论述在西方音乐历史中绘画与音乐创作之间的关系并举例说明

浅谈巴洛克时期音乐与绘画的相通性一、引言巴洛克时期在不同艺术领域的美术与音乐两者之间有着密切关系，人们可以从不同画家的绘画中感受到他们当时的音乐。

本文由“巴洛克风格”发轫，尝试通过对巴洛克时期，绘画、音乐的艺术特征及鲁本斯和维瓦尔第作品的探究及分析，以视觉及听觉的延生趋向感觉的综合方式寻求两者之间的暗合。

最后站在音乐的视点上对巴洛克绘画进行再认识。

二、巴洛克的艺术风格巴洛克介于文艺复兴与古典之间的一个过渡时期，艺术产生于16世纪下半期，诞生在罗马，盛于17世纪，18世纪逐渐衰落。

巴洛克（Baroque）一词本义是指一种形状不规则的珍珠，在当时具有贬义，当时人们认为它的华丽、炫耀的风格是对文艺复兴风格的贬低。

巴洛克时期崇尚的美学观点是“情感论”，艺术的目的在于直接引起听众或观众特定的情感。

巴洛克风格打破理性、宁静、和谐，追求一种繁复夸饰、富丽堂皇、气势宏大、富于动感的艺术境界，具有浓郁的浪漫主义色彩，非常强调艺术家的丰富想象力。

注重外在形式的表现，强调形式上的多变和气氛的渲染。

其主要成就体现于作品充满韵律、量感和空间以及立体的丰富变化的效果，充满强烈的动势和生命力。

巴洛克艺术也吸收了建筑、绘画、文学、戏剧、音乐等领域里的一些想象和因素，并将各种不同艺术形式融为一体。

三、巴洛克绘画、音乐的风格特征1、巴洛克绘画的特征巴洛克绘画主要是通过克服16世纪后期的样式主义而发展的，它吸收了写实倾向和一些手法特点，如光暗、色彩、透视等，并配合巴洛克建筑而发展。

注重空间纵深感，“退缩布局”、“开放结构”善用斜线或对角线，强劲的对角线不仅体现在绘画表面，而且向后伸展远方，画面向深景退缩，让人感到空间是无限的。

注重画面空间的立体感、深度感、层次感。

构图中隐含着运动，并有瞬间的效果。

善用动势，表现动势，移动为目的。

人物对比鲜明充满活力，动作显著具有强烈的冲击力，能唤起观众的情感。

伸向地平线的道路，无际天空幻觉的壁画，运用变换透视效果使其变得扑朔迷离，画面充满表现或暗示无穷感，强调光线直射的强光加强了统一性，融合了物体的形状，冲淡了局部的色彩，造成轮廓线模糊，具有整体感。

音乐与绘画间本质上的联系-音乐论文-艺术论文——文章均为WORD文档，下载后可直接编辑使用亦可打印——曾经收看中央电视台音乐频道的访谈栏目《翰墨音缘》，觉得非常有创意，每期邀请一位书画家与一位音乐人畅谈彼此间翰墨与音韵的结缘之路，介绍艺术家们与他们的作品背后的感人故事，从中我们不仅仅了解到艺术家们不同寻常的生活片段，还能感受到很多经典作品的来之不易。

这期节目的创意固然可贵，更可贵的是让越来越多的人了解到音乐与绘画之间的渊源。

如郁钧剑、蒋大为等音乐人也是业余绘画者; 自然也有不少书画家对音乐很精通，比如著名画家靳尚谊，书法泰斗欧阳中石等都是爱好音乐、精通音律之人，这一切都说明音乐与绘画间千丝万缕的联系。

自然他们之间的关系不仅仅表现于此，还在于本质性的特征体现。

1 视觉与听觉的关系视觉与听觉是人的两种主要的感官，在视线达不到的地方，听觉先入为主，我们常说的未见其人先闻其声便是如此，但是在声音触及不到的地方，视觉便预先到达，饱览一切的画面并充分发挥想象。

即耳中见色，眼里闻声。

与绘画相比，音乐有着独到的优势。

它虽然没有直观的造型能力，却能以声调的变化，节奏的运行等反映客观事物变化的规律。

不受任何空时的局限，直接抵达人的内心世界，具有强大的表现力和亲和力，并能与其他艺术共融相生。

绘画在绘画时通常会根据自己的需要放置音乐的背景，合适的音乐可以慰藉人的心灵，可以给人以力量和希望，并给人无边的想象力，使人容易达到某种境界。

19 世纪的艺术理论家佩特所说所有艺术通常渴望达到音乐的状态。

这句话正体现了音乐的特质。

音乐是听的艺术，绘画是看的艺术，两个看似截然不同的艺术却有着通感，可以相感而相通。

当我们注视一副美妙的画面时，不免会在心里涌出一股优美的旋律，一副好的作品，可以通过色彩的跳跃呈现不同的节奏感，给人心灵的愉悦感，即构图形式美法则中的韵律美和节奏美。

当我们听到优美的乐曲时，眼前就会出现一幅幅画面，犹如壮丽的山河，时而壮观，时而幽静。

美术艺术研究 Art research83分析印象派绘画对音乐创作的影响——以德彪西《欢乐岛》为例雷智棋（陕西师范大学，陕西 西安 710119）摘要：德彪西是19世纪至20世纪钢琴音乐历史发展中标志性的作曲家，他开创了独特的印象主义音乐。

《欢乐岛》是由德彪西创作的经典作品，保存在法国罗浮宫中法国画家华特的名画《乘船赴西德尔岛》给予了德彪西丰富的创作灵感。

此曲中涵盖了较多的元素，音乐富有想象，变化多样，这是这一时期德彪西音乐风格的一个缩影，通过对欢乐岛音乐元素与特点进行分析 ，感受德彪西音乐与意象中的诗画之间的相互交流。

展现印象主义音乐作品的特征，分析绘画作品在作曲家的音乐创作中起到的巨大作用。

关键词：德彪西；欢乐岛；印象主义音乐；印象派绘画一、前言印象主义是19世纪后期在法国产生并逐渐盛行的一种艺术思潮和流派，印象派绘画是西方绘画史上划时代的艺术流派，19世纪七八十年代之际发展迅猛，甚至影响到整个欧洲。

印象派画家以光与色彩为基础，在色彩上进行了积极的创新。

印象派艺术运动影响到世界各地，音乐的印象主义是从绘画中借鉴的。

音乐中的印象主义常被称为是细腻而情绪虚化的音乐典范。

二、印象主义绘画与音乐的起源发展（一）印象派绘画的由来印象主义是19世纪末在法国兴起并逐渐流行起来的一种艺术思潮和流派，印象主义的称谓来自画家莫奈的一幅风景画——《印象·日出》。

印象派绘画反对古老的古典绘画，甚崇尚中世纪的骑士文学与深情的浪漫主义，在19世纪现代科学技术的激发下，画家更关注外部光线在绘画中的研究与表达。

印象主义画家更多地走到室外去观察体验，以肉眼观察去感受表达颜色的变幻。

印象主义一出现便以一种创新的方式展露于法国绘画界。

它逐渐发展成法国艺术界的主流，对于绘画的发展起到重要的作用。

（二）印象主义音乐的缘起发展及标志性人物德彪西1．印象主义音乐及其发展印象派音乐最早起源于印象派绘画，印象派音乐的产生是在不同的历史文化的沉淀以及风格迥异的音乐流派的铺垫之上的一个必然的结果。

谈音乐与绘画的关系摘要：音乐与绘画作为艺术门类的“连理”学科，它们能够视听相通，音画互感，但又有不同，音乐与绘画从理论上来说是两种不相干文艺形态，前者通过音响诉诸于人的听觉器官，后者通过线条和色彩诉诸人的视觉器官，它们之间的通感主要表现为：听声类形，以而为目，耳中见色，眼里闻声，画形无象，造响无声。

本文通过阐述它们的共性和个性来体现二者之间的关系。

关键词：音乐；绘画；艺术；色彩；线条；造型音乐既是听觉艺术又是时间艺术，还是动态艺术，它在一定的时间里以乐音和噪音的持续运动来表现自己，它以音响在持续或间断的运动中体现着“以声表情”、“声情并茂”的艺术形象。

音乐可以说是心灵的艺术，它通过音响来表达感情或形象，使欣赏者的心灵产生或震撼、或愉悦、或平静、或心潮澎湃等等各种各样的感受，并以引出欣赏者在情绪上的共鸣为己任。

而绘画则是一种视觉意象，通过视感官，呈现为一种静态的和空间的形式，是一种静态艺术、空间艺术。

音乐与绘画也有相通之处，二者相互渗透，相互补充共同使艺术表现更臻完美。

1 音乐中的绘画因素1.1 线条有人说音乐中的旋律是以时间为画笔在不同的音高位置上勾画出来的线条。

我们认为这是一个很恰当的比喻，音乐中的旋律一方面体现在纵向的音程关系上，一方面体现在横向的时间关系上，两者不可缺一。

假如只有音程关系就体现不出线性的关系，只有时间过程则又体现不出起伏的状态。

线条可以说是音乐中最主要的绘画性因素。

但是，所谓音乐中的线条与绘画艺术中的线条有本质的区别，绘画中的线条是绘画的构图基础，它线条的方向最终构成一个具体的形象。

而音乐中的线条体现的仅仅是一种抽象的运动方向，除了二者都能象征某些实际的运动状态以外，别无其它对应性的关系。

音乐中的线条是一种抽象的线条，人们不可能从音乐的线条中感受到某种具体形象。

正因为如此，抽象派的绘画比其他流派的绘画更接近于音乐。

1.2 色彩从物理学的角度上说，音乐中的音色和绘画中的颜色都是一种波动，著名科学家牛顿曾将阳光分为七种颜色，证实了阳光是由不同颜色的光组成，他认为红、橙、黄、绿、青、兰、紫七种颜色正好与C、D、E、F、G、A、B七个音相对应，虽然科学家与音乐家都力图在声音与颜色之间寻找联系，但两者之间毕竟存在着一定的距离，但音色与颜色同样会使人以明朗、暗淡的不同感觉，一旦某种音色与颜色会给予人们相类似的感觉，人们就会自然地把他们联系在一起。

古典音乐和绘画作为艺术的两支重要分支，虽然形式不同，但在表达方式、艺术追求以及艺术效果上有着深厚的联系和共通之处。

古典音乐和绘画通过赋予形式以感情和灵魂，将人们的情感和内心世界创造性地表达出来。

古典音乐和绘画都能通过形式表达情感。

音乐以乐谱的形式存在，绘画以图像的方式表达。

然而，他们都能通过音符、色彩和构图来创造独特的情感效果。

比如，音乐家可以通过使用不同的音高、音符的长短、节奏等手法来表达不同的情感，绘画家则可以通过使用不同的色彩、线条以及形式来表达情感。

在《贝多芬交响曲》中，贝多芬通过运用音高的变化和音符的长短来表达欢愉、悲伤、愤怒等不同的情感；而在梵高的作品《星夜》中，他通过运用浓烈的色彩和弯曲的线条来表达对大自然的热爱和对生命的渴望。

无论是音乐还是绘画，都善于用形式来表现情感，让观众沉浸其中。

古典音乐和绘画都追求艺术的完美和卓越。

古典音乐家和绘画家都致力于在艺术创作中追求卓越和完美。

他们都对美有着独特的感受和理解，通过音乐和绘画来展现自己对美的追求。

古典音乐家在作曲的过程中，会精确地选择每一个音符、每一个乐句的位置和顺序，不断追求音乐的卓越。

同样地，绘画家在绘画中，会精确地选择每一个色彩、线条和构图的位置和形式，力求绘画的完美。

无论是音乐还是绘画，都需要艺术家对自己作品的精雕细琢，才能使作品达到最佳的艺术效果。

古典音乐和绘画都具有极大的艺术感染力。

无论是音乐还是绘画，都能够深深地触动人的内心世界，引发内心的共鸣。

音乐家通过音符的组合来表达情感，绘画家通过色彩和线条的运用来表达情感。

当听到贝多芬的《命运交响曲》时，人们会被其中的激情和力量所折服，当看到达芬奇的《蒙娜丽莎》时，人们会被其中的神秘和内敛所吸引。

无论是音乐还是绘画，都具有超越语言的表达力，使人们在欣赏作品的同时，也能够深入思考和感受其中所蕴含的情感。

综上所述，古典音乐和绘画在表达方式、艺术追求以及艺术效果上存在着深厚的联系和共通之处。

19～20世纪初欧洲音乐与绘画的融合摘要：19～20世纪初是欧洲音乐与绘画融合的重要时期。

在这一时期，一些前卫的艺术家和作曲家通过创新的手法和思想，让音乐和绘画彼此渗透并相互影响。

本文将从两方面探讨欧洲音乐与绘画融合的过程及其产生的影响。

首先，将通过介绍几位重要的作曲家和艺术家，分析他们的作品中如何应用了绘画元素。

其次，将从哲学美学的角度探讨欧洲音乐与绘画之间的互动。

通过分析作曲家和艺术家的思想，探讨他们如何将绘画的美学元素融入到他们的音乐作品中，以及如何通过音乐来表达绘画中所体现的情感和理念。

综合这些分析，本文认为欧洲音乐和绘画的融合实现了多种形式和层次的交互和互动，不仅为当时的艺术发展带来了新的可能，也对后来的艺术家和作曲家产生了深远的影响。

关键词：欧洲音乐、绘画、融合、作曲家、艺术家、哲学美学正文：1. 欧洲音乐与绘画融合的历史背景19～20世纪初，欧洲文化经历了一场前所未有的变革。

科学技术的发展、社会制度的变革、思想文化的解放等因素，共同推动了欧洲艺术的多元发展。

在这种多元发展的背景下，音乐和绘画两种艺术形式开始出现了一些交集和互动，艺术家和作曲家通过不同的手法和思想，让音乐和绘画相互影响并融合在一起。

2. 创新的作曲家和艺术家2.1 柯布西耶法国现代主义的开创者柯布西耶（Claude Debussy）是一位早期尝试将绘画元素引入音乐作品中的作曲家之一。

他的《印象主义》（Préludes）系列中的诸多作品，如《剪影》（Silhouettes）和《射水鸟》（Reflets dans l'eau）等，都在音乐作品中运用了印象派的绘画元素，如复杂的配色、错觉和视觉效果等。

同时，他的作品中还经常可以听到与色彩有关的音乐元素，如音乐的调性、和声和节奏等，这些元素之间相互作用，使得他的音乐变得更加瑰丽多姿，更具有呼吸感和动态感。

2.2 库尔贝德国现代派画家库尔贝（Wassily Kandinsky）在20世纪初期也是一位重要的艺术家。

音乐与绘画的联姻引言音乐和绘画是两种艺术形式，它们都以不同的方式表达艺术家的情感和创造力。

然而，尽管它们有着不同的媒介和表达方式，但音乐和绘画之间存在着一种奇妙而又神秘的联系。

这种联系可以追溯到远古时代，从那时起，音乐和绘画就在人类文明中交织在一起，互相影响，互相启发。

本文将探讨音乐与绘画之间的这种联姻关系，分析它们对彼此的影响以及如何共同创造美的力量。

艺术媒介的对比音乐和绘画是两种截然不同的艺术媒介。

音乐是通过声音来传达情感和创造力的艺术形式，它通过音符、节奏和和弦来表达艺术家的内心世界。

绘画则是通过色彩、线条和形状来传达情感和创造力的艺术形式，它以视觉形式展示艺术家的想法和情感。

尽管它们使用不同的感官媒介，但它们有着相似的目标，即通过艺术的表达方式影响观众的情感和思想。

音乐与绘画的相互启发尽管音乐和绘画是不同的艺术形式，但它们之间存在着一种相互启发的关系。

音乐可以激发绘画家的创作灵感，而绘画也可以启发音乐家创作音乐作品。

音乐的旋律、和弦和节奏可以激发绘画家的创作灵感。

当一个绘画家聆听音乐时，他们可以通过音乐的情感和节奏来表达自己的绘画作品。

同样，绘画作品中的色彩、线条和形状也可以激发音乐家的创作灵感。

绘画作品的视觉语言可以帮助音乐家创作出具有视觉化效果的音乐作品。

音乐和绘画的情感表达音乐和绘画都是表达情感的艺术形式。

它们可以通过声音和视觉元素来传达艺术家的内心世界。

音乐可以通过旋律、和弦和节奏来表现各种情感，如喜悦、悲伤、愤怒等。

同样，绘画也可以通过色彩、线条和形状来表达情感。

艺术家可以使用不同的绘画技巧来传达他们的情感和思想。

这种情感表达可以是直接的，也可以是隐含的，观众可以通过欣赏和感受音乐和绘画作品来体验到艺术家所要表达的情感。

音乐与绘画的美的力量音乐和绘画都具有一种独特的美的力量，它们可以引起观众情感的共鸣，并带给人们美的享受。

音乐通过声音的旋律、和弦和节奏来触动人们的情感，而绘画则通过色彩、线条和形状来引发人们的感官体验。

“诗，书，音，画同源”丨探寻绘画与音乐中的共通探寻绘画与音乐中的共通视觉手段与听觉手段之间的区分仅仅是一种表面的区分，绘画与音乐本身是同源的形式的艺术，运用于表现，概念或交流。

艺术作品与感觉器官之间的关系简单且物质。

从艺术发展史上看，绘画流派与音乐流派的产生时间与产生动机具有相似的背景，两个艺术形式相辅相承，甚至相互影响。

音乐与绘画自身的内在结构与表达方式也具有相似性的表达特性。

我国自古尚有“诗，书，音，画同源”的观念和说法。

高品质的绘画与音乐内在的精神性始终激发着人类文明进取的脚步。

本文原载《艺术科技》，2013年。

引言法国洛可可艺术晚期画家华托的“歌唱般的”绘画并不只是诉诸于肉眼，如同自巴赫以来的具有空间张力的音乐并不只是诉诸于耳朵一样。

在巴赫的赋格曲中、贝多芬的四重奏中，我们都活生生地体验到了听觉印象中一个完整别样的世界。

通过这样的世界，作品所有的丰富性和深度才开始呈现在我们面前，以这样的世界为中介，通过和声在我们心中所唤起的淡黄色、褐色、黑色和黄金色的形象，落日、层峦叠嶂的山峰，暴风雨，春天的景色的形象，以及颓废的城市和陌生的面孔的形象，它才能向我们倾诉自身的某些东西。

1、从西方艺术发展史上看绘画与音乐1.1、16～18世界绘画与音乐样式的形成与演变公元1500～1800年的三个世纪，追求空间超越的意志萌发，乐器发展成为主导的艺术，起初在17世纪，音乐利用的是乐器的极富特色的音色，以及弦乐和管乐，人声和乐器的音效的对比，它们都是用来进行叙述描绘的手段。

堪舆提香、委拉斯凯兹和伦勃朗这样的大师的绘画作品一较高下。

从加布里埃利（Gabrieli）到克莱利（Corelli）的奏鸣曲中，每一乐章都显示了一个装饰优雅的主题，并且确定了通奏低音作为背景。

渲染英雄般的场景。

德国大师们的出现使这一样式的音乐得到进一步发展，支配了18世纪的绘画与建筑。

这种音乐的精神与弦乐与管乐齐奏的伴音技术有着亲缘关系。

那先前与之后的绘画，把拉斐尔的绘画和提香的绘画当做两种全然不同的艺术区分开来东西是一种雕塑精神。

音乐与绘画的相互影响音乐和绘画，虽说是两种不同的艺术门类，但对人的情绪都有着强烈的影响，都能唤起人们最广泛的情感——从平静的感伤到疯狂的雀跃，抑或满腔悲愤。

为了表达各种感受，音乐中经常采用乍看起来互不相容的语汇，如“富于色彩的声音”、“鲜亮明快的旋律”、“恢弘或清脆的钟声”、“斑斓的音响”等等。

从其他领域借用的概念都会丰富和扩大固有领域的概念域。

音乐与绘画创作有着共同的规律和原则：对称、动态、结构中心、重点、节奏、基调等。

共同的规律与原则使得声音与色彩、音乐与绘画相互融合。

“声音与色彩都能表达相同的内心感受”(B.T.柯罗连科语)。

绘画中的音乐人们感觉到音乐与绘画的亲缘关系还是在远古时期。

艺术家们向不同艺术门类的相互靠近迈出了第一步。

他们在自己的作品中塑造出歌唱家和音乐家的形象。

观众可以通过反映在演奏者脸上的内心感受来判断旋律的美妙与否。

声音的迷人魅力，甚至可以通过音乐人富有表现力的动作和极具动感的姿态来传达。

这样的例子很多，这里只列举一二。

1640年，威尼斯画家贝纳多·斯托奇画了一幅名为《琉特琴演奏家》的油画，画中描绘了一位沉浸在音乐中的英俊且富有灵感的青年音乐家，其修长而雅致的手指正拨弄着琴弦，弹奏出醉人的乐章。

英国艺术家托马斯·凯因斯伯尔(1727——1788)经常为手持乐器的贵族作画。

画家特意选择了演奏就要结束的那一刻进行创作，画面上人物的眼神似乎正投向旋律飞逝的方向，捕捉着最后一丝渐渐消散的音符。

不同时期的各国画家，都曾从事音乐题材的创作，代表作有赫尔斯的《家庭音乐会》、波罗维科夫斯基的《加加林姐妹肖像》、特罗比宁的《吉他手》、费奥德多夫的《H.日丹诺维奇的画像》、毕加索的《三个音乐家》等等。

音乐中的绘画但是，刻画音乐表演者是一回事，使音乐本身可视则是另一码事。

俄罗斯作曲家斯克里亚宾和立陶宛作曲家丘尔廖尼斯最先对这一想法进行了尝试，当然他们各具特色。

这一切都发生在19世纪末20世纪初的同一时期。

西方绘画史+音乐，燃亮你发现美的眼睛在艺术范畴内，绘画与音乐的关系最为紧密，有“音乐是流动的绘画，绘画是凝固的音乐”之喻。

今天推荐一个 6 分钟的视频，视频里共出现了 8 位音乐家，代表了不同的音乐时期，同时，结合同一时期的绘画艺术做欣赏。

1. 巴洛克时期1600 - 1750视频中的第一段音乐出自巴赫的《十二平均律》，这也是巴洛克时期复调音乐的典范。

作者选取彩色琉璃窗作为背景图，是因为巴赫的音乐主要以宗教音乐为主。

这一时期的音乐节奏强烈，活跃，清晰，多反复，以复调音乐为主，旋律常用颤音等技巧来装饰，听起来相当的华丽绚烂。

▲巴赫《d小调托卡塔与赋格》与此同时，在艺术领域最典型的要算巴洛克式的建筑。

代表作就是路易十四设计的卢浮宫，华丽，壮观，雄伟。

鲁本斯《战争的后果》而在绘画领域，典型代表是鲁本斯、伦勃朗、贝尼尼和卡拉瓦乔等。

与之前文艺复兴时期所追求的形式上的均衡所不同，巴洛克时期的画作更加强调张力和戏剧性。

人体姿势生动大胆，色彩明快，强调光影对比变化，富有戏剧性。

2. 古典主义时期1750 - 1820这一段落的音乐分别出自莫扎特和贝多芬的几首奏鸣曲，并进行了混编。

其中，在莫扎特的片中，作者选取 18 世纪宫廷照作为背景图，是因为莫扎特曾是一名宫廷乐师，他的音乐多给人以欢乐轻松的感觉。

▲莫扎特《钢琴奏鸣曲》K545 第一乐章此外，贝多芬的片段则选取了他的奏鸣曲（如《暴风雨》《月光》《悲怆》等），并进行了混编。

作者选取闪电作为背景图，是因为贝多芬的音乐大多磅礴大气，震撼人心。

这样下来也许你会发现，古典主义时期的音乐讲究典雅规范，平衡有序，并且以主调音为主。

不过，因为贝多芬是古典与浪漫的过渡期代表，所以他的音乐中还带有狂放激情的部分。

▲贝多芬《钢琴奏鸣曲：暴风雨》第一乐章雅克·路易·大卫《马拉之死》与此同时，绘画领域正处于新古典主义时期。

之所以有个“新”字，主要是为了和古希腊罗马为代表的古典主义时期相区别，题材多为具有现实意义的严肃作品。

音乐与绘画的区别与联系作者：李菊香来源：《美术文献·学校体音美》2017年第04期画家可以画出《命运》交响曲吗？音乐家可以演奏出《蒙娜丽莎》吗？一位名为耶日·萨皮耶夫斯基的作曲家和画家藤村诚用《画出来的音乐》向我们解答了这些问题，同时也呈现了音乐和艺术互相融合的完美作品。

在两名艺术家富有创举性质的互动中，绘画与音乐两种不同的艺术展开新型对话——音乐和绘画有联系吗？音乐和绘画是对立的吗？它们的对立和联系在哪里？在艺术范畴内，绘画与音乐的关系最为紧密，因此，才有了“音乐是流动的绘画，绘画是凝固的音乐”之比喻。

本文将通过对众多绘画和音乐艺术作品的思考和研究，来探讨音乐与绘画的区别与联系。

在绘画和音乐的术语中，有很多词汇是相同、相近，或是相互借用的。

如结构、色彩、节奏、韵律、起伏、强度、色块、渐变、透明、和谐、响亮等。

在艺术流派中，绘画与音乐流派名及其主旨亦有一些是相同或相近的。

如古典主义、浪漫主义、印象主义、新古典主义、表现主义等。

音乐与绘画是两种不同的艺术形态，它们的表现形式也大不相同，两者之间的通感主要表现为：听声类形，而绘画却不同于音乐，两中西方的绘画也不径相同。

中国画的基本特点是“气韵为主，笔墨为先”。

中国画则趋向于诗歌和音乐，与音乐的通感关系表现得更为鲜明、突出。

音乐是声音的艺术、时间的艺术，不能像绘画那样再现客观事物的具体视觉形象，不能像建筑、雕塑那样创造三维空间，音乐没有直观的造型性和明确的语义性，是与生俱来的局限，但也有其得天独厚的优势。

音乐通过声响的连接、组合，以声调的变化，节奏的展衍，旋律的运行，反映客观事物运动变化的节律，能够同所有艺术建立亲密关系，相互沟通、渗透、融合。

音乐作品中表现绘画内容或以绘画体裁为题的作品很多：德彪西的《版画集》、布里斯的《颜色交响曲》等等。

绘画则是用形体、色彩、线条描写客观事物，主要作用于人的视觉，是视觉的艺术。

一个是无形无相的听觉艺术，一个是有形有相的视觉艺术，它们之间有着明确的界限但并不存在一条不可逾越的鸿沟。

影响与渗透――浅析美术作品与音乐作品的关系艺术是人类表达情感、思想和文化的一种方式，而美术作品和音乐作品作为艺术创作的两种形式，都具有独特的表现力和艺术价值。

它们经过时间的沉淀，对后来的艺术家和观众产生了深远的影响与渗透。

本文将浅析美术作品与音乐作品之间的关系，探讨它们如何相互影响与渗透，并对这种相互影响与渗透的原因进行一些思考。

一、美术作品与音乐作品的相互影响美术作品和音乐作品虽然是不同的媒介和形式，但它们在表现艺术的同时也具有很多共通之处，这些共通之处促进了它们之间的相互影响。

1.美术作品和音乐作品都是创作者的情感和思想的表达。

无论是绘画、雕塑还是音乐创作，都离不开艺术家对于生活、情感和思想的感知和思考。

艺术作品的灵感来源于创作者对于外部世界的感知，而艺术家通过表现自己的情感和思想，使观众能够与作品产生共鸣。

美术作品和音乐作品都具有情感和思想的表达功能，它们可以通过不同的形式和层次来传达创作者的情感和思想，从而触动观众的内心。

2.美术作品和音乐作品都具有审美价值。

艺术作品是人类审美情趣的产物，而美术作品和音乐作品作为艺术创作的两种形式，都有着自己独特的审美特点和艺术风格。

美术作品的审美价值主要体现在颜色、形状、线条等方面，而音乐作品的审美价值则通过音调、节奏和和声等方面的组合展现出来。

正因为美术作品和音乐作品具有独特的审美价值，它们可以相互借鉴、相互影响，丰富了各自的创作和表现方式。

3.美术作品和音乐作品都具有文化意义。

美术作品和音乐作品承载着人类文化的精髓和智慧，反映了不同时代和不同国家的社会风貌和价值观念。

美术作品通过艺术家的创作，表达了他们对于社会和历史的思考和观察；音乐作品则通过乐曲的旋律和歌词，传递出创作者对于人生、人类命运和社会问题的思考。

美术作品和音乐作品都可以成为文化传承的载体，它们在跨时空中传递着人类文明的火种。

以上三点是美术作品和音乐作品相互影响的一些共通之处，这些共通之处促使了美术作品和音乐作品在创作和观赏的过程中共生共荣，为艺术创作和欣赏带来了更多的可能性。

从音乐美学的角度探析音乐与绘画的关系
音乐与绘画是两种截然不同的艺术形式，一个是通过声音进行表达和传达的艺术，另
一个是通过色彩和线条进行表达和传达的艺术。

尽管它们的表现形式不同，但它们之间存
在着紧密的联系和相互影响。

从音乐美学的角度来看，可以深入探讨音乐与绘画之间的关系，以及它们在美学上的相互影响。

我们可以从美学的角度来分析音乐和绘画的共同特征和区别。

音乐和绘画作为艺术形式，都是通过感官来感知和理解的，它们都是艺术家用来表达情感、思想和情绪的手段。

在美学上，音乐和绘画都追求对美的追求，都强调对形式和结构的精致和完美。

尽管它们
有着共同的美学追求，但它们在表现形式上却有着显著的不同。

音乐是通过声音的频率、
音高、音响等特性来表达和传达的，它是一种时间性的艺术，需要通过一定的时间和顺序
来进行表现；而绘画则是通过色彩的搭配、线条的运用等来表达和传达的，它是一种空间
性的艺术，需要通过一定的空间和形式来进行表现。

音乐和绘画在美学上有着共同的追求，但在表现形式上却有着显著的差异。

从音乐美学的角度来看，音乐与绘画在美学上有着紧密的联系和相互影响。

在历史上，音乐与绘画往往是相互影响和相互借鉴的关系。

在古典音乐和古典绘画中，往往有着相同
的题材和表现手法，音乐作品中的音乐元素和绘画作品中的绘画元素往往相互借鉴和相互
影响；在现代音乐和现代绘画中，也往往有着相同的艺术追求和美学理念，音乐作品中的
形式和结构以及绘画作品中的形式和结构都往往相互借鉴和相互影响。

从音乐美学的角度
来看，音乐与绘画在美学上有着紧密的联系和相互影响。

西方音乐历史中绘画与音乐创作之间的关系并举具体的举例说明19世纪后期，受到摄影术的冲击，西方绘画摹写自然的传统受到挑战。

而音乐给这一时期的西方绘画带来了关于色彩与形式的启迪，引领其走向了表现主义与抽象主义的道路。

今天，时尚芭莎艺术试图透过几位当时著名艺术家的作品，来回顾这一时期绘画与音乐的美妙结合。

绘画与音乐的联系大约贯穿了人类文明。

远在原始部落的祭祀仪式里，绘在洞窟石壁上的岩画便呼应着神秘的歌舞，成为人类文明最早关于艺术的记忆。

在绘画与音乐稍后的相遇里，音乐具象成乐器，成为绘画的忠实题材。

贯穿不同的风格，从文艺复兴时期宗教绘画里的天使；到立体主义时期弹着曼陀林的少女，音乐化作乐器，成为视觉画面里关于听觉的通感。

气氛在人物与乐器的互动中被渲染。

画面内，音乐是背景，也是情绪的寄托。

19世纪，音乐在所有艺术门类里确立了优先地位。

相比于其它艺术门类，音乐是观念性的，其天然地将形式与内容紧密结合，声音兼为传递信息的工具与信息传递的结果。

在音乐产生的刹那，其客观上便消失了，主观的表现力在其中被放大。

另一方面，音乐又是结构性的，与数理紧密地结合着，表现出某种精确而和谐的美。

反观绘画，伴随19世纪初摄影术的发明，物象在相机内被无差别地记录，西方绘画摹写自然的艺术传统似乎失去了意义。

为了捍卫自身的独立性，西方绘画迫切需要寻找到新的艺术方向。

这一时期，西方绘画试图从陌生地域的文化和其它艺术形式中寻求突破。

日本浮世绘对这一时期西方绘画平面化发展的影响已被普遍强调，此外，音乐作为可资旁鉴的艺术体裁，也曾给予了其方向性的启迪。

在表现性与结构性两个方面，音乐引领这一时期的西方绘画走上了表现主义与抽象主义的道路。

在绘画体系内部，关于色彩与素描的争论跨越17世纪的鲁本斯与普桑，来到德拉克洛瓦与安格尔的面前。

安格尔画面中的人物常有着雕塑般的质感，于他而言，素描是绘画的核心，而色彩仅起着装饰绘画的辅助作用。

而德拉克洛瓦则用浓烈得近乎粗粝的色彩，抒泻着画面的情绪，展现着光与影的律动。