基础钢琴练习法
序 1 第一章：钢琴技巧11 I 技巧11 I-1 目的11 I-2 什么是钢琴技巧？11 I-3 技巧与音乐12 I-4 基本方法，诠释，音乐训练，绝对音感13 II 钢琴练习的基本步骤15 II-1 练习的程序15 II-2 手型16 II-3 座椅的高度以及与琴的距离17 II-4 开始练一首新曲子：分析与聆听17 II-5 从最困难的段落开始练习18 II-6 将困难的段落缩短：段落式的练习18 II-7 分手练习：获得技巧19 II-8 连续性的规则20 II-9 和弦起音20 II-10 自由落体，和弦练习，及放松21 II-11 平行组合23 II-12 学习与记忆25 II-13 速度，选择练习的速度26 II-14 如何放松27 II-15 学习后的进步29 II-16 慢速练习的危险━直觉性方法的陷阱31 II-17 慢弹的重要性32 II-18 指法33
II-19 精确的节拍与节拍器34 II-20 较弱的左手：用一只手来教另一只手35 II-21 培养耐力，呼吸35 II-22 坏习惯：钢琴家的最大敌人35 II-23 延音踏板36 II-24 柔音踏板，音色，及琴弦的常态震动38 II-25 合手练习：以萧邦的幻想即兴曲为例42 II-26 结语47
序
这是有史以来，第一本有关于如何练习钢琴的书！倘若你尚未学习一些有效率的钢琴练习方法，那本书中所揭橥的，是一些可以增进学钢琴速度的方法，将使你的学琴速度增进千倍！令人惊讶的是，虽然这些方法在钢琴的早期年代就已经知道，但是却很少被传授，原因是只有极少数的人知道这些方法，而这些人也未曾将它写下！(或是说让其它人知道这些方法)。
在1960 年代时期，并没有关于练习钢琴的好书。怀赛德(Whiteside)的书是我找到最好的书，不过却也令人失望。(请参阅参考书目一节)。当我在康乃尔大学当研究生的时期，虽然常常苦读至半夜，以期与来自世界各的的顶尖学生并驾齐驱，我还是尽量挤出一些时间练琴。虽然在年轻时期，我学了7 年的琴，这些我所知的练习方法还是不管用，以此我一直在寻找一些更好方法。这些钢琴演奏家，如何能弹到这种程度，对我而言，一直是一个谜。就如大多数人的想法，这只是努力，时间与天赋的差异吧！假如真是如此，那我一定是无望成为一个钢琴家，因为我也曾投下相当的时间与努力，至少在我年轻时，在周末一天练习8 小时。
在1970 年代时，这些答案慢慢的浮现，当我知道我两个女儿的钢琴老师教导她们一些极为有效率的练习方法，而这些方法与大多数钢琴老师所教的截然不同。在超过10 年对于这些有效率的方法不停的探索，我了解到，学琴过程中最重要的是练习方法。努力、时间与天赋反倒是其次！事实上，天赋，是难以去定义与衡量的；天赋，或许会影响到谁能获得范克莱本（Van Cliburn）钢琴大奖的得主；然而，对于多数有企图心的音乐家，天赋就没有决定性的意义了。事实上，适当的练习方法，可以让大多数人成为有「天赋」的音乐家。关于这一点，我在许许多多的学生音乐会及钢琴比赛中亲眼目睹。任何一个认真的学生，只要找到对的老师，都能成为有「天赋」的音乐家。
有许许多多的例证显示，「天赋」是训练出来的，而不是与生俱来（请参考Olson的著作）。莫扎特（Mozart）无疑是「莫扎特效应」（Mozart Effect）最显着的例子（参考本页）。有些人称它为「贝多芬效应（Beethoven Effect），这或许是较贴切的说法。因为莫扎特有些人格上的弱点，这多少使他的音乐杰作蒙尘。值得一提的是听音乐只是复杂的莫扎特效应的一环。对钢琴家而言，音乐性是最重要的。因此，良好的练习方法，不仅仅能增进学习
速度，而且能增进音乐性思维，特别是对于年轻人而言。学习速度不仅仅是增进，而是加速度（如加速中的汽车相较于等速前进的汽车）。因此，在几年的练习后，没有适当练习方法的学生，常常会陷入绝望的困境中。且会让一些有正确练习方法的学生，看起来比他们实际上更有天赋，因为他们几分钟或是几天能学习的，其他人却需要几个月或几年的学习。因此，「钢琴技巧是手指力量与灵活」，这句话看起来像是一个没有实证的虚构说法；技巧，应该是脑与神经系统的发展，及音乐性与记忆力的能力。
练习方法的不同，可以让一个认真的年轻学生在10 年的学习后，成为杰出的钢琴演奏家或是一事无成。运用正确的练习方法，可以让一个任何年纪的认真学生，在几年的练习之后，能够弹奏一些著名作曲家的作品。令人遗憾的是，这些方法在过去两百年来，一再的被发现，但从未被纪录下来，每一个学生都必需自己再重新摸索；或是幸运的，可以从他们的老师口中，获得这些方法。最好的例子就是「李斯特（Franz Liszt）教学」。有许许多多的李斯特学会，出版了数百种文献。许多有关于李斯特的书（请参考于参考书目中Eigeldinger 的著作），及数千个钢琴教师自称使用「李斯特教学法」，还有一些相关的教学文件。但是却没有任何文献能清楚阐述甚么是「李斯特教学法」。
这些好的教学方法，没有被写下的原因可能是，这些方法是许多钢琴教师赖以维生的工具，因此被视为「独门秘方」。虽然李斯特在钢琴技巧上有着卓越的成就，但却没有人能清楚说出他是如何到达这样的境界。在一些文献中有提到，李斯特本人已不清楚记得，在他年轻时，究竟是如何练就这些技巧的。这是可以理解的，或许李斯特每天都在尝试一些新的方法。既然，在钢琴教育上，我们无法去追寻这些杰出钢琴家是如何获得他们的技巧，也因此，一本关于钢琴教学的教科书，似乎是遥不可及。你可以想象，学习数学、物理、历史、电脑程序等课程时，没有教科书会是什么样的情况？如果你够幸运的话，只能依赖老师的记忆学习。所以，当你上钢琴课时，你的老师从未给你一本关于钢琴练习的教科书。如此一来，每个老师都有他自己的教学与练习法，而且每个老师都认为他的方法是最好的。如果没有教科书与文献，我们的文明不会比丛林部落高到哪里去。因为丛林部落只靠口耳相传来传递知识。然而，口耳相传，却是我们钢琴教育在过去200 多年的状况！有许多关于如何学习钢琴的书（请参阅参考书目），但是没有一本书称的上是钢琴练习法的教科书，但这却是学生所需要的。许多书会告诉你需要哪些技巧（音阶、琶音、颤音等
等），更高阶一点的书会告诉你指法、手的姿势、手的移动等等，但是没有一本书，能有系统的告诉你如何去练习。大多数初学者的书籍，都有提到一些，但很多都是错的。一个很好的例子就是《哈农钢琴教本》。在该书的前言中提到，「如何在60 个练习曲中成为大师」，这正是哈农本人所写的。（请参考1.3.7.8）。
如果你向许多未读过本书的老师请教有关练习钢琴的方法，那你会发现，其中有许多相互抵触。因此我们知道，这些方法，不可能是正确的。其原因不外是：根本没有教科书。因此我们无从得知，钢琴练习的完整方法与资讯。在钢琴教育上，最基本的工具就是一套完整的资讯，告诉我们如何练习钢琴。在本书出现之前，这是付诸阙如的。
在本书第一版完成前，我尚不知本书中的方法如何带来革命性的影响。我所知道的只是，它们比我之前所用的方法好太多了！几年以来，这些方法确实带给我很好的结果，但不是甚么惊人的成果。在我完成本书之后，我才惊觉到它威力。当我完成本书后，我认真的读它，并且系统性的遵循书中的方法，感受到它神奇的效益。那么，只是知道这些方法，与认真的读一本书有何不同呢？在写本书时，我必须将各个不同的方法与内容，作有系统的整理，并赋予不同的目的，且确认没有遗漏。身为一个有训练的科学家，我知道，将素材作有逻辑性的组织架构，是撰写手册的不二法门（参考 3.2）。如众所周知，很多科学发现，都是在撰写研究报告时发现，而不是在做研究时。
就如我有一部车的所有零件，如果这些零件没有被正确的组装及调教，这部车是不会动的。姑且不论本书中的方法为何如此有效，我个人深信它将对于钢），并驱使我完成第二版。第一版并不是一本绝佳的书；甚至连索引跟参考书目都没有。因为我在 4 个月中利用工作空档仓卒完成它。显然的我必须做更广泛的研究，来补足书中的不足，并对相关文献做审阅。也就是说，我必须满足钢琴练习科学研究上的所有要件（参阅第三章）。同时，我决定在我的网页上撰写，这样可以随着我的研究同步更新，并且可以马上公诸于世。如同大家所知，网际网路的书，有许多优点，例如不必去写索引，因为你可以使用文字搜寻。当它实现时，它将是网际网路上免费教学的先驱。
为何这些是革命性的练习方法？要回答这个问题，你必须自己去阅读本书，并试试这些方法。在下一节中，我将尝试展示一些神奇的结果是如何达成的，并简略的解释它是如何做到的。首先，必须说明的是，我并不是这些方法的原创者。这些方法，在过去的200
多年由许许多多成功的钢琴家所发明。本书中的方法，主要是以Mlle. Yvonne Combe 的教学法为架构。她是我两个女儿的老师，教导她们成为优秀的钢琴家，并且获得钢琴竞赛的首奖，每年举办超过10 场的独奏会，拥有绝对音感，现在她们正尝试着作曲。其它部分，是我个人在网际网路上的研究，及一些文献的整理。我个人的贡献是，将这些资讯作有架构的整理，并提供一些解释，阐述它们为何这么有效。这些解释，对于这些方法是否能成功，有着关键性的影响。钢琴，常被认为跟宗教一般：信、望、爱。信：如果你遵循大师级的老师所建议的步骤，你就会成功。望：练习，练习，不断的练习，你将到达彩虹的彼端。爱：牺牲、奉献，你将创造奇迹。而这本书是不同的- 除非学生能充分了解，为何这些方法是有效的，并且能符合他们的需求，否则它是不能被接受的。如何找到正确解释并不容易，因为你无法凭空杜撰（随意杜撰无法得到正确的解释。一个错误的解释，比没有解释还要糟糕）-你需要在这个领域有足够的经验与知识，才能做出正确的解释。
提出正确的科学解释，会自动过滤掉一些不正确的练习方法。这或许可以解释，一些相当有经验的老师，他们所受的教育只局限于音乐，在解释一些练习方法时，常常会遇到困难－即使这些方法是正确的。对于一个正确的方法，给予错误的解释，往往会得到反效果。这会使学生产生混淆，并认为这些方法是错误的。这很容易让学生对老师丧失信心！我个人的教育及工作经验包括材料科学（金属、半导体、绝缘体）、光学、声波学、物理、电子、化学、科学报告（个人曾在主要的科学期刊发表超过100 篇的论文）等等，对于本书的撰写，都是极为珍贵的经验。由于，撰写这类书，需要广泛的知识基础，这或许可以解释，为何一直没有这类型的书。那么，这些可能引起钢琴教育革命性改变的神奇方法是甚么呢？让我们先看看这个事实：我们看到钢琴演奏会上钢琴家演奏的曲子极为困难！看起来对他们来说却是易如反掌。他们是如何做到的？事实是，这些曲子对他们而言其实很容易。所以，许多在这里提到的学习技巧，都是「如何让困难变成容易」：不仅仅是容易，而且简单。这是藉由分手练习及缩短练习段落（有时可以短到一两个音符）来达成的。你无法找到比这个更简单的事了！技巧纯熟的钢琴家，能弹奏到不可思议的快！我们如何能达到如此快速的弹奏？简单！利用「和弦起音（chord attack）」-就是弹奏一个和弦（或是任何音符的组成），所有手指都同时压下，这是这一群音符弹奏到无限快的状况，既使对一个初学者也是一样。
当然，我们不需要弹奏比无限快更快〔请参阅1-II-11「平行组合（parallel set）」一节〕。虽然我创造「平行组合」这个名词，这只是「和弦（Chord）」的时髦说法（我使用「和弦」这个字，是采用比较宽松的定义：数个音同时被弹奏，都称为「和弦」）。然而，「平行组合」在这里比「和弦」更为贴切，因为它较能描述弹奏时手指如何运作（其关联就是，弹奏时，所有手指都是平行的弹下，其间并无时间上的落差），而「和弦」在音乐上有其较严谨的定义。将一些平行组合连接起来作音乐性的弹奏是需要练习的。至少我们有一个生物／物理上的程序来发展肌肉／神经上的连结，来做快速弹奏。在本书中，我将「平行组合」提升至较特殊的层次，一方面，它可以用来诊断你的技巧上的弱点，并且能解决这些弱点。也就是说，「平行组合」可以立即的解决你在主要技巧上不足。「平行组合」的练习，不是像哈农与彻尔尼一般的手指练习；而是一个威力强大的工具，来让你获得技巧。总而言之，成功的关键因素在于，运用这些独创性的「学习技巧」，来解决特定的问题。
即使是利用本书中的技巧，你仍需要数百次的练习，有时会上万次，来熟练一些相当困难的曲子。譬如说，你练习一首贝多芬的奏鸣曲，以一半的速度弹奏（因为你才刚开始学习这一首），你需要一个小时将它弹奏一遍，弹奏一万遍，需要30 年的时间，也就是半辈子（如果你每天弹一个小时，每周弹7 天）！显而易见，这不是学习一首奏鸣曲的方法，但是却有很多学生用类似的方法来学习。本书中所提到的方法，是先找出一首曲子中，你需要特别练习的段落，这些小段落，你可以用几秒钟的时间练习一次（例如用平行组合的练习方法），藉此，你可以在每天练习10 分钟，每周 5 天的情况下，数周内练习一万次（对于较简单的，你或能在数天内练成）。当然，这种说法有些过于单纯化，当许许多多的复杂因素加进来时，最终的结果也是相同的：好的练习方法，能够让你在数个月内获的绝佳的进展，反之，会让你终生无成（请参阅感谢函一节）。
本书中提到许多有效率的原则，例如，练习与背谱需同时进行。在练习时，你会重复弹奏许多次，而重复是背谱的最佳方法；因此，没有道理在练习时不去背谱。为了要去记忆相当庞大曲库，你必需时时学习记忆，这和你每天作弹奏技巧练习是一样的。如果你利用本书中的方法去练习，你会记得你所弹过的曲子，当然一些能够视奏的曲子除外。
这就是为何，本书不建议练习《哈农》及《彻尔尼》曲集。这些练习曲并不包含记忆与演奏的训练，而萧邦的练习曲是被推荐的。
不含演奏特质的练习，不仅浪费时间，而且会使你与生俱来的音乐性退化。一旦你有绝佳的背谱能力，你将拥有一般人认为天才型音乐家才拥有的天赋，例如，在没有钢琴的情况下，能在脑海中演奏，或是能将整首曲子默写下来。如果你能不看谱将整首曲子演奏出来，实在没有道理你不能将它写下来！这些能力不是用来作为炫耀的，而是能让你在演奏时不出错。
即使像我们这种常人的记忆力，这些能力都是使用本书中方法的自然拥有的附带能力。有些学生，能够演奏一首曲子，却无法将它写下，这些学生只有记忆一部分，因此并未到达可以演奏的阶段。许多钢琴家会因为无法背谱而感到沮丧。然而，他们所不知道的是，学习一首新曲子，会忘记旧曲子。
因此试图保有一个庞大的曲库不是件容易的事！基于此点，配合上本书中所述一步步导入永久记忆的方法，仍需一段长路来远离那些会沮丧的结果，重建信心，并建立自己的曲库。学生如果使用没有效率的方法，会花所有的时间在学习新曲上，因此无法建立一个完整记忆的曲库，所以演奏时，会遇到极度困难。他们总是惊讶于演奏这么的困难，但莫扎特却能随时坐下就能演奏。
我们看到许多「建立基础技巧」的论述，对许多钢琴家而言，仍是不解之谜。这包含：弯曲着手指弹奏、弹音阶及琶音时拇指由下方穿过（Thumb Under)、手指的练习、在椅子上坐高一些、没有疼痛就没有进步、慢慢的增加弹奏速度，及充分的使用节拍器。我们不只解释这些迷思为何是有害的，而且也提出解决方案。这些是：手指伸平弹奏(Flat finger position)、拇指由上方跨过（Thumb Over)、平行组合、在椅子上坐低一些、完全避免弹错的方法，藉由了解「速度障碍(Speed wall)」来快速的提升速度，及了解使用节拍器的时机与好处。
另一个有用的例子是利用重力。手臂的重量不仅仅是让你能做均匀弹奏的重要参考（地心引力是一个固定的常数），而且是测试你是否充分放松的重要依据。在1-II-10节，我将做更基础的解释，为何钢琴是利用重力作为参考力量。放松是另一个例子，当我们做一个困难的肢体运动，例如弹奏一段困难的曲目，很自然的，我们的身体会紧绷起来。在这种情况下，试图让手指快速独立的弹奏，就像是双脚绑着橡皮筋做百米赛跑一般。如果你能充分放松，只使用到弹奏时所需要的肌肉，你就能很轻松的作快速的弹奏，且在长时
间弹奏中也不至于出错。另一个例子是「速度障碍」。甚么是速度障碍？有多少个速度障碍？速度障碍是如何形成的？及如何避免速度障碍。答案是：你企图去做一些不可能的事（自己造成速度障碍），基本上有无数个速度障碍，旦你可以透过正确的练习方法来避免速度障碍。避免速度障碍的一个方法是，藉由了解速度障碍的成因（紧张、不正确的指法或节拍、缺乏技巧、练习太快、太早练习合手，等等），一开始就避免造成速度障碍。另一个方法是，利用平行组合的方法，由无限快将速度降低，而不是由低速度逐步的提高速度。如果你能一开始就用比速度障碍快的速度弹奏，那么当你将速度降低时，你将不会遇到速度障碍。
本书最重要的一个观点就是- 令人惊讶的，对几乎所有的人而言（除了少数绝顶聪明的人之外），最佳的练习方法，都是与直觉相反的（counter-intuitive）。这是钢琴教育法中最重要的一点，这可以解释为何一些错误的练习方法，总是被学生使用，及被老师教授。若不是这些方法这么「与直觉相反」，那么本书似乎也没有存在的必要。所以，本书不仅告诉你该如何做，也告诉你甚么是不应该做的。这些告诉你甚么不应该做的章节，不是用来嘲讽那些错误的方法，而是学习过程中所必需的。我尚未找到一个统计上的解释，为何一些直觉上正确的练习方法，经常导致灾难。或许，弹钢琴是极其复杂的事，因此有许多的方法去做它，如果你只是依直觉随意去找一个简单且看起来是对的方法，那么你找到正确方法的机率近乎是零。底下是一些例子：
1.分手练习看起来是反直觉的，因为你需要左右手各练一次，然后练合手，所以你要练习三次；然而，只练习合手，你只需练一次。既然在最后的演奏时，你不会只有单手弹，那么为何要需要练习分手？本书中，约80% 都是在说明你为何需要分手练习。
分手练习是唯一能让你在无困难的情况下，快速的增加速度与控制力的方法。它能让你在无时无刻，以任何速度弹奏，而不会感到疲惫、肌肉紧张，或是受伤。这个方法是：单手练习。当你觉得疲惫时，就换手练。
换手练的时间掌握很重要，你必需确保休息的那只手，不至于变冷；若换手的时机掌握得好，休息的那只手仍会保持暖身、不疲惫，且可以随心所欲弹奏。分手练习可以让你尝试找到正确的「手的动作」去快速弹奏的唯一方法，而且它是学习放松最快的方法。
尝试用合手练习去学习技巧，是导致速度障碍、坏习惯、受伤、及肌肉紧张的元
凶。所以，分手练习时，将速度练到比最终速度（校释：曲子的目标速度）还快是有益处的（事实上，这是必需的）；相反的，以过快的速度合手练习是有害的。但讽刺的是，在辛苦多年的分手练习后，它最终目标却是让你在学一首曲子时，能尽量减少分手练习的时间（甚至于不需要)。
2.合手慢慢弹，然后逐步增加速度。这是一般直觉的方法，但这却是最糟糕的方法，因为它会浪费相当多的时间，而且你尝试去训练你的手适应与最终弹奏速度不同的动作。有些学生会利用节拍器来配合慢慢提升速度，并保持旋律的流畅。这是非常不好的习惯。节拍器只能用来检验你的节奏（速度与旋律）。如果过度使用节拍器，会遇到许许多多的问题（这也是另一个「反直觉」的事实），例如丧失你内在的韵律感、丧失音乐性，甚至于让自己完全混淆。不仅将自己过度暴露在一个固定重复的音响中，这同时也是生物／物理学上的窘境（在这种环境中，你的脑子会尝试去数节拍器的响声）。因此，了解何时、如何及为何使用节拍器，是很重要的。了解在任何情况下，选择最佳的练习速度，是本书中很重要的一环。快速弹奏的技巧，是透过「发现手部新的动作」来获得，不是单纯将慢速弹奏的动作加快，也就是说，快速弹奏时，手的动作与慢速弹奏时是截然不同的。这就是为何由慢速弹奏逐步增加速度会遇到速度障碍━因为你试图去做一件不可能的事。
从慢速弹奏逐渐加速，就像要求一匹马用走的步伐到奔驰的速度━那是不可能的。马从走、快走、慢跑，然后到奔驰，都必须改变脚的动作。如果你要求马用走路的步伐达到慢跑的速度，它会遇到速度障碍，而经常导致受伤。
本书中讨论一些最重要的手部动作。由于人的手与脑的配合极其多样，因此不可能讨论所有的动作。多数的初学者不了解他们的手能够到达像演奏家般弹奏的境界。例如：在弹奏音阶时，你必须学习「滑奏(glissando motion)」的技巧，及如何运用拇指（这是最多功能的手指）━众所周知，没有拇指，就无法弹奏钢琴。本书中讨论许多基本的手指／手的动作，主要是教学生如何自己去发现、感觉一些手的新动作。
3.想要有精准的背谱及快速弹奏的能力，你必须慢速练习－既使你能轻易的快速弹奏一首曲子。慢速练习也是反直觉的，因为你总是在快速的演奏，那为何需要浪费时间做慢速的练习？既然在演奏时都是快速的，很自然的你会认为做快速的弹奏练习会帮助你记忆，及演奏的更好。但事实上是，做快速弹奏练习，不仅会伤害你的技巧，而且也不利于
记忆。因此，在演奏会的当天，将演奏曲目做演奏速度的练习，通常会使自己在演奏会上表现不佳。你听过多少次这样的抱怨：「今天上课时弹的糟透了，今天早上（或昨天）练习时，弹的好多了！」。因此，虽然本书大多是教你如何达到最终的演奏速度，但是适当的运用慢速练习，是达到强力记忆，以及在演奏时不出错的重要因子。慢速练习非常诡异，因为在你能做快速弹奏之前，你不可以做慢速练习。否则，你会不知道你在做慢速练习时，手的动作是否正确。这个问题可以透过分手练习来获得技巧及速度。因此，了解何时需要做慢速练习是很重要的。
4.多数人很难去记忆一首他们不会弹的曲子，所以一般人会先去将一首曲子弹熟，然后再去背谱。但是如果你先将谱背下来，然后从记忆中的谱去练习，你会节省相当多的时间（这里所指的是在技巧上较难，你无法直接视奏的曲子）。本书中也解释，为何先学习后记忆，很难将曲子记的很熟。且将终生为记忆这首曲子所困扰。所以好的背谱方法，必需整合在练习的过程中；背谱是必需的，不是多余的。以上四个例子，应该可以给读者对于「反直觉」练习法一些概念。令人惊讶的是，大多数好的练习方法，都是与多数人的直觉相反的。很幸运的，钢琴天才们，看到直觉方法上的障碍，而发现这些更好的练习方法。
为何好的方法大都是反直觉的这件事，在钢琴学习上往往带来灾难？纵使学生们学到正确的练习方法（但从未没教导甚么是不能做的），都会慢慢的转变到一些直觉上正确的方法，因为他们的潜意识会不断告诉他们去用这些直觉的方法（这也正是「直觉方法」的定义）。当然，对老师而言也是这样，而家长们更是如此。所以，家长的介入，往往会带来反效果。这是家长们必需被告知的。
这就是为何本书一再强调直觉方法的误谬。也因此许多老师会排斥家长的介入，除非家长们也参加课程。大多数的学生，老师，家长都会自然而然的倾向直觉（错误）的方法。这是为何迄今人有许多错误方法存在，而学生需要一个好的老师与教科书的主因。
大体上而言，钢琴老师可以分为三大类：（a）无法正确教学的私人教师，（b）相当优秀的私人钢琴教师，（c）在大学或艺术学校教授的老师。最后一群老师通常都相当优秀，因为他们的环境会让他们积极与他人沟通。他们能够很快的认知一些不好的直觉方法，而去避免它们。不幸的是，在艺术学校的学生，通常都有相当程度，所以老师们不需要去教授基本的练习方法，所以初学者无法从这些老师中获得什么。
在（a）群的老师，通常不需与别的钢琴教师沟通，因此大多倾向于使用直觉方法，这可以解释他们无法胜任教学的原因。如果选择那些有个人网站的老师，你可以去除掉多数不胜任的教师，因为至少他们愿意沟通。（b）与（c）群的老师，大多知悉这些正确的练习方法，但是很少人能完全知道，因为并没有标准化的教科书。另一方面，他们也知道许多方法的细节，但本书中并未提到。在（b）与（c）群的老师中，有一部分只收一定程度以上的学生。这导致大多数的初学者只能选择（a）群的老师，因此这些学生只能留在初学或是中等程度阶段，而不被（c）群的老师所接受。因此，绝大多数的学生放弃学琴，纵使他们有成为音乐家的天赋。进而导致一个错误的概念，学琴是劳碌终生而无用的。所以，被不好的老师所教导的学生，并不知道他们需要更好的老师。
所有的钢琴教师都应该使用教科书来解释练习方法，如此老师就不用花时间去解释练习方法的机制，而可以专注在音乐表现上，而这正是最需要教师的地方。家长们也需要去看教科书，因为家长特别容易掉入直觉方法的陷阱。
音乐与数学的关系非常紧密。很清楚的，音乐在许多方面是另一种型态的数学，许多伟大的作曲家发现并发扬这种关系：大多数的音乐理论可以用数学方法来表示。许多作曲的基本规则可以用数学的群组理论来解释。合声是最简单的数学原理，合声是从半音阶而来，而半音阶可以用对数方程式呈现。所有的音阶都是由半音音阶所组成，渐进和弦是这些半音阶组合的最简单形式。我举出一些用数学来解释一些名曲的具体的例子（参阅1.4.4节），并在1.4节中讨论包含未来音乐研究（以数学或其它方式）的所有课题。当然，音乐不是数学！音乐是一种艺术，在1.3.7.1节中将有所讨论。数学是一种定量的描述方法，因此，在音乐中的任何元素都可以被量化（例如：拍子记号，主题结构等等），且用数学方式呈现。纵使数学对于艺术家而言不是必需，但数学与音乐的关系密不可分。了解两者之间的关系，对学习相当有帮助（就如许多伟大作曲家所论证），当数学逐渐接近音乐，而且艺术家们学习如何利用数学，这种关系就更有益处。
太多钢琴家会忽略钢琴如何运作，及调音的意义，或音质调整是怎么回事。这很令人讶异，因为钢琴的维护直接影响到，（1）音乐表现上的能力，（2）技巧上的发展。许多的音乐会演奏家，不了解平均律（well temperament）与均分律（equal temperament）的差异，然而，在他们演奏的曲子中（例如巴哈），通常需要使用其中一种或另外一种。当使
用数位钢琴，或是更高品质的钢琴（平台钢琴时），如何认知钢琴的品质，对钢琴家而言相当重要。因此本书中包含一个章节，来讨论如何调音。
身为一个科学家，我常为如何对「科学」下定义而感到苦恼，并且为此与其他的科学家或非科学家争辩。由于科学的研究方法是本书的基础，我在本书「科学方法」一章中说明了一些对于「科学」的误解。科学不是一些天才的理论世界，它是让我们的生活简单化的最佳工具。因此在第三章中，我讨论了以科学达到这个目的的基本方法。我们需要天才来发展科学，一旦科学逐步发展，我们便能从中获得益处。
音乐是一种艺术。而艺术是一种使用大脑的捷径，藉由它，我们可以达到无法由其它方式来表达的意念。科学分析只能运用在最简单层次的音乐上：是科学支援艺术。但是两者你都需要！去假设「科学会取代艺术」的想法是错误的，另一方面，如果你认为只需要艺术来学琴，那也是不对的。从历史来看，李斯特或许只有用纯艺术的观点来发展钢琴的练习。那是由于他卓越的天赋，他可以利用艺术的捷径来成就他的技巧。然而，当他获得技巧时，他无法据以教授他的学生，他只能示范给他们看（参阅Fay 及Jaynes 的著作）。而今天，我们有更好的教学系统。
因为我们需要科学与艺术，显然的艺术是最重要的成分，本书的目的是希望仅用10% 的时间来获得演奏技巧，而用90% 的时间来追求音乐表现。这种练习时间的比例，事实上是让你以最快的速度来获得技巧，因为只有在弹奏乐曲时，你能真正去练习音乐性的指法（节奏、控制、音色、音乐表现、速度等等），（这又是一个反直觉的例子）。因此一直练习困难的曲目，不是获得技巧的最快方式。也就是说，技巧与音乐性是密不可分的。这个练习时间比例，是「不要弹奏超越你技巧程度太多的曲子」的最佳例证。
总而言之，本书在钢琴教学法的历史上是绝无仅有的，并对钢琴教学带来革命性的影响。令人惊讶的是，本书中，基础上属于全新论点的部分非常少。本书中的方法，是历来的钢琴大师们所发明的，且一再被遗忘及再发明。历来的钢琴家们，耗费许多时间与精力及无止尽的指法练习在发明这些架构，这使得想象力逐渐消散。如果本书中的知识，能在学生第一天学琴开始就让他们知道，我是在引进钢琴学习的全新年代。
本书是我个人对这个社会的礼物，翻译者也贡献他们宝贵的时间。据此，我们开创了以网际网路为基础的免费教育，我们希望将来这种趋势能谓为风潮。毫无疑问的，
教育可以是免费的。这种革命似乎会让钢琴教师面临工作危机，但是透过钢琴学习方法的改进，弹钢琴会变得更加普及，因此钢琴教师的需求将会更增加。所以学习方法的改进，将使每一个人受益。很明显的，钢琴教师的教学方法不能再一成不变━他们必须广纳新知，以教育现今越来越好的学生。这个学习方法带来的经济冲击是非常庞大的。这个网站在1999 年夏天成立。从那时候开始至2002 年，我推估约有10,000 个学生学习了这个方法。我们假设，这10,000 个认真的学生每周可以节省 5 个小时的练琴时间，而且他们每年练习40 周，每个小时值美金 5 元，那每年可以节省：5 （每周 5 小时）x 40 （每年40 周）x 5 （每小时 5 美元）x 10,000 （学生）= 10,000,000 美元在2002 年这个数目将会逐年增加，每年一千万美元只是学生所省下的金额，而我们才刚开始。无论何时引进科学方法，导致效率的跃进，在历史上都是繁盛的年代，它似乎是无可限量的，而且使每个人都受益：在这里，大多是学生、家长、老师、钢琴技师，及钢琴制造商。你无法阻止进步。就如数位钢琴永远不需调音，很快的，传统钢琴也将不需调音，例如利用钢琴弦的热膨胀效应，加上电子控制来自动调音（参考本页）。事实上，大多数的家用钢琴，在多数时候，音都是不准的，因为当调音师离开你家的那一刻起，音准就随着时间变化，且音准也会随温度与湿度变化。在未来，你只要按下一个开关，钢琴将在几秒内自动调音完毕。这种装置在大量生产时，它的成本对一部中上等级的钢琴而言，将是很小的一部分。
你或许会认为调音师们会因此而失业，但这是不会发生的，因为钢琴的数目将因而增加，自动调音系统也需要维修，经常做音槌重整（这是大多数人会忽略的）也将会使钢琴的音乐表现大幅提升。这种高阶的钢琴维护，将随着高阶钢琴家人数的增加而增多。这些钢琴的音色，就如在音乐会中所听到的一般。你或许会突然发现，是钢琴限制了你的技巧以及音乐表现（磨损的音槌，一定会造成影响），而不是你自己。要不然，你认为为何钢琴演奏家对于钢琴会如此神经质的挑剔？
这本书，不是终点━而只是个起点。毫无疑问的，对于练习方法的进一步研究，将促使不断的进步，这是科学方法的必然结果。它将保证我们不会再遗漏任何有用的资讯，我们将一直向前迈进，既使是不好的老师，他们也将分享与顶尖老师一样的资讯。对于我们在获得技巧上、生物上有甚么变化，以及大脑如何做音乐的进化（特别是婴儿），我们
仍一无所知。如果我们能了解这些关联，我们就能直接去获得技巧，而不是练习10,000 次。在巴哈时期，钢琴教学还是在被阻碍的发展阶段；现在，我们希望能将钢琴从多数人遥不可及的梦想，变成多数人可以引以为乐的艺术。
第一章：钢琴技巧
I 技巧
I-1 目的
本书的目的是呈现已知的最佳钢琴练习法。对学生而言，知道这些方法意谓着减少学习的时间（而这在人生中占有相当的比例），进而增加学习音乐表现的时间，而不是在学习技巧中挣扎。许多学生几乎耗尽所有时间在学习新的曲目，这个过程极其冗长，导致没有时间来琢磨曲子的音乐表现。这种状况是获得技巧的最大障碍，因为音乐表现是获得技巧的最快途径。本书的目的是加速学习的过程，用10%的时间来学习，90%的时间来做音乐表现，如此可以将技巧发展极大化。从大方向来看，10%的时间几乎是可以忽略的━因此，当我们约略可以作音乐表现时，就应着手做音乐性的练习。
在这里，我们对于「学一首曲子」的定义是：能够以相当的速度弹奏，并能背谱。有些人会认为，「获得弹奏一首曲所需的技巧」与「学一首曲子」是相同的。从教育学的观点对「技巧」作更严谨的定义：「作音乐性弹奏的能力」，是有帮助的。对于「技巧」，我们将在下面作详细的探讨。如此定义的原因是，我们如何练习才能在观众前演奏？例如，上课时在老师面前弹奏。大多数的学生，在自己练习时，都能弹得相当好，但是一旦在人前演奏，总是弹得很糟糕。他们总会抱怨是由于紧张的关系，但其实这是一个更基本的问题：是因为不当的练习方法所致。如果我们认为这些练习方法是有效的，那么我们应该能很自然的演奏，而不至于紧张。而这些关键就是━获得技巧。
关于这一点，你应该会问，「怎么会这么简单？」。试想一个学生，比起在演奏会演奏，在老师家上课，应该容易多了。这个原因是，你每个星期都会练习在老师面前弹奏一次。很显然的，如果你练习，你就会做的好。本书其余的部分就是在教你如何在练习时就跟演奏一样。你必须尽快的学会如何做具有音乐表现的演奏，以获取技巧。
I-2 什么是钢琴技巧？
我们必须了解技巧真正的涵义，我们才能避免不正确的练习方法。更重要的是，正确的认知，可以让我们发展出绝佳的练习方法。最常见的误解是：技巧，就是手指灵活的天赋。事实上非如此！技巧纯熟的钢琴家与一般浮生大众，两者天生的手指灵活度其实没有太大差异。也就是说，任何人都能弹好钢琴。有许多例子显示，既使是心智障碍的人，仍能展现绝佳的音乐才能。不幸的是，我们这些有着更灵巧双手的人，在音乐路上却走得颠簸不堪，这是因为我们缺乏一些基本、却关键的资讯。获得技巧，是脑与神经的发展过程，而不是手指肌肉的运动与力道的训练。技巧是能弹奏无数钢琴乐句的能力，因此它不是单纯的手指灵活，而是许多技能的总合。获得技巧的课题，简而言之，就是解决如何在短时间内学会这么多种不同的技能。令人惊讶的是，透过正确的练习方法，钢琴技巧确实可以在短时间内获得，这也是本书的重点所在。这些技巧是透过两个阶段来完成：（1）先找出手指，手掌，手臂等等，如何运作。（2）运用肌肉、神经的控制来轻易地执行这些动作。第二阶段是着重在「控制」，而不是力道与耐力。许多学生认为，钢琴练习就是数小时的手指体操练习，因为他们从未被告知技巧的真正定义。事实上，当你在学习钢琴时，你是在发展你的大脑；获取技巧，是发展更快速的神经连结过程，产生更多能控制手指动作及记忆的脑细胞，及「说音乐语言」。事实上，你是在使自己变的更聪明，让自己的记忆力更好，这也是为何学钢琴有这么多益处，例如增加抗压性及记性。这也是为何，背谱与技巧是密不可分的。上述的定义告诉我们，一旦你学了一个曲子或技巧，例如音阶，一再重复的练习不能增进你的技巧，只是浪费时间。我们必需了解自己，并发现与获取正确的技巧。对一般大众而言，这似乎是不可能的任务，除非从孩提时，就决定投入一辈子的时间达成。纵使如此，很多人还是不能成功。为甚么需要花一辈子的时间？是因为缺乏适当的指引。钢琴家们必须自己不断尝试摸索正确的动作。例如，当你在练习一段非常困难的曲子，你的手意外找到一个可以弹奏的动作，这种可能性很低。如果你运气不好的话，你永远找不到正确的动作，而卡在那里，这种现象称为「速度障碍」。绝大多数的初学者，对于手指、手，以及手臂的复杂动作没有概念。很幸运地，过往的天才们已经发现许多有效的练习方法，否则他们不可能成为如此成功的演奏家。
另一个关于技巧的误解是：一旦你的手指达到某个技巧程度，你就能弹奏任何作品。
任何新的曲目都是挑战，它们都需要重新学习。钢琴家们似乎能弹奏任何东西，是因为（1）你知道的曲子他们几乎都弹过，（2）他们知道如何快速的去学习一首新曲子。因此，乍看之下，获得技巧是令人怯步的工作，因为钢琴曲目几乎是无止尽的━我们怎么可能全部都学会呢？这个问题大部分已经被解决了：我们可以将曲子做不同的分类，例如音阶，这是常常出现的，如果你知道如何弹奏音阶，你已经涵盖了很多曲子的部分。但更重要的是，解决不同的问题，需要不同的方法━这些方法是本书最主要的课题。
我们将讨论一些重要的方法，它们是一些学习的诀窍，能让你以一个通用步骤，来获得绝大多数曲子中的困难技巧。这些诀窍，是让你以最快的速度，找到弹奏困难曲子时，手、手指、手臂等应该有的动作。有两个原因你需要自己去找出这些动作：首先，因为有太多不同的曲子，弹奏他们的方法不可能一一在此列出。再则，每个人的需求都是不同的，本书中的规则只是一个起点，让每个人据此去找到个人适合的方法。确实了解本书的内容，不仅能立即增加学习速度，并且能随着技巧的累积增加，使学习速度加速累进。这种加速的程度，会决定你何时能成为一个钢琴家。
很不幸的，许多私人钢琴教师，他们并没有跟一些音乐教育机构有所联系，所以他们并不知道这些方法，而他们却是大多数初学者的教师。另一个极端现象是，许多钢琴大师及教授的著作，都在讨论高阶的音乐表现，而不是如何去获得基础技巧。这也是我写这本书的主因。
I-3 技巧与音乐
虽然，精确的定义音乐不容易，但我们可以讨论如何做音乐性的演奏，就如本书中所讨论的。技巧与音乐的关系，决定了获取技巧的练习方法。技巧是表现音乐所必需的，所以，我们必须作有音乐性的练习。如果我们在练习时，只是专注于手指技巧，而忽略音乐性的练习，我们会养成缺乏音乐性弹奏的怀习惯。但这有一个吊诡的地方，当我们在练习技巧时，表示我们缺乏这些技巧，那如何做音乐表现呢？这种情况下，又如何要求学生作音乐性的练习？当然，还是要从不具音乐性开始。错误通常是从学生老是忘记当他们已经可以将音乐性加入练习时却忘了加入开始的。
一个常见的症状就是，当老师或其他人在旁边时，总是弹得一踏糊涂！当有听众在旁边时，他们总是会在一些地方弹错，而在练习时却不会发生。这是因为，学生在练习时，
并没有注意音乐性的问题，但当老师坐在旁边，他们却要在这个时候把音乐性加入。不幸的是，当上课结束时，他们还是做不到。
在音乐与技巧间，还有一个更基本的问题。钢琴教师们知道学生必须作有音乐性的练习，来学会技巧。但是在弹奏的机制中，耳朵与大脑要如何配合呢？技巧与音乐性都需要精确性的控制。事实上，所有的技巧缺失，都可以在音乐中测出。至少，音乐是检验技巧是否正确的最佳方法。在本书中，我们将看到更多了解释，为何不能音乐与技巧分开。纵然如此，当没有人在旁边时，学生通常会倾向于做无音乐性的机械化练习。这样的练习，对于技巧学习相当不利，常会造成「琴房中的钢琴家」：他们喜欢弹琴，但是却无法演奏！一旦你成为琴房中的钢琴家，在心理上，是很难扭转回来的。如果学生一开始就被教导做音乐性的练习，这种问题几乎是不会存在。练习与演奏根本就是同一件事。本书中，我们提出许多建议，如何去练习演奏，例如，从开始学琴时，就学习在练习时录影。但是，最重要的观念还是：作有音乐性的练习。
为何「较慢速的音乐性弹奏」，会比「较快速的练习」能更有效率的增加速度？这有3 个主要的原因：第一，两者都需要精确的控制力。第二，当慢速弹奏时，你可以避免肌肉紧张以及养成坏习惯。第三，慢速练习时，你可以将注意力集中在手的动作、放松等等。以上这些因素，组合起来称为「快速弹奏退化症候群」。这种症状是，有一天你突然没有办法弹得很好，怎么弹都不满意，尽管你在昨天或前几天能弹得又快又好。当然，学习快速弹奏的方法也很重要。这里，我们也会做详尽讨论。明智的选择练习速度，在快速与慢速练习间转换，能使你的练习效率更佳。
I-4 基本方法，诠释，音乐训练，绝对音感
教导学生做音乐性的演奏与练习时，老师扮演着关键性的角色。关于音乐性，这里有几个基本却有用的原则。例如：很多作品，开始与结束会用同一个和弦，这看似神秘的规则，其实只是和弦进行的规则。了解和弦的进行规则，对于背谱会有相当帮助。一个乐句的开始与结束，通常会使用较弱的音，中间则使用较强的音，这是一个很好的原则。很多书都有讨论音乐的诠释（参阅Gieseking, 及Sandor 的着作），在本书中，我也将有所讨论。很显然的，音乐理论、相对与绝对音感等等，对于钢琴家相当有帮助。
音乐训练对于小朋友有相当帮助。大多数的小朋友如果经常处在音准的钢琴音响环
境中，很自然的就会发展出绝对音感━这并非超乎寻常。没有人天生就有绝对音感，这是后天学习而来的（音阶中每一个音的频率是人类制定出来的，自然界没有任何定律规定中央A 必需是440Hz ）。如果绝对音感没有持续的练习维持，也会逐渐丧失。钢琴训练，可以在儿童3、4岁时就开始。婴儿从出生起，就处于古典音乐的环境中，是相当有帮助的，因为古典音乐是所有音乐型态中，最复杂，也最具有深度与广度的。有些流行音乐，过度集中在一些狭窄的内涵，例如音响、简单的音乐结构，这些并不会激发大脑的音乐性，反而会使大脑的发展与音乐渐行渐远。
人，不需要特殊的天赋来弹好钢琴。虽然作曲是需要一些天赋，但是动动手指来弹钢琴，并不需要音乐性的大脑。事实上，大多数人都拥有相当的音乐性，只是我们缺乏技巧来做出音乐表现。我们都曾听不同演奏家的演奏，而且能指出其间的差异━这种音乐敏感度，便足够弹钢琴所需。每天练习8 小时不是必需的，许多成名的钢琴家，建议一天只要练习1 小时。每周练习3～4次，每次 1 小时，就能维持进步。当然，如果你多一些练习，就会进步较快。
本书中一个很重要的课题就是「放松」。当你学会在弹琴时完全放松，那是甚么样的感觉呢？首先，速度不再是问题，不只是速度的掌握不再那么困难，而是音乐本身就会给一个速度的极限，当你在遇到速度的困难前，音乐本身就会限制住速度。你会感觉到，手指似乎想要弹的更快，而你必须将他们拉一些回来。你具备了「寂静的手（quiet hand）」：当你的手指飞快弹奏时，你的手却只有极小的动作。甚至你可以弹奏相当困难的曲子，且你的手好像是放在钢琴上休息，疲惫也会逐渐消失。值得一提的是，放松，是仅就身体而言，大脑一直都专注在音乐上，当练习时也是一样。所以，无意识的机械化练习，例如哈农（Hanon）的练习曲，对于大脑音乐性的发展相当不利。如果你在练习时，不培养大脑的音乐性，大脑会对于演奏感到麻木，你会像个机械人一样演奏。这种情形是造成演奏时紧张的成因，没有周全的准备，你知道成功的机会是渺茫的。
最后，完整的音乐教育〔音阶、拍子、听写、听力训练（包含绝对音感）、音乐理论等等）应当包含在学琴的课程中，因为这些课程是相辅相成的。在最终的分析中显示，完整的音乐教育，是学好钢琴的不二法门。但是大多数有企图心的学琴者，并没有这样的资源与时间。本书的目的就是，让学生有个起点，如何快速的获取技巧，然后他们可以再考
虑其它的课程。统计上显示，钢琴弹得好的学生，最后都会尝试作曲。往后再来学习这些音乐理论，是不可行的，例如：随着年龄的增加，绝对音感的训练就越难，请参阅1-III-12 节。另一方面，学习作曲理论，并不是作曲所必需的。许多音乐家，并不赞同在开始尝试作曲前去学习作曲理论，因为这样不利于建立自我风格。
这本书中，这些独特的方法是甚么呢？
它不像一些旧有的方法，需要学生全心投入，甚至改变生活型态来符合练琴需要。本书中的方法是提供一些工具，让学生藉由一些步骤来达到特定的目标。如果这些方法是有效的，他们就不需终生的盲目崇拜来达到精通的程度。
任何一个方法都有它物理上的基础（如果它是有效的，那就一定有个说法；旧有方法的问题，就在于无法提出明确的解释）。它还必需包含以下几个要件（a）目标：要学会甚么技巧，例如，如果你的弹奏速度不够快，或是你的颤音不好，或是你要加强背谱能力等等（b）执行：例如，分手练习，使用和弦起音，在练习的同时背谱等等（c）根据：在物理学、心理学上、机械原理上等等的解释，为何这些方法是有效的？例如，分手练习是藉由将困难的乐句简单化，来学习技巧（单手总比双手简单）。（d）若使用错误方法？：如果使用一些不正确的方法，通常会引起一些问题，例如，重复太多次的练习会养成坏习惯；当手疲倦时，仍持续练习会引发肌肉紧张。如果没有这些负面的例子，学生很可能会不经意的使用一些错误的方法- 为何会这样呢？我们必须知道该避免哪些事，通常，错误的方法与习惯，才是阻碍进步的根源，而不是练习不够。
II 钢琴练习的基本步骤
II-1 练习的程序
许多学生会用下列的练习程序
首先，先练习音阶或是做一些技巧练习，直到手指灵活。如果你还有时间去做一些技巧性的练习，例如哈农练习曲之类的，就继续练习30 分钟或更久。
然后开始练习一些新曲子，先从头开始读个一两页，双手慢慢的弹。重复慢慢的弹，直到逐渐熟练后，再慢慢增加速度直到曲子的速度。在慢慢增加速度的时候，节拍器也常被用到。
两个小时的练习后，手指已经完全放开，能飞快的弹奏，这时候，你几乎可以用随
第一章钢琴电子琴弹奏的基本知识 教学目标：通过教学使学生了解钢琴电子琴弹奏的基本知识，包括认识五线谱、弹奏钢琴电子琴的坐姿、手型、钢琴键盘 的分组，弹琴时力的方向以及钢琴踏板的运用。 教学重点：1、五线谱基本知识的掌握 2、五线谱知识的实际应用 3、钢琴键盘的分组 4、键盘分组法和乐谱分组法的区别 5、弹琴时力的方向 6、钢琴踏板功能及使用 7、钢琴弹奏时的基本姿势 教学难点：1、力度记号的掌握及实际演奏中的效果 2、钢琴键盘的分组 3、弹奏过程中手型的控制 4、钢琴踏板的使用 教学方法：讲授法、练习法、讨论法、演示法 学时安排：10学时 授课内容： 第一节认识五线谱 一、五线谱 五线谱是由线和间组成的，其每一条横线与以此形成的每一个间都有不同的作用和意义(包括加线与加间)。 1．线与间 (1)五线谱上的线从下向上依次可分为五条线。
(2)从下往上又可依次分为四个间。 2．加线与加间 由于记谱需要，经常在乐谱上或下出现加线现象，于是又分别形成了下加线，下加间；上加线，上加间。如图： 二、力度记号 （1）强 f 中强 mf 特强 sf ＜渐强（Cresando） 突强 sfz 强音标记“f”越多音越强。如：f、ff、fff、ffff等。 ＜渐强（Cresando） （2）弱 p 中弱 mp 强后即弱 fp ＞渐弱(dim)等等 突强即弱 sfp 弱音标记“p”越多音越弱。如p、pp、PPP、PPPP等。 三、重音、保持音和跳音记号
(1)“>”重音记号(强音记号) 表示演奏、演唱时加重音(在有些情况下，如用某些乐器演奏时往往被处理成小渐弱)。 (2)“一”保持音记号 表示演奏、演唱时尽量饱满充分。 (3)“〃”跳音记号 表示演奏、演唱时必须跳奏。 四、反复记号 表示乐曲反复。然而该记号又有多种形式。 (1) 局部反复，在两个记号之间反复。 (2)D．C．(da copo)从头再奏。 D．S．(da segno)从记号起再奏一遍。 另：D．C．e．1a．Fine从头再奏至“Fine"为止或D．S．e． la coda从头再奏至“”处，然后跳到Coda(结尾)。 (3)“”无定次反复记号 “”延长记号。表示乐曲在此处停顿或延长。 “”换气记号。表示乐曲必要的呼吸。 另：“，”分句记号，也被称为小换气记号。 五、谱表 1、高音谱号和高音谱号上的音
浅谈钢琴基本功的重要性及其训练 [摘要]当今随着素质教育的普遍提高，钢琴作为一门修身养性的艺术，被越来越多的人接受并进行长期练习。而学习钢琴是一条艰苦卓绝的道路，如果不在一开始打下坚实的基本功基础，那么将长期影响后面对钢琴的学习。本文就从钢琴基本功的重要性出发，进而分析如何对基本功进行训练，以供广大钢琴爱好者和教育工作者参考。 【关键词】基本功；重要；姿势；音阶 一、钢琴基本功的重要性 学习钢琴是一条二万五千里长征一般艰苦做绝的道路，在学习中一定要一步一个脚印走扎实，这样才能循序渐进，顺利完成日后更高层次的学习。因此钢琴的基本功练习是十分重要的，它是成功学习钢琴的基础。其实不仅仅是钢琴，学习任何一门学科，打下良好的基础都是必不可少的。只有全面地、熟练地掌握基本技术，才有可能向更高的层面迈进。如果不加强对基本功的练习，根本无法弹奏技巧更复杂的曲目，导致练习止步不前，甚至会使得学习者对钢琴产生“望而生畏”的感觉。当然，钢琴也因其本身特殊的特质，而对基本功的要求更为严格。 二、钢琴基本功的训练 钢琴被称为“手指上的舞蹈”，它因其本身特殊的性质，对基本功的要求尤为严格。下面就从高抬指、和弦、复调等方面，来重点分析钢琴基本功的联系。 1、高抬指 高抬指是钢琴基本功联系中最重要的一个方面。高抬指也是钢琴初学者一开始就要接触，并需要高度重视的弹奏技巧。练习高抬指，就如同建房子打地基，地基没打稳，将直接影响整栋建筑的质量。因此初学者一定要花大量的时间来练习高抬指，这是练习钢琴的重中之重。 正确的姿势是学好一门乐器的关键，而高抬指也不例外。在练习高抬指的时候，要注意手型。在弹奏前，要做好击键准备，摆好手型。在弹奏的时候，有以下几个方面需要注意：高抬的时候，是手指的根部抬起手指，手指呈自然弯曲的状态。下键的时候，是要用手指自身的力量向下击键，这样视觉上才自然优美、。下键时的强度和力度也要控制好。另外还要注意时间上的分配。注意好这几个方面，一次完美的高抬指便完成了。 2、读谱 读谱也是学习钢琴的重要基本功之一，正确的读谱是弹奏钢琴的基础。乐谱能够为演奏者铺上演绎的道路，它是作家对生活的感悟，对情感的体验。如果不
课程名称：《钢琴即兴伴奏》 课程类别：专业核心课 任课教师：刘戈 2013—2014学年第1学期 教学对象 专业、班级音乐20501、20502 音表20501音教专20601 班级规模每组约15 人
分析： 本门课程的先修课程有乐理、视唱练耳、和声。从大学一年级时，各班级 的学生开始系统学习钢琴，已具备了一定的弹奏基础。音乐20501和20502班 的学生，部分已达到车尔尼299程度，音表20501班声乐专业的学生，钢琴弹 奏能力较薄弱。音教专20601班的学生，钢琴弹奏能力有待提高。根据对学生 以上各门课成绩的了解，部分学生整体能力较强。因为大多数学生对钢琴即兴 伴奏的了解和实践还不够丰富，特别是动手能力还显得不足，所以，在教学时 教师首先要让学生多弹、多实践，而后在具体的实践中不断丰富经验、培养能 力；同时要增强学生的自信心，通过丰富的教学手段培养学生的乐感，使他们 在学期结束时能自如运用一些简单的音型，快速运用正、副三和弦对歌曲进行 伴奏编配。 粘贴教学日历 第1次课 课题钢琴即兴伴奏的基础与原理课时2学时
教学目的1、通过本次课让学生了解并理解钢琴即兴伴奏的作用、意 义； 2、让学生初步了解钢琴即兴伴奏的方式、方法； 3、重点通过对和声知识的复习，让学生了解即兴伴奏弹奏中 常用的和弦。 教学重点、难 点重点： 1、学习钢琴即兴伴奏所必需的相关知识； 2、学习即兴伴奏弹奏中常用的和弦 难点： 1、了解即兴伴奏的基本训练方法； 2、了解即兴伴奏弹奏中常用的和弦及其用法。 教学说明1、使用讲授法、训练法 2、数码钢琴教学系统 参考教材刘聪、韩冬主编《新编钢琴即兴伴奏教程》 教学过程一、导入新课；（7分钟） 二、讲授新课 （一）钢琴即兴伴奏的定义及其在日常工作学习中的重要作用；（8分钟） （二）钢琴即兴伴奏的种类；（10分钟，举例说明） （三）学习钢琴即兴伴奏所必需的基础知识：（10分钟）钢琴弹奏能力视唱练耳和声曲式 （四）和声知识复习及和弦的运用（30分钟，讲授法、训练法） 1、正三和弦的运用及举例 2、副三和弦的运用及举例 3、副七和弦的运用及举例 4、副属和弦及其七和弦的运用及举例 5、变和弦的运用及举例 三、总结上课内容，进行小结并提出练习钢琴即兴伴奏的 基本方法（15分钟） 四、布置作业，并让学生动手进行训练（10分钟）
钢琴144个和弦的练习方法 可以说有成千上万种的和弦，从我们熟悉的大和弦（major chords）、小和弦（minor chords）到七和弦（7ths）、十三和弦（13ths）、留音和弦等等。接下来我们就是要认识这些各种各样的和弦。首先我们要从认识三和弦入手，这是最基本也是最常用的和弦。如果你不知道三和弦，那么你也许连一首简单的歌曲都不能弹，但是如果你知道了这些三和弦及其用法，那么，你就能弹上百首甚至上千首的好听的歌曲和钢琴曲了。 一点都不夸张，接下来往下学你就知道了！ 先来说一下： I IV V 每一个调都有3个基本的和弦，这3个和弦出现的频率最多，就好像一个调里面的最主要的家庭成员一样。它们分别在音阶的第I级、第IV级和第V级上构成三个音的和弦，我们称之为“三和弦”（triads），以后我们还要讲到由4个音或者5个音构成的和弦。 转自 如果我们在第I级上构成一个三和弦，就是C E G三个音，称之为：C大三和弦（C major chord）。如果我们在第IV级上构成一个三和弦，就是F A C三个音，称之为：F大三和弦（F major chord）。如果我们在第V级上构成一个三和弦，就是G B D三个音，称之为：G大三和弦（G major chord）在五线谱上我们这样标记： 这3个和弦在乐曲当中是最基本也是最常用的，它们就好像一个家里里面的三个成员：你、你的配偶、你的孩子。大多数的曲子都可以用这3个和弦来演奏。以C大调的乐曲为例，如果第一个和弦是C，那么下一个和弦是什么呢？如果让你来猜，那肯定是F或者G，就好像别人打电话给你，问你家里还有谁在，如果让他来猜，肯定是先猜你先生（太太），或者你的孩子在家吧。就是同样的道理。明白了这个道理，我们就可以用这3个和弦来应付一些简单的歌曲伴奏或者乐曲的演奏。当然这些都是以大调为例的。 以下是各个大调的I 、IV 、V的和弦： Key of C: C, F, G Key of G: G, C, D Key of D: D, G, A Key of A: A, D, E Key of E: E, A, B Key of B: B, E, F# Key of F: F, Bb, C Key of Bb: Bb, Eb, F Key of Eb: Eb, Ab, Bb Key of Ab: Ab, Db, Eb Key of Db: Db, Gb, Ab Key of Gb: Gb, Cb, Db
钢琴基本技术包括音阶、和弦、琶音、八度等技巧,也就是人们常说的“基本功”,是钢琴学习中最为重要的内容之一,但不少钢琴学习者都对这些内容缺乏认识或不感兴趣,没有予以高度重视,以致在钢琴学习中遇到越来越多的技术障碍。所以,只有当你正确认识学习基本技术的意义和作用,并用正确的方法进行练习,打好钢琴演奏的基本功,才能轻松愉快、得心应手地去弹奏各种高难度的艺术作品! 一、重要性 伟大的钢琴教育家卡尔·车尔尼有一句名言:如果你问我,怎样才能成为好的钢琴家,那么你告诉我,你练了多少音阶?!伟大的作曲家、举世瞩目的钢琴大师——拉赫玛尼诺夫也指出:出色的钢琴家,必须具有干净、快速、清晰、灵活的基本技巧,一针见血地高度概括了钢琴基本技术学习的重要性。 众所周知,精彩动人的音乐需要演奏者全身心投入的演奏,细腻地刻画音乐形象,而这一切往往需要出色的、辉煌的技巧,可以说,没有过硬的技巧,音乐表现就无从谈起!而基本技术包括了钢琴演奏中所遇到的几乎所有技术问题,渗透于几乎所有音乐作品的每一个句子当中!钢琴学习者必须用大量的时间进行基本技术的训练,尤其是在早期学习阶段进行系统的练习,对于手指、臂、腕等生理机能的潜力,将得到最好的发掘,为日后的进一步学习奠定极其坚实的基础!在你的钢琴学习生涯中,你在基本技术训练中的每一分努力,都将得到加倍的回报。打个比方:你在基本技巧训练中多花一小时的时间,你完全有可能在音乐作品的练习中节省两个小时以上的时间,却得到更好的效果。全国考级直至任何一个地方的考级都规定音阶、和弦、琶音等基本技术是必考项目,已经足以证明这些内容的重要性,但不少学生却几乎从来都不练或者很少进行基本技巧的练习,直至为了应付钢琴考级才匆匆忙忙练出必考的几个调的音阶。这一切所带来的后果则是“营养不良”、技术生疏、进步缓慢、学习效率极低!而不少令人感到“进步神速”的学生却在基本技术上暗下功夫,他们尝到苦练基本技巧所带来的甜头后,更进一步在这里下功夫,这种良性循环使他们达到了令人望尘莫及的成就。许许多多的钢琴家更是从小起直至整个演奏生涯当中从没停止过一天的基本技术的练习。在这一切证明之后,难道你还能怀疑钢琴基本技巧训练的重要性吗?!那么,到底需要多少时间进行这一训练呢?答案当然是越多越好。总之,在学生时代每天拿出你练琴时间的1/3进行基本技术训练绝不过分! 二、训练方法 1.慢练为主,结合变速练习 首先,不论哪种技巧,在初学阶段都必须用很慢的速度进行练习,这一点尤为重要!只有用很慢的速度,才能把每一个动作的细节准确地奏出,并且有足够的时间去注意指法等问题。慢练的重要性是怎么强调都不过分的。慢练是克服一切技术障碍最有效的方法;慢练犹如“放大镜”,把所有细节都扩大,让你真正体会到各个关节的动作,使动作简练,下键力度集中,并体会到触键的细微感觉,使每个音都充满“美”……慢练需要极大的耐心,真正做到持之以恒地慢练,将让你受益终生,慢练是弹好钢琴的秘诀!慢练应贯穿于学习的全过程! 始终坚持以慢练为主,在掌握正确触键的基础上,能够把每一个音弹得均匀、清晰、集中之后,利用节拍器结合变速练习,快慢循环结合,把各种技巧弹得飞快而保持每个音的均匀、清晰,对于克服手指连续跑动的困难是十分有效的方法。 2.分手练 经常分手练习,可以使每个音都达到要求,学习效率更高。不但在练习的初级阶段要分手练,而且必须随时穿插分手练习。在初学阶段,分手练有利于提高准确性,如指法、下键的准确性等。尤其是许多初学者,左手总是处于被动的地位,一味地跟着右手走,在触键的力度、音色把握等方面起不到锻炼的作用。所以,经常进行分手练习,并特别注意倾听左手弹出的声音,改善触键,你会感到受益匪浅。 3.高抬指练习与贴键练习相结合
第一章、钢琴教案 （徐飞音乐舞蹈学校钢琴教研组编写） 教学目标：通过教学使学生了解钢琴电子琴弹奏的基本知识，包括认识五线谱、弹奏钢琴电子琴的坐姿、手型、钢琴键盘的分组，弹琴时力的方向以及钢琴踏板的运用。 教学重点：1、五线谱基本知识的掌握 2、五线谱知识的实际应用 3、钢琴键盘的分组 4、键盘分组法和乐谱分组法的区别 5、弹琴时力的方向 6、钢琴踏板功能及使用 7、钢琴弹奏时的基本姿势 教学难点：1、力度记号的掌握及实际演奏中的效果 2、钢琴键盘的分组 3、弹奏过程中手型的控制 4、钢琴踏板的使用 教学方法：讲授法、练习法、讨论法、演示法 学时安排：10学时
授课内容： 第一节认识五线谱 一、五线谱 五线谱是由线和间组成的，其每一条横线与以此形成的每一个间都有不同的作用和意义(包括加线与加间)。 1．线与间 (1)五线谱上的线从下向上依次可分为五条线。 (2)从下往上又可依次分为四个间。 2．加线与加间 由于记谱需要，经常在乐谱上或下出现加线现象，于是又分别形成了下加线，下加间；上加线，上加间。如图： 二、力度记号
（1）强 f 中强 mf 特强 sf ＜渐强（Cresando） 突强 sfz 强音标记“f”越多音越强。如：f、ff、fff、ffff等。 ＜渐强（Cresando） （2）弱 p 中弱 mp 强后即弱 fp ＞渐弱(dim)等等 突强即弱 sfp 弱音标记“p”越多音越弱。如p、pp、PPP、PPPP等。 三、重音、保持音和跳音记号 (1)“>”重音记号(强音记号) 表示演奏、演唱时加重音(在有些情况下，如用某些乐器演奏时往往被处理成小渐弱)。 (2)“一”保持音记号 表示演奏、演唱时尽量饱满充分。
第24卷第1期2009年2月宿 州 学 院 学 报Journal of Suzhou U niversity V ol .24,N o.1Feb .2009 浅谈钢琴基本功练习在钢琴学习中的重要性 马丽丽 (安徽师范大学音乐学院,安徽芜湖 241000) 摘要:钢琴弹奏的学习不是一朝一夕就可以完成的,它是一个漫长的学习过程,而基本功训练则是保证全面、系统而又有针对性的学习钢琴初级技术的主要课题之一。基本功训练的内容十分丰富,它有着非常细致的、严格的要求,不是一种浅显而简单的学习。本文论述了钢琴基本功在钢琴学习中的重要地位,并对如何科学有效的进行钢琴基本功的训练进行了阐述。 关键词:钢琴;基本功;情感表达中图分类号:J 624.1 文献标识码:A 文章编号:1673-2006(2009)01-0156-03 收稿日期262作者简介马丽丽(6),女,安徽宿州人,讲师,研究方向音乐教育。1 关于我国目前钢琴教育、学习环境的状况 近年来随着我国人们的物质生活水平的不断提高,以及素质教育在我国的逐步发展,越来越多的家庭希望自己的孩子能接受一些音乐知识与技能的培训学习,使自己的孩子能够全面发展。而钢琴作为“乐器之王”在我国得到了很好的普及和发展。从一定程度上来说,“钢琴热”刺激了我国音乐教育的发展。但是,一些陋习也存在于中,好多家长或者老师,没有认识到学习音乐的最终目的,忽视了音乐教育的审美功能,而是片面的认为学习钢琴就是为了考级,就是以便于孩子以后的升学,就业,以增强社会竞争力为目的而学习钢琴。有些老师为了迎合某些家长的这种片面的心理,不顾学生的实际能力,让学生弹奏其难以弹奏或者高于其真实水平很多的曲目。在这种不正常的,急功近利的学习环境下,很多学生是背负着父母、老师这份重担来学习音乐,并且基础打得也不扎实,根本享受不到学习音乐的愉悦。最后虽然能弹奏一些曲目,但是他们的演奏给人的感觉是机械的、空洞的、无力的、生硬的,甚至给人一种“噪音”的感觉。而钢琴的学习应该是全面的,扎实的,是循序渐进的。钢琴的学习应该从基础抓起!要从钢琴的基本功出抓起,基础练习是重中之重! 2 关于钢琴基本练习的内容 2.1 基本手指练习 首先,我们先谈下手指练习,就是我们经常说的手指机能的训练。手指是钢琴技巧的基础,十指是弹 奏钢琴最直接、最敏感的部位。在学习钢琴的过程中,每只手的五指能否得到均衡全面的发展,是能否演奏好各类音乐作品的关键。不同的钢琴作品体现出不同的技术特点和技术要求,有些曲目要求我们要具备很好的音阶、琶音技术;有些要求我们具备扎实的和弦技术等等。我们的五个手指由于生理因素,各有不同的特点,人们的二、三指较有力,四、五指独立性较差,对其他手指有依附性,在弹奏中,很容易被牵动。我们进行五指训练,目的就是在于让每个指头能独立、均衡、稳定、清晰敏捷地弹奏。练习者要认真的,坚持不懈地行训练,才能有良好的练习效果。五指练习的教材很多,初学者一般选用《哈农钢琴练指法》,它有专门使手指灵活有力、独立平均发展,以及使手腕松动自如所必需的练习。它能使左、右手获得同样的弹奏能力。初学者在初次接触钢琴时,几乎都是从《哈农钢琴练指法》开始自己的手指练习,然后进行音阶,琶音,颤音等单一的技术练习。只要我们仔细分析一下乐谱,就不难发现,许多乐曲都是巧妙地运用及融化了各种音阶琶音作为表现音乐的手段,尤其是古典乐曲更加明显,因此这类练习就显得尤为重要。这里我就着重谈论下关于音阶,琶音练习的技术特点和技术要求。 音阶弹奏不光要求均匀、流畅,还有就是快速的跑动。这往往也是练习过程中不容易解决的困难。要做到快速弹奏,首先还要慢练,而琶音练习与音阶练习一样重要,也是钢琴演奏技术的基础。琶音的弹奏较音阶的弹奏可能更难掌握一些,琶音在弹奏是跳进的,手的伸展以及大指的转换位置都较大,准确性也更难把握。弹奏琶音时要保证弹奏时的的准确度和正确的触键方法。其次由于琶音的音程距离比音阶大,弹奏时一定要注意手指的扩张,提前做准备, 6 5:2008019 :197-:1
钢琴练习技巧 ①眼看单行乐谱，手弹单指旋律——训练孩子的一般注意力。 ②眼看单行乐谱，用右手弹奏两三个音符组成的旋律——训练孩子较强的注意力。 ③眼看两行乐谱，用左右手弹奏出各自不同的声部——训练孩子高度注意力与协调力。 ④眼看两行乐谱，用脑同时兼顾到双耳、双臂、十指、双腿及双脚的动作，以弹奏出乐曲——训练孩子高度精确的注意力、协调力，从而产生自信力。 1：钢琴的基本练法 （1）钢琴的基本练法就是慢练。 慢练的方法之一是用节拍器。即使在作品练习成熟之后，也不应忽视适当得慢速练习。 （2）有计划、有目的地学习： 练钢琴需要的是持之以恒的态度。钢琴曲目繁多、演奏技法多样。初学者应制定一个远期学习目标和近期学习计划，从基础着手，循序渐进地学习。 （3）以良好的心态学习钢琴： 学琴过程中，可能会遇到情绪起伏不的情况。应调节情绪，适当减轻学习难度，充分激发学琴兴趣、缓解学琴紧张感。 2：钢琴弹奏中自然重量的运用 关于自然重量的运用的要求是整只手臂的放松自如，从肩部的舒展下垂，到整个手臂的协调下垂，通过放松灵活的手腕调节，然后由手指把手臂重量传入键盘。 （1）：认识体会到手臂的自然重量 以前倾上身的坐姿，把两只手臂完全放松地垂下去。此时手臂好像是从肩部自然垂挂下来的物体。在空气中随意摆动，晃动，而血都涌向了手掌，通向了指尖。体会到手臂的自然重量后，我们就要把这个自然重量用到弹琴上去。接下来手指就要发挥它的功能和作用了。 （2）：手指要承受并支撑整只手臂的重量 手指的三个小关节微微凸起，尤其是处于手掌部位的指根关节（以下简称"掌关节"）必须要作为一个力量的支持点。手臂的自然重量落下来，要求每一个手指都能支撑住。我们用断奏入门的方法练习：先分别一个手指一个手指地在钢琴上站好，结合手臂的自然重量。经过一个阶段，在每个手指都能自如地弹出饱满的声音后，再渐渐进入连奏的练习。进一步我们就可以调节重量的轻重 3：弹奏钢琴时身体的协调 （1）保证身体协调的根本： 保证身体协调的根本是根据自己的身体条件进行调节正确合理的坐姿。随着程度的提高，对力度、速度、音乐情绪和色彩的变化提出了越来越多的要求，所以身体的参与和调节也越来越重要。
钢琴演奏的指法大致分为这五种基本指法1) 一对一最最基本的是一个手指头正对着一个键盘。五个手指就对应do、re、mi、fa、so五个音 2）穿指，或“拇指潜移”，也有人叫它“钻山洞”，就是1指从2指或3指或4指下面穿过，去弹奏更高的音的指法。 穿指有一些规则。 a、只能用1指去穿，而且只能穿2，3，或4指，不能穿5指。穿5指是忌讳的。另外，1穿2和1穿3的场合比1穿4要多一些 b、如果2、3、4指在白键上，那么1指在穿指后不可以落到黑键上。否则就是别马腿，大家可以试一试。这是要说一下，1指由于其生理构造，不太适合经常上黑键。但它在相对少数的一些场合还是需要上黑键的。但是一定要在顺手的情况下才可以。 c、穿指跨度不要太大，要尽量避免穿4度以上的距离。什么是4度？从do到fa的距离就是4度。可以试试，如果2、3或4指在do上，然后用1指穿，穿过去后落在so或者la上，一定会是很不愉快的。 3) 跨指，或“跨越拇指”，就是2指或3指或4指从1指上面越过，去弹奏更低的音的指法。 跨指有一些规则。
a、只能去跨用1指，跨其它指头是忌讳的，比如说4指跨5指是禁止的。而且只能用2，3，或4指跨1指，不能用5指跨1指。另外，2跨平台和3跨1的场合比4跨1要多一些。 b、如果1指在黑键上，那么2、3、4指在跨指后不可以落到白键上。否则就是别马腿，大家可以试一试。 c、跨指跨度不要太大，要尽量避免跨4度以上的距离。 4) 括指，又叫手指的伸展，是指把手指横向张开，要触键的两个手指与它们之间的手指数的总和小于要触的两个键盘的音程数的指法。 上行的时候叫括指，下行的时候呢，叫……还叫括指！而且括指不局限在 1 指上。见下面的图，4 指和 5 指的括指。 a、任何两个指头都可以括指。当然了，1 指和其它指头括得最多。 4 指和 3 指、4 指和 5 指用得少喽。 b、白键和黑键都可以括。当然了，括的时候要保证弹奏的方便。 c、当我们知道下面该括的时候，要提前准备，不要等弹到前一个音了再抓瞎准备后一个音。 d、如果不需要伸展很大的程度，就不要自找别扭。比如，弹 do、高音do、do的时候，明明能用 1 指、5 指、1 指，就不要用 1、2、1。
浅谈钢琴基础训练 [摘要] 钢琴演奏是一项复杂的思维和实践活动，它是脑力与体力、技巧与艺术、逻辑思维与形象思维相结合的综合性活动，具有极强的技艺性。而一个合格的钢琴演奏人才必须根据钢琴教学的特点，通过系统、正规、循序渐进的教学过程，由易及难地反复训练积累，逐步提高。打好坚实的基本功非常重要，注重培养乐感，并根据心理上的变化选择合理的练琴方法。所以钢琴的基础练习才是弹钢琴乃至弹好钢琴的重中之重。 [关键词] 钢琴基础训练手指踏板乐感 一、手指技能的训练 手指是演奏钢琴直接触及琴键的部位。而要拥有这样的手指必须要有良好的手指基础训练，手指的力量、灵敏、速度以及基本的指触方式和控制能力是钢琴技巧最重要的环节，是钢琴演奏基础的基础。 （一）手指的灵活性 起键快捷的意义在于对即将出现的快速下键动作提前做好准备，这一时间和动作上的微量提前在连续动作中的积极意义不容低估，它将免除手指懈惰和瘫软带来的滞钝，从而赋予手指积极挥动的活力与灵敏性。早一些把枯燥的单个手指的爆发性击键练习引入各种较为有趣的灵活，活跃的音型式的练习，使弹奏者更快更早地掌握灵巧的快速手指的运用。较好的训练方法有连音的联系。 （二）手指的独立性
手指独立性基础训练的第一个步骤是加强手指的支撑力。手指的独立支撑是手指独立动作的前提。因此，提高手指独立性训练必须以加强手指独立支撑能力为基础，从加强独立支撑能力入手。第二个步骤是增强手指各指的独立活动能力。主要是训练从指掌关节出发的手指挥动能力。它包括手指挥动的幅度，挥动动作的速度、力度和频率。这种训练要通过哈弄等手指练习的教材，通过变换节奏，比如前十六、后十六、切分等；变换弹奏方法比如，高抬指、跑动、短奏、跳音等。 （三）手指的内控力 我们说连奏的触键是从声音效果到触键方式与非连奏恰好是一个反向。它不是爆发性的快击挥动，而是训练有素的缓慢触摸，这种缓慢的触键方式就是依靠手指的内控力。不同触键所要求的不同触键速度，不同触键方式，不同松紧程度，不同的按压保留时间等等都需要有一种控制力，在学习运用不同触键来变化声音效果的时候，自觉地运用手的控制力是克服弹奏单一，缺乏变化的重要方面。内控力的练习掌握必定要同一定的触键形式相联系。 二、培养良好的触键感觉 （一）正确理解“重量弹奏”法 钢琴演奏中的重量，即人身的自然重量，在弹奏时，它的关键在于人脑对肩膀，大小臂，手指等各部位之间的重量控制。故称之为重量弹奏，它要求人体各关节之间保持一种相互联系，互为依靠的协调关系。然而，在力度强烈变化对比时，如何使上述要求得以
钢琴即兴伴奏教案
钢琴即兴伴奏教案 【篇一：钢琴即兴伴奏教案】 五．教学内容 1.低音与基本伴奏音型结合伴奏法可用于有旋律伴奏和无旋律伴奏中，本节主要讲述有旋律伴奏。这一伴奏方法主要由前所述的三种基本伴奏音型：柱式和弦伴奏音型、分解和弦伴奏音型、半分解和弦伴奏音型的基础上，加入一个低音声部构成，这个低音声部通常是单音或八度。 2、低音与基本伴奏音型结合的音型特点 a.左手伴奏巩固并加强了和弦的低音，使和声的功能与色彩更加明确。 b.增加了伴奏音型的音域和力度，使音响效果更加丰富。 c.左手伴奏范围的扩大增加了声部的层次和表现力。 3.低音与基本伴奏音型结合的变化类型 a.低音与柱式和弦相结合的伴奏音型 b.低音与分解式和弦相结合的伴奏音型 c.低音与半分解式和弦相结合的伴奏音型 六.作业 1、掌握低音与基本伴奏音型结合伴奏法 2、配弹曲：《欢乐颂》 《同一首歌》 《小蜜蜂》
尾声类型：a.柱式和弦式尾声b.震音和弦式尾声c.创作型尾声 3.前奏、间奏、尾声的弹法 a.前奏的弹法：谱子若没有写前奏，一般可用歌曲最后一至两句作为前奏。选配和弦时要用稳定和弦 b.间奏的弹法：注意节奏要与前后段保持一致，伴奏不要太复杂。 c.尾声的弹法：伴奏要灵活处理，要有收尾结束感。 六.作业 掌握前奏、间奏、尾声的弹法，配弹《大海啊，故乡》 【篇二：钢琴即兴伴奏教案】 精品文档2016 全新精品资料-全新公文范文-全程指导写作–独家原创钢琴即兴伴奏教案-----王大项总学时120学时钢琴即兴伴奏，就是根据歌曲的旋律在键盘上即兴弹奏，用钢琴带动幼儿园的小朋友投入歌曲的情绪，让歌声与伴奏共同塑造鲜明的音乐形象。因此，即兴伴奏不仅好是作为歌声的陪衬，更重要的是对歌曲做积极的配合，从情绪、背景、意境等方面，加强歌曲的表现力，使歌曲的音乐形象更加丰富，更具有艺术感染力。即兴伴奏是一门综合性很强的音乐学科，通过教学试图解决未来幼儿园教师对幼儿歌曲即兴伴奏中遇到的疑难问题，学习和掌握歌曲的即兴伴奏技能。学习者除了要了解必要的基本乐理知识。具有一定的试唱和钢琴伴奏基本能力，还应学习一些曲式、和声等音乐理论知识。曲式可以帮助分析和理解音乐作品，和声可以帮助我们编写钢琴伴奏。 精品文档2016 全新精品资料-全新公文范文-全程指导写作–独家原创以幼儿歌曲常见的曲式结构为顺序，结合和声的知识，根据循序渐进、由浅入深、由简到繁、由易到难的原则安排学习内容，注重实用，易学。
钢琴教学可分为启蒙，初级，中级和高级四个阶段，各阶段的学习内容通常包括基本练习，练习曲，复调作品，乐曲几大类。作为基础练习，目前仍然是车尔尼的作品最为系统，如《钢琴初步教程》599，《24首左手练习》718，《钢琴流畅练习曲》849，《钢琴快速练习曲》299，《钢琴练习曲50首》等。 车尔尼是19世纪上半叶维也纳钢琴演奏学派的代表人物，他所写的大量练习曲是针对古典作品演奏技术，即“古典技术”训练的，主要是手指的颗粒、均匀、快速，对左手的训练较为薄弱，因此期间必须增加各类作曲家的联系曲目作为补充。这些教材可以根据学生的实际情况，有针对性地选择，穿插进行，不能一味的依次一条条的弹下去。 儿童的启蒙阶段 在目前较流行的儿童启蒙教材中大致可分为三种五线谱入门型，即高音谱表入门法，中央c入门法，多音入门法。传统的启蒙教材《拜尔钢琴基本教程》用的就是高音谱表入门法，目前在国内广泛应用的《汤普森浅易钢琴教程》1-5册用的是中央c入门法。 李斐岚，董钢锐编著的《幼儿钢琴教程》采用了以中央c为主的入门法，突破了以往此类滩牡囊粲蚓窒蓿 ?指开始学重量落下，逐步扩大到其余各个手指的方法已被公认为最好的方法。 冯·德·魏尔德：《陶梅格·露丝》系列。这一幼儿系列较注意引起幼儿的兴趣，从小培养他们具有良好的乐感。 柯达依：《钢琴学校》第一册。 巴托克：《小宇宙》。这是一本非常重要的入门课本。因为它的五指位置包括种种非大调或小调结构的五指排列，有助于学生及早接触黑键及各种调式，含有许多复调模仿级对位因素。 齐格勒：《钢琴教本》第一册。该书的特点是先听后弹，耳朵领先。 勋格勒：《钢琴教室》第一册。 狄贝阿里：《二十八首联弹练习曲》中较容易的，越早让学生进行四首联弹训练，越有利于养成用耳朵听辨声部与互相配合的习惯。 钢琴教学的初级阶段 一、钢琴教学初级阶段的练习曲 这个阶段的学习内容相当于从车尔尼的《钢琴初步教程》599到车尔尼的《钢琴流畅练习曲》849。 1、车尔尼的《钢琴初步教程》599 这是我国钢琴初级阶段教学运用极为广泛的教材之一。全书可分为三个部分。第一部分是57首以前这部分是巩固手型，训练手指独立性的联系，要求弹奏放松、自然、联系速度以慢速中速为主。 第二部分是58~79首。58首到70首饰训练快速练习，这里的快速是针对前阶段而言的，在学生走法正确的基础上要求初步加快速度。71首~79首是带装饰音与不带装饰音的旋律练习。练习时先慢速，把节奏弹准确，弹平均，双手对齐，
成年人学习钢琴方法 一般成人学习的时间和精力都是有限的，如果让一个没有基础的学员学习钢琴，要花费半年的时间，才能弹出自己喜欢的歌或曲子，那么就没有几个人能坚持下来了!下面就随 ___具体了解下成年人学习钢琴的方法。 1、成人不同于小孩： 所以成人学习钢琴的方法和计划都是不同于小孩子的，不同于所谓“学院派”的!必须得有针对性和跳跃性!也就是针对学生的情况来制定计划! 一般学院里的钢琴方法，都是以练习曲或古典曲为主，专业性比较强!那么从这一点上成年人学习钢琴是不适合的，因为钢琴要弹的专业，必须花大量的时间和精力，一步一个脚印按部就班来完成教程!成年人没有这么多时间，主要目的就是自娱自乐!所以成年人学习钢琴和的方法要不同于专业性的教育手段! 2、基本功最为重要，但教程也不要弹的过多： 成人的手指比较硬，必须通过基本功的练习使手指具有灵活性，所以音阶、哈农都是基础手指的最佳选择。想弹好即兴伴奏(歌曲)
的朋友，更要练习琶音与和旋分解!对于弹一些流行歌会很有帮 助!(一)勤操4指、5指独立：勤能补拙，笨拙的4指只能靠勤奋来弥补其先天不足，每天只要有空就见缝插针地练习4指，提高4指掌关节的灵活性、指关节的支撑能力，只要坚持，必有成效，因为4指的“天然肉垫”是很“肥沃”的。五指独立有两层含义。一是指第5指的独立性。许多成年学员喜欢将腕的动作取代第5指的任何动作，这不仅助长了第五指的惰性，而且声音也干涩缺乏变化，后患无穷;二是指5个手指的独立性。练琴的主要目的是锻炼每个手指，充分发挥每个手指的潜力，经常听见的“凹凸不平”的音阶、“跌跌撞撞”的十六分音符就是五个手指不够独立的产物。 3学习成人钢琴的学员，往往总是担心弹不出调子来，往往大多员弹了一段时间自己什么都弹不出来，也就半途而废了。其中有最大的两种原因： 1、是学员的练琴时间不够。 2、是教师的方法不适合学员。 3、是学员和教师之间没有沟通好! 4、是教师没有教学(成年学员)的。
钢琴基本功技巧的训练 重要性 伟大的钢琴教育家卡尔·车尔尼有一句名言：如果你问我，怎样才能成为好的钢琴家，那么你告诉我，你练了多少音阶?！伟大的作曲家、举世瞩目的钢琴大师——拉赫玛尼诺夫也指出：出色的钢琴家，必须具有干净、快速、清晰、灵活的基本技巧，一针见血地高度概括了钢琴基本技术学习的重要性。 众所周知，精彩动人的音乐需要演奏者全身心投入的演奏，细腻地刻画音乐形象，而这个切往往需要出色的、辉煌的技巧，能够说，没有过硬的技巧，音乐表现就无从谈起！而基本技术包括了钢琴演奏中所遇到的几乎所有技术问题，渗透于几乎所有音乐作品的每一个句子当中！钢琴学习者必须用大量的时间实行基本技术的训练，尤其是在早期学习阶段实行系统的练习，对于手指、臂、腕等生理机能的潜力，将得到的发掘，为日后的进一步学习奠定极其坚实的基础！在你的钢琴学习生涯中，你在基本技术训练中的每一分努力，都将得到加倍的回报。打个比方：你在基本技巧训练中多花一小时的时间，你完全有可能在音乐作品的练习中节省两个小时以上的时间，却得到更好的效果。全国考级直至任何一个地方的考级都规定音阶、和弦、琶音等基本技术是必考项目，已经足以证明这些内容的重要性，但很多学生却几乎从来都不练或者很少实行基本技巧的练习，直至为了应付钢琴考级才匆匆忙忙练出必考的几个调的音阶。这个切所带来的后果则是“营养不良”、技术生疏、进步缓慢、学习效率极低！而很多令人感到“进步神速”的学生却在基本技术上暗下功夫，他们尝到苦练基本技巧所带来的甜头后，更进一步在这里下功夫，这种良性循环使他们达到了令人望尘莫及的成就。许很多多的钢琴家更是从小起直至整个演奏生涯当中从没停止过一天的基本技术的练习。在这个切证明之后，难道你还能怀疑钢琴基本技巧训练的重要性吗?！那么，到底需要多少时间实行这个训练呢?答案当然是越多越好。总之，在学生时代每天拿出你练琴时间的1／3实行基本技术训练绝不过度！
听了李瑶老师的讲座，我受益匪浅。知道了民族音乐包括新音乐、中国音乐、中国传统音乐、中国民间音乐。民间音乐的来源、中国传统音乐的理论发展、中国民歌的总体特征、中国民歌的发展轨迹、中国民歌的分类、按体裁形式分类, 大致可分为：号子（包括搬运号子、船工号子、作坊号子等）、山歌（包括一般山歌、放牧山歌、田秧山歌等）、小调（包括谣曲、时调、风俗仪式歌曲、舞歌等）等三大类。很多东西是自己以前不知道的，所以我感觉网络研修是自我充实的加油站,是一架让我不断向上攀登的云梯。 中国民歌钢琴即兴伴奏是钢琴艺术综合能力的反应，它不仅需要伴奏者具有敏捷的思维、灵活的手指能力，熟练掌握和声编配的理论知识，将丰富的伴奏音型、织体及各种表现手法储存在大脑中，还要有在键盘上正确的弹奏方法，设计合适的指法，并有在各常用调上移调弹奏等综合能力。扎实丰富的理论知识是前提，加强视奏能力训练、掌握正确的弹奏方法是基础，丰富的想象力和创造性思维是关键，良好的心理素质是保证。 根据歌曲的内容、情绪等设计、选择适当的伴奏织体是即兴伴奏成功与否的关键，因此伴奏者应尽量多的掌握伴奏织体。伴奏织体很多，最常用有三种织体，在它们上面加以变化就可以产生出很多丰富多彩的伴奏织体。 1、柱式和弦织体：（基本的表现特点——坚定有力、气势磅礴、庄严宏伟）。（1）节奏松驰,较安静平稳。具有烘托的背景作用。（2）节奏短促紧凑。积极主动的表现特色,有较强的动力。（3）短促、跳跃、节奏鲜明，具有舞蹈特点。（4）锣鼓式节奏，擅长表现热烈欢腾，动感较强的情绪。 柱式和弦织体无论是在传统艺术歌曲，还是在现代通俗歌曲中都广为应用，在不同的类型、速度的歌曲中所造成的意境也迥然不同，很多抒情的通俗歌曲使用这一音型，如《你怎么舍得我难过》的第一乐段仅用几个柱式和弦便给人一种
有关钢琴的基础知识 键盘与音符： 牢记中央七个音符的位置。 手指符号： 手指用汉字的一二三四五来标示 钢琴弹奏时的坐姿和手的状态： 坐姿1 坐姿2 钢琴的基本练法: （1）钢琴的基本练法就是慢练。 慢练尤如"大镜"，把乐曲中的一切细节都扩大了。慢练的最大优点是来得及根据视觉，听觉得到的反馈信息调整和修正缺点和毛病。慢练的方法之一是用节拍器。即使在作品练习成熟之后，也不应忽视适当得慢速练习。 （2）有计划、有目的地学习： 冰冻三尺，非一日之寒。练钢琴需要的是持之以恒的态度。钢琴曲目繁多、演奏技法多样。初学者应制定一个远期学习目标和近期学习计划，从基础着手，循序渐进地学习，才能目的。 （3）以良好的心态学习钢琴： 学琴过程中，可能会遇到情绪起伏不的情况。应调节情绪，适当减轻学习难度，充分激发学琴兴趣、缓解学琴紧张感。 钢琴弹奏中自然重量的运用: 关于自然重量的运用的要求是整只手臂的放松自如，从肩部的舒展下垂，到整个手臂的协调下垂，通过放松灵活的手腕调节，然后由手指把手臂重量传入键盘。 （1）：认识体会到手臂的自然重量
以前倾上身的坐姿，把两只手臂完全放松地垂下去。此时手臂好像是从肩部自然垂挂下来的物体。在空气中随意摆动，晃动，而血都涌向了手掌，通向了指尖。体会到手臂的自然重量后，我们就要把这个自然重量用到弹琴上去。接下来手指就要发挥它的功能和作用了。 （2）：手指要承受并支撑整只手臂的重量 手指的三个小关节微微凸起，尤其是处于手掌部位的指根关节（以下简称"掌关节"）必须要作为一个力量的支持点。手臂的自然重量落下来，要求每一个手指都能支撑住。我们用断奏入门的方法练习：先分别一个手指一个手指地在钢琴上站好，结合手臂的自然重量。经过一个阶段，在每个手指都能自如地弹出饱满的声音后，再渐渐进入连奏的练习。进一步我们就可以调节重量的轻重 弹奏钢琴时身体的协调: 身体的的协调牵涉到钢琴弹奏的基本坐姿和体位等方面，开始就要明确，随着程序的深化，又要不断发展和更好地运用。 （1）保证身体协调的根本： 保证身体协调的根本是根据自己的身体条件进行调节正确合理的坐姿。随着程度的提高，对力度、速度、音乐情绪和色彩的变化提出了越来越多的要求，所以身体的参与和调节也越来越重要。 （2）坐姿的基本要求： 臀部要稳定而固定地坐在琴凳中部，为了便于灵活用力，不要坐满，坐一半即可。而且为了照顾到高低音，要坐在钢琴中部，不要随意挪动，而两条腿放在踏板两旁，在强奏时左腿可后撤作为全身力量支点。这是坐姿的基本要求。 （3）身体的左右调节： 身体的左右调节主要依据音的高低。以音阶为例，弱低音区时，身体重心放到左腿方面去；弹中音区时，身体重心两面摆平；弹到高音时，身体重心侧往右腿方面。 （4）身体的前后调节： 身体的前后调节可以根据音量的大小、力量的强弱来确定。一般规律是，较弱的力度时，身体可处在较正的位置，力度越强，身体可越向前倾一些。整个身体臆后活动的范围以坐直为基准，随音量加大而逐渐前倾。反之，随着音量减小从前倾的位置逐渐回到身体的坐直位置。前后调节，应是灵活、协调，并随时变化的。 手指的能力与训练： （1）手指的能力： 手指的能力是指每个手指是否有独立活动的能力，是否灵活和有力。表现在弹奏上则是清晰度、均匀度和流畅度。 （2）手指的训练： A：指根关节练习 训练应从指根关节入手，即掌关节的主动性和灵活性。一般来说，在结束断奏练习进入连奏的训练后，就应明确：连奏时每个手指都要主动，绝对不允许在连奏中每弹一个音手腕往下压一次。 B:"快下放松"--手指能力练习 在经过一个阶段，就可通过音阶、哈农等练习，来专门训练手指的独立性和能力。练习方法，简称"快下放松"。如图1练习
钢琴正确的弹奏方法和技巧 学钢琴的人有很多，在学钢琴的过程中，要掌握好正确的弹奏方法和技巧，才能随心所欲的弹奏自己喜欢的歌曲。下面整理了钢琴正确的弹奏方法，供你阅读参考。 一、正确的指法非常重要，是弹奏好钢琴的最重要的因素。指法就如同盖一座高楼，要打地基一样，地基打的不牢固，不结实，不科学的话，那么楼房盖不到几层就会倒塌，目前的钢琴教学中轻视这个环节的现象普遍存在。 二、以“美”为诱因，激发学生的学习兴趣钢琴教与学的互动中有听觉体验、亲身参与、实际操作等主要过程。学生每接触一部作品，必须“聆听”“欣赏”，因此，“示范演奏”是钢琴教学的首要环节。而在目前的钢琴教学中轻视这个环节的现象普遍存在。笔者认为：这个环节非常重要，教师充满激情的示范演奏不仅能激发学生的美感，而且会给学生带来感官上的最直接的、全方位的体验。而只有当学生对所感知的美有深刻的体验时，才会产生了解并驾驭其作品的渴盼心理。 因此，在教学中我特别重视“示范演奏”，用细腻的音色，张弛的节奏，抑扬顿挫的力度，扣人心弦的和声。生动变化的速度等表现手段为学生展示作品，提供美好的听觉体验。实践证明这样的效果很好，不仅能引起学生的心灵共鸣，激起学生的丰富想像和学习欲望，
更重要的是教师与学生在表现与感受美的互动中，相互之间有了心灵的接触。当师生心理相容时，学生会产生一种亲其师信其道的心理而开始积极愉悦的主动学习。毫无疑问，“美”在此产生了一种春风细雨润无声的潜在效应。 三、挖掘音乐因素，培养审美意识和审美能力 “分析作品，处理作品”是钢琴教学的重要环节。如果教学仅停留在启发热情、激发练习欲望这一层面上，那么这种激动也许只是昙花一现。理解、表现作品本身就是一个审美过程，传统的“单向”方式教学常常忽略这一点;;教师在诠释音乐内容时不注意引导学生感受、参与这一审美过程，虽然有时也让学生讨论乐曲分为几段、每段描写什么内容、应该怎样演奏等，但最后总是习惯让学生照葫芦画瓢，因此弹奏千篇一律，缺乏个体风格。如此教学无法培养学生主动的审美意识，他们会逐渐形成一种依附教师的心理。显然，这种“单向”方式的教学不利于培养学生的审美能力。那么，怎样培养学生在分析作品的理性思考中想像美、发现美，在表现作品的实践操作中创造美?对待级别较高的学生在分析作品这个环节上作了尝试：一是根据作品的内涵，从文学、美学、历史等方面多视角、多元化方向作知识延伸，让在广阔的文化背景中理解作品，形成个体的、独特的理解;二是引导学生从曲式、和声、旋律、织体、调性等构成钢琴作品的各种元素的不同构造中感受钢琴作品的特点，同时辅以听录音、看录像、听演奏等手段，强化学生深层次的情感体验，使学生能富有创造性的去挖掘每一首乐曲的内涵。