整体之外，充其量只是一些停靠机动车的地方，不再有人的参与，严格意义上可以说：“广场已经‘死去’。”此外、广场的比例也
艺术的故事读书笔记_艺术的故事读书心得五篇 《艺术的故事》叙述了从最早的洞窟绘画到当今的实验艺术的发展历程，以阐明艺术史是“各种传统不断迂回、不断改变的历史，接下来小编搜集了艺术的故事的读书笔记，仅供大家参考。 艺术的故事读书笔记1 《艺术的故事》是贡布里希爵士编的，书中概括地叙述了从最早的洞窟绘画到20世纪前半叶的实验艺术发展历程。里面的内容很多，绘画、雕塑、建筑均有所涉及。倘若是其它艺术史类的著作，六七百页厚的书籍细看下来多少是需要些勇气的。还好本书通俗易懂，简明晓畅的语言就能表达严肃的题目。与一般美术史不同，这本书既不是简单地罗列史实，也不是用一些抽象难懂的“主义”来概括美术史，而是描述了一系列的“问题情境”。贡布里希认为艺术的发展是在艺术家不断解决由社会和艺术传统自身所提出的问题过程中形成的。在导论中，他就骇人听闻地说：“现实中根本没有艺术这种东西，只有艺术家而已。”当然，当我们大致读过他所讲述的历史，再看到他说艺术的故事是“各种传统不断迂回，不断改变的故事”时，就会真正明白他的意思。
一般公众已经安于一种观念，认为艺术家就应该创作艺术，跟鞋匠制作靴子没有多大差别。这种观念等于说，一个艺术家应该创作他曾看见过被标名为艺术的那种绘画或雕塑。人们能够理解这个含糊的要求，但是遗憾，那正是艺术家唯一做不到的事情。以前已经做过的东西不再出现任何问题，也就没有任何任务能够激发艺术家的干劲。但是批评家和“博学之士”有时也有类似的误解之过。 实际上根本没有艺术其物。只有艺术家，他们是男男女女，具有绝佳的天资，善于平衡形状和色彩以达到“合适”的效果;更难得的是，他们是具有正直性格的人，绝不肯在半途止步，时刻准备放弃所有省事的效果，放弃所有表面上的成功，去经历诚实的工作中的辛劳和痛苦。 贡布里希的讲述完美而亲切，平易近人的作品，艺术理论被以通俗的方式叙述出来，作为例子的艺术品的选用真的很合适。读者和作者也可以取得较好的互动。他所要阐释的是人们不是为了响应某种潜在的“精神”的呼召去改变传统，而是情境的改变使其不得不然。例如说到具有强烈世俗倾向的荷兰绘画，他认为是由于经过了宗教改革，从而使新教统治区内的艺术家已经没有什么自由再画祭坛画了。无论哪种社会，贡布里希所关心的是艺术家所面临的“问题情境”。不是一个统摄一切的“时代精神”，而是许许多多切实需要解决的问题吸引着
《艺术与视知觉》读后感 《艺术与视知觉》读后感 一本书需要慢慢读，反复读，我喜欢设计喜欢视觉传达这个方向，在以后的学习中也会坚持的。下面是WTT收集整理的《艺术与视知觉》读后感，希望对您有所帮助! 艺术与视知觉读后感(一) 最近一直在读《艺术与视知觉》这本书，刚开始接触，自己很难理解。因为里边讲了太多的理论知识，而且书中就对一个问题分析性、针对性很强，介于自己现在的理解能力，一时很难深入看下去。但是它里边谈到了很多自己感兴趣的话题，于是就尝试慢慢的看下去。最后自己觉得还是感受颇深。接下来我就对本书的理解谈谈自己的一下看法。 在书中引言中，作者鲁道夫·阿思海姆就谈到：“视觉形象永远不是对于感性材料的机械复制，而是对现实的一种创造性的把握，它把握到的形象是含有丰富的想象性、创造性、敏锐性的美的形象。”当时在看到这句话的时候就很有感触，我觉得我们现在看到的一切美的事物都是通过眼睛传达到大脑，然后经过大脑的思考，心灵上的有感而发，通过感性与理性的相结合而达到最终的美的效果。所有的这些视知觉都包含
着一种思维，而这种思维中又存在着一种直觉。当我们在发现美、创造美的时候是这种直觉给了很大的灵感。当然每个人的思维不一样，在知觉与视觉上的感悟也存在差异，最后导致对于美的认识、对于美的感悟也是有不同之处的。 书中一共讲了十章：平衡、形状、形式、发展、空间、光线、色彩、运动、张力、表现。每一章都对本章的主题展开了很深入的探讨与研究，从各个角度去分析它，有的通过实验来证明;有的列举建筑、绘画、雕塑等来分析;有的则通过一些实际案例来作对比。所有的这些都是在围绕一个主题在进行讨论，研究它的问题合理性、存在的价值性、给人们造成的怎样的视知觉等等。通过这些可以看出，作者是花了很大的心思在里边，用心去思考问题，以一种认真的态度去对待问题，我想这就是我们现在所欠缺的东西。也是我今后要好好去学习努力改造的地方。下面我结合自己感兴趣的一些话题谈谈自己的一些看法。 首先是平衡，作者在书中提到了很多影响平衡的因素：重力、方向、顶与底、左与右等等，还有心理平衡与物理平衡存在的区别与联系。平衡给人的视觉因素很多，我们在观察一个建筑物的时候，就拿巴黎圣母院来说吧：当你第一眼看上去的时候，感觉是很神圣的，华丽的外表，中轴对称的形式，让人们对宗教产生了一种无言的崇敬。但是有多少人去认真分析这
2011年3月12日《生活的艺术—生活的享受》林语堂 江苏文艺出版社 林语堂先生学贯中西，著有许多不朽的篇章，这篇文章1937年出版于美国，后被翻译为多种语言。林先生在本书中谈了庄子的淡泊，陶渊明的闲适，以及中国人如何品茶，如何行酒令，如何观山玩水，如何养花、蓄鸟、听雨、吟风等，并探讨生命、心灵的价值，抒发其对日常生活中人、事、物的观查感受，并提出自己的哲学理解。 林先生认为人的生活最终不过包括吃饭、睡觉、朋友间的离合、接风、饯行、植树、浇花等平凡的事情，所以哲学家们用深奥的字句来描写这类简单的生活状态，是一种掩概念的极端缺乏和模糊的技巧而已。本书以一种散文的哲学方式，简单而形象的解释了一些东西。因为本书分为十四个章节，内容比较繁杂，所以我选择我比较感兴趣的第九章生活的享受做一次读书笔记。 关于安卧眠床的意义，林先生认为在身体上是和外界隔绝而独隐，一个人睡在床上时，他的筋肉静息，血液的流动比较平顺，呼吸较为均匀，视觉、听觉和脉息神经也基本静息，造成一种身体上的静态，所以能使心思集中，不论对于概念或对于感觉都更加的纯粹。能真正的静下心来，考虑一些事情。还能静听自然和社会的声音。我认为在一个人独处时，我们可以掏出自己内心的一些东西，拿出来进行品位琢磨。远离尘世的喧嚣，也许可以寻找真实的自我，可以享受自然或社会演奏的天籁之音。万物在一动一静中成长，一动一静相互协调，生生不息，做到动静有致，享受人生！ 关于谈话，林先生认为，夜间是最宜于谈天的时候，白天总是缺乏夜间那种魔力。谈天的地点却可以随意，但要做一次真正的谈天，其必要条件是一间关上门的屋子，几个知己朋友，旁边没有我们所不愿意看见的人，那样我们才能悠闲地发表我们的意见。这种亲密的毫无顾忌的谈天，可以谈到出神的忘却身处何处，也不再想到身上穿什么衣服，谈言吐语，一举一动都是任性为主。许多的文学作品也是在谈话的过程中酝酿而生的，文化本身的进步，有赖于空闲的合理利用，谈话是其中的一种方式。也可以说好的艺术作品来源于交流。据我推想，现代社会的聊天虽然更为广阔，大家谈东谈西，但质量可能没有古时高，科技的高速发展，使人们获取信息的能力大大增加，我们每天都能听说各种各样的新的信息，
《生活的艺术》读后感 作者：唐思恺 生容易，活容易，生活不容易。生活对于现代得人似乎非常难，生活让我们很累。人们不停地奔波，因为我们不断的追求。 《生活的艺术》是1937年林语堂在美国专门从事创作后发表的第一本著作。其后成为美国当时的畅销书，并为翻译成十余种语言，其中当然包括中文。林语堂在这本书中表达了他个人对生活方方面面的看法与见解。在中国大陆出版的版本（因为林语堂在书中的某些观点与马克思主义发生一些冲突，编者在整理出版过程中对原著进行了一定的删改）分为十四章，每章都会有一个特定的话题。 ‘我这样地做一个人，文中讲到了快乐问题，有一处文字引起了我的思考——“惠特曼说： 已经满意了。’所以我也以为我现在活着，并且也许还可以再活几十年，人类的生命存在着，那就已经够了。这样看法，这个问题便变为极简单，而不容有两个答语，就是人生的目的除了去享受人生外，还有什么呢？”是的，人的一生说长不长，说短不短。活着的人，每个人都有不同的活法。开心是一天，不开心也是一天，为什么不开开心心地过每一天呢？开心地活着更有价值。日子一天一天地过，我们一天一天地重复着生活，日起日落，其实生活就这么简单。但是如何从简单中得到乐趣呢？那就要 用心去挖掘，去享受每一个美的片段。“生活中不是缺少美，而是缺少发现”，这句话大家都耳熟能详，也不难理解其中的含义。但是能真正做到的有几个呢？在这个物质诱惑的时代，很多人都茫然地追求着金钱、地位。是的，追求自己要的东西固然没错，但是有多少人，等到他真正成为富翁时，才知道那并不是自己想要的……所以，你要明确自己要的到底是什么。生活其实没必要太多的强求，开心就好。 我们不去追求完美的理想，不去追寻那势不可得的事物，不去穷究那些不可得知的东西……最重要的问题是怎样去调整我们的人生，使我们得以和平地工作，旷达的忍耐，幸福的生活。 我们要学会享受生活，热爱生活，积极的过好每一天。第一遍读《生活的艺术》或许我涉世未深，感悟谈不上，感触有一点。或许30 年后，40 年后还可以再读读它，那时候，是否会有更深的体会……篇二：《艺术发展史》读后感 翻译者是范景中教授，1951年生，现任中国美术学院《新美术》和《美术译丛》的主编，曾有《艺术与错觉》（与林夕、李本正合译浙摄影出版社）和《贡布里希论文选》（上海人民美术出版社）等译、编著作发表。 贡布里希在编写这书时，无法印刷在插图里的作品就不选用。这对作者有多挑战我是不知道，但对读者而言，所有拗口的名字，神秘的术语，瞬间几乎都变得平易近人起来。 于是当书中出现类似”雷诺兹的肖像画和委拉斯凯兹的直接布局相比就不那么自然，精心设计的味道要浓的多“这种话时，我们这类初学艺术的人就再不用向以往一样翻白眼了，而是只要按照指示翻两张书页，对比下两张插图，然后就可以心满意足的咂咂嘴，表示，恩，你说的很有道理，我们英雄所见略同。 而就实用方面，我觉得在评判艺术作品时，一方面固然要直面我们的内心，询问这件作品是否真实的打动了自己，（而不是某种附庸风雅的潜意识）。另一方面，对历史上的大师们曾经做到过的，想要做到的，没有做到的，也得有一个粗浅的了解。 因为毕竟有一个很讽刺的现象就是，当年越是伟大的创举就越是容易被后世无限的模仿，也就越是容易被我们习惯和以至于认为平淡无奇以至于熟视无睹。这真是对大师们最大的侮辱了。 经史论课的老师推荐，下到了《艺术发展史》的电子版。刚停下，看完了这本书。是一本能静下来欣赏的艺术。
专业参考书目（应读书目） 西方美学史 （西方）：柏拉图（《柏拉图全集》）、亚里士多德《亚里士多德全集》、狄德罗、康德、黑格尔、尼采、海德格尔、伽达默尔 （东方）：老庄孔孟《论语》、《孟子》、《荀子》、《老子》、《庄子》（做读书笔记） 柏拉图《理想国》、《文艺对话录》 亚里士多德《形而上学》、《诗学》 罗素《西方哲学史》（做平时读物） 梯利《西方哲学史》（做教材） 读书： 侯外庐《中国思想通史》 葛兆光《中国思想史》、 冯友兰《中国哲学史》、《中国哲学简史》、《中国哲学小史》 《美学理论》《美学原理》《现代美学体系》 《精神分析学》 中国美学史： 《中国美学范畴史》（王振复主编） 《历代美学文库》（高等教育出版社） 《中国美学史资料选编》（中华书局） 《中国历代画论》 《中国历代书论》 《西方画论集要》 《中国美学史》（张法） 《中国美学史大纲》（叶朗） 《中国美学史》（刘纲纪、李泽厚） 《中国美学文脉历程》 《美学四讲》（李泽厚） 《美的历程》（李泽厚）西方美学史： 《西方美学范畴史》（朱立元主编） 《西方美学史》（中国社会科学出版社） 《古代美学》《中世纪美学》（塔塔克里兹） 《西方美学史》（朱光潜） 《西方美学史教程》（李醒尘） 《西方美学通史》（朱立元主编） 《西方美学简史》 中国历代诗话： 中国文论类： 《中国文学批评史》 审美心理学 朱光潜《文艺心理学》 腾守尧《审美心理描述》 皮朝纲《审美心理学导引》 叶朗《中国美学体系》 朱启智《曲院荷风》（古典美学） 刘兆吉《文艺心理学纲要》 《百年中国美育》 [英]瓦伦汀（C.W.Valentine，1962），潘智彪译：实验审美心理学。三环出版社，1989。 [苏]列.谢.维戈茨基著：艺术心理学。周新译。上海文艺出版社。 [德]舒里安（W.Schurian，1986），罗悌伦译：审美感知心理学。漓江出版社，1992。 [美] 鲁.阿恩海姆(R.Arnheim，1964)，滕守尧、朱疆源译：艺术与视知觉。中国社会科学出版社，1984。[英] E.H.冈布里奇（1959）：艺术与幻觉。周彦译。湖南人民出版社，1987。 [美]鲁.阿恩海姆(R.Arnheim，1986)，艺术与视知觉。滕守尧译。中国社会科学出版社，1984。艺术心理学新论。郭小平、翟灿译。商务印书馆，1994。 [美]拉尔夫.史密斯(R.A.Smith)，滕守尧译：艺术感觉与美育。四川人民出版社，2000。 [美]贝蒂.艾德华著：像艺术家一样思考。张索娃译。海南出版社、三环出版社，2004。 朱光潜著：文艺心理学。开明出版社，1936第一版。安徽教育出版社，1996校订版。
《爱的艺术》读书笔记 书名：《爱的艺术》 作者：【美】艾.弗洛姆李鸣健译 出版社：上海译文出版社 类型：自购书 内容笔记： 第一章爱是一门艺术吗？ ·产生在爱这件事情上一无所学的观点的原因 ①认为爱情首先是自己是否能被人爱，而不是自己有没有爱的能力的问 题。 ②认为爱的问题是一个对象的问题 ③人们不了解“falling in love”和“being in love ”之间的区别。 ·学会一门艺术的步骤是什么？ ①掌握理论 ②掌握实践 ③要把成为大师看得高于一切 第二章爱情的理论 （一）爱情是对人类生存问题的回答 ·人是一种意识到自我存在的生命。人意识到自己，他人，人的过去和发展前途的可能性。人对他的单一存在的觉悟，对他短暂生命的觉悟，人意识到身不由就，死的必然，人知道自己的孤独和与世隔绝，意识到面对社会和自然的威力，自己的无能为力。——所有的这一切，使得他的特殊和孤寂的存
在成为无法忍受的监禁。如果人不能从他的监狱中解放出来，如果他不能以这种或那种方式，同他人或周围世界结合在一起。他就会疯狂。 ·人——所有时代和生活在不同文化中的人——永远面临同一个问题。即：如何克服这种孤独感，如何超越个人的天地，实现人类的大同。 ·达到这一目的（人与人之间的结合）的途径： ①纵欲：特点一方式都是强烈的 特点二需要整个身心的投入 特点三需要不断重复 ②同一组人保持一致：参加者为了使自己属于这一部分人而失去了大部 分个性。 在专政国家中，通过威胁和恐怖手段制造同 一状态。 在民主国家中，人们变成一个模式，因为人们总想通过某种方式实现与他人 的结合，如果没有别的更好的方式，那就只 能采取同一人群的同一方式。 ·要求消除所有差别的倾向&平等概念和实践的密切关系： 平等概念的发展： ◎犹太经书，肯定了人的一次存在性。“谁拯救了一个生命，就等于拯救了全世界；谁破坏了一个生命，就等于破坏了 全世界。” ◎西方启蒙运动哲学，平等是指发展个性的条件。康德认为，人永远不应该是实现他人目标的工具，人本身，就是一个
艺术读书笔记4篇 本文是关于艺术读书笔记4篇，仅供参考，希望对您有所帮助，感谢阅读。 《领导的语言艺术》作者：邢春如，出版方：辽海出版社 书籍简介 语言是人类最重要的交际工具，人们借助语言保存和传递人类文明的成果。语言是思维工具和交际工具，它同思维有着密切的联系，是思维的载体和物质外壳以及表现形式。语言是符号系统，是以语音为物质外壳，以语义为意义内容的，音义结合的词汇建筑材料和语法组织规律的体系。语言是一种社会现象，是人类最重要的交际工具，是进行思维和传递信息的工具，是人类保存认识成果的载体。 语言是人类的创造,只有人类具有真正的语言。只有人类才会把无意义的语音按照各种方式组合起来，成为有意义的语素，再把为数众多的语素按照各种方式组合成话语，用无穷变化的形式来表示变化无穷的意义。 人类创造了语言之后又创造了文。文是语言的视觉形式，突破了口语所受空间和时间的限制，能够发挥更大作用。口才是我们在交际的过程中，口语语言表达得十分准确、得体、生动、巧妙、有效，能够达到特定交际目的和取得圆满交际效果的口语表达艺术与技巧。 口才是一种综合能力，不仅包括语言表达，还包括聆听、应变等多项能力。中国著名演讲家、“新中国演讲事业开拓者”、中国第一位演讲学教授邵守义有一句名言：“是人才未必有口才，有口才必定是人才。”有口才的人说话具有“言之有物、言之有序、言之有理、言之有情”等特征。总之，善表达，会聆听，能判断，巧应对，是衡量口才好与坏的重要标准。 口才并不是一种天赋的才能，它是靠刻苦训练得来的。古今中外历史上一切口若悬河、能言善辩的演讲家、雄辩家。他们无一不是靠刻苦训练而获得成功的。 近日，我有幸读了《魏书生教育教学艺术》，对于其中关于如何培养学生自主学习有一些自己的感受和见解，以下为一些读书心得体会。 一直以来我们的课堂教学以教师讲授，学生接受为主。语文课常用的教学模式是：以教师为中心，教师利用讲解，板书和多媒体作为教学手段，以教材为依
《视觉艺术鉴赏》读后感 作者约翰·伯格在这本书中谈到论述观赏女子的各种方法及油画传统中互相矛盾的各个方面和广告与资本主义的白日梦。本书图文并茂，生动详尽的为大家展示作者的观点。 在谈及观赏女子的方法中，作者说道：我们观看事物的方式，受知识与信仰的影响，我们只看见我们注视的东西。我认为我们只是在注视我们选择注视的东西，在观看中自动的屏蔽和取舍不愿关注的，而在我们观看别人的同时，别人也在不同程度的回应我们。视觉的这种交互关系让我不禁发问：人与物之间是人主动观看的么？物是被进入到人的视野吗？由于个体本身的差异性，每个人对于影响的理解和欣赏都不同。在读书中，作者对于艺术鉴赏的专业方法，关于印象派和立体派的区别我还是不太理解，这个还需要好好斟酌一番。 都说男子重行动，女子重外观。女子何以如此注意外貌？这是因为周围异性对于自己的特别关注使得自己开始打量自身的姿态，风度，声音，见解，表情，行为举止。因此女性把自己即是观察者又是被观察者的身份，看做既有联系又有区别的组成部分。作者还说道：女性在男性面前的形象，决定了她所受的待遇。的确，生活中，我们可以看到，女子在男子跟前展示出的是什么样的形象，男子便做出相应的回应。在学习中外广告史的选修课上，老师曾为我们展示广告史的发展中女子形象的变化。其中大多数时代里女子作为被消费的群体，赤身裸体供男人欣赏。而在本书中，作者也在本段阐述中插入大量裸体画，用于讲解其观点。而我一直不太理解的是如何区分正常的性文化或人体艺术和色情文化？创造裸体绘画的目的何在？但我想性是人类生活中不可避免的一种客观存在和需求。而人们需要另一种文化去表达它，那便是裸体艺术，它只是将正常生活搬上了绘画中，而性爱的主角就是看画的那位作品的拥有者。裸体本身就是在展示人类本质上最原始的性冲动，但却区分于黄色文化，这种艺术仅供欣赏。文化西方的开放性使我们更能理解裸体艺术的存在，这种艺术形态也是对于其文化形态的客观反映。 最后说说广告与资本主义之间的千丝万缕的联系，广告在大街小巷上随处可见，它大多数是与商业利益挂钩的，而在资本主义社会，广告更是利益的表现方式。其存在利于大众消费，刺激消费，拉动国民经济的增长，最终促进了国家财政税收的增长。因此广告的作用不容小觑，为了促使消费者买账，各大广告商使出了浑身解数，比如可口可乐公司和百事可乐公司，其每年在广告投入上可谓是出血本，但回报更高。高价请明星代言，多种媒体形式的广告展播，为其增彩不少。以百事可乐为例，最初一直处在低谷，活在可口可乐的阴影下，但近几年，它调整方案，启用新一代百事新星并不停换标以应对金融危机，利用“明星效应” 大获全胜，在可乐市场的角逐中赢得了一席之地，它的成功是资本主义市场中广告运营成功的典例。各种各样的商业广告都在传达这样的信息：我们只要消费，就会更富有！它充分调动起人的思维和灵感，运用感性诉求和理性诉求去征服消费者，去购买，去成为可爱的人儿！而广告本身也在不断创新，与时俱进。广告语言也必须突出广告本身具备的实质感，它绞尽脑汁，挖空心思的的想把大众的钱放进厂商的口袋，无所不用其极的夸大甚至造假，但这是我们必须面对的，而我们所做的也只能上表象意义上的鉴别，资本主义已经不能脱离其发展，否则便是自掘坟墓，自取灭亡。 那么这本书能让我们读者学到什么呢？对于我来说，开拓了思维，学习到视觉艺术鉴赏的方法和其中存在的一些矛盾。一本好书，不求它给你带来多么丰富的知识，但求它给你带来多重思考，so i got it! 与君共勉。篇二：视觉大挑战读后感 视觉大发现读后感 一看到《视觉大挑战》这本书，我就被书里面40张卡片给吸引住了，艾玛，每道题都太有挑战性了，这脑力严重不足啊，赶紧叫来老公一起研究，有的题目连我们都有些吃力，这套题得好好收藏，当然里面也有不少适合小孩子的，赶紧一起来看看吧，感谢幼儿园老师提供给我们这么精彩的逻辑挑战书。此次获得的是这套题中的《逻辑大挑战》，咱必须得承认，
《艺术即经验》读书笔记 杜威在《艺术即经验》一书中谈到了“一个经验”的概念，并将之界定为:“我们在所经验到的物质走完其历程而达到完满时，就拥有了一个经验。”该界定显示出“一个经验”至少具有两重含义。一是完整性，即“走完其历程”。二是圆满性，即“达到完满”。完整性和圆满性共同构成了“一个经验”的内涵。 应该说.在幼儿园教育活动中，教师大多能尊重幼儿对完整经验的需要，比如.给幼儿讲一个完整的故事，让幼儿唱完一首歌，帮助幼儿完整地经历一次科学探索活动，等等。然而，不少幼儿园在追求幼儿经验完整性的同时，往往忽略了幼儿所获经验的圆满性。例如，在美术活动中教师会不断地催促幼儿完成其作品;为了在活动结束时让幼儿得出答案，教师会缩减探索的时间，给予幼儿过多的直接帮助.等等。在这种情况下，虽然表面上看来，教育活动是完整的，教师引导幼儿获得了完成某一个教育活动任务的经验，但这种经验却是肤浅的，不具有累积性。在有限的时间内试图完成一个完整的任务，常常会在关注幼儿经验完整性
的同时，以牺牲幼儿经验的圆满性为代价。 那么，如何在幼儿园的教育活动中使幼儿获得的经验既完整又圆满呢? 一是分解。分解就是把原先过于庞大的“一个经验”分解为一个个小的“经验”。比如。要让幼儿了解水的特性，就可以让他们通过几次活动分别来探索水的颜色、味道、流动，物体的沉浮等不同特性。对一首歌曲的学习，可以通过体验理解歌词、初步学会演唱、歌曲演唱与表演、音乐游戏与创造等几个层层叠加的活动分步骤地逐渐达成。在这种情况下，幼儿每一次都获得了相对完整的一个小的“经验”.而每一个小的“经验”的不断累积便构成了既完整又圆满的一个大的“经验”。这就好比我们成人在读长篇小说和看电视连续剧时的经验历程模式。 二是留白。留白是国画创作中的一种构图方法，以收到虚实相映，形神兼备的艺术境界。幼儿园教育工作的留白就是在教育活动设计时间歇性地预留一部分不做任何
《艺术的故事》读书笔记 摘要:《艺术的故事》这本书是上《中外设计史专论》这门课程的时候老师给我们推荐的,其实刚一开始翻看这本书的时候觉得很枯燥乏味,但是细读下来却对这本书有了些许敬意。《艺术的故事》是贡布里希爵士编著的,书中概括地叙述了从最早的洞窟绘画到20世纪前半叶的实验艺术发展历程。里面的内容很多,绘画、雕塑、建筑均有所涉及。倘若是其它艺术史类的著作,六七百页厚的书籍细看下来多少是需要些勇气的。还好本书通俗易懂,简明晓畅的语言就能表达严肃的题目。 关键词:艺术;基督教;文艺复兴;东方艺术 前言 “艺术”是个遥远而崇高的词。每当我在一瞥中恍惚所见“艺术”两字,便畏惧般地匆匆避开,深怕自己如赤子的无知引来对其的亵渎。在中国,艺术的发展自商周的青铜器墓室中的壁画至高山流水的音乐翩翩优雅的舞蹈及唐煮宋点明沏泡的茶道,而如今我们更多的是在追求对古时的悠远的怀想而非致力于创造新鲜的血液。所以怀揣着一个中国梦的我总是梦想,在我的中国我们的中国里,会涌现出一批又一批的伟大艺术家,创造出一代又一代的巅峰之作。 只因我在少时总是摒弃了对于艺术的亲近的念头,无论是童年时期的习画或是书法,总抱着一种敬而远之的态度,因此此类不成爱好便也只能草草了事。而如今当我真诚地怀着强烈的膜拜之心看那古今集大成者的书画杰作或是身边同龄人引以为傲的大笔一挥的作品,便又为以前的年幼无知后悔不已。身处中国,目光所及之处是遍地开花的书法国画古玩。面对市场上充斥的良莠不齐的作品,如何炼出一双火眼金睛至关重要。 但是敲开艺术领域的大门是件极其艰难的事儿,因为你永远也猜想不到这个圈子里的都是些什么物种。他们或孤僻或癫狂或神经质或敏感得要命(此皆艺术家们的独有特色)。书房里曾有摞成一刀的书画册,其中的仕女图我到如今也没看出有什
{ 《教育是慢的艺术》读书笔记 梅列二实小颜艳晖 本书作者：张文质 内容简介: 这本书整合了张文质九场教育讲演的实录，是一本对教师、对教育工作者的宣传稿。作为生命化教育的倡导者和实践者，张文质长期扎根民间，深入基层，关注一线教师的生存与成长，关注教育改革在中小学课堂的展开与困难。基于这种持续的田野考察和深切的草根情怀，张文质提出了“教育是慢的艺术”的重要观点。这既是针对当下教育现状的一种理性反拨，也是返回教育本质的一种“心向往之”的努力。 读书笔记之一 / 1．我们每个人身上或多或少都有传统文化的基因，只是没有被我们自己意识到罢了。 2．我们总是以自己的偏见先入为主地看待他人和问题，也就总难得出客观公正的结论。因此，要抛开"庸俗的辩证法"，让学生直面文本，直面人生，形成自己的感悟体验与思想。 3．这不是你的错，这是你的命！ 4．叶澜教授说，我们这二十多年教育最大的失误在于，我们忽视了具体个人。5．康德说，不能把人当作手段，当作工具。 6．一个教师要具有深厚的学科素养。 7．写文章要有气吞万里的气势，要有舍我其谁的气概。 8．教师对叫不出名字的学生是既熟悉却又无法具体化。能轻松地叫出一个又一个具体学生的名字，说明学生都是真实的人。 ，
9．一种强硬、粗暴、侵害、负面的师道尊严，使得孩子一开始就受了一种反教育的方式，他对和蔼、从容、温润、鼓励反而不适应了。他要强硬的，要粗暴的才感觉到更舒服，更适应，这是教育的最大失败。 10．读书是一种最高贵、最奢侈的生活。 读书笔记之二 1．学校要给孩子一个更好的童年，而不是更高的分数，这样的学校才是好的学校，才是优质学校；这样的教育才是好的教育，才是优质教育。 2．我们要有坚定地把孩子培养成有责任感、有独立意识、有判断力，同时生命又是非常阳光的那样的人的教育信仰。 3．思想都是在内心激烈的矛盾和冲突中产生的。没有冲突碰撞，就没有思想。] 4．学校每年都要举办几场读书报告会，开几场读书讲座。 5．人需要有梦想，尽管无法实现，甚至不切实际，但无妨去梦去想。梦想要超脱一些，离奇一些，天马行空一些，但就是不要太现实。 6．学校要有常设的教师论坛，促进思想的自由交流。 7．教师之间最理想的关系是"学术性交往与亲情性交往"。 8．正是因为彼此熟悉，这样的课堂大概也会更为自然、真诚一些吧。 读书笔记之三 》 1．我常常发现，更可怕的是人失去耐心，缺乏最基本的修养；更可怕的是不自知，自我陶醉，自甘粗鲁、卑俗，有时候这一切才是教育更为具体、尖锐的问题，但是它往往被各种任务、指标、困难遮蔽了。因此研究教育，最需要的是倾听、观察、记录和描述，研究教育就是“回家”，回到教育，回到细致、持久的省悟之中。
读书笔记 贡布里希是英国艺术史家，美学家，艺术史、艺术心理学和艺术哲学领域的大师级人物，他是当代最会洞察的美术史家，也是最具独创性的思想家之一。在这本书的译者后记里边就讲到，贡布里希是当代西方艺术学领域的泰斗，是百科全书式的古典学者，被誉为二十世纪的苏格拉底，艺术中的艾拉斯莫斯。在贡布里希的眼里，艺术的发展过程，乃是一个精彩的故事，是人类寻求“美”的真谛的伟大历险故事。当然，他自己也就成了一个说故事的人。 与一般美术史不同，《艺术发展史》既不是简单地罗列史实，也不是用一些抽象难懂的“主义”来概括美术史，而是描述了一系列的“问题情境”。他认为艺术的发展是在艺术家不断解决由社会和艺术传统自身所提出的问题过程中形成的。在导论中，他就骇人听闻地说:“现实中根本没有艺术这种东西，只有艺术家而已。” 当然，当我们大致读过他所讲述的历史，再看到他说艺术的故事是“各种传统不断迂回，不断改变的故事”时，大概就会真正明白他说这些话的意思了。 这本书一共二十八章。其中在奇特的起源一章中讲到的是前期和原始民族和古代美洲。有毛利人、非洲人、墨西哥人、秘鲁人、以
及阿拉斯加等地远古时候的手工制品等等。这些东西现在大都存放在英国、美国、奥地利等博物馆里。这一章主要讲述以下几点：1、对于这个时期的艺术创作，首先，原始人类对艺术的思考是模糊的，他们的思维和创作初衷是：实用。这个是首要的标准，对于绘画和雕塑往往也是这种态度，它们不是被当做纯粹的艺术品，而是会给出非常明确的用途。2、“原始人”不是因为他们比我们单纯（实际上他们的思考过程比我们还复杂），是因为他们比较接近人了当年起源的状态，他们吧那些超自然的力量看成是和大自然一样实有其物，换句话说：绘画和雕塑是用来施行武术的。3、那时候的艺术家，创造出来的东西按照我们的标准看起来美不美，而是他们能不能发挥作用，也就是说，是为了满足他们施行巫术的需要。（艺术家来自本部落，加上世代传承，他们清楚的知道每一个形状和每一个颜色代表什么意思，所以只是去完成工作，而不是去改变什么。）4、那时候的艺术家与我们不一样的并不是他们艺术水平，而是他们的思想观念，整个艺术发展史并不是技术熟练程度的发展史，而是观念和要求的变史。 5、很多的艺术品在当时的艺术家看来，并不需要正真细致的去刻画出常规的图案，只需要在他们看来足以表示特征和用途就已经足够了，有可能是一个符号，有可能是一个色彩，但是只要足够的用来表示他们概念中的事物。 6、书画同源自有益处。时代、生活、习惯等
《阿恩海姆美学思想研究》读书笔记 作者简介： 1904年7月15日出生于德国柏林 1923年进入柏林大学学习 1928年获得柏林大学博士学位。博士论文《关于视觉表现的实验心理学研究》。 1928~1933年担任德国《世界舞台》杂志文化版编辑。 1932年《作为艺术的电影》出版 1933~1938年在意大利罗马担任国际电影学会的助理编辑。 1936年《无线电：声音的艺术》出版。 1939~1940年在因果伦敦任英国广播公司海外部翻译。 1940年移居美国。 1941年第一次获得洛克菲勒研究基金会自助，在哥伦比亚大学无线电研究所从事“肥皂剧” 研究。 1942~1943年在纽约获得古根海姆基金会奖金，从事研究工作。 1943~1968年在纽约萨拉姆.劳伦斯学院从事艺术心理学教学工作。 同时担任哥伦比亚大学新校社会研究的讲师和访问教授。 1946年加入美国国籍。 1951年第二次获洛克菲勒研究基金，从事艺术与视知觉的研究。 1954年《艺术与视知觉：创造性眼光的心理学》出版。 1959~1960年获得美国富布莱特奖金，任日本东京Ocha-nomizu大学访问教授。 1962年《毕加索的格尔尼卡：美术的起源》出版。 1966年《走向艺术心理学》出版。 1966~1968年获美国教育部研究员基金。 1968~1974年任哈佛大学艺术与环境研究系艺术心理学教授。 1969年《视觉思维———审美直觉心理学》出版。 1971年《熵与艺术：关于无序和有序》出版。 1974~1984年密西根大学（安亚伯市）文学、科学和艺术学院访问教授。 1976年获美国国家艺术教育协会杰出贡献奖。 加入美国艺术和科学协会。 获美国罗德岛州设计学校名誉博士。 1977年《建筑形式动力学》出版。 1978~1979年任美国研究院罗马常驻代表。 1981年获美国Bates学院名誉博士。 1984年获美国马奎特大学名誉博士。 获堪萨斯城艺术研究所、萨拉姆.劳伦学院马萨诸塞州艺术学院名誉教授。 1986年《阳光的寓言：心理学、艺术只一瞥》、《艺术心理学新论》出版。 1988年《中心的力量：视觉艺术研究》出版。 1991年《对艺术的拯救》出版。 1995年获密西根大学、奥尔登堡大学名誉博士。《撕裂与结构》出版。 1996年《电影批判论文集》出版。获意大利巴勒莫大学名誉博士。 其中，1959~1960年，1979~1980年两次出任美国美学协会主席。 1957年、1965年、1971年三次出任美国心理学协会心理学和艺术部主席。