浅?谈中国绘画艺术的发展?中国绘画艺术历史悠?久，渊源流长，以汉族?为主包括各少数民族在?内的画家和匠师，创造?了具有鲜明民族风格和?丰富多采的形式手法，?形成独特色的中国传统?绘画（即中国画）。
?中国绘画有着深厚的传?统和独特的民族风格。?它是以毛笔、墨、绢纸?为主要工具，以讲求笔?墨、气韵、意境、格调?为标准，以点线结构为?主要表现手段的造型艺?术，在世界美术领域中?自成体系。画科大致可?分为人物、山水、界画?、花卉、瓜果、翎毛、?走兽、虫鱼等；技法形?式有工笔、写意、钩勒?、设色、水墨等；设色?又可分为金碧、没骨、?泼彩、淡彩、浅绛等几?种，主要运用线条和墨?色的变化，以钩、皴、?点、染、浓、淡、虚、?实、疏、密和留白等表?现手法，来描绘物象与?经营位置；画幅形式有?壁画、屏幛、卷轴、册?页、扇面等，辅以传统?的装裱工艺装璜。中?国绘画经过数千年的不?断丰富、革新和发展，?风格鲜明，形式独特，?在东方以至世界艺术中?都具有重要的地位和影?响。
中国绘画的缘起?可追溯到大约1万年以?前的新石器时代。那些?刻在岩壁和兽骨上的花?纹，描绘在陶器上的纹?样，画在地面和墙壁上?的人和动物形状等，虽?然粗犷、稚拙，但已具?备了在平面空间展示形?象的基本性能，可视为?中国最早的绘画艺术。?新石器时代的绘画，技?巧上虽尚处于稚拙阶段?，但已具有初步造型能?力，对人物、鱼、鸟等?外形动态亦能抓住主要?特征。
夏、商、西周?及春秋、战国时期，绘?画已有了相当的进步。?周代
已有历史人物的画?像，春秋时期已有大型?壁画。从出土的青铜器?纹饰、漆器彩绘和楚墓?帛画可看出春秋战国时?期以线造型的特色已初?步形成。这时的绘画形?象，特别是湖南长沙战?国楚墓中出土的《人物?龙凤帛画》和《人物御?龙帛画》中可以看出中?国绘画在当时已达到较?高水平，为秦汉时期绘?画艺术的发展奠定了基?础。
秦汉时期的绘画?艺术已十分发达，既有?壁画又有肖像画，既有?历史画又有神怪画，题?材多样，种类不一。历?时400余年的秦汉王?朝，出现了绘画艺术的?发展和繁荣。汉代绘画?气魄宏大，笔势流动，?既有粗犷豪放的风格，?又有趋于细密臻丽的帛?画，生动地塑造了现实?、历史及神话人物形象?。在表现人物、动物动?态，揭示情节高潮，反?映现实生活等方面，有?着重要成就。
魏晋?南北朝时期，佛教壁画?空前兴盛。以敦煌莫高?窟的壁画数量最多也最?精彩。卷轴画和顾恺之?、陆探微、张僧繇等士?人画家的出现，标志着?中国绘画进入了一个新?的更加自觉的理性阶段?。人物画趋于成熟，准?确的人体比例、优美的?线描和深入的表情刻画?取代了汉代绘画天真、?稚拙、以动态传情的特?色，人物画和走兽画已?达到成熟阶段，与此同?时还出现了最早的山水?画，并产生了中国最早?的独立画论。
?中国从三国鼎峙开始?至隋王朝建国为止，处?于长期分裂混乱之中，?战争频繁，民生疾苦，?历时369年，此间的?绘画在整个中国绘画发?展历程中却占有特殊重?要的地位。在中国绘画?史上，有可靠记载的知?名画家相继出现，是从?三国两晋时开始的。汉?代以前的绘画，笔墨赋?彩比较简略，构图也比?较简单，直到西晋才开?始初步成熟。
隋唐时?期的中国绘画—迈向高?峰隋唐两代处于封建社?会盛期，国家统一，社?会相对安定，经济繁荣?及对外经济文化交流的?频繁与活跃，使绘画艺?术形成灿烂辉煌的局面?，它是中国古代绘画发?展中的又一高峰，并涌?现出一批在历史上具有?重大影响的著名画家。?隋唐绘画仍以宗教题材?为大宗。佛教的盛行不?仅为画家们提供了施展?创造才能的物质条件和?观赏群，还能确立画家?的社会地位，因之许多?著名画家都从事寺庙壁?画创作，大大提高了它?们的艺术水平。与此同?时表现世人生活的人物?画高度繁荣，将人物画?从南北朝的“迹简意淡?而雅正”推向了“细密?精致而臻丽”的境界。?萌芽于东晋南北朝的山?水画至此时有了明显的?进步，迅速发展，花鸟?、鬼神、牛马、屋宇等?开始独立成科，一时名?家辈出，使唐代绘画五?彩纷呈，绚丽多姿，富?丽精工而富于装饰性的?青绿山水得到社会的欣?赏，水墨山水也相继开?始抬头。
五代两宋时?期的绘画艺术进一步成?熟和完备，登上中国古?代绘画的顶峰。五代及?宋辽金时期的中国绘画?—全面发展五代及宋辽?金时期，中国历史进入?封建社会后期，绘画艺?术进一步成熟和完备，?特别是宋朝，成为中国?古代绘画的鼎盛时期。?宋代绘画题材较唐代有?很大扩展，人物画中宗?教寺观壁画虽仍具一定?规模，特别是道教绘画?由于宋王朝对道教的提?倡而有所发展，但石窟?艺术已呈明显衰退之势?，寺观壁画占了重要位?置，世俗生活和山水、?花鸟成为画家们更加喜?欢的题材。文人画家的?涌现，使绘画向诗歌汲?取营养，更加注重诗情?意境的表现。水墨画空?前成熟，重彩画更加工?整细丽。总体看宋代绘?画更趋精致、多样化，?并富于人情味和抒情性?，绘画功能的转变也使?其创
作与欣赏的结构发?生着雅俗分流的变化。?
元代绘画中?，文人画占据画坛主流?。元代知识分子的特殊?境遇和文人画思潮的扩?大，使绘画产生了时代?性的转折与变异。他们?的创作比较自由，多表?现自身的生活环境、情?趣和理想。山水、枯木?、竹石、梅兰等题材大?量出现，直接反映社会?生活的人物画减少。作?品强调文学性和笔墨韵?味，重视以书法用笔入?画和诗、书、画的三结?合。元代人物画远不如?山水、花鸟画兴盛。随?着宗教的风行，在佛道?人物画方面，有一定提?高。在元代肖像画家中?成就最为突出。元人崇?尚以书入画，更强调笔?墨情趣的形式感，从绘?画自身看，元画向着完?满性跨越了一大步。
?明清两代山水花鸟画更?成大宗，宗教画、人物?画愈加衰落。明代山水?画坛画派林立，进一步?发展了中国传统绘画的?形式风格。明中叶以后?，形成一股雅俗合流的?势力。著名画家涉足文?学插图、年画、稿本的?创作，给绘画艺术带来?了新的生机。清初社会?矛盾空前尖锐，出现了?“四画僧”、“四王”?、“金陵八家”等一大?批杰出画家，突起了中?国绘画史上的又一个高?峰。乾隆年间“扬州画?派”和清末“海上画派?”的出现，使摹古之风?甚盛的清代中、晚期画?坛又放异彩，雅俗合一?之势更加明显。
?辛亥革命以后，?在西方文化的冲击与影?响下，中国的绘画在观?念与价值取向上都面临?着多种选择的可能。但?为人生而艺术的旗帜把?绘画创作与现实功利紧?密结合的大趋势成为主?要流向，写实主义绘画?渐居首位。
1911?年辛亥革命以来的中国?美术。和古代美术相比?，它的社会文化环境、?对象与作者、品类与形?式、性质与地位等，都?发生了深刻变化。正如?整个中国现代文化具有?的过渡性、矛盾性和生?发性那样，中国现代美?术也充满了新旧交替、?中西混融、变化发展的?特色。
20世纪初起?步的时候，面对着多种?可供择取的途径：如文?人画一类娱情自赏的传?统，西方标榜超功利审?美创造的近代传统，以?及为人生而艺术的写实?主义、表现主义传统等?。在思想活跃的20～?30年代，美术家们确?实各行其是，进行了种?种尝试、探索与论争，?但大的趋势是以为人生?而艺术的旗帜把美术创?作与现实功利紧密结合?起来的写实主义渐居首?位。在数十年时间里，?从诸家纷争到以为人民?大众服务的美术为主流?的发展中，通俗美术、?大众化运动、复古主义?、现代主义、公式主义?、理想主义等，都曾成?为倾向或思潮。
从2?0年代后期始，不断有?一些中国画家力图从题?材内容上冲破传统绘画?的局限，走出文人士大?夫的小圈子,走向十字?街头、农村和前线,描?绘下层劳动者和民族抗?战将士，其中突出的有?赵望云、黄少强、方人?定、蒋兆和。50年代?后，许多画家深入工农?兵,旅行写生,创造了?一大批描绘现实的新人?物画。一些山水花鸟画?家也充实了自己的生活?感受，使自己的艺术有?所升华，代表性画家有?李可染、贺天健等。
?20世纪50年代以后?，50年代前期,社会?相对安定,人心思治。?为工农兵服务，百花齐?放、推陈出新成为文艺?的统一方针，美术家们?怀着喜
悦的心情真诚的?描绘工农兵，歌颂新社?会。解放区的美术传统?、从苏联引入的社会主?义现实主义理论和
以?徐悲鸿学派为代表的写?实主义美术教育融结为?一，构成了新阶段美术?的根基。全国各地相继?新建了一批美术院系，?中国画呈现复兴之势，?美术创作和论争也相当?活跃。以徐悲鸿画派与?前苏联绘画体系相结合?为根基，为政治和为人?民服务的绘画大发展。?
80年代以后，至8?0年代，在开放与改革?的气氛中，大量引进外?国新技术新设备,建筑?学术思想活跃,新建筑?也雨后春笋般地矗立起?来，出现了以崭新的现?代材料探索种种新风格?的热潮。中国绘画更向?着多层次、多态式发展?，出现了空前繁荣的景?象。
当前中国艺术?是处于一个伟大的变革?时代，在这个变革的时?代中涌现出一批伟大的?代表着自己时代的艺术?家。黄宾宏，吴冠中，?付抱石，林风眠，朱德?群，陈子庄，陈丹青，?刘小东就是这个时代的?新型人物。他们给中国?艺术注入了属于自己时?代的生命的活力。同时?，他们也代表了我们这?个时代的绘画艺术的进?步。
当前中国绘画艺?术的总括大致是两类:?一是延续自己民族传统?的，统称中国画:一是?西方欧洲引入的版画，?油画(主要是油画)。?直到现在，现代的人们?又开始了对艺术的本质?的审视，思考和还艺术?内涵已它自身的本来的?面目。在黄宾宏，吴冠?中，付抱石，陈子庄等?的作品中，我们又感受?到了崂山壁画，"文人?画"中同样的艺术意境?。他们共同述说了艺术?作品中那内在的体现意?境的艺术境界。
?在油画方面，自?上个世纪以来被引进了?中国，主要是以十八世?
纪，十九世纪法国，俄?国的现实主义表现手法?的形式成为学校的主体?教程，顺而理之的也就?成了学院的所谓正统教?学。时代给了我们冲击?，时代给了我们思考;?是死抱着历史墨守成规?还是迎合时代，体现时?代精神和体现时代意识?。历史就给了当代艺术?家一个时代的命题。不?管是传统的中国画家还?是油画家，我们同时都?面临着是抱着历史墨守?成规?还是在历史的基?础上营造一个符合时代?精神，体现时代意识的?艺术氛围?艺术家充分?的展现符合人类意识进?程的艺术意识的境界。?未来的世界艺术的颠?峰之中，必将有着属于?中国艺术的一个耸立的?山脉。这就是中国现代?绘画艺术的现状。即使?艺术归真，同时又使艺?术走向世界。
?????系别：历史?系
???班级：?09历史学2班????学号：0915?012021
????姓名：王孟晓
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中国美术欣赏论文：浅谈中国美术欣赏 【摘要】中国画具有七千年的历史，它经历了漫长的发展过程，受到了儒、道、释等哲学文化思想以及民间艺术、外来文化的影响，才逐渐形成了自己的特点。特有的形式体现着中国画所独有的审美，必然影响到对中国美术的欣赏。欣赏中国美术是从中国画入手，并以中国画的特点作为欣赏的标准来介绍中国美术欣赏的要领。 【关键词】美术欣赏；中国画；写意；主体精神；意境中国是一个具有悠久历史和灿烂文化的文明古国，中国美术源远流长，具有鲜明的民族风格和独特的艺术成就。在漫长的发展过程中，中国古代的美术大师为我们创作了难以计数的美术作品及理论著述，为我们学习、欣赏、研究中国美术作品提供了良好的条件。我们学习、欣赏、研究中国美术，对于弘扬民族文化、增强民族自豪感、体现我们民族文化的先进性都具有重大的意义。我们欣赏中国美术是从中国画入手，并以中国画的特点作为欣赏的标准来介绍中国美术欣赏的要领。 1．我国关于美术欣赏的研究 八十年代以来，我国关于美术欣赏的研究取得了一定的成果。1986年，陈望衡、张涵在其著作《艺术美》中提出，艺术欣赏实质上艺术美的欣赏，是一种美感活动，艺术欣赏的特点主要是娱乐性、主客观辩证统一性、与创造过程的紧
密联系性等。1995年，尹少淳在其著作《美术及教育》中指出，美术鉴赏是运用感知、记忆、经验、、知识，对美术作品，进行感受、体验、分析、判断，而获得审美享受和美术知识的过程。1998年，张道一在其主编的《美术鉴赏》中提出，美术鉴赏对于鉴赏者来说也是一个复杂的心理活动过程，它与艺术的创造一样，同是知（认识）、情（情感）、意（意志）等过程的系统组合。21世纪伊始，关于此方面的研究近一步深入。2000年，王大根在《美术教学论》中提到，美术欣赏是一种视觉心理活动，它是从视觉对作品的直观感受开始，通过知觉与联觉、统觉而变成情感和意识的过程。2001年，王向峰其著作《美的艺术显形》中指出，艺术欣赏的主要特征有：艺术品相对与欣赏者的外在性、艺术欣赏的过程性、欣赏者在欣赏过程中的创造性。2002年，陈新汉在其著作《审美认识机制论》中提出，艺术欣赏是纯粹化、集中化的审美活动，是客观化审美活动的主观化，它作为对艺术作品的具体把握，是欣赏者接触艺术作品而产生的一种审美活动，也是一种通过艺术作品中的形象去间接认识客观世界的思维活动。 总之，美术的欣赏是运用感知、记忆、经验、知识，对美术作品进行感受、体验、分析、判断而获得审美享受和美术知识的过程。 2．写意
5～6岁儿童绘画创作中艺术思维的过程与特点 双塘中心园孙爱 导读：儿童喜欢一次性完成绘画创作，并在创作中几乎不作太多考虑，直接作画，下笔流畅，线条大胆，涂色随心所欲，不存在成人所谓的败笔。研究发现，5~6岁的儿童在创作中充满自信，能以较多的方式使用线条和形状，如开放性的和封闭性的、爆发性的和控制性的，并根据自己的情感、愿望或按物体固有色来涂色。 绘画是儿童的一种特殊语言，是其表现内心世界的一种载体。学前儿童艺术思维在绘画创作过程中表现为一种运用多通道的感觉器官，获取、再造、物化审美心理意象的活动。对学前儿童的艺术思维进行研究，有助于教育者进一步深入认识学前儿童的内心世界，使学前儿童艺术教育更好地促进儿童的发展。 本研究借鉴哈佛大学加登纳教授关于艺术活动三大系统的概念，以及国内研究者关于绘画超常儿童艺术思维过程三大系统的概念，将艺术思维过程分为三个部分：知觉(perception)、反省(reflection)和制作(production)。研究采用随机抽样，选取一所江苏省省级示范幼儿园(非艺术特色园)大班30名5～6周岁的学前儿童，分成5组，每组儿童作画时间为上午10点～11点之间。研究持续半年，共搜集了138幅儿童绘画作品，通过对儿童绘画创作过程及作品的分析，探究5～6岁儿童绘画创作中艺术思维的过程与特点。 一、5~6岁儿童艺术思维中的知觉 知觉是在感觉基础上实现对物体一般结构特征的把握的心理过程。视知觉，也就是视觉思维。绘画活动中的视知觉是视觉对对象的形状、色彩、光线、空间、张力等审美属性及其所组成的完整形象的整体性把握。学前儿童对绘画创作对象的获取正是通过其感觉器官的视知觉功能来实现的。 对儿童艺术思维中的知觉过程及特点的研究，是通过4次绘画活动来完成的。主题分别是：“静物写生”“我和爸爸妈妈”“跑得很快的人”“我乘公共汽车”，所涉及到的知觉过程都是对两个或两个以上事物的感知，力求使儿童有充分的机会展现其视知觉的过程。 研究发现，5～6岁儿童艺术思维中的知觉是通过知觉选择获得审美心理意象的过程，具有多通道性。5—6岁儿童对物体的知觉过程是以视觉为主，
北宋山水画的辉煌与中国山水画的特点 宋朝前后延续了300多年，其绘画在隋唐五代的基础上继续得到发展。山水画发展到宋代，出现前所未有的兴旺景象，达到了中国古代山水画的顶峰水平。无论从题材内容还是从表现形式和表现方法都更加的多样化，出现了一批有杰出成就的画家，他们以古人为师,以自然为师,以吾心为师,创作了具有丰富审美特色,面貌各异的山水画杰作,为后人留下了宝贵的典范,在美术史上树立了一块重要的里程碑。 北宋山水画坛在五代的基础上人才辈出,风格技法多彩纷呈,成就突出，这一时期宫廷美术全盛，画院规模齐备，名家层出不穷，佳作硕果累累。画坛上山水画最为突出，水墨格法空前发展，出现了讲究笔墨韵味的皴、擦、点、染等技法程式，山水画造景重造化、重理性，审美特色由政教、宗教精神逐渐转向人文精神，这一时期美学著述独到、艺术思潮活跃、绘画作品精湛，是中国传统审美文化的发展源头。下面就两幅名画作说明。 《情恋萧寺图》是流传在国外一幅影响较大的传为李成的作品。此图作为高山峻岭，深沟巨壑，前景突兀巨石，以边平缓，一边峭拔，产生一种体积感和重量感。岩石的轮廓线，用笔坚实有力，所组成的表面结构具有质感。中景山涧瀑布飞流直下前景深潭，与远景处一悬瀑形成互相呼应之势。途中造型曲尽变化的“蟹爪树”，树干枝杈笔法稳健有力，树态展枝摇曳，显得生动活泼。亭台楼阁的飞檐很有特色，是李成山水画的特点。纵观全图，笔法娴熟老健，用墨层次分明，浑
厚苍劲。构图呈自然开合状，节奏明快，气势雄逸，使观者犹如身临其境。 《溪山春晓图》作者惠崇 此图画江南平远山水景色。画面前后始终以重山叠岭为背景在这山溪河流中间，岗峦起伏，平渚相牵，其上林木葱郁，花开烂漫，竹林深幽，垂柳依依。画中布局取平远之势，但崇山叠岭，云气蒸腾，亦显境界深幽，而萦绕于山间的河流、湖水与云气融为一片，又使其境空灵渺远。画中笔法温和平淡，近山、林木等勾皴外，山石多以染法，随形变化，浓淡相宜。其敷色简淡，醒目异常，增强了画面春日融融的明丽气氛。在这些平凡的景物里，画家感受到万物复苏的欢欣。苏轼咏惠崇《春江晓景》诗，“竹外桃花三两枝，春江水暖鸭先知”成为脍炙人口的名句。 在欣赏诸多山水画名作时，我们不难发现其中有不少的经典之作都是以寒林、雪景为题材，而这种情景较集中地出现在北宋时期，在其他时期则比较少见。只有北宋时期稳定的文化氛围才能使得一种绘画题材稳定化、持久化。毫无疑问，北宋山水画的艺术水平及成就是中国山水画史上的顶峰。南宋山水的“一角半边”似乎是当时残山剩水的真实写照，作品的完整性无法与之比拟。元代由于汉族文人士大夫没有进入仕途的机会，所以并没有太多展示他们艺术才华的机会，他们的艺术也只是“在野”的。明清时期更是趋向于笔墨技巧自身而渐渐忽略作品的内容与形式，技法和艺术内涵本末倒置是无法使他们的作品达到最高水平的。只有在北宋时期，统治者崇文抑武，使得文化和
浅谈近现代中国画艺术的发展 内容摘要: 自1840年英国侵略者发动了侵华的鸦片战争之后,帝国主义列强对我国的侵略更加肆意疯狂.他们通过经济的掠夺,使我国的封建经济制度受到严重的破坏解体.政治、经济、军事、文化也遭到前所未有的操纵与控制.致使我国逐步沦为为半殖民地半封建社会.封建统治的日趋崩溃,失去了对文学艺术的控制,近代再没有皇家出面组织美术活动.然而富有革命传统的中国人民并不麻木的生活在这样的环境中.百余年来,前赴后继,不屈不挠的进行反抗斗争.伴随着时间的脚步,取得了不断的胜利.在孙中山领导的金民主主义革命取得阶段性的胜利之后.在中国共产党的领导下,进行了反帝,反封建和反官僚资本主义的新民主主义革命.终于在1949年建立了社会主义新中国。资产阶级新民主革命给美术带了新生机，是过去为封建社会及其统治阶级服务的美术，改变成为为人民大众服务的美术。中国革命促使美术的性质发生了根本性的变化。从时代的要求来看，近代中国画虽然受到压制和排斥，但是在广泛吸收、借鉴传统中国画及多方面艺术影响的同时，它依然按照自身的艺术规律有生命的发展着。 关键词：传统中国画山水画花鸟画近现代中国画海派吴昌硕齐白石 正文： 在中国古代称绘画或为丹青或为水墨。自从西洋画大量传入后，才对应出现了中国传统绘画的名称“中国画”。受外来艺术的冲击，中国画坛传统绘画一统天下的单一格局发生了变化，逐步向多元化、多样化发展。作为我国历史上规模最大的一次农民革命运动，太平天国在建立农民革命政权，提出反对封建政治纲领的同时，对于文化艺术也很重视。一方面取缔、改造为封建统治阶级服务的雕塑、绘画、打倒“圣人”孔丘的偶像，反对描绘帝王将相、才子佳人及仙佛鬼怪的人物画。另一方面，重视民间美术的宣传作用和组织管理，设有专业的机构，将民间画工、画师以及手工艺人组织起来，进行壁画、建筑、彩绘、年画、石刻等制作。现存太平天国的美术作品尤以壁画为多，浙江绍兴、金华、安徽绩溪、江苏苏州、江宁、宜兴和南京等地有这一时期的壁画遗存。较多表现的是富有装饰意味、喜庆吉祥的花鸟和山水。伴随着历史的推演，中国近现代所发生的天翻地覆的变革，影响到社会的各个方面。同时又也要求中国画适应新的审美需要，在文化知识界展开了对传统绘画的分析批判。 传统的中国画充分表露画家对当代生活的兴趣，尤其在魏晋南北朝时期，肖像画得到了重视，提出了“悟对通神”“览之若面”的要求，事实上这是士大夫阶层要求自我表现的一种反映，也从而使山水画和花鸟画得到了发展。花鸟画的发展要晚于山水画。山水画的发展和当时的玄思想盛行以及玄学之士标榜隐逸有关。在这一时期并未出现独立的山水作品，只是山水多作人物的背景和环境的衬托，较为古拙。由于题材表现技巧的不断丰富，渐渐的使山水画不但从人物故事的背景中独立出来，而且形成风格炯异的两种流派。展子虔、李思训画山水树石笔格遒劲而细密，赋色工致浓丽，开创了金碧山水一派；而吴道子画山水笔迹豪放；王维以诗人画创“破墨”山水，抒写文人情怀；王洽画松石山水则疯癫狂致，创“泼墨”之法；张璪的一句“外师造化，中得心源”的艺术主张从一个侧面道出一个艺术家对山水画的创作的追求与理解，等等。在盛唐之时，山水画启立门户，形成中国古代绘画独特的发展体系。
浅谈绘画艺术的艺术价值 [摘要] “价值”代表了一个时代的话题，也是当今社会飞速发展中的一个和所有绘画人相关的一个课题。当代社会，绘画的社会关系更加的微妙。艺术不断从非经济方式的创作活动获得了纯经济方式的收益，它带来了理论家的历史回溯与前瞻、画商的行情分析、绘画者的摩拳擦掌或愤愤不平。价值过程的描述，艺术创造与艺术欣赏之心理的分析，成为美学的中心事务。 [关键词]价值美时代形式 每个社会都必须确定下列两个问题：人类的哪一种价值应该被珍惜？有效的“美”的概念因该分配给谁？有时人们分别考虑到这两个问题，有时则可能同时考虑。我在这里提出的“价值”代表了一个时代的话题，也是当今社会飞速发展中的一个和所有绘画人相关的一个课题。这代表了我在当代对人们这两个古老话题的思考。 当代社会，绘画的社会关系更加的微妙。从早先的文人画抒情写意，到民国时期的爱国爱民反对当政，到长征路上我们的红色政权，再到建国初期的红红火火搞生产民建，可以说，绘画在中国的历史上在任何社会背景下都参与其中，并起到鼓舞民心的作用。可以说，绘画艺术一直在人们的生活、精神方面起着调和剂的作用，她可鼓舞、可闲情、可激昂、可图强。回眼看今天，艺术不断从非经济方式的创作活动获得了纯经济方式的收益，金钱源源而来，似乎在圣洁的教堂必须腾出一块空地。价值通过商品的交换的量的比例即交换价值表现出来。 但这一些问题可以集中于一个主体问题：这就是“艺术” 这个“价值结构体”的分析与研究。艺术是人类文化创造生活之一部，是与学术道德工艺政治同为实现一种“人生价值”和“文化价值”。普通人说艺术之价值在“美”，如同学术道德之价值在“真”与“善”一样。而自然界中的种种现象也表现出它的本相，人格个性也表现美。艺术固然美，却不止于美。且有时正在所谓“丑”中表现深厚的意趣，在哀感沉痛中表现缠绵的顽艳。艺术不只是具有美的价值，且富有对人生的意义，深入心灵的影响。艺术至少是三种主要“价值”的结构： （一）形式的价值。就主观感受言，即“美的价值”。 （二）抽象的价值。就客观称之为“真的价值”，就主观感受言，为“生命的价值”。（生命意趣可理解为丰富与庞大） （三）启示的价值。启示宇宙人生这意义之最深的意义与境界，就主观感受言，为“心灵的价值”，心灵深度的感受，有异于生命的刺激。 “形”“景”“情”是艺术的三层结构，在这里简略讲述：形式的价值，关于艺术
如何进行绘画创作 美术教学的目标是提高学生审美和形成自我创作的能力。创作是一个比较困难的项目工程,作为一个画家,要达到真正的创作,是需要付出毕生精力的。当然,学生美术课堂中的创作虽无法与画家们相提并论, 但对于学生来说也是一件非常头疼的事。如何培养学生具备自我创作能力呢?根据我长期实践,发现有以下规律可循,现在说出来,不妨与大家共商榷。 半临摹半创作是最终进行创作的必经之路, 任何学画者都有师古人、师老师、师他人的过程,这也是学画者最初经历的过程。在这一阶段达到一定程度的时候,学画者就有创作的冲动,但一提起笔,却又无从下手,这时候的办法就是半临摹半创作了。半临摹半创作就是一边临摹前人、他人作品,在临摹的过程中融入自己的想法,而且是逐渐增加自己的想法,这样慢慢培养自己的创作灵感。 半临摹半创作到一定时候,就会产生一种叛逆思想,就会试着独立创作。不过,这时的独立创作往往有别人的影子在里面,而且这种影子就象着魔一样很不容易摆脱,如果你能摆脱这个魔,也许你真正的创作才算开始。 真正的创作开始了,往往不易被人接受,如果这一阶段你挺不过去,这一阶段的痛你不能承受,也许你永远不会成 为什么画家了。 以上是我针对专业画家的创作历程感受而谈的, 对于学生来说,特别是义务教育阶段的美术课来说,培养学生创新思维很重要,不要把美术课全部上成临摹课,若教师只让学生抄写课本上的范画, 抄写自己的示范作品是根本不能培养学生创作思维的。最起码要达到半临摹半创作的水平才行。学生的想象力其实非常丰富,就看教师怎样去引导、去启发了。当然, 要创作。必须有一定的绘画功底。对于学生来说, 这个功底并不需要太厚。让我们坚信,学生的创作力是无限的,学生是能进行自我创作的。
《中国古代绘画赏析——山水篇》教学设计 中国古代绘画赏析---山水篇 河北省石家庄市第二十三中学张利梅 学生分析：教学对象为高中一年级学生。一方面，他们对传统文化有一定的了解，特别是通过语文和历史课的学习，积累了一定的古诗词知识和历史知识。这对中国画的欣赏、体悟非常有利。另一方面，他们具备了较强的分析归纳能力。在新课改后，小组协作学习已经成为大家喜爱的学习方式。这为本课的探究式学习提供了必备的基础。 教材分析：这一课内容宽、知识面广，涉及到了高中学生学过的历史知识、语文知识等，知识的综合性不仅学生感兴趣，我也喜欢研究，一节课讲完学生绘画知识了解得有点肤浅，于是我从中国古代绘画分类把本科整理成3节，深入浅出的从多角度给学生展示中国画的魅力。 教学目标：了解代表性作品，探究各种山水画画风格特点，加深对中国传统绘画的了解，增强对中国传统文化的热爱。 教学重点：山水作品的时代特色及其风格演变。 教学难点：山水作品时代特色的归纳及其风格演变。 教学策略：采取探究式学习的方法，让大家仔细地、反复地品读作品。通过比较、分析，共同探究不同时代作品的特色，并联系历史、语文知识，来加深对作品的艺术特色理解，引导学生从历史背景转变的角度来发现这些艺术特色的深层原因，使大家获得较为深刻的审美体验，同时，
还可以欣赏体会诗、画等传统文化贯通交融所形成的中国文化，激发起大家对中国传统文化的热爱，产生民族自豪感。另外，引导大家通过探究，看到文化的变迁与时代背景之间的联系，鼓励大家养成尝试利用自己掌握的各种知识去探索和研究艺术、了解作品，获得较深层次的了解和感悟的学习习惯。 教学准备：师：多媒体古代绘画原大挂图若干宣纸毛笔墨汁盘子笔洗。 生：美术书纸笔 教学过程：导入(周围作品)——两宋作品品鉴对比（学生活动）——诗词与两宋绘画风格之对比（学生活动）——山水画特点——老师示范课堂练习——课堂小结 导入： 师：中国古代绘画的三大画科分别是人物、花鸟和山水。中国山水画的成就超过了其他许多艺术部类，成为世界艺术史上罕见的瑰宝。这些附着中国人敏感心灵和微妙哲学的千古佳沉默不语却光华万丈，荡涤心灵。今天，就让我们一起来领略它们的魅力。 出示课题：中国古典绘画赏析 （通过幻灯片欣赏北宋作品《溪山行旅图》）
中国绘画艺术浅谈 博大精深、源远流长往往是形容我国古代艺术文化、悠久历史的最佳词汇。一个线条，一个轮廓，一抹色彩，看似简简单单的几笔，画家却能够用远近呼应、以动衬静等手法将人物、山水表现得淋漓尽致、唯妙唯俏，这就是我们中国古代绘画的精髓所在！ 从远古的陶瓷绘画，到魏晋的墓室彩绘砖，再到隋唐的壁画，个人感觉，相比较于西方油画的死板，我们中国美术讲究的是形散神聚，画家们举手投足之间一挥笔墨，就能表达自己对人物、事物的态度与看法——不论是一种巫术，还是讽刺官僚、表现民生疾苦，抑或是细致刻画某种动物等等。通过这几次选修课，我觉得古代的画家不仅仅是画家，他们往往能够用笔墨批判现实或者是表达某种愿望或抱负，总之，绘画的目的已经远远超越了欣赏，我们能够从众多的绘画之中感受到它们所带来的内涵美、意境美，这也是值得我们去欣赏、去研究的地方！ 在美术鉴赏这门课中，我印象最深的就是顾恺之大师。顾恺之，字长康，晋陵无锡（今江苏无锡）人。顾恺之博学有才气，工诗赋、书法，尤善绘画。精于人像、佛像、禽兽、山水等，时人称之为三绝：画绝、文绝和痴绝。谢安深重之，以为苍生以来未之有。顾恺之与曹不兴、陆探微、张僧繇合称“六朝四大家”。顾恺之作画，意在传神，其“迁想妙得”“以形写神”等论点，为中国传统绘画的发展奠定了基础。老师上课细心地讲述了洛神赋的故事，《洛神赋》是古代有名的诗人曹植用神话隐喻着失落了爱情的感伤的诗篇《洛神赋》，是中国古代文学中的一篇重要作品。曹植所爱的女子甄氏，在他的父亲曹操的决定下，为他的哥哥曹丕夺去。甄氏在曹丕那里，没有得到稳固的爱情死得很惨，她死后，曹丕把甄氏遗留的玉镂金带枕给了曹植。曹植在回归他自己的封地的路上经过洛水，夜晚梦见了甄氏来会他，悲痛之余作了一篇《感甄赋》，塑造了洛神的动人形象，也就是被他美化了情人的形象，甄氏的儿子曹叡将它改名为《洛神赋》。恺之知识渊博而有才气，擅长诗赋、书法，尤其精通绘画。工人像、佛像、禽兽、山水等。当时有“才绝、画绝、痴绝”之称。他的画师法卫协而又有所变化，他的画有敷染容貌，以浓色微加点缀，不求晕饰；笔迹周密，紧劲连绵，如春蚕吐丝，春云浮空的特点。史有以曹不兴、顾恺之、陆探微、张僧繇合称“六朝四大家”。精通画论，其“迁想妙得”、“以形写神”等论点，对我国传统绘画的发展，影响很大。
浅谈中国绘画艺术的独特性 发表时间：2012-07-17T10:51:57.700Z 来源：《新校园》学习版2012年第4期供稿作者：孟庆杰 [导读] 中国画是我们民族卓越才能和辛勤劳动的结晶，是我们民族的宝贵财富. 孟庆杰（长垣县实验中学，河南新乡 453400 ） 中国绘画艺术历史悠久，源远流长，经过数千年的发展变化，创造了丰富多彩的、具有鲜明民族风格的多种手法，形成了独具中国意味的绘画语言体系，相对西洋画来说，有着自己显著的特征。 一、中国画体现了中华民族传统的哲学观念和审美观 在对客观事物的观察认识中，中国画往往不像西洋画一样讲究以形写形、比例匀称。传统的中国画不讲究焦点透视，也不强调自然界对物体的光色变化，不拘泥于外物的肖似，而是讲究“以形写神”，追求一种“妙在似与不似之间”的感觉，从而抒发作者的主观情趣。它渗透着人们的社会意识，从而使绘画具有“千载寂寥，披图可鉴”的认识作用，又起到“恶以诫世，善以示后”的教育作用。即使山水、花鸟等纯自然景观，在观察认识当中，也不自觉地与作者的审美情趣和社会意识相联系，借景抒情，托物言志，体现了中国人“天人合一”的观念。 二、在艺术手法和艺术分科上，中国画有其独特特征按照艺术的手法来分，中国画可分为工笔、写意和兼工带写三种形式。工笔就是用笔工整细致，敷色层层渲染，细节明彻入微，用极其细腻的笔触描绘物象，故称“工笔 ”。而写意则是相对“工笔”而言，是用豪放简练的笔墨描绘物象的形神，抒发作者的感情。它要有高度的概括能力，要有以少胜多的含蓄意境，落笔要准确，运笔要熟练，要能得心应手，意到笔到。兼工带写的形式则是把工笔和写意这两种方法进行综合的运用。从艺术的分科来看，中国画可分为人物、山水、花鸟三大画科，它主要是以描绘对象的不同来划分的。 三、中国画在构图、透视方法、用笔、用墨、敷色等方面有自己的特点 中国画的构图一般不遵循西洋画的黄金律，而是或作长卷，或作立轴，长宽比例是“失调 ”的，但它能够很好表现特殊的意境和画者的主观情趣。同时，在透视的方法上，中国画与西洋画也是不一样的。透视是绘画的术语，就是在作画的时候，把一切物体正确地在平面上表现出来，使之有远近高低的空间感和立体感，这种方法就叫透视。因透视的现象是近大远小，所以也常常称作“远近法”。西洋画一般是用焦点透视，这就像照相一样，固定在一个立脚点，受到空间的局限，摄入镜头的就如实照下来，否则就照不下来。中国画就不一定固定在一个立脚点作画，也不受固定视阈的局限，它可以根据画者的感受和需要，使立脚点移动作画，把见得到的和见不到的景物统统摄入自己的画面。这种透视的方法，叫做散点透视或多点透视。如我们所熟知的北宋名画张择端的《清明上河图》，用的就是散点透视法。 《清明上河图》反映的是北宋都城汴梁内外丰富复杂、气象万千的景象。它以汴河为中心，从远处的郊野画到热闹的“虹桥”。观者既能看到城内，又可看到郊野；既看得到桥上的行人，又看得到桥下的船；既看得到近处的楼台树木，又看得到远处纵深的街道与河港。而且无论站在哪一段看，景物的比例都是相近的，如果按照西洋画焦点透视的方法去画，许多地方是根本无法画出来的。这是中国的古代画家们根据内容和艺术表现的需要而创造出来的独特的透视方法。 用笔和用墨，是中国画造型的重要部分。用笔讲求粗细、疾徐、顿挫、转折、方圆等变化，以表现物体的质感。一般来说，起笔和止笔都要用力，力腕宜挺，中间气不可断，住笔不可轻挑。用笔时力轻则浮，力重则钝，疾运则滑，徐运则滞，偏用则薄，正用则板。要做到曲行如弓，直行如尺，这都是用笔之意。古人总结有勾线十八描，可以说是中国画用笔的经验总结。而对于用墨，则讲求皴、擦、点、染交互为用，干、湿、浓、淡合理调配，以塑造形体，烘染气氛。一般说来，中国画的用墨之妙，在于浓淡相生，全浓全淡都没有精神，必须有浓有淡，浓处须精彩而不滞，淡处须灵秀而不晦。用墨亦如用色，古有墨分五彩之经验，亦有惜墨如金的画风。用墨还要有浓淡相生相融，做到浓中有淡、淡中有浓，浓要有最浓与次浓，淡要有稍淡与更淡，这都是中国画的灵活用笔之法。由于中国画与书法在工具及运笔方面有许多共同之处，二者结下了不解之缘，古人早有“书画同源 ”之说。但是二者也存在着差异，书法运笔变化多端，尤其是草书，要胜过绘画，而绘画的用墨丰富多彩，又超过书法。笔墨二字被当做中国画技法的总称，它不仅仅是塑造形象的手段，本身还具有独立的审美价值。 中国画在敷色方面也有自己的讲究，所用颜料多为天然矿物质或动物外壳的粉末，耐风吹日晒，经久不变。敷色方法多为平涂，追求物体固有色的效果，很少光影的变化。 以上中国画的特点，主要是对传统的中国画而言。这些特点，随着时代的进步，艺术内容和形式不断向前发展变化。特别是五四运动之后，西洋画大量涌入，中国画以自己宽阔的胸怀，吸收了不少西方艺术的技巧，丰富了中国画的表现力。但是，不管变化如何，中国画传统的民族的基本特征不能丢掉，中国画的优良传统应该保持并发扬光大，因为中国画在世界美术领域中自成独特的体系，它在世界美术万花齐放、千壑争流的艺术花园中独放异彩。中国画是我们民族卓越才能和辛勤劳动的结晶，是我们民族的宝贵财富.
浅谈原始艺术对现代绘画艺术的影响 摘要：原始艺术是艺术史的开端，它的造型语言古老，朴拙，抽象，充满神秘的魅力，让人们好奇和向往，尤其对现当代绘画艺术产生了重要影响。不论从形式语言还是精神内涵上，原始艺术都给我们现当代艺术创作与发展提供了灵感和启发，包括野兽派、立体主义，中国画艺术等，他们都在用自己的方式重新演绎原始艺术精神。 关键词：原始艺术；现代艺术；岩画；水墨画 随着考古学和科学技术的发展，越来越多的原始艺术呈现在人们眼前，引起人们广泛的兴趣。原始艺术是人类最初的思维活动，经过漫长的发展，它的艺术特色鲜明，形成了独有的原始语言，不论从形式还是精神上，对各个时期的艺术影响都非常巨大。本文将从原始艺术的特点，对现当代艺术的影响，艺术创作应怎样融入原始艺术精神为切入点进行探讨。 一.原始艺术的特点 “原始”这个词最早出现于19世纪的一个术语，是19世纪初至二十世纪末流行的一种艺术趋势。原始艺术形成于人类早期发展阶段，它最大的特点是史前艺术与现代社会文
明程度平行发展，对西方传统艺术的创新起到了革命性的颠覆作用。原始艺术普遍具有粗犷，质朴，单纯的特点，充满了野性和生命力，有着极其简洁的线条和浑然天成的色彩，不讲究构图和立体，无论哪一个事物，他们都从它最具有特性的角度去表现，感性的积淀是原始艺术最本质的东西。由于感性大于理性，精神盖过物质，它便古拙，纯粹。古代和现代的各种艺术都是在原始艺术的基础上发展而来的，不同地区呈现不同的特点，人和自然的和谐统一是其最大的共性。 二.原始艺术对现当代艺术的影响 原始艺术可以称得上是西方现代艺术的“范本”。西方的艺术自古希腊到19世纪上半叶，基本上是亚里士多德提出的“模仿论”占统治地位，一直到20世纪初，人们开始把直接表现自然形态转化为通过艺术家的大脑展现艺术形态。一方面，从各个民族，各种艺术类型相互借鉴；另一方面，回归历史，学习研究艺术的起源――人类童年的艺术。原始岩画带给艺术家们新的造型形式语言，打破了传统的三维空间，抛弃了理性的焦点透视，把富有立体感的画面变成了一种平面装饰。法国19世纪末出现的“野兽派”就是深受原始艺术影响的结果。西方现代艺术的奠基人塞尚、高更、梵高、马蒂斯等均受原始艺术的影响，从中吸取营养，激发
张僧繇的绘画特点论述 关键词：绘画创造性没骨疏体 摘要：“不过从画面上看。张僧繇的画貌并不明显，张氏绘画的很多精妙技艺，像点曳斫 拂、简笔、凹凸法都无从辨识。只是画神人之体态、面目、衣饰倒还有僧繇‘诡状殊形’、‘奇形异貌、殊方夷夏，皆参其妙’的特色。” ——《中国书画名家精品大典》 张僧繇是南朝梁时代时绘画成就最大的人。擅写真、顼道人物，亦善画龙、鹰、花卉、山水等。擅作人物故事画及宗教画，时人称为超越前人的画家。”的作品有《二十八宿神形图》、《梠武帝像》、《汉武射蛟图》、《吴王栠武图》、《行道天王图》、《清溪宫氠怪图》、《摩纳仙人图》、《醉僧图》等，分别著录于《宣和画谱》、《历代名画记》、《贞观公私画史》。已无真迹流传，仅有唐代梁令瓒临摹他的《五星二十八宿神形图卷》还流传在世。“不过从画面上看。张僧繇的画貌并不明显，张氏绘画的很多精妙技艺，像点曳斫拂、简笔、凹凸法都无从辨识。只是画神人之体态、面目、衣饰倒还有僧繇‘诡状殊形’、‘奇形异貌、殊方夷夏，皆参其妙’的特色。” ——《中国书画名家精品大典》他曾在建康一乘寺门上用天竺（古印度）画法以朱色及青绿色画“凸凹花”，有立体感。姚最《续画品录》中说：“善图塔庙，超越群工。据传他又创造了一种不用轮廓线的“没骨”法，全用色彩画成，改变了顾陆以来的瘦削型的形象，创造出比较丰腴的典型，画人“面短而艳”。”张僧繇的“疏体”画法，至隋唐而兴盛起来。后人论其作画用笔多依书法，点曳斫拂，如钩戟利剑，点画时有缺落而形象具备，一变东晋顾桤之、南朝宋陆探微连绵循环的“密体”画法。后人
将其画法与唐吴道子并称为“疏体”。顾、陆及以前的中国人物画表现都是通过线条来完成，线条的完美是画面成功的《五星二十八宿神行图》唯一保障，这种状况到张僧繇时逐渐发生了变化，线条是画面完成的重要因素，但不起决定作用。画家已不满足于仅仅通过“连绵不断”的周密线条所达到的“精利润媚”效果，而是要创造性地采用新的方法。《历代名画记》卷二载张僧繇潜心揣摩卫夫人书法，“点曳斫拂”依卫夫人《笔阵图》，“一点一画，别是一巧，钩戟利剑森森然”。张僧繇引书法用笔中的“点、曳、斫、拂”等方法入画，这大大丰富了中国画的技法，同时也给画面带来了新的形式。从此，一种新的双向论画规范建立了，它是对以前绘画原则的丰富与拓展：“若知画有疏密二体，方可议乎画”，这种新原则、新规范的确立，张僧繇功不可没。张僧繇对绘画的另一大贡献是吸收天竺佛画中的“凹凸花”技法。所谓凹凸画法，就是现在所说的明暗法、透视法，这在中国本土绘画中是没有的，这种方法对于形体的空间塑造有很大帮助，能使画面具有立体感，收到逼真的效果。大竺的凹凸画法传入，与印度佛教在汉末进入中国，至梁佛法大兴有关。佛教兴盛，同时输入的佛经图像被大量转释、翻摹。张僧繇作为一个高超的佛画家很快便注意到了天竺绘画这一神妙之处，而加以吸收，从而为中国人物画的发展增添了奇光异彩。张僧繇所画佛像“面短而艳”的“张家样”式，是与其他人物画大家进行区分的明显标志。在此以前张怀瓘就认为：“张得其肉，陆得其骨，顾得其神”。“得其肉”即指僧繇之画，人物形体丰腴美艳，这种形象的出现与整个社会的审美风尚转变密切相关。只是画神人之体态、面目、衣饰倒还有僧繇“诡状殊形”、“奇形异貌、殊方夷夏，皆参其妙”的特色以张僧繇为代表的“面短而艳”人物造像风格，在齐梁间逐渐取代以顾、陆为代表的“秀骨清像”风格，到南朝后期已盛行于大江南北。但从美术史的角度考察，这仍是一个形成的基础期，真正的繁荣昌盛，在艺术上达到顶峰当在唐代。丰满艳丽、雍容华贵的泱泱大唐风范才是这一风格的成熟形态。是否可以说，没有张僧繇“面短而艳”的人物造像风格的奠定，就不可能达到唐朝雍容大度、丰满健康、蓬勃向上的人物造像顶峰。 其中所传达的审美判断，正是时代审美特征在绘画上的具体表述，不应当轻率地将它们视为无稽之谈。他继承了顾悄之所提出的“传神论”，他把“阿堵传神”的具体理论用在了一切绘画形象的创造中。如果说顾恺之在强调“阿堵
美术创作活动形式及方法 一、绘画类 （一）刮纸画（蜡画） 1、材料：画纸（粗糙，较为厚，磅数较重的白色画纸），油画棒(或者蜡笔)，尺子，废旧圆珠笔芯，牙签，毛衣针（后四种材料任选其一）等。 2、步骤： （1）选用用鲜艳的颜色的油画棒，比如：红、黄、蓝、绿、橙（颜色较为鲜明）等，可以有规律也可以无规律地平涂画面，不建议重叠色彩。直到画面全是色彩，把原来纸的白色面颜色覆盖住。 （2）选用黑色、紫色、深蓝色(建议黑色最好)，把刚才的第一层颜色完全覆盖住，直到看不到刚才平涂的第一遍的彩色颜色(全是黑色)。 （3）选用尺子，废旧(不出色)的圆珠笔心在画面上作画(刮掉黑色，显出第一层的颜色)，注意线条的粗细变化。 3、图片 P．S：若有画错，黑色就是橡皮，把画错处用黑色平涂掉，重新再画。 （二）色粉画（粉化，粉笔画） 1、材料：画纸（适应各种质地的纸张），色粉笔，布条（或者卫生纸），砂纸。 2、步骤： （1）选用一种或多种颜色的色粉笔，在画纸上绘出各种图案，画满整张图纸。 （2）选用布条在刚才绘制的图案或线条上来回揉拭，使其变得柔和或者模糊，注意虚实变化。 3、图片 P．S： （1）部分图案可以将色粉笔用砂纸磨成粉末，吹至纸上，加以揉拭。 （2）可以直接将砂纸作为画纸，直接作画。 （三）水粉画 1、材料：画纸，清水，水粉颜料，水粉笔，调色板，树叶（若干），滚珠（若干），玩具小车（大小均可，不要过大），纸巾，木板等。 2、步骤： （1）选用一种或多种颜料加少量清水，用水粉笔在调色板上逐一调制均匀。 （2）在画纸或者木板上（多种材料可做底板）随意作画，直至纸面颜色铺满即可。 3、图片 P．S： （1）选用一片及多片树叶，任选一面均匀抹上颜料（颜料稍薄），映在画面上，以展现其本身纹理。 （2）选用多颗滚珠，在其表面均匀抹上颜料，放在画纸上，让其在纸面上自由滚动出轨迹，
浅谈美术之“美” 对于一个绘画者，别人评价“画技”如何，也许只指绘画技巧。如 果别人评价“水平”如何，这“水平”二字就不止是技巧，更多的包括绘 画者的作品面世之后所引起的效应。当然，作品的面世效应还是起源于技巧，没有绘画技巧就谈不上绘画，也就无从谈起绘画者的意识和情感。这里先从技巧说起。在商业社会中，浮躁和投机的急功近利像苍蝇一样盘旋于当代艺术的各个角落，形成了庸俗文化、流行文化，在这样的背景下，潜心于绘画技巧的艰苦磨炼应该视作是成功之母。一分耕耘一分收获，一个绘画者，首先应该是一个绘画技巧的纯熟掌握者。 素描，是为正确地理解形体，也可以说是为了造型的方便，在特殊情况下，暂时避开色彩，用单色来塑造形体。素描是引导和锻炼初学者正确地观察形体和理解形体，并准确地将其描绘下来。理解物体的结构，打准轮廓，校正比例，掌握动态，刻划细部，这些都是造型的一般规律。色彩是绘画的重要因素，是绘画者传递感情的手段，正确地观察色彩，熟练地调配色彩，才能艺术地表现色彩。简单地说，要根据客观的色彩作为表现的依据，通过绘画者的感受和想象，用简练概括的笔调，强调鲜明生动的感受，加入你自己的想象，剔除那些重复繁杂的成分，从而使色彩更为鲜明生动。 这里说到色彩，并不是原模原样地照搬物体色彩，即把色彩归入绘画者的纯技巧，也不是一成不变地给物体“照像”，这里所说的“感受”、“想象”以及“剔除”已经加入了绘画者的主观因素。既然是造就艺术品，
首当其冲是绘画者的主观功能。可以说客观世界是冷漠的，只有通过绘画者的主观创造才可以注入温热。真实的一盘苹果和画上的一盘苹果，同时放进展厅，真实的苹果也许可以刺激看者的肚腹，而画上的苹果却能够引动观看者的轰然，引发观看者审美意识的飞翔，还可以引发观看者的探究心理。观看者流下的不仅仅是口水，画幅上色彩的跳跃、结构的虚实，甚至可以引发人们的呐喊，这就是艺术的魅力了。 办一个展览，绘画者与参观者虽然未曾见面，然而通过作品，绘画者与参观者却能够达到心灵的息息相通。绘画者的悲凄、哀伤、郁闷、愤怒、欢乐以及心灵的飘洒逸然，都能够通过作品传达给参观者，从而引起共鸣，这是造型艺术的功能。有人这样描述：“如果把造型艺术作品比作一面镜子，那么镜子里的映象就是创作者的意识和情感的投入，欣赏者可以从艺术作品这面镜子里获得映象所传递的信息，即艺术家创作中的意识和情感信息，从而受到一定的艺术感染。也就是艺术形象信息在审美主体意识和情感上的感应作用，使艺术家和欣赏者之间达到心理沟通。 作为绘画者，当是造型者，根本责任在于在自己的作品中注入独立的创新的意识和情感，才能够感动你的作品参观者；如若你的作品本身就清淡如水、轻薄如纸，要叫你的参观者喟叹不已、心神动荡是不可能的，正如民谚所说：打铁先得自身硬。为什么一幅好的艺术作品越看越爱看，越看越觉得美？为什么一首动听的乐曲会使我们激动万分、难以忘怀？是因为画家和音乐家把情感倾注于作品之中，通过自己的思想情感以心造境、以手运心，借景抒情，达到情景交融的美
浅谈禅宗思想与中国绘画艺术观念的构建 摘要：禅宗思想对中国传统文化的影响，在美术创作上体现为直接参与构建了中国传统艺术审美的思想体系。现当代，经过对20世纪初新文化运动全盘西化和“85新潮”激进美术运动的反思之后，艺术界出现的“新文人画”现象，实质上是对全盘西化和激进美术运动的反拨，预示着艺术审美思想向传统文化回归的精神诉求。 关键词：禅宗中国画艺术审美 一、禅宗思想对构建传统艺术审美的意义 中国封建理学与禅宗思想对待个体生命意义的自由意识，有着两种不同的学说。存天理灭人欲，天理高于一切，人欲不可违背是理学家回避“自由”问题的一贯主张。而禅宗思想却正视个体生命的不自由问题，认为人生的自由存在于不自由之中，解脱之道即在由迷而悟之中。“悟”是自由与不自由的界限，超越了这个界限人生就达到了自由的境界即“涅檠”。禅宗精神就是超越现实的物质和精神束缚，追求现实生活之外的空灵与思想自由，从而获得精神上的满足。因而，禅宗有别于儒学的特殊思想魅力也就由此形成。 一方面，禅宗“众生平等”、“无凡圣”等否定权威的平民化思想倾向，受到广大寒士阶层的推崇。而另一方面，禅宗却不否定现存的社会秩序，只是强调个体生命存在的个人主义思想，具有非群体化、非政治化的倾向，是悲观哲学，是幻想破灭的产物，比较符合旧时代个人意识相当发达、对现存社会高度敏感的知识分子士大夫被挤压、难以自我主宰的心理感受。这些知识分子士大夫为寻求自救，找回个体的生命自由，希望通过“修持”在无自由的现有社会压迫下求得心理解脱和精神释放。 被理学思想规范着的封建士大夫，理性上无力也根本无心与封建秩序对抗。而主张不触动现有秩序的禅宗精神，正好符合士大夫的要求。禅宗的核心“悟“在形式和作用上与艺术审美最为接近。因此，士大夫尚保存的对自由的本能追求，都大量转入艺术审美方面，直接从艺术活动中来体会自由经验，使禅宗在封建时代，成为艺术家的哲学，较之儒学和道学也最富于艺术精神。 禅宗的出现直接带动了审美思想的发展，并且渗入到具体的艺术创作中，尤其是对纯粹美的发现，对中国式的“气韵生动”的发现，以及对形成人与自然融合之艺术精神体系的重大影响。换句话说，即禅宗思想对中国绘画和重构艺术
浅谈艺术创作方法 浙江科技学院艺术学院服设081，洪艳 一，艺术的创作方法 艺术的创作方法是指艺术家在创作过程中，对主体思想感情和客观生活的关系所持的基本态度和所遵循的基本原则。它是在艺术思维重要遵循的最一般的原则，也是艺术表现中所遵循的最一般的方法。创作中的主体思想感情和客观生活本是不可缺少的两个方面。持冷静，客观地观察和体验生活的艺术家，便有可能偏重对从实际生活中得来的诸多表象进行写实的提炼，概括和描绘，这是现实主义的创作态度和原则：有的艺术家则是偏重主管的思想感情和理想的抒发，热情奔放，想象新奇，这就构成了浪漫主义的创作态度和原则。 二，艺术创作方法的主要类型 （一）现实主义 现实主义又译写实主义，一般被定义为关于现实和实际而排斥理想主义。不过，现实主义在博雅人文（Liberal Arts）范畴里可以有很多意思（特别是绘画、文学和哲学里）。它还可以被用于国际关系。 在艺术上指对自然或当代生活做准确、详尽和不加修饰的描述。现实主义摒弃理想化的想像，而主张细密观察事物的外表，依据这个说法，广义的写实主义便包含了不同文明中的许多艺术思潮。 在视觉艺术和文学里，现实主义是一个19世纪的一场运动，起源于法国。 现实主义的理论涵义 现实主义经过泰纳、恩格斯、别林斯基直至20世纪卢卡契等理论家的发展和巴尔扎克、托尔斯泰等伟大作家的文学实践达到高潮。现实主义理论日趋完善，形成一套完整的话语成规。它包括以下层面的涵义： 第一，真实客观地再现社会现实，这是现实主义术语的最根本的意义。 第二，广为人知的典型理论。
第三，历史性的要求。 1、绘画上的现实主义 兴起于19世纪的欧洲，又称为现实主义画派，或现实画派。 这是一个在艺术创作尤其是绘画、雕塑和文学、戏剧中常用的概念，更狭义的讲，属于造型艺术尤其是绘画和雕塑的范畴。无论是面对真实存在的物体，还是想象出来的对象，绘画者总是在描述一个真实存在的物质而不是抽象的符号。这样的创作往往被统称为写实。遵循这样的创作原则和方法，就叫现实主义。与现实主义（或者大致可称为具象主义）相对的概念是抽象主义。人们借由感官知能接收讯息，加以分析组织，以自然为题材(例如自然风景或时事议题)用任何技法将其具体表现出来，但也因生长环境及认知不同，产生不一样的经验，这种组织过后的观点差别，让同个题材的作品有不同呈现。 最著名的写实主义画家是库尔贝，他反映底层人民的生活，如“碎石工”。 《碎石工》库贝尔 2、文学上的现实主义 现实主义是文学艺术的基本创作方法之一，其实际运用时间相当早远，但直到19世纪50年代才由法国画家库尔贝和作家夏夫列里作为一个名称提出来，恩格斯为“现实主义”下的定义是：除了细节的真实外，还要真实的再现典型环境中的典型人物。（1888年4月初致玛·哈克奈斯信）
中国美术鉴赏结课论文人之所以不同于其他生物，其很大一部分原因就是人能思考，思考能带给我们科技，而更重要的，思考也带给了我们艺术，艺术赋予了我们生活魅力，抒发了我们心中的情感，传递了我们心中的思想。而艺术有很多种，看到的图画，听到的音乐，读到的文字，等等，而眼看，实际上是了解万物最基本，最直接的方法。作为一名大学生，不得不说我对艺术的了解实在是太贫乏了，所以选课之初，趁着这个机会，选了这门中国美术鉴赏，希望我对艺术能有体会了解。 中国美术的确很特别，其表现主要在于线条，在于布局，在于意境，这恐怕是其他所偶国家所不能比的，看似简简单单的几笔，画家却能够用远近呼应、以动衬静等手法将人物、山水表现得淋漓尽致、唯妙唯俏，这也是我们中国古代绘画的精髓所在！ 从远古的陶瓷绘画，到魏晋的墓室彩绘砖，再到隋唐的壁画，个人感觉，相比较于西方油画的死板，我们中国美术讲究的是形散神聚，画家们举手投足之间一挥笔墨，就能表达自己对人物、事物的态度与看法——不论是一种巫术，还是讽刺官僚、表现民生疾苦，抑或是细致刻画某种动物等等。通过这几次选修课，我觉得古代的画家不仅仅是画家，他们往往能够用笔墨批判现实或者是表达某种愿望或抱负，总之，绘画的目的已经远远超越了欣赏，我们能够从众多的绘画之中感受到它们所带来的内涵美、意境美，这也是值得我们去欣赏、去研究的地方！
例如，甘肃出土的魏晋墓室彩绘砖上，《出行图》《屠牛图》都具有一定的意义，都能表达出了墓室画家的一种精神志向。在《屠牛图》图中，牛眼和人的衣服都是红色的，这浓墨重彩的一笔把整幅图点染得意趣盎然、活泼生动。除此之外，这幅图更是表现出了民生疾苦。因为在古代是不允许随便杀牛的，而图中的人杀的恰恰又是一只瘦骨幼牛，可见当时生存环境的艰苦，充分表现出了笔者对当时社会的不满，表达一种心中的怨恨之情。而在《出行图》中，更是显而易见的，笔者讽刺了官僚主义，他呼吁劳动人民觉醒。 又如在我国古代鼎盛的唐朝唐太宗时期，吐蕃势力强势，唐太宗会见松赞干布的场景被阎立本用画笔记录了下来，在《步辇图》中，唐太宗被一群宫女所环绕、包围起来，并且就连座椅都是宫女们抬起来的，这些许表现了阎立本对当时唐太宗、当时整个唐朝的不满与讽刺。 还如，在阎立本的《古帝王图》中，将晋武帝司马炎的性格特点表现得淋漓尽致，肥硕的身躯，凶险耿直的眼神，充满杀气的目光，张牙舞爪的造型，都让我们跟恶人的形象联系在一起。众所周知，在历史上，晋武帝司马炎是一个出名的伪君子，尤其是晚年的司马炎，颓废无比，不理朝政，沉于女色，使朝政紊乱，庸臣当道，种下“八王之乱”祸根。而阎立本的这一幅画，精妙绝伦地刻画出晋武帝司马炎的形象，起到了讽刺的效果。 其实，个人认为，我觉得中国美术是最能彰显我国文化特色的历史产物，我国拥有着五千年的深厚底蕴，这不仅仅包括历史，更囊括