论当代中国画的审美意象与创作心智
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【内容提要】无论翻开中国绘画史中任何一段篇章，中国画的艺术表现都离不开中国传统的审美意象原则。作为人类文化的第一种形态，「诗」化意象是根植在中国人骨子里的文化情结。它使中国画的发展以追求「外师造化，中得心源」的思想规范，以重「意」而轻「象」的创作审美原则，以随性自然但有法有度的笔墨语言及独具特色的图式表达方式，形成以诗、书、印、款识与画相结合的具有鲜明民族特性的中国绘画艺术表现方式。当代中国画的创作者应正确理解、把握和运用中国传统的审美意象表达及内在实质，并以此作为继承和发扬传统中国画、创造当代中国画新样式的一个重要基点。
【关键词】当代中国画审美意象创作心智
当代中国画的创作心智离不开对中国画传统美学法则的认识、把握和运用。在形式语言的创造中，展现中国画特有的审美意象原则、体现人文精神与品格，是当代中国画创作者重要的创作基点。
一、中国画的审美「意象」原则
用意象的方式表达主张，文献上最早可追溯自中国古代儒家学派的经典著作《周易》，其中所说的「立象」与「尽意」①，「象」是卦象，「意」则指卦中所表述的思想，暗示了形象思维（即「象」式思维）优于概念思维，确立了中国传统审美「以象明意」，偏重「意象」的思路。南朝刘勰在《文心雕龙》中首次将「意象」用于艺术创造，指出「独照之匠，窥意象而运斤」，说明了在艺术创作构思时，须将外物形象与意趣、情感融合起来，以形成审美意象，「意象」一词逐渐成为承载审美活动之本体性概念。唐代张彦远在《历代名画记》中提出「意存笔先，画尽意在」，即「意象」要有「象」，「象」为形象、物象，没有「象」就不能表达「意」，「象」是一种客观存在，但当创作者把它作为表现和描绘的对象时，「象」就打上了艺术创作者主观情感的烙印。唐代画家张璪在《绘镜》中所言「外师造化，中得心源」，更是将艺术家胸中意象产生的源头描绘得精辟而独到，因为「象」有尽，「意」无穷，所以，重「意」而轻「象」成为中国画创作的灵魂。北宋苏东坡诗云：「论画以形似，见与儿童邻」，画家旨在追求一种以形传神，形神兼备、天人合一的意象妙境。后来倪云林的「逸笔草草，不求形似」、黄宾虹的「惟绝似又绝不似于物象者，此乃真画」和白石老人的「妙在似与不似之间，太似为媚俗，不似为欺世」均指此意。
纵观中国绘画史来看中国文化审美中的意象原则，其所传达创作者思想认识的特征都在以「意」力图使「象」更新，借新意象、新形式让审美原则继续延伸。在中国画的创作过程中，对「意」和「象」的把握和运用，充分体现在处理主观与客观、艺术预想与现实存在的关系之中。从观察物象和创作构思开始即去认识、理解物象的审美特征直至最后形成意象，它集中表现为注重创作者的精神活动，强调心物相应。因此，审美意象，无论是从浪漫的角度还是从象征的角度看，其形态之中所包含的情意、形意、品格之意，在任何时期都能使中
国画的笔墨、图式带上表述性、表现性的多种可能，也继续展示着人们所关注的精神指向：寓「意」之「象」，既强化主观的述意要求，又对应情境之动，从而「意」催「象」生，从形式上反映出时代特征和文化个性。
二、中国画特有的笔墨语言及图式表达
中国画的妙处在于以有限的「象形」来表现无限的「意趣」。在中国水墨画的图式表现、语言表达中，布局留白、虚实相衬、取景造型、笔墨用法等都在讲究「此时无声胜有声」的「象外之意」。
留白是中国绘画区别于西方绘画的一个独树一帜的特征，是形象的生命力即「画眼」所在，是给观者充分会「意」的驰骋空间。画面以外的「意」需要读画人根据画面中有限的「形」展开丰富的联想和想象，以取得无尽的韵味。人称「马一角」、「夏半边」的南宋画家马远、夏圭，他们在画面的章法上大胆取舍，只描绘山之一角，水之一涯，为了突出主体而省略留白，达到「意到笔不到」的妙境，这不能不说是中国画画家独到的意象创作手法。八大山人的《鱼乐图》中有大片空白，是因为画家的意象里水田浑然无间。白石老人的名作《蛙声十里出山泉》的画面上，只有一群小蝌蚪从一条山涧中游出来，虽未画一只青蛙，却能使观者真切地感受到十里蛙鸣，这些都是中国画意象创作中留白布局的真实运用。
中国画在画面的形式语言处理中讲求意象的虚实相生、相变之理，即虚中有实，虚而不空，实而不塞。方士庶在《天慵庵随笔》里说：「山川草木，造化自然，此实境也。因心造境，以手运心，此虚境也。虚而为实，是在笔墨有无间。」以虚为虚，就是完全的虚无；以实为实，景物就是死的，不能打动人心；唯有化实为虚，虚实相映才能使观者体味无穷的意韵，幽远的境界。宋代马援的《独钓寒江雪》以舟、渔翁独钓之姿的实写，表现出了烟波浩渺的江水，此番虚实相生、烘托为趣的艺术效果是创作者希望传达给观者含蓄的审美享受。
中国画除以留白、虚实来表现创作者的独具匠心外，为了表意的需要，有些画家将不同时空的景致构存于一幅画面之中。唐朝王维在画花时，常不问四时，将不同季节开放的花卉安排在同一幅画面中。在《袁安卧雪图》中，王维还曾把皑皑白雪和翠绿芭蕉并置，被后人称为「雪里芭蕉」。中国传统画家们并不局限于描绘具体的自然对象，而是去表现经过自己内心感悟、理解后的自然，这种超乎寻常、别具一格的创造性思维在「意」的表达上得到了完全的外化。
对中国画而言，笔墨是在视觉上给人的文化整体感觉和审美的语言形式。因此，笔墨语言的概念是借中国传统笔、墨、纸等工具留下的有效线条、色彩所组合成的视觉形态。唐代王维的「水墨为上」②摒弃了自然界的五彩之美，虽只运用单纯朴素的墨色，却渲染出了世间万物的另一番别致情貌，体现了老庄哲学「道」之自然之性。正如五代后梁画家荆浩在《笔法记》中所言：「墨者，高低晕淡，品物浅深，文采自然，是非因笔。」水墨中国画的特点，
就是随笔自然，不强力至，其用墨之深浅厚薄，依据所画对象的阴阳向背及绘画者的功力修为、即时的内心感受，使其效果自然天成，不求刻意渲染。此创作心境与艺术旨趣，与道家思想实质，可谓异曲同工。
中国画笔墨语言的视觉表述，因绘画材料的「软」性、画者吸收的传统文化及个人心理因素的影响，技术上要求于行笔、运墨、点画间气韵生动。画者必须力贯整个笔墨语言表达过程的自始至终，既要贯气于一笔的运行，也要贯气于通幅的视觉效果。这就要求创作者必须努力进行中国画笔墨语言的「功力」修为，追求有法、有度的力量之美，并从人格、心态诸多方面建立自身平衡的运行机制，不浮躁，不妄为，不惟眼前之利而动，以此修为来保持笔调之间没有多余的「霸气」、「油气」以及「刁钻之气」。
审美意象的表现是当代中国画创作的入门学问，没有相应的技艺高度，就无法对现代中国画的创作有直指精髓的发言力度。在中国画发展的不同历史阶段，画家们的文化养成与时代情境相融，都以精湛的技艺与相辅相成的思想高度，展现了中国画审美意象原则的生命力，成就了丰富的中国画形式气象。同样，抓住时代脉搏，把握传统审美意象的内涵，以精「艺」出真「象」，立新「意」，将是当代中国笔墨文化发展的主脉。
三、「诗」化意象与当代中国画创作心智
人类文化的第一个形态是诗性文化，我们可以从人类初期的诗性智慧中找到人类文明时期精神形态的根源。从《诗经》到唐诗宋词元曲，大量的原始文化被继承下来，并发展成以诗歌为核心的中国文化精神形态。诗是语言艺术，长表现情志，画是造型艺术，长再现物象。西晋文学家、书法家陆机所言「宣物莫大于言，存形莫善于画」，是对诗、画表现特征的精辟概括。古典诗词虽与中国传统绘画属不同的艺术范畴，但在内涵上却有许多相同互通之处，古典诗词蕴含着中国传统绘画的「笔墨之美」，而传统的中国绘画也呈现出古典诗词的「意韵之美」，所谓「诗是无形画，画是有形诗」③、「诗中有画…画中有诗」④、「诗情画意」非常传神地阐明了诗与画之间的内在联系。
中国早期的诗性智慧蕴涵着丰富的内容，「天人合一」，「知行统一」，「礼智融合」等，都与生命存在的方式密切联系。《诗纬·含神雾》中言「诗者天地之心」，「山川大地是宇宙诗心的影现，画家诗人的心灵活跃，是对宇宙自然的创化」⑥。「卷舒取舍，如太虚片云，寒塘雁迹」⑤这种微妙境界的实现「端赖艺术家平素的精神涵养，天机的培植，在活泼的心灵飞跃而又凝神寂照的体验中突然地成就」⑥。”
「诗」化意象是根植在中国人骨子里的文化情结。从中国画发展各个时期的状况看，无论是处在哪个阶段的绘画形式，都能体现出中国传统文化的底蕴，并以此形成以诗、书、印、款识与画相结合的中国绘画独有的艺术表现特征。中国画的艺术表现无论在任何时候都离不开中国传统的审美意象，现代中国画通过视觉形态影响社会文化，形式表现与文化传统之间
始终保持有机性，同时这种有机性与现代文化感受相互协调，而创作者的艺术心智在追求个性化语言之前，「诗」化意象一定是主导当代中国画新形式理念、将创作者的人文意志投入创作之中的先行。在感知美，表现美的同时，现代中国画的创作不应以达绝对的个人审美快感为目的，使用纯主观的行为去压倒客观共性的审美文化意知。只有当创作者对传统审美文化有深厚认知并在心中悄然唤起潜存已久的「诗」化意象时，才能建立起和谐于万物、自然而然的审美意境，「我思我画，自有我在」⑦，深入生命节奏的核心，以自由谐和的形式表达出中国画创作者最深的「意趣」。
四、「心画」意象与当代中国画创作心智
中国画的发展是在「外师造化，中得心源」这样的思想规范中孕育起来的，这八个字概括了中国画创作由「客观现象→艺术意象→艺术形象」的全过程，潘天寿大师对其有两段精辟的解释：「画中之形色、孕育于自然之形色，然画中之形色、又非自然之形色。」「故画之贵乎师造化，师自然者，不过假自然相耳。」中国画的审美意象是在对客观世界审美感知与体验的基础上，在艺术创作者头脑中经过艺术创造而形成的意象，是「人化的自然」，与客观存在的自然有一定的差别。作品是将客观现实的形神与创作者主观的情思有机统一后的产物，它被赋予了创作者的思想情感，被赋予了新的艺术生命、时代生命，成为以主观意象超越于客观限定，提升审美表现的艺术境界和内涵。
凡「意」必由心生，何等心肠，何等性灵，极为重要。战国《易传·文言》中有一句「修辞立其诚」，说明只有用真实、仁厚之心去观察事物境界才高。西汉扬雄在《法言》中说到「书，为心画」，延伸至对中国画的创作即「画，为心画」，画相显心相。画，应源于心灵感悟，用心则动情，动情则有灵也。创作者心性中若存真、存善、存美，则凡事必求真、求善、求美。在面对现代社会物欲横流的现实和全球多元文化的激荡下，艺术创作者个人的文化修养和情感因素对中国画审美意象的把握和运用极为重要。跟风时尚的追新爱美之心往往使创作者在第一时间内从潜意识里不假思索地对其吸收，但人类追寻真谛的终极指向，必将促使其理性的思维去分析并消除假新的浮华虚伪，把握事实的真相。
在当下中国艺术各种新形式表现的浪潮中，中国画创作者在艺术创作中应注入时代特征，并始终追求本真表现。在吸收中国传统的审美意象表达与内在实质后，能做出自己正确的把握和运用，这是继承和发扬传统中国画、创造当代中国画新样式的一个重要基点。所以，当代中国画创作者一方面在钻研技艺的同时需努力提高自身的人格魅力和艺术修养，以平和淡泊的心性去用心作画，以达到将志、气、意、趣、神、理统一至笔下，惟心是求，脱略形迹的艺术极致；另一方面，要善于捕捉、发现、融合新时代特征，在不偏离中国画审美意象原则的基础上，吸纳新时代意识，融合多元文化精华，并加入能促进当代中国画新形式语言发展的时代表达元素，去除糟粕，推陈出新，必将迎来当代中国画崭新的时代篇章。
注释：
①《周易·系辞（上）》第十二章：「子曰：书不尽言，言不尽意。然则圣人之意，其不可见乎？子曰：圣人立象以尽意。」
②王维《山水决》所论：「夫画道之中，水墨最为上。肇自然之性，成造化之功。」
③北宋画家郭熙山水画论集《林泉高致》：「诗是无形画，画是有形诗」
④北宋文学家苏轼曾评价「诗佛」王维的诗与画：「味摩诘之诗，诗中有画，观摩诘之画，画中有诗」
⑤沈颢《画麈》：「称性之作，直操玄化。盖缘山川大地，器类群生，皆自性现。其间卷舒取舍，如太虚片云，寒塘雁迹而已。」
⑥宗白华《美学散步》：「端赖艺术家平素的精神涵养，天机的培植，在活泼泼的心灵飞跃而又凝神寂照的体验中突然地成就」
⑦石涛：「我思我画，自有我在。」
从题材背景谈国画审美特征 对于题材，人们常常视作艺术品内容分类的一种依据而已。在传统的 中国画中，则可分出人物画、山水画、花鸟画和界画，等等。其实， 在题材方面，我们尤可看到更多的美学意味。 一、从题材不同角度国画艺术审美 首先，从个体的角度看，艺术家对特定的表现内容总是有着自身的选 择倾向，而接受者也同样有相对应的偏爱眼光。意大利文艺复兴时期 的艺术家们显然对古典的题材情有独钟，痴迷不已，而批判写实主义 的画家则是更多地将眼光投向社会现实的方方面面。艺术家之间的干 差万别往往就从他们首选的题材开始的。与之相对应，特定的题材会 构成艺术家的优势感受域，获得特殊的敏感和丰富的把握，从而对特 定的对象有得心应手的驾驭。同样，对某一题材的特别兴趣，也会造 就接受者的感悟深度。其次，如果再从艺术史本身的角度看，我们则 会发现：第一，特定题材的出现，遵循着一种几乎是具有普适性的顺序。例如，在原始时代的岩画上，大多都是动物类的题材，其表达的 生动水准令今天的艺术家也会赞叹不绝。原始人之所以首先选择动物，原因并非现代人能够猜测无误的。不过，这种偏重动物的现象多少是 与这些岩画可能所具有的巫术之类的功能有一定的联系。相比之下， 人物形象的出现应该稍晚些。第二，题材其实曾有过等级上的区分意义，并且还有变异的情况。在唐代的《历代名画记》中，张彦远就曾 依据顾恺之的说法，从艺术的难易方面分出题材的等次："''''画人最难，次山水，次狗马，其台阁，一定器耳，差易为之。''''斯言得之。"不过，到了中国美学以及画论发展到在山水的世界里体会与自然的契 合甚至"畅神"与"比德"兼备的时候，山水画就成为了文人画家最为看 重的门类。第三，事实上，巡视美术史，我们能够看到一种题材趋于 丰富甚至难以区分或辨别的倾向。特定时代意识、美学观点乃至技术 手段的限定。以中国的文人画为例，艺术家既然属于文人阶层，因而 使用书法而完成的题跋就显得十分自然，而且水平高超；同样，与书 法比较接近的兰花、竹子等也就轻车熟路而能够从容驾驭了。所以，
论绘画艺术的审美特征 作者：马龙潜文章来源：山东大学文艺学研究中心 一 绘画以色彩、线条、形状作为艺术传达的媒介，在二维的平面上，感性具体地展现广阔的社会生活图影。绘画艺术一方面偏重客观，偏重对于对象的客观再现；一方面又突出了艺术家的主体表现，这两者使绘画更为个性化了。色彩、线条、形状往往既是展现个性化的客观对象的形式，又是个性化的艺术家主体表现的形式，它们都是线与面在二维空间中的展开，这与偏于客观的认识在空间中展开的本质有某种内在联系（正如声音在时间中流转与情感在时间中运动有着内在的联系一样）。相对地说来，色彩长于认识，线条长于表情，这使绘画艺术既能个性化地、具体地透视客观对象的本质与必然，又能细致复杂地展示主体的主观意象与精神情感。 绘画的艺术形象展现在二维的平面之中，这使它作为一种独特的艺术类别或形态，具有了自己的存在价值和相异于其它艺术类型的审美特征。绘画之在二维平面中建构的艺术传达手段，一方面决定了它以艺术家自身存在的主体性为基本原则，另一方面也为充分运用艺术材料（媒介）如色彩、线条、形状等等提供了更广阔的场所，因而在客观地反映对象方面有了更大的可能性。单就色彩而论，赤、橙、黄、绿、青、蓝、紫的不同，深浅浓淡的极细微的差别，便可把主体方面的情绪——情感、精神——心理状态，与外界各种各样的事物接触时心中引起的特别兴趣，情感都渲染出来。同时，绘画可以反映社会生
活的极其丰富多彩的内容，它可以容纳自然的天地造化，人工的精巧创造，也可容纳面目各异的人物，社会生活的方方面面；它不但能够描绘各色人物的容貌神态，而且能够表现人物在复杂社会环境中的内在心灵冲突和情感色彩。绘画大大扩展了客观的主体性艺术反映社会生活的能力和范围，其题材的广阔性造成了其样式的多样性，除了人物肖像画外，风景画、静物画、人物情节画等也占有不小的比重。其艺术传达手段的特殊性与多样性，也造成了其体裁的多样性，如绘画之分为油画、水彩、素描、中国画等等。浮雕、木刻可以说是从雕塑到绘画的过渡，是联系两种艺术形态的中介和桥梁。 绘画艺术可以淋漓尽致地展现人类生活中的某些细节，但此种展现并不在于单纯地摹拟人物和客观事物的外貌，它主要是通过人物的神情与活动等可视的因素，来完成对人物性格的刻划、人物内心世界的展示，同时也实现主体内在情感的传达与表现。绘画中艺术形象的建构与每一根线条、每一点色块的具体运用相联系，这使它最适于描绘生活的细节，使艺术家能够借用刻划生活中某一可视的瞬间，来概括事物发展过程中与之密切联系的前后阶段，从而使定型化了艺术形象在观赏者头脑中引导对事物发展过程的联想，激发对动态过程前因后果的丰富奇丽的想象。如莱辛所说“作品不仅仅让人看一下，还要让人考虑，让人长期地反复观赏……；让想象自由活动才是最有意义和效果的，我们愈看下去，就愈能在里面想出更多的东西来。”（L 《拉奥孔》第三章）绘画在二维平面上去再现与反映生活，不但追求视觉上的逼真性、精确性，还力图借助视觉形象的描绘，表现人类主
中国画论期末考试总结 1.“解衣般礴”，是借用画画的故事讲道家“任自然”的思想，本意原不在论画，但这种不受世俗礼法束缚的思想，却道出艺术创作的特殊性，即艺术家创作时应有的精神状态。 2王充论画《论衡》书中有关美术的主要论点有： ①提出美术反应现实，反对“尊古卑今”②反对绘画宣扬鬼怪思想。③认为绘画的功能不如文字著作④混淆了神话与“虚妄”的界限 3陆机：“宣物莫大于言，存形莫善与画” 4顾恺之绘画理论的贡献：是我国杰出的理论家主要针对人物画和肖像画 ①明确的提出了传神的重要性②提出了反映生活的“以形写神”论③重视人物与环境的关系④提出体验生活的“迁想秒得”论 5“迁想秒得”论：它的含义是提倡画家于绘画对象之间的主观与客观联系，画家作画之前首先要观察、研究描绘的对象，深入体会，揣摩对象的思想、感情，这是“迁想“画家在逐渐了解和掌握对象的精神方面的特征，经过分析，提炼，获得了艺术思想，这是”秒得。迁想秒得的过程，也就是形象思维活动的过程。 6郭若虚《图画见闻志》谢赫《古画品录》姚最《续画品录》提出“心师造化” 宗炳《画山水序》王微《叙画》唐： 7论绘画用笔：随着绘画的发展，中国造型的主要手段和形式美的表达手段的用笔也不断的发展由稚拙到精美，由单一到丰富。张彦远从四大画家的用笔，总结了以下理论： ①书画用笔同法指出中国画与书法用笔有相同之处。②笔法不同，风格相异。 ③意存笔先，画尽意在。 8“外师造化，中得心源”张璪它概括了画家创作过程中反映客观事物与主观思想情感的联系作用，外师造化是画家从客观事物汲取的创作原料，忠实于他描绘的对象。但仅仅停留在这一点事不够的，画家还必须进而对他表现的对象作分析，研究，评价，在头脑找那个加以改造，这就是心源，外师造化与中得心源有机的结合起来，才是正确的完整的创作过程。宋：9减笔画的开创者石恪郭思的《林泉高致》提出三远 10邓椿《画继》刘道醇“六长”①粗卤求笔②僻涩求才③细巧求力④狂怪求理⑤无墨求染⑥平画求长 11论画家的修养：宋代从理论上就重视画家的修养，并把画家的修养作为评画或创作的一种标准，宋人提出的画家的修养包括三个方面：一是文学造诣、二是生活经历、三是艺术传统的研究继承。元： 12李衎的画竹论，是我国第一篇进画竹的技法理论 13赵孟頫的作画贵有古意与书画用笔同法论柯久思《竹谱》钱造“士气说” 倪瓒的“逸笔”与“逸气”说苏轼的“论画以形似，见与儿童邻” 14黄公望“作山水必以黄为师，如吟诗之学木地”《写山水决》邪、甜、俗、赖、生熟明：15王履《华山图序》李开先《画品》 16徐渭论画：他是明代富与革新精神的画家、书法家、文学家、戏剧家 ①借物抒情②重气韵，不拘成法③用笔优劣在于生动与否 17莫是龙、董其昌、陈继儒、沈颢提出山水画的南北宗论，这是中国绘画史上第一次关于画派的理论。清 18王原祁代表拟古思想恽格的“摄情”说邹一桂的“活脱”说金农扬八 19石涛的艺术思想：⑴法与化①有法必有化②我有我法⑵“法”与生活⑶物我交融⑷不似之似
中国画审美的节点 中国画是世界绘画艺术的瑰宝，具有独特的东方神韵，经过历代画家的创造和改进，已经成为世界绘画领域中颇具特色的东方绘画的代表画种。 一、中国画诞生就是生命精神载体 中国传统绘画美学极其重视生命精神表现，艺术家在对自然的审美表现中有极强的主体意识，把人性的理念情感作为艺术的主要目的，它切中了当代艺术观念。如最早的山水画《游春图》仅仅是作为人物画的背景出现，到了隋唐以后开始独立，到五代、北宋时期，山水画达到了辉煌、成熟和最有影响力的高峰时期，以李成、董源为代表树立了中国山水画的标杆。表现在当时山水画之中，便有了典雅、大气、正气、浩然之气等特质，“浩然之气”生命与人格的阳刚正气的审美主张。从五代到宋代期间的很多画作都承载了中国人的文化精神，南宋时期国家处于分裂状态，画家们开始转向对自然的表现，“山河”、“江山”表达的是民族的概念，南朝山水画家宗炳在《画山水序》中说：“圣人含道映物，贤者澄怀味象。”自宋代宗炳提出山水画“可望、可游、可居”理论开始，把山水画作为承载人类精神要求的载体的思想对中国山水画的影响深远。宗炳的思想建立在山水画发展的过程中，他把以往过于精神化的山水理念，引向到视觉的
理念之中，从而为山水成“形”作出了前所未有的贡献。宗炳还提出了“应目会心”、“应目感神”、“神超理得”，作出了山水画具有生命精神本质意义的界定，由此确立山水画的创作审美准则。民族审美对山水的认识乃为一种东方文化意识：山水画不是物象的自然再现，它是人的精神再现，是自我生命认识的再现，是自然山水与人之情感的相交相融，“物我合一”宇宙观。老子的“道法自然”，他以哲人的眼光从自然山水中寻觅出精神的归寄；这种具有理想色彩和积极意义的方式，促进了山水画的独立和发展，中国画有着“以一管之笔，拟太虚之体”的功用，“澄怀”是对体验者审美心胸的要求，就是审美主体以清澄纯净、无物无欲的情怀，品味、体验、感悟审美对象内部深层的情趣意蕴、生命精神。 二、中国画的“笔墨”是东方绘画的特质 笔墨的精炼淋漓是中国画艺术手段，是中国艺术的生命根源。在技法上，“笔”通常指钩、勒、皴、擦、点等笔法；“墨”指烘、染、破、泼、积等墨法。在理论上，强调“笔”为主导，“墨”随笔出，相互依赖生辉，完美地描绘物象，表达意境，以取得形神兼备的艺术效果。唐王维在所著《山水诀》中道：“夫画道之中，水墨最为上。”南朝宗炳在《画山水序》中道：“横墨数尺、体百里之远”，其“墨”是泛指作画的操作过程，尚不具有水墨晕章之义，如五代荆浩在其《笔法记》中所云：“随类赋彩，自古有能，如水墨
中国水墨画的意境美 摘要：中国水墨画的灵魂就是其意境，对意境的渲染是水墨画家毕生追求的艺术境界。本文从意境的起源和发展，水墨画意境的内涵及其表现来探讨欣赏水墨画中的意境美，以及画家如何让实现对水墨画意境的营造，从而能引发观赏者无限的审美想象空间。 关键词：水墨画；意境美 中国水墨画中的意境是指在水墨绘画作品中，画家在描绘事物的基础上表达自己的思想感情所形成的一种艺术感染力，它所呈现出的那种情景交融、虚实相生的形象，能使观赏者通过联想产生共鸣，开拓韵味无穷的审美想象空间。 一、意境的起源与发展 意境一词最早见于唐代王昌龄的《诗格》，其中称：诗有三境，提出了意境、物境、情境三境说：继而中唐诗僧皎然在《诗式》中提出了境这个美学范畴；刘禹锡对境的美学范畴做了最明确的规定：唐末司空图在《二十四诗品》中列举出了二十四种意境；明代朱承爵在《存余堂诗话》中则进一步明确地使用了这一概念，他说：作诗之妙，全在意境融彻，出声音之外，乃得真味。王国维总结了前人成就，结合西方美学的观念建立比较系统的意境说，他在《人间词话》中说：文学之事，其内足以摅已，而外足以感人者，意与境二者而已。上焉者意与境浑。其次或以境胜，或以意胜。苟缺其一，不足以言文学。 意境是中国古代画论的中心范畴，也是中国古典美学的一个重要范畴。叶朗认为，从逻辑的角度来看，意境说在中国古典美学体系中占有重要的地位；从历史的角度看，意境学说的发展又构成了中国古典美学史的一条重要线索。从古至今的艺术实践活动中，意境的使用范围逐渐扩大，意境也由一种审美范畴提升至美学精神。 二、水墨画意境的内涵 意境不仅是中国古典美学的重要范畴，它还是画家创作的原则，更是观赏者的欣赏原则。在水墨画中，塑造意境的不是普通的形象，而是富有生命力和感情的形象，它不是满足于对有限的客观事物的外在形式临摹，而是画家在有限的空间之中去表现无限的感情，塑造出意外之意象外之象，因此，意境能体现出主体与客体、虚与实、动与静、情与景等诸方面高度的完美统一，从而能引发观赏者无限的审美想象。 意境是中国水墨画体系的精髓，凝聚着中国水墨画艺术的根本精神，是绘画作品追求的最高境界。李可染说过意境是艺术的灵魂，是客观事物精萃部分的集中，加上人的思想感情的陶铸，经过高度艺术加工，达到情景交融，借景抒情，从而中表现出来的艺术境界，诗的境界，就叫做意境。郭熙说：千里之山，不能尽奇，万里之水，岂能尽秀&&一概画之，版图何异?由此看出，有意境的水墨画要剪取客观事物中的精华，而决非像图经一样罗列排序，不能仅仅成为自然的模仿，而应表现出作者感情与思想。清代石涛说：夫面者，从于心者也。在水墨画中，精神的渗透才是最为关键的。因此，画家追求的意境，就是追求一种情景交融华物的艺术境界。没有景，情感就不能从主体转为客体表现，因为景物是有形的，而情感是无形的，以情入景、以景载情，就能以形写神，传达出水墨画的精髓。 因此，水墨画中的意境的关键就在于作者不是对景物进行匠气的铺陈、描摹，它不求完全再现，而应该如相中之色，水中之月，镜中之象，给予观赏者无限的遐想空间。 三、水墨画中意境美的体现 水墨画中的意境美，是由画家在水墨画创作的审美意识上具备的两个条件所组成：一是客观事物的艺术再现，一是主观精神的表现，二者有机结合，主要体现在以下三方面： (一)水墨画的意境美体现在诗画同源 清代美学家叶燮说：画者形也，形依情则深；诗者情也，情附形则显。苏轼也强调诗与画在创造审美意象方面的共同要求，他说：诗画本一律，天工与清新。他在评价王维的的画时说：味摩诘之诗，诗中有画；观摩诘之画，画中有诗。点出了画的意境，道出了中国水墨
中国古典美学的审美特征
中国古典美学的审美特征 中国作为一个有着五千多年历史的文明古国，从远古的石器时代开始，就已创造了举世罕见的物质文明和精神文明，同时也衍生了人类历史上具有永恒魅力、不可磨灭的美。中国古代美学形成了我们民族独有的美学传统。这个传统不仅是中华民族精神的体现，更深深地渗透到了我们民族的意识、心理、好尚、趣味之中，表现在艺术作品中，组成我们民族文化不可分割的部分，在世界美学史上占有重要地位，并对整个人类文化的进步作出了不可或缺的贡献。 1.中国古代工艺美术的审美特征 中国古代工艺美术是中国人民为满足自己的物质需要和精神需要，在不同的历史条件下，采用各种物质材料和工艺技术所创造的人工造物的总称。它是中华民族造型艺术的重要组成部分，既体现了工艺美术的一般本质特征，在内涵和形式上保持着实用性与审美性的统一，又显示了中华民族文化自身所具有的鲜明个性。中国工艺美术以其悠久的历史、别具一格的风范、高超精湛的技艺和丰富多样的形态，为整个人类的文化创造史谱写了充满智慧和灵性之光的一章。 中国工艺美术浸透着中华民族的文化精神和审美意识,富有鲜明的美学个性,主要体现出： ①和谐性 中国传统艺术思想重视人与物、用与美、文与质、形与神、心与手、材与艺等因素相互间的关系，主张“和”与“宜”。对“和”、“宜”之理想境界的追求，使中国工艺美术呈现出高度的和谐性；外观的物质形态与内涵的精神意蕴和谐统一，实用性与审美性的和谐统一，感性的关系与理性的规范的和谐统一，材质工技与意匠营构的和谐统一。 ②象征性 中国工艺思想历来重视造物在伦理道德上的感化作用。它强调物用的感官愉快与审美的情感满足的联系，而且同时要求这种联系符合伦理道德规范。受制于强烈的伦理意识，中国传统工艺造物通常含有特定的寓意，往往借助造型、体量、尺度、色彩或纹饰来象征性地喻示伦理道德观念。这种象征性的追求常常使宫廷或文人工艺美术沦为纯粹的伦理道德观念的展示，造成矫饰之态或物用功效的损害。相比之下，更多以生产者自身的功利意愿为象征内涵的民间工艺美术则显得刚健朴质，充满活力。 ③灵动性 中国工艺思想主张心物的统一,要求“得心应手”，“质则人身，文象阴阳”，使主体人的生命性灵在造物上获得充分的体现。中国传统工艺造物一直在造型和装饰上保持着 S形的结构范式。这种结构范式富有生命的韵律和循环不息的运动感，使中国工艺造物在规范严整中又显变化活跃、疏朗空灵。 ④天趣性 中国工艺思想重视工艺材料的自然品质，主张“理材”、“因材施艺”，要求“相物而赋形，范质而施采”。中国传统工艺美术在造型或装饰上总是尊重材料的规定性，充分利用或显露材料的天生丽质。这种卓越的意匠使中国工艺造物具有自然天真，恬淡优雅的趣味和情致。 ⑤工巧性
3继谢赫后，南陈的姚最写了《续画品录》，提出了前人所未提的“心师造化”论。 ４．宗炳的《画山水序》是中国第一篇正式的山水画论。“圣人含道暎物，贤者澄怀味象”论是由宗炳提出来的。宗炳在论山水画功能时，首先谈的就是仁智之乐 ５．唐代著名美术理论家张彦远在其著作《历代名画记》中对谢赫提出的“六法”作了最早的解释，并对六法内容作了新的补充，即关于立意问题。 被后世称为“宋四家”的是苏轼、米芾、蔡襄、黄庭坚。 ７．“谚云：‘黄家富贵，徐熙野逸’不唯各言其志，盖亦耳目所习，得之于心而应之于手也。……”，其中黄家指的是黄筌。“徐黄异体”“徐”指的是徐熙“黄”指的是黄筌，他们的画风对宋代花鸟画影响很大。 8．明万历年间，莫是龙、董其昌、陈继儒及沈灏提出山水画的南北宗论，这是中国绘画史上第一次提出的关于画派的理论。 9.清初画坛四僧之一的石涛在创作中提出“我用我法”“师古人之迹而不师古人之心，宜其不能一出头地也。”他的艺术主张大都收录在其著作《苦瓜和尚画语录》。 10..齐白石先生曾讲：“作画妙在似与不似之间，太似为媚俗，不似为欺世。” 11..两宋代花鸟画的风格主要以院体工笔为主。 明代王履提出“庶免马首之络”的绘画见解。 13“笔墨本无情，不可使运用笔墨者无情。作画在摄情，不可使鉴画者不生情。”是清代画家恽南田（寿平）所提出。恽南田的美学思想集中体现在他的《南田画跋》中．并在《南田画跋》中提出了“画以简贵为尚。” 14、元代黄公望在《山水画诀》中提出了画之四病 ---- 邪、甜、俗、赖 15、.“逸笔草草，不求形似，聊以自娱”的观点出自倪瓒的《论画》中。 16、郭若虚在《论三家山水》中，对三家山水评价很高“三家”是指李成、关仝、范宽 17、.以“四王”为代表的“仿古”思想，在清初画坛上占有统治地位，是当时的正统思想。“四王”指的是王时敏、王鉴、王翬、王原祁。 18、．“将无项，女无肩”、“坐看五，立量七”是唐五代荆浩中绘画经验的总结。荆浩《画说》 19、.钱选把笔墨视为区分文人画与非文人画的标志。 20、.中国第一篇正式的山水画论是《林泉高致》8．宗炳的《画山水序》是中国第一篇正式的山水画论美术文献。 21、.将画竹过程分为“眼中之竹”、胸中之竹、手中之竹的画家是郑板桥 扬州八怪之一的郑燮根据自己的创作经验，论述了艺术创作过程中“眼中之竹”、“胸中之竹”和手中之竹“的区 郑板桥是扬州八怪中思想活跃人物。其画以兰、竹、石为名，山水、杂花亦作之，皆以水墨为上。
中国画审美特征论 发表时间：2010-10-09T14:22:07.373Z 来源：《魅力中国》2010年6月第2期供稿作者：戴剑波[导读] 由引可见，中国画的独特美，是其审美特征的重要之点，也是它的亮点与看点、核心与关键。戴剑波（黑龙江省牡丹江市书画院黑龙江牡丹江 157000）中图分类号：J222 文献标识码：A 摘要：掌握中国画的审美特征，可以从美学的高度上观照中国画的创作。为此，本文从独特美、多样美、意境美三大方面，对中国画的审美特征进行全方位、系列化、深层次的论述。 关键词：中国画独特意蕴 中国画，简称“国画”，是“具有悠久历史和优良传统的中国民族绘画。在世界美术领域中自成独特体系。”①掌握中国画的审美特征，对于中国画的创作、欣赏、教学，都具有从美学的高度上观照、指导的重要意义。为此，本文试就中国画的审美特征这一重要艺术命题，略抒拙见，以与国画人共同切磋、共同讨论。 具体来说，中国画的审美特征，主要可以从以下三个视角予以解读。 一、独特美 在美学意义上，艺术个性是最大的艺术亮点与支撑，而艺术个性就是有别与其他艺术的独特性。因此，作为中国独特的绘画形式的中国画，其审美特征首先便以独特性为其题中应有之义。 这种独特性，又表现在以下几个层面： （一）独特的艺术语言。中国画有自己独特的艺术语言。一是独特的线条。历来的中国画，都是线条画，中国画通过线条的长短、粗细、轻重、干湿、疏密、刚柔、肥瘦、缓急、曲直、畅涩等，表现不同的物象特征与情感层次。中国画专用的毛笔，具有尖、齐、圆、健等特点，可以画出不同的力度、厚度、节奏感、立体感。二是色彩。中国画讲究“随类赋彩”，其色彩并不在于单纯追求物体色彩的真实感，既不是环境色，也不是固有色，而是情感色，即带有画家主观情感的情感色。三是独特的构图。中国画把构图称作“章法”、“布局”、“经营位置”，认为这是“画之总要”。中国画的构图要求表现气势和韵律，有自己独特的规律。例如在透视法上，不采用西方油画的限定一个视点、一个视向、一个视域的焦点透视法（又称“定点透视法”），而采用多个视点、多个视向、多个视域的散点透视法（又称“动点透视法”），即把不同位置甚至不同时间的物象都有机地组织到一个画面上，使画面更加丰富多彩。例如傅抱石的《江山如此多娇》，就将北国风光与江南景色、巍巍昆仑与滔滔黄河、红日东升与瑞雪纷飞集于一体，从而形成境界开阔、气势宏伟之感。在构图上，中国画还融诗、书、画、印为一炉。 （二）独特的绘画技巧。中国画有自己独特的绘画技巧，其核心是“笔意”与“墨意”，合称“笔墨”。“笔意”指用笔的技巧，指钩、勒、皴、点等运用毛笔的不同技巧与方法；“墨意”指以墨代色，运用烘、染、泼、和等墨法，使墨色产生丰富而细微的色度变化，即所谓的“墨分五彩--墨色的焦、浓、重、淡、清等五种不同的色度。有人还将“墨分五彩”称为“墨分六彩”，即在原来五种色度的基础上，加上一个白色，起到以虚代实、“计白当黑”的艺术作用。 （三）独特的艺术风格。中国画有自己独特的艺术风格，即总体上写意化的艺术风格，不仅写意画如此，工笔画亦如此。这与西方绘画的写实化艺术风格形成了鲜明的对比。 由引可见，中国画的独特美，是其审美特征的重要之点，也是它的亮点与看点、核心与关键。 二、多样美 中国画本身即是一座丰富多彩的艺术宝库，因此多样性便成为它重要的审美特征之一，也是它的形态美的重要体现。具体而言，中国画的多样美，表现在以下几个层面： （一）绘画画科的多样美。中国画以绘画题材，划分为人物、山水、花卉、禽鸟、走兽、虫鱼、界画等画科。各画科异彩纷呈，争奇斗艳。 （二）技法形式的多样美。中国画按技法形式，划分为写意、工笔、钩勒、没骨、设色、水墨、泼墨、白描等。也各有千秋，各放异香。 （三）表现手法的多样美。中国画按表现手法的不同，划分为钩皴点染、干湿浓淡、阴阳向背、虚实疏密、留白等，也各有不同的功能与特点。 （四）画幅形式的多样美。中国画按画幅形式，划分为壁画、屏幛、册页、扇面、手卷、挂轴等等。 （五）绘画风格的多样性。中国画在总体上的写意风格的基础上，还有各种不同的艺术风格。例如文人画的高逸、典雅、书卷气的艺术风格，天津杨柳青年画的通俗、草根的民间艺术风格，就各显其长，各放其辉。 （六）画家个性的多样性。中国画还具有不同画家的不同艺术个性，例如齐白石善画虾，潘天寿善画荷，李苦蝉善画鹰，黄胄善画驴，徐悲鸿善画马。 由此可见，中国画的多样美，也是异常鲜明的。 三、意蕴美 意蕴，指事物的内容或含义，德国文学家创立的“意蕴说”，将艺术作品分为三大要素：材料、意蕴、形式。其中的“意蕴”即人在素材中所见到的意义。现在所说的“意蕴”，即指艺术作品中的底蕴、内蕴，是作品的内部意义、韵味等等。中国画以意蕴为重要的审美特征之一，讲究“气韵生动”，要求“意在笔先，画尽意在”、“形神兼备，以形写神”、“外师造化，中得心源。”意蕴是审美对象的内在生命力显现出来的具有韵律美的形态与神髓的有机统一，即“形神兼备”的集中体现。它要求以生动的形象来表现人物内在的生命意识和人文精神，在立意深邃高远的同时，又追求韵味与趣味。由此可见，中国画的意蕴美，同样是内容丰富的，这种意蕴美，也是中国画审美特征的至高境界。综上所述，可见中国画的独特美、多样性、意蕴美，集中体现出中国画的民族审美特征，这正如当代美学家彭吉象所说：“中国传统美学强调美与善的统一，注重艺术的伦理价值；西方传统美学则强调美与真的统一，更加重视艺术的认识价值。中国传统美学强调艺术的表现、抒情、言志；西方传统美学则强调艺术的再现、模仿、写实。”②
《中国山水画的意境》教案 一、教材分析： 追求意境的表现是中国传统教学思想的重要组成部分，是中国画的重要特征之一。山水画中高山大川的雄浑厚重，小桥流水的清秀恬淡；山间云雾缭绕，小路曲折婉蜒；楼台耸立，船帆点点……让我的感受到画家对故土，对大自然的那份。那份痴性，带给我们充满情趣的，有独特意境的美丽享受。意境是山水画的灵魂，对意境的创造是山水画家毕生追求的艺术境界。 本课的设置，旨在引导学生从认识山水画所表现的意境的美入手，感受山水画独特的艺术美感。了解画家是怎样通过笔墨的运用、构图的安排、虚实的处理来实现对意境的营造的。对于山水画的学习，力求改变过去过于注重技巧，过于强调皴法而无暇顾及在画中表现意境的现象。让学生对中国画的精神与特点有一整体的了解，从品味意境、享受意境，到用笔墨大胆、自由地表现意境。 1、教学目标 （1）、情感目标：本课注重培养学生对中国山水画的分析、理解，了解山水画的成就及有关画家，使学生热爱中国传统绘画，感受自然与艺术的丰富多彩，从而更加热爱大自然、热爱生活、热爱我们伟大的祖国。（2）、认知目标：①欣赏中国山水画作品，感受历代画家是如何用山川之景抒画家之情的，是如何在丰富多彩的自然美中表达中国人的自然观和审美观的。②分析山水画作品中意境中表现，初步理解对意境营造是画家追求的艺术境界，是山水画的灵魂。
（3）、能力目标：尝试选用（或作）一首小诗或散文，概括地表达出你所喜欢的山水画的意境；或用学过的笔墨技法，画一幅有意境的山水画，并配上自己喜欢的诗句散文。 2、教学重点： 通过对山水画构图、空白、墨色的分析，使学生了解中国山水画是怎样表现意境 3、教学难点： 中国山水画与西方风景画在思想、技巧和形式上的不同点是什么？ 4、学习材料： 教具：多媒体设备，山水画所需用具。 学具：风景照片、山水画、纸、墨、笔等中国画的必需用品。 二、教学过程 （一）图片欣赏，激发兴趣，导入新课 （多媒体课件画面出现关山月傅抱石的《江山如此多娇》，这幅画是他们共同合作专门为装饰人民大会堂而绘制的大型山水画。 师问：看画面你能想到哪首古诗词？ 生：毛泽东的《沁园春雪》 北国风光，千里冰封，万里雪飘。 望长城内外，惟馀莽莽；大河上下，顿失滔滔。 山舞银蛇，原驰蜡象，欲与天公试比高。 须晴日，看红妆素裹，分外妖娆。 江山如此多娇，
浅谈中国传统绘画的特点 中国画这一艺术形式之所以能在世界绘画史上占有极其重 要的地位，是因为它代表了东方民族特殊的艺术审美观念。纵观中国绘画史，我们会清醒地发现，创新并不是现在才提出的问题。从隋代的展子虔到清代“四僧”再到近代的黄宾虹、齐白石、徐悲鸿等，哪一个不是在创新中崛起、发展、壮大的呢？ 艺术贵在创新。对于这一点，中国画家似乎没有太大的分岐。但关于中国画传统与创新之间的关系怎样把握、如何去创新等问题倒是众说纷纭，因此，我们很有探讨的必要。对于传统，多数画家仅把画史上几个著名画派的技巧及风格当做传统的本质而加以继承。画派的技巧和风格是形成与发展传统的重要因素，是传统的具体体现，但绝不能代替传统。所谓传统，笔者认为，指的是对具有民族特色的艺术观点、艺术方法、艺术形式、艺术风格等的概括，具有本质性。什么是中国画的传统？根据中国画发展的特点，笔者将其概括为以下五点： 一、以形写神、形神兼备，是中国画创作的一个重要原则。中国画讲究气韵、追求意境。一个画家应具备“画得像”的功
夫。但如果作品有形无神，那么即使画得再像也不是中国画所要达到的目的。有形无神的画是存在的，而有神无形的画是不存在的。写形是为了传神、为了畅神。形可在“似与不似之间”。我们要知道，“以形写神”的最终目的是“达意”。苏轼曾言：“文以达吾心，画以适吾意。”没有“形”的支架，“神”无处依附。相传五代荆浩为松写生的画集达几万册，所以用笔能够“运转变通”、“如飞如动”，用线既不专以浑朴胜，也不专以娟丽胜，而是达到了所谓“神化”的境地。中国画历来要求以“形”这个支架表现“神”。这个“神”指的是客观对象的生命力、生动气韵和本质特征。“形”是次要的，而“神”是主要的。现代大家齐白石、黄宾虹都提出“妙在似与不似之间”的画才算是好画。也就是说，画得太像就太俗了；画得一点儿也不像，更不是中国画。所谓“意象造型”就是这个道理。而从西方绘画史来看，古希腊以及文艺复兴以后的绘画着重于形的逼真再现；发展到现代派，则走上了另一极端。现代派画家主张绘画是“自我表现”的凭借，因此，可以随意摆弄“形”。既然如此，“神”就更谈不上了。 二、中国画以线、墨为主，讲究笔法，追求“笔精墨妙”的艺术效果，讲究骨法用笔。这些都是对笔墨内涵的要求。“骨法”又作“骨力”，指书写点画中蕴蓄的笔力。它是构成点画与形体的支柱，也是表现神情的依凭。画家以挺劲的笔法将自己
部编版九年级山水画的意境精选试卷练习（含答案) 学校:___________姓名：___________班级：___________考号：___________ 一、字词书写 1．阅读下面的文字，完成下列小题。 作者对描画的物件，必须要有深入的研究，有严格的选择、充沛．的感情、高度的加工。绝不能把描写物件变成说明性的图解或地理志，使观者看了suǒ然无味、无动于zhōng，这样当然谈不上什么意境。没有意境或意境不鲜明，绝对创作不出引人入胜的山水画。意境的创造不是一件轻松的事情，我在画水墨山水时，感觉到自己就像进入战场，在枪林弹雨中。因为画在宣纸上不能涂改，所以一点疏乎差错都不行。每一笔都要解决形象问题，感情问题，远近虚实、笔墨浓淡等问题。 （1）根据拼音写汉字，给加点的字注音。 充沛．（）suǒ（）然无味无动于zhōng（） （2）选文中有错别字的词语是“”，正确写法是“”。 （3）“引人入胜”中“胜”的意思是（） A．胜利 B．比另一个优越 C．优美的景物或境界 D．能够承担或承受 （4）把画线句改为反问句。 2．解释下列加点词在文中的意思。 （1）做到“全马在胸”“胸有成竹 ．．．．”“白纸对青天”“造化在手”的程度，才能把握对象的精神实质，赋予对象以生命。 胸有成竹：__________。 （2）两个礼拜就画了一百多张，这当然只能浮光掠影 ．．．．，不可能深刻认识对象，更不可能创造意境。 浮光掠影：__________。 （3）一棵树、一座山，观其精神实质，经过画家思想感情的夸张渲染 ．．，意境会更鲜明。渲染：__________。 （4）我们看颐和园风景，则是富丽堂皇 ．．，给人金碧辉煌的印象。 堂皇：__________。 3．根据拼音写汉字，给加点的字注音。
关于国画的表现形式与审美特点 一、国画的表现形式 （1）具材料的运用。国画采用的工材料，可以大致归为笔、墨、纸、砚。中画工具材料的性能决定国画的形式特点。尖而软的毛，笔锋变化无穷，在绢上将笔墨的情趣更发挥的淋漓尽致。不同的笔带不同的效果，软毫笔墨汁渲染着色，均匀不着痕迹；毫笔白描人物勾线；兼毫笔刚柔济。墨的不同使用也呈现不同浓淡变化、深浅层次。在上或者在绢上作画，表的笔墨和色彩的变化亦是有同的意境。倘若用端砚作，墨液发挥慢，色泽深沉这些都给国画带来了相当特的表现力。（2）内容材的选择。随着国画发展，题材和内容也在历不断的改变和不同程度的侧重。致分为人物画、山水画和花鸟。国画中的人物画力求人物个性明，刻画的逼真传神。传神手法，常把对人性格的表现寓于所处的气氛环之中。如著名的东晋画家恺之的《洛神赋图》，形神兼备，韵生动。山水画是以描写山景色为主的绘画，表现人与自的关系，将自然和人融为体。山水画讲求意境深远，山之中有美诗，一幅山水既一首诗，一幅山水既是一心境，一种感情。鸟画表现的是大自然的生命。这三种画相得益彰升华着我国国画的真谛。 （3）与古典艺相结合。国画深刻体现我国传统文化，同时国画与其他统文化形式紧密结合交相呼应。国画不仅诗文的能完美结合达到远的境遇，更与书法、刻、剪纸等不同类型的古艺术相得益彰。 国与诗的结合，扩大了画的艺术感染力和表现力，是中国与众不同的奥秘所在。“中有画，画中有诗”的就是画家的艺术创作时体现出的的
意境。如果说笔墨为画之体，诗意则为画之灵魂。而画得最往往有落款，许多画家也书法家，一副画不仅能看秀丽的山水、逼真的任务、栩如生的花鸟，更能到或潇洒、或不羁、或秀丽的书法 二、国画的审美特点 （1）意念的传达——意境美。无是写诗还是作画，都讲求一个意。意境的表现，是由国人的传统思维方式决定。物我一体，天人合一，画试图追求一种包容象的境界。画家通过笔墨将己的情感与自然相结，创造出画面上的氛围，画面中的神韵能引起者的共鸣。 国画中体现的意境，往往是含蓄空灵的诗意之美和迷远飘渺氛围之美。正如苏轼赞美维的诗一般“味摩之诗，诗中有画，观摩洁之画，画有诗。”正如南唐董源的《潇湘图，长山复岭，茂林远树，层层叠；树林中的房舍若隐若；烟雾缭绕，秀美多姿。整幅画面现出一种悠远葱郁之感，观者如同进入其中，流连忘返。国中呈现的意境，会产强烈的艺术震撼力，使人观久久留于心中，难以忘怀。 （2直觉的联想——空间美西方绘画受“物我两立”的观影响，故以控制、探索的态对待无穷的空间，西方画中的空间是一种静止与序的和谐。而中国画深受传统学思想的影响，其意识“心灵之眼”感知空间万物，注通过作者本身直觉的联想，握自然物象整体节奏的流动性。 空间也有节，空间美体现出一时空的节奏。正因画家是以动态的，不断变换的视感知空间，所以上下前后的感知程中，空间已经节奏化。静止动是不会产生节奏的。如同我们欣一幅山水画，举目先看高远的峰，随着视线的下移，继而看到深的谷壑，再往下看到边小溪。这就
中国画论文：浅析中国画的艺术特征 张静 （武警政治学院，上海200435） 摘要：中国画在长期的历史发展中，形成了独特的艺术语言及审美特征。中国画的艺术特征主要体现在五个方面：一、以形写神，畅神达意；二、以线造型，笔精墨妙；三、以虚带实，虚实相生；四、以大观小，散点透视；五、诗书画印，综合艺术。通过认识中国画的艺术特征，可以更好地欣赏中国画，进而陶冶情操，提高修养。 关键词：中国画；艺术特征；写意；笔墨 中国绘画艺术历史悠久，源远流长。她植根于华夏文化沃土，跨越不同时空，历经不同阶段，形成了融汇民族文化素养、思维方式、审美意识和哲学观念的完整的艺术体系，是世界艺术领域中的一朵奇葩，更是我们中华民族的国之瑰宝和骄傲。她所体现的艺术美蕴含昭示了深刻的人生道理及宇宙意义的最高境界。传统中国画在长期的历史发展中，形成了独特的艺术语言及审美特征。当然，“五四”运动以后，西学东渐，近现代中国画借鉴了西方写实主义的观念和技法，力图中西合璧。而当代的中国画更是不断创新，形式多样。但万变不离其宗，中国画的主要特征依然不变。笔者将中国画的主要艺术特征概括为以下五个方面，其中第一与第二个方面尤为典型和重要。 一、以形写神。畅神达意 “形”指外在的形象，“神”是内在的精神。中国画不满足于“形似”，而要求“神似”。早在大约一千多年前，东晋画家顾恺之就提出了“以形写神”的原则。相传他画人物，数年不点睛，人问其故，答云：“四体妍媸，本无关于妙处；传神写照，正在阿堵中。”“阿堵”是六朝和唐代的常用语，相当于现代汉语的“这个”，在这里指“眼睛”。这句话指出，绘画的关键不在于对象的美与丑，而是重在“画龙点睛”，表达出人物的内心世界或精神意境，使其“含情而能达，会景而生心，体物而得神”。顾恺之的“传神论”奠定了中国画以形写神、重在传神的基础框架。 中国画坛先辈虽然很早就提出了“以形写神，形神兼备”的原则，但他们也很早就看到了“形似”并不一定“神似”，为了更好地传神，形的表现可以很灵活，可以夸张变形，甚至不求“形似”。例如宋代苏轼曾说“论画以形似，见与儿童邻”。元代倪瓒曾说“仆之所谓画者，不过逸笔草草，不求形似，聊以自娱耳”，现代国
中国画审美特征论 中国画,简称“国画”,它是中国的绘画艺术,是民族绘画的主要代表。它还与中国书法并成为“中国书画”,而“中国书画”又与中医中药、京剧一起,并称“三大国粹”。因此,研究探讨中国画的审美特征,对于中国画的繁荣与发展,可以提供理性思辨与艺术实践的双重参照系。 一、笔墨 笔墨是中国画的重要审美特征之一。中国画以中国特制的毛笔、墨或颜料,在宣纸或绢帛上作画,故中国画又称 “水墨画”或“彩墨画”,这使得“笔墨”成为中国画技法和理论中的重要术语,也成为中国画的重要审美特征。 由用笔而衍生出的“笔意”,则指的是用毛笔进行绘画时的艺术经营与笔画运转间所表现出来的意向、风格、功力、神态、意趣等等。宋代大诗人兼大画家苏轼曾在诗中云:“苟能通其意,常谓不学可。”说的就是绘画时的笔意。 由用墨而衍生出的“墨意”,则指用墨创造绘画的意境。中间画以墨代色,称为“墨色”,有所谓“墨分五色”之说,即用烘、染、泼、积等笔墨法,使墨产生凤舞而细微的色度变化,即墨色的焦、浓、重、淡、清五种不同的色度,以墨色营造出画中的空间层次与物象特征。虽画牡丹,墨色能显牡丹之红;虽画绿荷,墨色亦能显满低荷碧。许多画家用“破墨法”,使墨色变化无穷,如以浓破淡、以淡破浓、以湿破干、以焦破润等等。另有“泼墨法”,即大笔饱蘸水墨渲染,或端砚墨,任墨在画纸上晕化成各种状态,然后随墨色诱发的想象略加勾勒点染,使形象清晰起来,创造出不可重复而又与众不同的新意。 笔与墨、笔意与墨意得有机统一、完美结合,形成笔墨,成为中国画的两大支柱,共同撑起中国画的艺术天空。
二、写意 写意不仅是中国画的重要审美特征之一,而且是整个中国艺术的重要审美特征之一。著名文化学者余秋雨教授说:“写意是中国古代美学的一个重要命题,在戏曲表演艺术中主要表现为对时间空间限制的突破,以及动作、布景的虚拟。合在一起,就造成了一个与实际的生活形态相去甚远,艺术的韵律随着心意流荡的天地——当然,不会是一个逼真的幻境。”著名美学家彭吉祥象先生则从中西文化与中西美学比较学的高度指出:“中国传统美学强调美与善的统一,注重艺术的伦理价值;西方传统美学则强调美与真的统一,更加重视艺术的认识价值。中国传统美学则强调艺术的再现、模仿写实。”显然,写意与写实,成为中西美学的主要标志。 中国画的“写意化”审美特征十分鲜明。在构图上,不像西方写实主义绘画(如油画)那样讲究“焦点透视”,而取“散点透视”之法,即“可移动的远近法”,使视野宽广辽阔,构图灵活自由,画中的物象可以随意列置,冲破了时间与空间的限制。中国画的空间营造法,主要分为全景式空间、分段式空间、分层式空间三种。例如北宋张择端的《清明上河图》,就是全景式空间,以散点透视法将汴河两岸数十里的繁华景象组成一个完整的画面,通过全景式的构图展现北宋首都汴京从城郊农村到城内街市的热闹情景;五代南唐顾闳中的《韩熙载夜宴图》,则以分段式空间的构图法构成;长沙马王堆汉墓出土的T形帛画,则以分层式空间的构图法,展现了天界、人间、地界的不同景况。在明暗上,中国画也不像西方油画那样强调以色彩的深浅来表现物体的明暗。在绘画的立意上,中国画更强调表现画家的意向和气韵,所谓“一枝一叶总关情”,通过画中的物象表现画家的思想、情致。 三、综合 中国画的诗、书、画、印“四合一”,充分体现出它的综合之美。中国画把绘画、诗歌、
阅读《山水画的意境》,回答问题。 1.下列关于山水画意境的理解,不正确的一项是() A.意境就是景与情的结合,画家通过对自然景物的描绘表现深厚的思想感情,山水画如果没有了意境,也就没有了灵魂。 B.意境的产生有赖于思想感情,而思想感情的产生源于画家对客观事物身临其境地长期观察和全面、深刻的认识。 C.意境在于有情趣有画意,山水画不是地理、自然环境的说明和图解,那些追求自然的画作说不上有意境,难以打动人。 D.山水画创作中,画家只有对所描绘的景物充满强烈、真挚、朴素的感情,有表达自己亲身感受的强烈愿望,才能创造别具一格的意境。 2.作者要说的是山水画的意境,为什么要在开头大篇幅分析诗歌的意境? 3.作者是如何论述“要深入全面地认识对象,必须身临其境,长期观察”这一观点的?你认为这个观点正确吗?请结合生活实际简要说明。 4.你如何理解“无论写诗、作画,都要求站得高于现实,这样来观察、认识现实,才可能全面深入”一句的深刻含意。 5.在摄影技术如此发达的今天,山水画是否会被取代?请结合文章内容简要分析。 阅读下面的文字,回答问题。 中国山水画的意境美 颜景龙 ①中国山水画可谓是中国人情思中最为厚重的沉淀。历代山水画家在画面中充分表现笔、墨、气、韵的同时,更注重意境美的营造。意境是艺术的灵魂。我们欣赏画作时,时常被其内含的艺术魅力所吸引,被画外之意、弦外之情所打动、所陶冶、所感染,这就是意境美的作用。 ②中国山水画的空灵之美,是山水画艺术的主要审美趣味形式。空灵之空为静、为虚、为无,空灵之灵为灵气、为实、为有。空和灵是对立统一的。宋代马远的《寒江独钓图》中,茫茫寒江,一叶孤舟,渔翁独坐,钓丝漂浮,微波之外,皆是空白,营造出一种空灵、深远、简淡
中国古典绘画的审美特征 ——中国画与诗歌的融合 中国绘画是中华民族艺术的结晶，历史悠久，内涵丰富，它的形式和美感有别于世界其他绘画艺术，它是中国古代哲学、美学、文学、书法、宗教等多种文化形态所蕴育的一种特殊的艺术。从某种意义上说，大多数中国画家首先是文人，然后是画家。因此绘画与书法、诗歌有着紧密联系，它们之间互相丰富、互相渗透、融会到一起而形成的一种综合性表现艺术，可谓“诗画同源”，诗中有画、画中有诗。一是在画面的形式上诗文与画结合；另外一层含意是画境的诗意，是指画家创造的艺术形象中饱含着诗的意趣，这正是画家努力求得的境界。所以中国文人看画有读画之说，如果说笔墨为画之体貌，诗意则为画之灵魂，笔墨与诗意相融相辅而成画。 中国最早的文学成就是编纂于公元前6世纪的中国第一部诗歌总集—《诗经》。而中国诗画开始联系起来是因为刘褒为《诗经》上的《北风》、《云汉》二诗配了二幅图。到晋代的顾恺之根据曹植的《洛神赋》画了《洛神赋图》。至晋末陶潜开始创作田园山水诗，并出现一批山水画家。自此以后山水田园诗逐渐发展起来。这些诗人画家，虽然不曾有意识的将诗画结合起来，但却同时向山水田园诗画发展，使题材内容有了新的发展方向，再者，这些诗人画家的道佛思想极其浓厚，在审美最求上也大体相同。所以他们的诗画创作思想也有相似之处。到唐代时，是诗歌的辉煌时期，诗画结合也已明朗化，诗人画家或为画题诗，或为诗作画。可见诗画结合在唐代已经逐渐发展起来，而且各种形式都已具备。而宋代的诗与画的密切关系，已经相当明显了，而且也已经发展到成熟的阶段。并由于苏轼提出总结性的“诗中有画”与“画中有诗”的美学原则，成为千古定论。自此以后，诗人画家都以此为最高的审美追求和创作目的，导致诗配画和画配诗及画上题诗、自画自题，成为普遍的诗画创作的美的形式和标准。 绘画史一般把王维看成“诗中有画”与“画中有诗”的代表人物。苏轼也是一个诗画结合的积极倡导者和实践者，后人评价苏轼，说他“以诗为有声画，画为无声诗”，这也是一个非常高的评价。画上题诗题款，也可以起到画龙点睛的作用。如人们面对一幅写意山水或写意花鸟画，有时就很难看懂画家所要表达的思想感情，但通过画上的题诗题款，就比较容易把握作画者所要表达的内容。而诗的取材时非常广泛的，反映的社会内容也是极为丰富的，这也是诗的一大特点，上至天文，下至地理，应有尽有，从而全面的反映了社会生活的各个方面，所以诗完全可以称的上是一幅社会的风情画，也正是这样，促使中国画与诗紧密联系。当画家意识到一位画家可以像诗人那样乘兴之所至而记录下自己情绪状态以及这美景时，绘画就开始诗化了。诗除了可以影响画家的情绪之外，还可以用其独特的审美特色影响绘画的审美趣味，而中国画之所以情感丰富，也无疑受到了诗歌美学的启示。 苏轼在评论唐代王维的作品《蓝田烟雨图》中指出：“味摩诘之诗，诗中有画；观摩诘之画，画中有诗”。丰子恺也说“：中国诗人作诗善用绘画技法”。古希腊抒情诗人西蒙尼得斯说“：画为不语诗，诗是能言画”，所以诗与画不仅关系密切，而且相互融合，相互辉映 中国画与诗相融历来已久，二者相融，可以取长补短，增强感染力，不仅使中国画与诗异彩纷呈，同样也相互辉映。中国画与诗作为两门艺术，各有其特点，