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一。
1955年上海音乐出版社出版了《王建中钢琴作品集》，收集了王建中先生多年来创作的部分作品，《浏阳河》就在其中。
他的作品题材丰富，个性鲜明，风格各异，最具有代表性的是钢琴改编曲。
他非常善于在保留原曲风格的基础上，充分发挥钢琴的表现力，赋予作品更新鲜的音乐语言，挖掘作品更深层次的艺术境界。
（二）作品创作背景作品《浏阳河》本是一首湖南民歌，是词作者徐叔华的歌舞剧《双送粮》中的一段，结合唐壁元创作的《送瓜调》旋律，在创作基础上吸收《孟姜女》的曲调改编而成，作品主要表现浏阳河的壮美景观以及对伟大领袖毛主席的歌颂。
是徐叔华先生在毛泽东主席的指示下创作的，本来歌词只有两段，后来崔文耀希望能够创作八段来表现毛主席八年抗战的艰辛，但是徐叔华在仔细推敲后还是将歌词改为五段。
之所以现在很少有人知道《浏阳河》的词曲作者和当时一些优秀的音乐家，是因为在20世纪70年代左右的文革时期，钢琴早已经被禁止在国内的公开场合进行演奏，一些文艺社团也相继解散，而这些青年音乐工作者也受到了严重的打击，致使整个中国钢琴界也蒙受了巨大损失，钢琴音乐的发展也几乎停滞不前。
随后，钢琴独奏员殷承宗下定决心要找到一条在国内发展的道路，于是就开始在公开场合弹奏一些经典的革命歌曲，并在其中加入了当时流行的京剧曲调，创造出一套独有的演奏方式。
此后由于他创作的《红灯记》和《黄河》在演奏以后受到当时社会的普遍好评，一些作曲家纷纷开始对中国优秀的民歌和具有革命意义的歌曲进行改编，创作出大量优秀的作品，《浏阳河》就是在这个时期被孕育出来的。
之后，唐璧光先生从民间小调《孟姜女》中汲取营养，利用其中的音调因素和旋律特点加以提炼、改造、发展和再创造，写成了后人所熟知的、蜚声中外的《浏阳河》原曲。
该曲具有鲜明的湖南韵味，旋律流畅优美，抒情动听。
整首歌曲通过对浏阳河秀美的景色描写，同时也歌颂了毛泽东主席在领导人民历经千难万险后取得的丰功伟绩，在我国大江南北广为传唱，产生巨大的影响，电台也录音播放。
中国钢琴曲《解放区的天》音乐分析与演奏技巧分析摘要：钢琴曲《解放区的天》创作于上世纪60年代，是著名华裔钢琴家储望华先生的代表作之一。
它根据同名歌曲改编而来，音乐风格清新明快、旋律调式简洁新颖，充满着浓郁的乡土气息，备受广大群众喜爱。
本文中笔者就从作品的概述、本体分析、演奏技巧等三方面详细分析这一作品的创作手法，以供同行参考。
关键词：《解放区的天》；音乐分析；演奏技巧引言钢琴曲《解放区的天》就是由民歌《解放区的天》和《咱们领袖毛泽东》这两首民歌综合借鉴改编而来，在乐曲三部曲式结构中，我国民族民间音乐的节奏、曲调等元素被广泛采用。
钢琴版《解放区的天》在继承原版民歌特色与曲调的基础上，融入了古典钢琴演奏技巧，将中国传统的五声调式与西洋钢琴结合，将钢琴演奏技巧与民族的感情融为一体，这首钢琴曲无论是从音色腔调，曲式结构，演奏技法，都达到了较高的艺术水准。
这首曲子不仅仅是音乐意境美之外，更多的是民族音乐的传承，这也是中国钢琴曲创作总指导的思想，才能得以长远发展。
一、储望华生平及创作特征（一）储望华生平储望华，1941年9月21日出生于湖南蓝田。
他的父母曾出国留学，出生在这样一个人杰地灵的地方，这样一个书香门第，储望华从很小就受到很好的教育熏陶，而且父母在他的教育上特别重视。
而储望华在很小的时候在音乐方面就展现出过人的才能，而且他特别热爱音乐，这样得天独厚的条件使他在11岁的时候就考上了中央音乐学院附中，主修钢琴。
进一步的学习，使储望华的音乐才能得到了更大的提高，他在学习之余，经常给一些大家耳熟能详的歌曲配上和声或者是钢琴伴奏，得到了大家的肯定和好评。
这种业余兴趣为他以后作曲打下了坚实的基础。
储望华对于音乐可以说是痴迷程度，为了创编音乐他可以一直研究，尤其是对于中国钢琴音乐的创作，储望华更是投入了很多的精力。
储望华的作品元素大多数源于传统的民族音乐，他将这种元素融入到了自己的钢琴曲创作中，使得原本是西方的钢琴曲变得有了民族特色，这种创新的风格是中国钢琴音乐上一笔宝贵的财富。
为作品标题进行音乐创作的形式，更加能够表达作曲家的想法，李斯特也曾指出，标题音乐是为了表现作曲家当下的精神状态以及对作品想要表达的思想内容。
李斯特还表示，标题音乐是时代发展的产物，标题音乐可以让观众不用猜想作品内涵，音乐的标题已经表现了作品的含义。
是的，标题音乐的标题可以让观众对于作品内容的把握更加精准，并且因为观众已经看到了作品的标题，这对他接下来欣赏表演具有心理暗示的作用，所以这样做，更有利于使作品的演奏获得成功，在演奏者进行弹奏时，观众在潜意识里已经跟音乐进行了一个交流，如当你看到标题：山西民歌《闹元宵》时，在器乐演奏前，你就已经猜想到这首作品会是一首欢快热闹喜庆的作品，这就是一个很好的心理暗示，这也增强了欣赏者和演奏者的想象力。
标题音乐是与纯音乐相对应的存在，纯音乐，即为无标题音乐，或被称为绝对音乐。
标题音乐的描绘性和抒情性都是其美学涵义，标题音乐对于实现作品风格的统一具有推动作用。
这部组曲也使用了标题创作手法，以（河北民歌）“燕赵故事”、（云南民歌）“云岭素描”、（陕西民歌）“黄土悲欢”、（四川民歌）“巴蜀山歌”、（江苏民歌）“江南雨丝”和（山西民歌）“太行春秋”这六个地区的代表民歌为参照，使用了诗情画意的标题，如蜻蜓点水般把各地区音乐的风格以及特色表现得恰到好处，更让大家对每个地区的民歌创作与演奏产生了兴趣，鲍元恺先生曾讲到，这六个省的标题只是行政区概念，与文化无关，更没有什么高低好坏之分。
这种富有诗意的标题创作手法，符合中外文学的审美范畴，它把各组曲的情景描绘得恰到好处。
（二）具有传统乐曲的线性思维由于我国音乐发展内容与西方不同，中国传统音乐多以民族五声调式为基准进行创作，后又增加了清角和变宫成为民族七声调式，朱载堉又在17世纪发现了十二平均率。
所以，中国没有西方科学的和声应用和调式调性理论，记谱法和作曲方式也不相同。
欧洲随着记谱和音乐的发展，大多使用五线谱进行记谱并使用大小调和声体系规定调式调性，而中国传统音乐确实没有太强的记谱意识，尤其以民间民俗艺术为突出，多是以师傅教徒弟的方式进行教学，而中国传统音乐使用口传心授的方式进行传授和继承，纵观中国传统音乐的历史，留下谱子和作曲家的例子着实不多。
广西壮族民歌音乐元素改编的钢琴作品演奏与教学广西壮族民歌是中国民歌中的重要组成部分，其独特的音乐元素和鲜明的民族特色使得它备受人们喜爱。
近年来，随着民族音乐在现代音乐中的影响日益增强，广西壮族民歌音乐元素也被引入到各种音乐作品中。
本文将探讨如何将广西壮族民歌音乐元素改编为钢琴作品，并进行演奏与教学。
一、广西壮族民歌音乐元素概述广西壮族民歌是壮族文化的重要载体之一，其音乐元素包括独特的旋律、节奏和歌词。
旋律多以自然、生活和情感为题材，富有深厚的民族特色；节奏则常采用原始的打击乐器表现，具有强烈的节奏感和动感；歌词则多以壮族特有的语言为载体，表达对生活、情感和民族文化的思考。
这些音乐元素使得广西壮族民歌成为了具有独特魅力的音乐形式，深受人们的喜爱。
钢琴作为西方音乐中的主要乐器之一，具有广泛的音域和表现力，能够很好地表现不同音乐元素。
将广西壮族民歌音乐元素改编为钢琴作品是一种很好的创新方式。
在改编过程中，可以保留原有的旋律、节奏和情感特点，同时通过钢琴独特的表现手法来展现出新的艺术魅力。
可以利用钢琴的和弦、音阶、颤音等手法来表现原曲中的旋律和情感，同时通过速度、音量、重音等手法来表现原曲中的节奏和动感。
这样，就可以将广西壮族民歌音乐元素与钢琴的表现方式相结合，创作出新的钢琴作品，使得广西壮族民歌音乐元素在现代音乐中得到了新的发展和传播。
对于广西壮族民歌音乐元素改编的钢琴作品，演奏是其重要的一环。
在演奏过程中，演奏者需要充分理解原曲的音乐元素，用心去感受和表现其中的情感和特色。
演奏者要准确把握原曲的旋律和节奏，将其呈现出来。
演奏者要通过音色、速度和力度的变化，表现出原曲中的情感和动感。
演奏者要对钢琴演奏技巧有较高的要求，能够熟练运用各种手法来表现原曲中的音乐元素，使得演奏更加准确、生动和感人。
通过这样的演奏，可以使广西壮族民歌音乐元素改编的钢琴作品得到更好的传播和认可。
以上就是关于广西壮族民歌音乐元素改编的钢琴作品演奏与教学的探讨。
前言中国的民歌瀚如烟海，脍炙人口的优秀民歌也有几百首之多，但在世界上。
最为人们熟悉、在西方流行最广泛、最有影响力的恐怕当属《茉莉花》。
她以清幽、秀丽、委婉的旋律打动了我们中国人，甚至是全世界人民的心。
意大利著名作曲家普契尼被她打动了。
在他的歌剧《图兰朵》中用了这首中国民歌。
使她得以在世界范围内流传。
1982年，联合国教科文组织把这首《茉莉花》选为中国优秀民间歌曲之一，向世界各国人民介绍，进行文化交流。
而由储望华先生改编的钢琴独奏曲《茉莉花》则再一次让人们感受到她的魅力，在2003年6月的悉尼首演，因其特有的东方神韵，一枝独秀，获得了听众经久不息的热烈掌声。
一·乐曲分析(一）情感分析钢琴独奏曲《茉莉花》是储望华先生于2003年5月根据江苏民歌《茉莉花》创作的。
《茉莉花》产生于明末清初，是流行全国各地的民间歌曲，距今约有300年的历史。
最早的时候叫《鲜花调》，有各种各样的变种。
其中以江苏的《茉莉花》传播最广，最具代表性，由于受当地语言和文化特征的影响，它的旋律委婉，生动流畅，感情细腻，结构严谨。
《茉莉花》属于民歌体裁中的小调。
小调的旋律风格总体而言比较流畅温润，柔和抒情，恰似山谷中涓涓流淌的小溪，虽不张扬却充满内在的张力，而这种内在的张力是很适合用钢琴来表现的。
钢琴的力度对比，表现形式的多样性，可以很好的表现出这种内在张力，而不突兀。
钢琴曲《茉莉花》全曲以江苏民歌《茉莉花》的原歌词作为情感表达的起点和归宿。
原歌词如下：好一朵茉莉花，好一朵茉莉花，满园花草，香也香不过它；我有心采一朵戴，看花的人儿要将我骂。
好一朵茉莉花，好一朵茉莉花，茉莉花开。
雪也白不过它；我有心采一朵戴，又怕旁人笑话。
好一朵茉莉花，好一朵茉莉花，满园花开，比也比不过它；我有心采一朵戴，又怕来年不发芽。
通过歌词我们可以看出这是一首情歌，通过赞美茉莉花，含蓄地表现了男女间淳朴柔美的感情，而茉莉花是东方花卉的象征之一，所以钢琴曲《茉莉花》则是描绘了一个发生在满园花开的东方庭院中的恋爱故事。
论中国钢琴组曲《滇南山谣三首》的艺术特色和演奏技巧1. 引言1.1 介绍《滇南山谣三首》《滇南山谣三首》是中国著名钢琴作曲家谭盾创作的一部钢琴组曲，共分为三首乐曲，分别为《山歌》、《竹林》和《山水》。
这部作品结合了中国南方山区地域特色和民间音乐元素，展现了滇南地区的山水风情和民俗文化。
作品整体氛围清新、优美，充满着浓厚的乡土气息和诗意情怀。
《滇南山谣三首》的每一首乐曲都具有独特的艺术特色和表现手法。
第一首《山歌》以其抒情性和柔美的旋律令人心旷神怡，仿佛能听到滇南山区的山间歌声。
第二首《竹林》则展现了竹林幽静清新的意境，让人仿佛置身于一片翠绿的竹海之中。
第三首《山水》通过雄壮的旋律和悠扬的音调，展示了滇南山水的壮美气势和恢弘景象。
在演奏《滇南山谣三首》时，演奏者需要注意把握好每一首乐曲的情感表达和音乐情绪，注重在细节处展现出作品的特色。
演奏技巧方面，需要注重手指的力度和灵活度，同时要注意控制音色和节奏的变化，以呈现出作品的精彩魅力。
《滇南山谣三首》是一部集山水风情和民间乐曲元素于一体的优美钢琴组曲，具有深厚的文化内涵和独特的艺术魅力。
演奏者在演奏时要注重情感表达和细节处理，以更好地展现出作品的魅力和韵味。
【内容结束】1.2 概述艺术特色和演奏技巧《滇南山谣三首》是中国钢琴组曲中的一部分，充满着浓厚的民族风情和地域特色。
这部组曲共包括三首曲目，每首曲目都展现出独特的艺术特色和演奏技巧。
在演奏《滇南山谣三首》时，演奏者需要从音乐中感受到南方山水的柔情与壮美，将其表现出来。
这部组曲的艺术特色主要体现在其独特的音乐风格和情感表达上。
每首曲目都描绘了不同的场景和情感，展现出山水之间的变幻和韵味。
第一首山歌展现出抒情的情感，优美的旋律和流畅的音符传达出深情的情感。
第二首竹林则展现出清新的感觉，如行走在竹林间般的轻松和自在。
第三首山水则展现出壮美的气势，宏大的音乐构思和强烈的情感表达带给听众震撼与感动。
在演奏技巧方面，演奏者需要注重音色的控制和音乐表达的细腻。
江西民歌元素与钢琴音乐创作的艺术融合探析摘要：改编曲作为钢琴曲创作的一种常用的形式，在西方钢琴音乐中占有较大份额，民歌钢琴改编曲是我国钢琴音乐发展过程中必不可少的重要内容，通过不同程度的改编与创作，民歌旋律与钢琴完美结合，使得广为流传的民歌旋律经久不衰，亦使钢琴音乐更加丰富多彩。
本文以江西民歌钢琴改编曲《变奏曲》为例，研究江西民歌改编钢琴作品的风格特征，探析江西民歌元素与钢琴音乐创作的艺术融合。
关键词：江西民歌；钢琴音乐创作；艺术融合一、《十送红军》的曲式特点电视剧《长征》在我国范围内成功的首次播出之后，江西民歌也掀起了属于自己的热潮，剧中的江西民歌《十送红军》旋律婉转、缠绵，给听众一种荡气回肠的感觉，这也是江西民歌在演唱过程中所呈现出的主要风格特点。
《十送红军》是从江西民歌《送郎歌》中演变而得的一种革命题材类歌曲。
它最开始是在上世纪六十年代创作的，在某次歌舞剧“革命历史歌曲表演”第3场中在北京演出，后获得了广大百姓的热烈欢迎。
该歌曲是在1962年正式推出，后来就有了我们当前广泛传唱的《十送红军》。
该首歌是在民间频繁传唱的“长歌”中加工、梳理而得的。
而这种歌曲，便是江西人民在为自己的友人践行时写下的叙事类曲调。
“长歌”也有《送郎歌》之说，主要是讲述妻子为丈夫送行，难以分割，在送与唱的边缘，展现出万分的愁绪，十分伤感，歌词中还包括各种方言，用作语气助词。
《十送红军》整个曲子采用回旋型方法，让此歌的曲风变得更能让人回味、相互呼应。
利用核心曲调移位变奏与声部流转的模式，来呈现父老乡亲们对红军的送别。
该民歌的核心曲调为六声音阶、徵调式，2/4拍，c调，演唱时基本不快。
该曲由呈示段、拓展段与重现段3段构成了复乐段曲式框架。
这3个乐段间密不可分，接下来的两个乐段均是从呈示段中延伸而得的，所以能够将曲式当做A、A1、A2经常变动的三段式。
每段均有24个小节，所有小节的节奏均十分接近。
这3段都属于方整性的平行乐段，该曲子是收拢性框架。
壮族民歌在钢琴作品中的艺术表现发表时间：2016-12-05T08:47:06.050Z 来源：《文化研究》2016年9月作者：覃也倬[导读] 钢琴曲《壮乡组曲》（倪洪进曲）中的第一首《船从远方来》就是原样采用壮族民歌《船从远方来》的旋律创作而成的。
广西大学摘要：广西是“歌海”之乡，壮族人民善唱歌、爱唱歌。
壮族民歌由历代壮族劳动人民的集体创作，表达了壮族人民的思想、情感、意志及愿望，这是壮族人民的劳动生活智慧的结晶。
现有的壮族民歌风格的钢琴作品具有其艺术魅力，本文从壮族民歌在钢琴作品中的原样体现，变化体现，节奏形态，和声形态，壮族民歌艺术表现等几个方面进行分析研究，这对弘扬民族音乐文化精神具有研究价值和现实意义。
关键词：壮族民歌钢琴在音乐史上，作曲家们用民歌创作音乐是很常见的。
有原样引用民歌，有根据民歌来改编，也有只采用民歌中的某些艺术因素来进行创作，甚至只体现民歌中的一种神韵的创作等。
如俄罗斯作曲家柴可夫斯基曾采用了俄罗斯民歌《孤寂的凡尼亚》创作出著名的D大调第一弦乐四重奏中的第二乐章《如歌的行板》；罗马尼亚著名作曲家艾奈斯库的管弦乐曲《罗马尼亚狂想曲》也采用了民歌的旋律。
我国的许多作曲家采用了壮族民歌因素创作出许多成功优秀的壮族风格钢琴作品中，这说明了民歌是作曲家们创作的重要源泉。
壮族民歌形态在钢琴作品中的体现有以下几种形式。
一、壮族民歌旋律在钢琴作品上的原样体现钢琴曲《壮乡组曲》（倪洪进曲）中的第一首《船从远方来》就是原样采用壮族民歌《船从远方来》的旋律创作而成的。
谱例1从上面谱例上看，钢琴曲的主题音乐采用了整首民歌旋律。
要演奏好这首钢琴作品，首先要理解和掌握这首民歌的艺术内容、情感表现及其艺术风格。
壮族民歌《船从远方来》是一首南路壮歌，它主要表现“情”和“美”，就像壮乡的秀水青山，清新明丽。
它的背景是河岸和船以及壮族歌手及群众。
广西壮乡水源丰富，许多河流、支流围绕在壮乡的大地上，壮族民间歌节及歌唱活动有些就是在美丽的江河岸边上举行。
把握民歌钢琴作品的魅力 【摘要ｊ ｖ＇ｌ中国民歌与钢琴变奏曲作品为主题的音乐作品．融合了民族音 乐与西方音乐技法 民歌主要包括主题、结构思维、音乐文化及音乐发展手 法；西方音乐技法包括了和声、曲式、复调手法等。钢琴作品的“中西融合”， 既是技法的融合、风格的融合，更是文化的融合。如何将民歌发展为钢琴音 乐作品，本文从钢琴作品结构自然美、曲调线性美、技法形式美和融合的情 态美等方面加以阐述 ［关键词］民歌钢琴作品研究
一、
民歌
民歌是指每个民族的传统歌曲，主要以口头传播。它 是劳动人民的智慧创作，在流传过程中不断经过集体的 加工而成。民歌表达了劳动人民的思想、感情、意志、要求 和愿望，具有强烈的现实性，是各民族文艺中的一个重要 组成部分。 从古至今，在每个时代、地域、民族、国家，在不同的 地理、气候、语言、文化、宗教的影响下，都会产生人类自 娱、文化留传或生活实质的表现。其中民歌是包含了人与 社会生活有着最直接最紧密的联系，经过广泛的群众性 的编作、口头传唱而逐渐形成和发展起来，是无数民众的 音乐智慧结晶，具有简明朴实、平易近人、生动灵活的特 点。
二、民歌钢琴的结合发展 钢琴传入中国仅有百余年的历史，在这期间，钢琴的 本土化音乐创作过程中，民族旋律的创作改编占了很大 的部分。上世纪初，随着西方作曲技法以及钢琴等西洋乐 器传入我国，与中国的传统音乐文化发生碰撞、交织及融 合，从而使我国的民族音乐开始了一条新的发展之路。 在专业的钢琴音乐创作中，由于传统音乐文化的影 响，中国作曲家在借鉴西方作曲技法的同时，往往采用五 声性音调。如《中国民歌主题钢琴变奏曲》就是我国作曲 家在“中西”融合之路上的有益尝试。将民歌作为钢琴变 奏曲主题的创作是我国作曲家较早涉及的中西融合的领 域，也是“洋为中用”发展我国民族音乐成功的一面。这种 保留和“再现”原有的民族音乐特色，融入西方作曲方法 的技法，赋予了民族音乐新的活力和感染力，丰富和发展 了我国民族音乐，同时也是中国钢琴音乐对世界音乐文 化的贡献
三、如何把握民歌钢琴作品 １、把握结构的自然美 “物我合一”的审美价值观影响着中国的传统文化。 这种追求自然美的哲学思想可追溯到我国古代的道家哲 学：人、地、天、道在内的一切都取法自然。由于道的本性 是自然无为的，所以美也在于朴素自然。《乐记》中说“乐 者，天地之和”，儒家的“中正平和”、“中庸平和”，道家的
贺丽萍红河学院音乐学院 “恬淡平和”等主张，体现了在自然经济背景下形成的自 然和谐美，具有中国传统美学的特征：统一性和整体性。 因此，中国民歌的结构方式也包含着传统的审美情趣和 习惯，在结构上主要有两点。 （１）、呼应式 呼应是音乐结构中最基本的结构。世间万物都是一 分为二的矛盾体。如生命的基本现象便是呼吸，由呼、吸 矛盾运动构成。音乐结构上的呼应也正是这种矛盾运动 的最基本的体现。这种呼应现象犹如提问与应答，两者相 辅相成或相反相成，互相依附、对立统一。 （２）、起承转合式 该结构形式是源自我国古代四句律诗。起一陈述（呈 示）；承一巩固；转一发展；合一结束。在古诗中的“起、承、 转、合”的侧重点是内容的需要和体现。一般来说，古诗中 的“转部”是诗意的升华：“合部”起画龙点睛的作用。作为 音乐结构，是呼应原则的衍生，其侧重点是一种音乐形 式。 ２、把握曲调的线性美 （１）、调式音阶 “调式，是一切有调性音乐的基础。民间的自然调式， 不是由哪一个人所创造的，而是由不同的民族在长时期 的历史发展进程中，随着整个民族文化的形成并带有标 识意义的重要的组成部分。”五声音阶及以五声音阶为骨 干，七声音阶是我国各种民族调式的基础。在五声调式 中，由于五声音阶中的“宫、商、角、微、羽”在同宫系统中 可“互为主从”，便有了“同宫异腔”；当旋律音阶中缺少角 音时，造成调式模糊；当“宫一角”（大三度音程）关系发生 转移时，便出现“异宫犯调”，如果是近关系转调则后调并 不出现新调号和临时升降号等转调中的独特方式。当这 些转调手法运用到变奏曲中时。使得音乐作品中的调式 音阶、记谱形式呈现出纷繁复杂的现象。 （２）、节奏、节拍 节奏是音乐作品中重要的表现手段，是曲调的“骨 架”。换而言之，曲调脱离了节奏则不成“调”。节奏能赋予 曲调鲜明的性格，如，疏松的节奏一般与宽广的景象联系 在一起；紧密的节奏一般用于表现热烈的场面或活跃的 情绪。节奏作为音乐基本表现手段是与节拍密切联系在
一起的。节拍是按照强弱规律将节奏轻、重、抑、扬组织起 来，以小节为单位来表现。所以说，节拍使节奏具有规律 性、组织性、逻辑性。 ３、把握技法的形式美 中华民族五千年悠久的历史文化一直具有很强的包 容性。不仅融合了我国各民族灿烂多彩的文化，而且对外 来文化也体现出博大的“宽容”和“吸纳”。在中国各民族 之间的音乐交融中，许多现象说明了这一点：如，民歌《小
黄钟丈昌 白菜》在河南、宁夏等不同地的流传，其音乐内容、调式 等方面大致不变，但由于异地的语态、地态环境的变化 导致其旋法的不同，从而其情态（主要指情感、风格）也 随之发生变化。 中国传统的音乐发展手法是相对西方及现代作曲 技法而言。常见的基本表现手法有：重复、顶针、承递、垛 句、叠句、引申、支声复调、反复分裂、旋律对答、拆头和 梅花拆法，这些基本表现手法在中国传统的音乐中主要 运用在旋律的发展上，对这些表现手法的深入研究会使 民歌钢琴作品更加受欢迎。如在《民歌主题与变奏》中， 作曲家将一些手法的使用范围扩大，结合和声、复调作 “立体式”发展，取得较大的成功。 ４、把握融合的情态美 钢琴是演奏多声部音乐的西洋乐器。以中国民歌为 主题的钢琴变奏曲，其风格的体现主要是在曲调和风格 性的和声、复调等结合的多声部音乐之中。而中国传统 的线性思维和对单旋律的审美习惯，即使是合唱、合奏 （传统音乐中）亦有主唱伴唱、主奏伴奏之分。就要求对 这类乐曲的表现要注意从曲调中挖掘其所蕴涵的风格 性因素。西方音乐虽然也讲究旋律的横向发展，而各声 部与旋律是唇齿相依、缺一不可的关系。 （１）、音色的表现 钢琴作品的对象乃是钢琴，对于钢琴的“音色”就从 音区结合钢琴音色的特性和演奏的处理来分析。就乐器 而言，钢琴的音色是单一的，通过不同的演奏法、不同的 触键、不同的踏板用法以及音区、音量等方面的对比。完 全可以产生不同音色的联想。“演奏法、触键”类似于中 国民歌演唱方法中的“润腔”，是对曲调的润饰、烘托、渲 染，以丰富或补充旋律的呆板，使之润色韵味，增强表情 意义，因此，中国的钢琴音乐创作源于中国的音乐传统， 演奏技法的艺术表现也要符合传统的审美习惯。 （２）、力度的处理 力度强弱的不同能使音乐产生对比，具有很强的表 现力。一般来说，乐曲的演奏可根据乐谱的力度标记进 行（要把握好谱面标记与实际演奏效果的关系）。对于多 声部的主调钢琴织体，作曲家在创作乐曲时会根据钢琴 的特性考虑好各声部的力度平衡。然而，演奏也是一种 创作，应该根据乐曲的风格、内容的需要对演奏的力度 进行不同的处理和安排。 最后，对于民歌钢琴作品的理解不但要从形式上 “吃透”它，而且还要从内容、风格等方面去理解民族音 乐题材的精神实质，揭示其深层次的文化。中国专业音 乐要发展、走向世界，在世界艺术之林占一席之地，就应 该根植中国传统音乐文化这块土地上，吸收四面八方的 有益养分，从这个角度说，把握好民歌钢琴作品的研究 将具有十分重要的现实意义。 参考文献 ［１］苏军．陕北民歌地域特色和文化特征［Ｊ］．民族音乐，２０１１，（１）：３７． （２］董维松．论润腔［Ｊ］．中国音乐，２００４，（４）：６４． 责任编辑：翁婷皓 ［摘要］建水紫陶，中国“四大名陶”之一，其烧制技艺被列为国家级非物 质文化遗产，精细繁复的纯手工艺背后，独特的装饰技艺使中国传统书画 更具袁现力．以紫陶为栽体的书画具有别样的立体感和水润感，黑白韵味 十足却不似笔墨渲染．线条纤毫毕现却富于金石之气。也正是因为名家书 画．建水紫陶在陶瓷行列才称得起艺术品．具备艺术价值和收藏潜力，使紫 陶历久弥新焕发光彩 ［关键词］建水紫陶 审美特征 书画装饰 建水县位于云南省南部，建水紫陶，中国“四大名 陶”之一，其烧制技艺被列为国家级非物质文化遗产。 工艺作坊主要集中在离城三里的碗窑村，沿街的经营 普遍是前店后窑的形式，五色陶土产自当地，传统的制 陶程序可粗略划分为选料、制泥、拉坯、绘制、刻填、精 修、烧窑和磨光八个步骤，每个步骤都由专人完成，工 艺精细而繁复。其中“刻胚填泥”和“无釉磨光”当属建 水紫陶装饰最显著的特色，都是围绕中国传统书画的 最终呈现而展开，独特的装饰技艺使书画更具表现力。 建水紫陶装饰技法的最大优势是文人才智和陶工技艺 各取所长，［１］书画家在创作时只是将陶坯当做有别于 纸的一种书画载体，诗书画印一应俱全，布局构图各有 讲究，这一环节完全有别于陶工施釉或用刀刻划的图 案，是点缀装饰与书画创作的本质区别。陶工们的精湛 技艺保证了书画韵味的很好还原，最终是紫陶刻填、修 坯、烧制、打磨等一系列独特的工艺给了书画作品意想 不到的表现效果，其装饰审美也呈现出不同于传统书 画的几点特征。［２］ 特征一：浑然一体却又跃然陶上。如果只是触摸， 陶身不会有任何书画信息传递给你，甚至连青花纹理 那样极其细微的感觉也没有，没有笔墨痕迹，更没有刻 填后留下的一点儿蛛丝马迹，紫陶和紫陶书画浑然一 体。自然纯净的五彩陶泥，质感相同、收缩比相同，自然 造就了陶身和填泥浑然一体的先天优势，细致的工艺 也不会因为刻填而留下缝隙。［３］紫陶填泥很深，除了 防止修坯、打磨等工序可能破坏书画的完整性以外，真 正有中国书画入木三分的功力与气势。不用翻开陶底， 就依然感受得到了。欣赏紫陶书画，我们又会 奇的发 现十分清晰与明朗，那分明是才绘制上去的，笔墨淋漓 尽致，线条纤亳毕现，婉转回肠处甚至还有墨迹，感觉 完全印证了“力透纸背，跃然纸上”的说法，只不过眼前 的材质是陶。紫陶书画没有生宣上的晕染之感，却比在 熟宣上清晰可见得多，跃然陶上却一点儿也不会让人 感觉突兀，虽然有“残贴”、“淡艳”等多种技法的运用， 建水紫陶最常见的书画艺术形式主要是黑色、紫色、红 色陶体白泥装饰，白色陶体青泥装饰，书法也好、绘画 也好都以线条表现，没有浓淡之分，反而更多了一份雅 致和韵味，给人以看似简单实则丰富的含蓄之美。 特征二：相得益彰却又黑白颠倒。建水紫陶质地细
蠢雾
