作曲基本手法6种

作曲乐理知识点总结图表作曲是一门既需要创造力又需要技术的艺术。

作曲家需要具备丰富的音乐知识和技术，才能够创作出优秀的音乐作品。

作曲乐理知识是作曲家必须要掌握的基础知识之一，它包括音高、节奏、和弦、调式、音乐形式等内容。

本文将对作曲乐理知识进行总结和讨论。

一、音高音高是音乐的基本特征之一。

在音乐中，音高决定了音符的高低、音程的大小以及和声的美感。

音高的表示方法主要有谱号、音名和八度记号。

在作曲过程中，作曲家需要根据作品的要求来选择合适的音高，以构建出富有表现力的旋律和和声。

1.1 谱号谱号是表示音高的符号，常用的谱号有G谱号和F谱号。

G谱号用于表示高音区的音符，F谱号用于表示低音区的音符。

在乐谱上，谱号会出现在五线谱的首行，作为标记音符所在的位置。

1.2 音名音名是表示音高的文字符号，常用的音名有C、D、E、F、G、A、B。

在西方音乐中，音名与谱号相配合，用来确定音符的音高。

1.3 八度记号在音乐中，八度是音域中的基本单位，用来表示不同的音高区间。

八度记号（如上八度音号、下八度音号）可以帮助作曲家在谱写音乐时确定音符的音高位置。

二、节奏节奏是音乐中的时间感受。

它是音乐中的基本元素之一，决定了音符的时长、音乐的速度、以及整个音乐的节奏感。

在作曲过程中，作曲家需要根据作品的风格和要求，合理地安排节奏，以达到所期望的音乐效果。

2.1 拍子和拍号在音乐中，拍子是划分时间的基本单位。

拍号是表示音乐节奏的符号，它说明了每小节的拍子数和每一拍的时值。

作曲家需要熟练掌握不同的拍子和拍号，以便能够准确地表达自己的音乐想法。

2.2 时值时值是音符的时长，它决定了音符在音乐中的持续时间。

在作曲中，作曲家需要根据作品的需要，选择合适的时值来编写音乐。

2.3 节奏型节奏型是音乐中反复出现的一种有规律的音乐节奏形式，它是音乐节奏的基本单元。

作曲家需要根据作品的特点和风格，选择适合的节奏型来构建音乐。

三、和弦和弦是音乐中同时响起的几个不同音的组合，它是音乐中的基本和声单位。

作曲的技巧和方法
作曲的技巧和方法可以因个人的风格和喜好而有所不同，但以下是一些普遍适用的原则和建议：
1. 寻找灵感：灵感来源可以是生活中的各种情感、景色、事件等等。

可以试着关注周围的事物，记录下来并深入思考，寻找创作的灵感。

2. 学习音乐理论：音乐理论是作曲的基础，了解音乐的基本元素，比如和弦、旋律、节奏等，可以帮助你更好地组织和表达想法。

3. 创造旋律和和声：旋律是作曲的核心，尝试用琴键、嗓音或其他乐器找出旋律线。

同时，和声是增添音乐深度和层次的重要组成部分，通过使用和弦和音程可以塑造作品的情感色彩。

4. 结构化作品：保持作品的结构和逻辑性可以使其更易于理解和欣赏。

尝试使用不同的乐章、主题重复或发展等手法来组织你的作品。

5. 创造独特的音色：通过选择不同的乐器和声音特效，可以为你的作品带来更丰富的层次感和个性。

6. 尝试进行编曲：把你的作曲想法进一步展开，添加其他乐器的演奏部分，调整和改进声部编排，使其更加丰满和完整。

7. 培养创作的习惯：坚持每天写作曲目，即使只是简短的片段
或想法，也能够培养创作的习惯并逐渐提高作曲技巧。

8. 听取他人的意见：与他人分享你的作品并聆听他们的反馈和建议，有助于你发现潜在的改进空间和创作方向。

总之，作曲是一种个人创作的过程，尝试不同的技巧和方法，发现适合自己的方式，并保持练习和探索的精神，才能不断提高作曲的水平。

音乐：艺考必备作曲基本理论知识什么是曲式学曲式是指乐曲的结构形式。

有“单段体”、“两段体”、“三段体”、“变奏曲式”“奏鸣曲式”及“回旋曲式”等。

各主题乐段用“A，B，…”表示。

如“两段体”的曲式图式是“AB ”;“三段体”的图式是“ABA’”，第三段A’与第一段基本相同。

儿童歌曲多为两段体甚至一段体;通俗歌曲多是三段式。

而“圆舞曲”则常采用回旋曲式。

什么是复调“复调”是相对于“主调”而言。

如果只有一个声部担任主题旋律，其它声部仅起衬托作用，这样的音乐叫主调音乐。

如果旋律声部不只一个，且各声部横向上彼此具有独立性，纵向上构成和声关系，形成和协的有机整体，则这样的音乐叫作“复调音乐”。

复调音乐中，各声部的旋律依主次关系被称作“主旋律”、“副旋律”。

主旋律只有一个。

复调是重要的作曲技法，应用甚广，其理论基础是和声学。

“赋格”是复调曲式之一，巴赫将其技巧发展成熟。

什么是对位法对位是“复调音乐”写作技法之一。

它以和声学为理论基础，使各声部既协和又相对独立。

如重声合唱(三重唱，四重唱)就是用对位法写的。

对位法又有“严格对位”和“模仿对位”之分。

俄、德音乐理论家推崇、恪守严格对位。

什么是旋律旋律就是曲调。

它是一乐曲区别于它乐曲的根本特征，好似建筑物的风格和韵律。

“音素”构成“动机”，动机进一步发展成主题从而形成旋律。

具体说来，一定的“音型”、“节奏型”按特定的节奏节拍规律组合形成旋律。

旋律具有视觉性：它体现在旋律线(符头的连线)上。

早期有些音乐家追求“旋律线的优美”，认为好的旋律视觉上也应是美的。

旋律的创作一靠天才二靠灵感三靠实践。

旋律写作的技巧性是很强的，其发展手法多种多样，最为丰富。

常用的发展手法有：重复，模进，模仿，紧缩，扩展，变化，对比，变奏等。

多数概念的讲解要通过板示和视听。

什么是配器配器法是管弦乐的写作技法，故又称为“管弦乐法”或“乐器法”。

但对于一切乐队的演奏乃至于通俗歌曲的伴奏都离不开配器的运用，因此学一点配器知识很有实用价值。

合唱常用的作曲技巧有哪些
合唱常用的作曲技巧有以下几种：
1. 组织声部：合唱作品通常由多个不同的声部组成，如高音、次高音、次低音和低音。

作曲家需要将不同的声部有机地组合在一起，创造出丰富多样的声音效果。

2. 对位法：对位法是指在不同声部之间创造对位关系，即声部之间的旋律互相呼应或相互独立演奏。

对位法可以增加合唱作品的复杂度和情感表达。

3. 节奏变化：合唱作品中的节奏变化可以增加曲子的动感和变化，使作品更具吸引力。

作曲家可以通过改变声部的节奏模式、使用不同的音符分割和延长等手法来实现。

4. 和声：和声是指在不同声部之间创造和谐音程和和弦的关系。

作曲家可以通过选择合适的和声进行渲染，强调音乐元素的变化和发展。

5. 动态变化：合唱作品中的动态变化可以使音乐表达更加丰富和生动。

作曲家可以通过声部的音量变化、呼吸点、弱音器和强音器等手法来实现动态的改变。

6. 调性的变化：作曲家可以通过改变合唱作品的调性来创造出不同的音乐效果。

调性的变化可以使作品更具个性和吸引力。

7. 艺术性的使用空白：合唱作品中的空白可以使音乐更具张力和冲击力。

作曲家可以在合唱作品的不同部分添加适当的空白，使作品更加有层次感。

总之，合唱作品的作曲技巧包括组织声部、对位法、节奏变化、和声、动态变化、调性的变化和艺术性的使用空白等，这些技巧可以使作品更加丰富多样、引人入胜。

十二音创作技法十二音创作技法是一种现代音乐创作方法，起源于20世纪的欧洲音乐界。

它是由奥地利作曲家斯科伊伯（ArnoldSchönberg）首先提出的，并在他的学生埃里希·乌尔曼（Erich Wolfgang Korngold）和阿方斯·韦伯恩（Alban Berg）的继续发展中得到了广泛运用。

所谓十二音创作技法，是指将所有12个半音按照特定的序列排列，并在音乐作品中严格遵循这个序列。

这样做的目的是摆脱传统调性体系的限制，创造出更加自由和独特的音乐语言。

以下是一些关于十二音创作技法的相关参考内容。

首先，了解十二音阵列的构建方法是十分重要的。

十二音阵列可以通过随机选择12个半音，或者通过一些特定的序列来构建。

它可以是按照半音行进的顺序排列（例如C、C＃、D、D＃等），也可以是按照特定的序列排列（例如Shoenberg的序列：E♭-A-G-C-B-D-F-C♯-B♭-E-G♯-F♯）。

其次，理解音行（tone row）的概念也是必要的。

音行是指将十二音阵列按照特定的顺序排列，并在音乐作品中以此序列为基础进行音乐构建。

在音行中，每个音可以被使用一次，但可以按照任意顺序进行重复。

音行的顺序可以前向、后向、倒置、倒置后再前向等进行处理，而不必一成不变地按照初始顺序使用。

运用半音音组合的技巧也是必备的。

通过使用半音音组合，创作人可以在音乐作品中使用更多的半音音阶，创造出更具现代感和独特性的音乐效果。

选择和谐的半音音组合可以带来独特的和声效果，使作品更加富有层次感和表现力。

同时，变奏技巧也是在十二音创作技法中常用的手法之一。

通过对音行进行变奏处理，创作者可以在音乐作品中创造出丰富的音乐变化和发展。

常见的变奏技巧包括倒置、逆行、扩展和嵌套等。

另外，利用序列音和音域音的对比也是十二音创作技法中常见的手法。

通过使用序列音和音域音之间的对比，创作者可以在音乐作品中创造出丰富的音乐张力和对比效果。

歌词创作入门知识点总结前言：音乐创作是一个充满创意和想象力的过程，无论是作曲、作词还是编曲都需要一定的基础知识和技巧。

本文将总结音乐创作的入门知识点，希望能够帮助初学者更好地了解音乐创作的基本原理和方法。

一、作曲基础知识1. 音符和音程音符是音乐的基本单位，它代表了音符的时值和音高。

音符分为全音符、二分音符、四分音符、八分音符等不同时值。

而音程则是两个音符之间的距离，包括和声音程、纯音程、增减音程等不同类型。

2. 调式和音阶调式是指一组音符按特定规律组成的音乐规范，包括大调、小调等不同的调式。

而音阶则是由一组音符按照特定音程组成的音乐段落，包括自然音阶、和声音阶、旋律音阶等不同类型。

3. 和弦和和声和弦是由若干个音符按照特定规律组合而成的音乐段落，包括小三和弦、大三和弦、属七和弦等不同类型。

而和声则是由若干个和弦按照特定调式组合而成的音乐段落，包括主和声、副和声、属和声等不同类型。

二、作词基础知识1. 押韵和格律押韵是指在一首词的结尾部分或句与句之间使用相同音韵的技巧。

而格律则是指词的词数和音节的排列规律，包括五言、七言等不同的格律形式。

2. 比喻和修辞比喻是一种修辞手法，用一种事物来暗示另一种事物，增加词语的表现力和感染力。

而修辞则是一种修辞手法，利用特定的语言技巧来增强词语的表达能力，包括夸张、借代、排比等不同形式。

3. 音韵和意象音韵是指词语的音响形式，包括声母、韵母、声调等不同音韵元素。

而意象则是指词语的意义和形象，包括直观意象、抽象意象等不同类型。

三、编曲基础知识1. 乐器和声部乐器是音乐演奏的工具，包括钢琴、吉他、小提琴、萨克斯等不同类型。

而声部则是指音乐中不同乐器所承担的音乐角色，包括主旋律、和声、伴奏等不同声部形式。

2. 和声和编曲和声是指不同乐器之间的音乐结构关系，包括和声的层次、和声的进程、和声的旋律等不同要素。

而编曲则是指把和声、旋律和节奏结合起来，创造一种和谐、流畅、具有表现力的音乐形象。

作曲常⽤技法（亲⾝学习经历）编曲，即在DAW上对歌曲进⾏和声编写并搭配乐器，简单来说，就是做伴奏带~扒带，原答案中提到过，就是在DAW上把歌曲伴奏中的每⼀件乐器的每⼀个⾳符都听写出来，简称扒歌曲伴奏带或扒带。

听写下来歌曲的伴奏带就等于你把专业⾳乐⼈的编曲的技巧和套路复制了出来，你既复制出来就可以学习了，简直就是⼀个免费的教材~再补充⼀下关于旋律发展⼿法的知识：1.重复：即重复⼀段旋律，使主题得到巩固、乐思得到强调、性格得到统⼀。

它分为原样重复和变化重复。

作品举例：《⽉亮代表我的⼼》2.模进：即某⼀动机（旋律）在不同⾼度上的重复。

分为严格模进和⾃由模进。

作品举例：《酒⼲倘卖⽆》3.节奏重复：即将动机的节奏当成模板，在不同⾳⾼上予以重复，使作品集中、统⼀。

作品举例：《长江之歌》4.扩⼤和收缩：有两⽅⾯，⾳程还有节奏。

作品举例：（1）⾳程——《笑脸》（2）节奏——《咱们⼯⼈有⼒量》5.对⽐、延伸、发展：我个⼈喜欢⽤对⽐中的“倒印”⼿法，即AB两句旋律发展⽅式相反。

作者的亲⾝经历我⼤学没打算学⾳乐，和⼤多数⼈⼀样只想当爱好做⾳乐。

我之所以称⾃⼰为业余的独⽴⾳乐⼈，是因为我从初中开始就写些原创歌、组乐队、尝试编曲，并且在去年我送了⾃⼰⼀张专辑⼗⾸歌作为成⼈礼。

每⾸歌都是我⾃⼰创作的，词曲、编曲、混⾳、后期等⼯作也全部是我⼀⼈挑灯夜战，与学校的学习⽃争来的（你也知道⾼中的学习有多苦逼）；业余是因为技术、条件都还不够，录⾳找的还是录⾳棚。

（像千古留名、Airs Jack、半璧这群专业的⾼中时⽐我⽜多了，已经能够接活了，⽽我这300的⽔平真不好意思拿出⼿。

）所以，个⼈认为业余⾳乐⼈要有独⽴制作歌曲的能⼒，或者有负责歌曲制作中某⼀环的能⼒，不过通常来说技术、设备劣于专业⾳乐⼈的。

所以其实成为业余⾳乐⼈的门槛很低，钟兴民吴庆隆是⾳乐⼈，徐良汪苏泷也是⾳乐⼈，甚⾄隔壁⽼王特会写旋律，也可称为“业余⾳乐⼈”。

这时候，我期许能尽量专业⼜全⾯，以保证⽐隔壁⽼王要强。

作曲基础知识与配器技巧指导作曲是音乐创作的一种形式，通过创造独特的音乐来表达情感和观点。

作曲家需要掌握一定的基础知识和配器技巧来创作出优秀的作品。

本文将介绍一些作曲的基础知识，并提供一些配器技巧作为指导。

一、作曲基础知识1. 音符和节拍音符是音乐的基本单位，用来表示音高和时值。

常见的音符有全音符、二分音符、四分音符等。

节拍是音乐中的基本脉动，可以用拍号来表示。

在作曲过程中，需要合理运用音符和节拍来构建旋律和节奏。

2. 音阶和调式音阶是音乐中一组按照音高顺序排列的音符。

常见的音阶有大调音阶、小调音阶等。

调式是音乐中的基本调性，常见的调式有大调、小调等。

了解和运用不同的音阶和调式可以为作曲提供更多的音乐素材。

3. 曲式结构曲式结构是指作曲中的整体结构安排，常见的曲式结构有复调曲式、套曲曲式等。

作曲家可以根据自己的创作意图选择合适的曲式结构来组织音乐。

二、配器技巧指导1. 乐器选择在作曲中，选择适合的乐器对于传达音乐的情感和效果至关重要。

作曲家需要了解各种乐器的音质特点，包括音域、音色和演奏技巧等。

在进行配器时，灵活运用各种乐器的组合可以创造出丰富多样的音乐效果。

2. 和声处理和声是指不同音符在同一时间的组合。

在作曲中，合理处理和声可以使音乐更加丰富和谐。

作曲家可以通过运用和弦进行、音程变化和声部运动等方法来处理和声，创造出动听的音乐效果。

3. 色彩运用配器中的色彩运用可以为音乐增添层次和质感。

作曲家可以通过运用原声乐器和合成器、不同的音色和音效等手法来塑造音乐的色彩。

同时，还可以借助动态的变化和音色的叠加等技巧来丰富音乐的表现力。

4. 节奏和韵律节奏和韵律是音乐中的基本元素，对于作曲具有重要的影响。

作曲家可以通过运用不同的节奏模式、变化的速度和韵律变化来创造出丰富多样的节奏和韵律效果。

总结作曲基础知识和配器技巧是作曲家创作音乐的基石。

掌握音符和节拍、音阶和调式、曲式结构等基础知识，并合理运用乐器选择、和声处理、色彩运用和节奏韵律等配器技巧，可以帮助作曲家编写出更加精彩的音乐作品。

谱曲的技巧
谱曲的技巧主要有以下几种：
1. 使用和弦加入经过音来作曲。

这种方法适用于先写和声进行，然后再加入旋律。

此类曲子的旋律与伴奏的和弦相对和谐，旋律的和声走向特别明显。

例如，李圣杰的《痴心绝对》的高潮部分（即副歌部分）的和弦音就非常明显。

2. 使用纯粹的自然音阶来作曲。

这种方法适用于写长段的旋律，先写旋律，后写和声。

如大调自然音阶：1 2 3 4 5 6 7，小调自然音阶：6 7 1 2 3 4 5。

3. 使用各种特色音阶来作曲。

这也是一种有效的谱曲技巧。

此外，吉他的不同的速度和扫弦节奏，不同的分解和弦的指法，强弱节拍的不同变化，都会产生不同的创作灵感。

可以试着唱一下陈慧娴的《千千阙歌》的前奏、旋律、间奏和尾奏来体会一下。

以上都是一些基本的谱曲技巧，具体使用时还需要根据个人的音乐风格和创作需求进行选择和调整。

同时，也需要不断学习和探索新的音乐理论和技巧，以提高自己的谱曲能力。

作曲的知识
一、基本术语
1、上行：旋律向上进行；
2、下行：旋律向下进行；
3、级进：二度上行或下行；
4、小跳：三度、四度的进行；
5、大跳：五度、六度、七度、八度和八度以上的进行；
6、重复：对前面的乐汇或乐句或乐段的再现；
7、模进：前面的乐汇或乐句或乐段的旋律线不变，只在音区上有所变化的一种重复；
8、乐素、乐汇、乐句、乐段：相当于文学中的词素、词汇、句子、段落；
9、调式：按一定关系排列起来的一组音（不超过7个），并以其中一个音为主音组成的一个体系，这个体系叫做调式；
10、大调式：以“1”为主音的调式；
11、小调式：以“6”为主音的调式；
12、五声调式：分别以“1、2、3、5、6”为主音，也就形成了中国特有的“宫、商、角、徵、羽”五声调式。

例如以“2”为主音的调式叫“商调”式。