5西方音乐的历史与审美

抒情诗抒情诗来源于古希腊时期的民歌,是最早的艺术歌曲,音乐与诗歌、舞蹈紧密结合,分齐唱和独唱演唱形式,用里拉琴伴奏,以诗的韵律为节奏;代表诗人：萨福、品达罗斯;古希腊时期的社会功能学说在古人心目中,音乐具有某种神秘的魔力,随着文明的发展,出现了“善”的观念,音乐的巫术功效也随之演化为音乐的教化功能,音乐由能驱邪防病的原始意念变成了音乐能使人向善的道德态度;古希腊哲学家亚里士多德和柏拉图等人的着作中对这一问题有很多阐述;亚里士多德认为多利亚调式质朴具有男子气、使人安静,改造之后可以使坏脾气变好,而弗利几亚调式狂放具有酒神精神,可以激发热情,容易使人陷于享乐,丧失意志;柏拉图认为好的音乐应庄重,简朴,符合规则,体育训练体质,音乐训练心智;警惕不适度音乐对人的“腐蚀”,因为音乐是为社会教育服务,而不是享受和娱乐;格里高利圣咏定义：中世纪基督教会音乐,以格里高利一世命名,表情严肃,风格朴素,又名素歌;以罗马教会传统音乐为基础,融合米兰的安布罗斯圣咏、西班牙葡萄牙的莫扎拉比克圣咏、爱尔兰苏格兰凯尔特圣咏、法国比利时圣咏整理创编而成;特征：服务宗教礼拜活动,无伴奏、纯男生、单声部音乐形式,一拉丁文为歌词,即兴的、无明显节拍,有固定音高,歌词主要来自圣经,音乐服从于歌唱;歌唱方式：独唱、齐唱、交替歌唱、应答歌唱四种;发展：在其横向发展过程中产生了附加段,继叙咏创作方式;在其综合发展过程中产生了宗教剧形式,宗教剧包括奇迹剧、神秘剧、道德剧;在其纵向发展过程中通过复调手段修饰圣咏而产生奥尔加农;纽姆谱中世纪查理大帝时期为了有利于推广格里高利圣咏,从而促进了记谱法的发展,为了帮助记忆,在歌词的上方写下简单符号,指示上升或者下降的语言声调变化,这种简单的符号谱也成为“纽姆谱”;在9世纪普遍使用;四线谱在无音高的纽姆谱之后,出现了以“线”来显示音高形式;为了容易辨认,中世纪僧侣抄写纽姆谱时,总是把同一音高的音尽可能的在同一水平高度对齐,从而导致了“线”的运用;11世纪规多·阿雷佐在前人的基础上总结出四线谱,为五线谱的形成作出了重大贡献;规多·阿雷佐的贡献a：在前人记谱法的基础上总结四线谱,为五线谱的形成作出了重大贡献;b：发明六声音阶;c：给六声音阶每个音创造一个唱名：ut re mi fa sol la;d：发明规多手,便于教学;e：发明谱号;孔杜克图斯12、13世纪流行的一种音乐体裁形式,即可以是单声的也可以是复调形式;孔杜克图斯特征：a：固定旋律是新创作的,不依赖圣咏,织体类似迪斯康特,但更规整,各声部节拍基本相同;b：主要采用第一复调形式写成;c：每个声部都有唱词,其声部一样;d：歌词采用拉丁文格律诗,采用分节歌形式,内容涉及宗教政治时事等世俗事物;经文歌13世纪,人们在二声部的克劳苏拉上方声部加入歌词,这种上方有歌词声部的复调音乐就被称为经文歌;13世纪最典型的经文歌是三声部的,歌词为拉丁文,与宗教有关;后来上方两个声部歌词方言化,出现了“复歌词”现象,内容世俗化,脱离于宗教礼拜活动,在世俗中流传开来;13世纪下半叶经文歌继续发展,出现两种截然不同的类型,一种叫弗朗科经文歌,上方声部活跃,速度加快,也被称为彼特罗经文歌；另一种则朝着单纯化发展,音乐轻松愉快;圣母院乐派中世纪时以巴黎圣母院为中心,以莱奥南和佩罗坦进行的复调音乐的创造,以及进步一研究形成复调音乐;贡献：对复调节奏在记谱和写作方面的创新,节奏模式得到了广泛和丰富的运用;风格：华丽装饰的奥尔加农和节奏规整的第斯康特混合运用,形成两种音乐风格对比;名歌手16世纪由一些商人和城市手工业者阶层的业余音乐爱好者,组成的德国城市中文学和音乐行会的成员,称之为名歌手,又译“工匠歌手”;歌曲特征：歌词一般与圣经有关,单声部的,等时值的音符,音节式谱曲;罗马乐派16世纪末与17世纪初,由于受帕莱斯特利那及其音乐风格的影响,以罗马为中心形成的音乐流派叫做罗马乐派;音乐特点：a.各声部清晰,歌词不被复杂的声部掩盖,一般采用一字对一音的音节式处理;b.较少使用半音,不协和音的运用大都有准备;c.和弦运用以三和弦及其第一转位;d.低音多为四、五度跳进,终止式时的跳进尤为明显;e.音乐具有清晰宁静的特质;帕氏样式帕莱斯特利那风格帕莱斯特利那风格是建立在对位、模仿、旋律进行、协和与不协和等一系列原则基础上的一种复调无伴奏合唱风格;作品织体以四声部居多,各个声部的人声旋律平静庄重,阶进为主,较少跳进,三度以上的跳进必反行;旋律舒缓均衡,常采用长气息乐句,旋律很少受到节奏和和声的干扰;应用和声对位化的肢体风格;圣洁虔诚;14世纪新艺术14世纪新艺术是与13世纪的古艺术相对而言,是指14世纪初以法国意大利为代表的在理论、作曲技巧和音乐风格上位代表的一些新的现象被称为新艺术;代表人物：法国马肖、意大利兰迪尼等;音乐特征：A.世俗化倾向明显高于古艺术时期;B.对复调音乐的再探索;表现在：a.出现更小的时值；b.等节奏经文歌；c.三六度的出现伪音；d.弥撒曲的出现；e.兰迪尼终止式；f.创作体裁体现于经文歌、弥撒曲和世俗歌曲;意大利牧歌意大利牧歌是文艺复兴时期的一种重要世俗音乐体裁;以较高水准的诗歌为词谱写的复调歌曲,内容与宗教内容区别开,以诗的世俗化表现出来,对位和声化,复调因素,风格具有国际化;包括田园诗、抒情诗和叙事诗;代表人物：杰苏阿尔多、蒙特威尔第等;巴洛克西方音乐史上通常将1600年歌剧诞生至1750年巴赫去世这150年称为巴洛克时期;巴洛克原义为形态不规则的珍珠,18世纪贬义地指建筑风格上怪异的、新奇的建筑风格,19世纪将它指艺术风格的一个历史时期,20世纪才将1600年到1750年这一音乐艺术时期用巴洛克一词称作为西方音乐史中一个时期的历史风格;创作思维：A.复调音乐向主调音乐过渡时期;B.通奏低音数字低音的出现运用;C.两种常规的音乐思想：a.指音乐要作为歌词的主人；b.歌词应称为和声的主人;D.机械化的感情论;三大风格：A.剧院风格;B.教堂风格;C.室内风格;三大音乐题材：A.歌剧;B.大型声乐套曲：a.唐塔塔；b.受难乐；c.弥撒曲;C.器乐曲;歌剧的诞生歌剧是一种用音乐来表现的戏剧;它的全部或大部分剧词都需要唱,还需要适当的器乐服务于情节和伴奏;它是一种综合性的艺术形式,音乐需要和美术、文学、戏剧和舞蹈等其他艺术相融合;歌剧直接来源于16世纪末意大利北部幕间剧,主要起源于古希腊悲剧、中世纪教仪剧和文艺复兴时期牧歌剧;西方歌剧诞生于意大利佛罗伦萨的“卡梅拉塔”组织;历史上第一部歌剧是达芙尼,而第一部音乐完整保留下来的歌剧是1600年佩里和卡契尼作曲,以里努契尼做脚本的尤丽迪茜;蒙特威尔第的贡献蒙特威尔第是巴洛克早期的一位最伟大的作曲家;他的创作可以被看作是从文艺复兴晚期通往巴洛克的一座重要桥梁;创作领域涉及歌剧、牧歌、世俗歌曲等;强调一切表现手段为剧情服务,他的创作对后来声乐器乐均有很大影响;代表作奥菲欧、波佩亚封后记等;贡献 a. 使用激动风格;b.发明小提琴颤音、震音和拨弦技法;c.建立威尼斯第一座歌剧院;d.独唱运用咏叹调方式;亚·斯卡拉蒂对意大利正歌剧的贡献亚·斯卡拉蒂是巴洛克时期那不勒斯歌剧学派的创始人,那不勒斯歌剧创作的集大成者;他是一位多产的作曲家,声乐作品包括歌剧清唱剧康塔塔弥撒曲经文歌牧歌等,器乐作品涉及协奏曲奏鸣曲等;代表作：格丽塞尔达等贡献：a.确立意大利歌剧的标准形式;b.采用干唱和伴奏两种宣叙调方式;c.使用返始咏叹调;d.使用阉人歌手;e.确立序曲为“快-慢-快”形式,成为交响乐的前身;受难乐受难乐是17世纪形成的一种用音乐表现“圣经”中有关耶稣受难故事的声乐体裁,有独唱、合唱、重唱和器乐四部分,具有音乐会性质,内容既具有宗教性质;受难乐起源于5世纪罗马天主教仪式中延长耶稣受难故事的传统;发展分为三个阶段：第一阶段为素歌受难乐,由单声部圣咏构成;第二阶段为应答受难乐,运用复调手法;第三阶段为受难清唱剧,巴赫将受难乐的发展推向一个了高潮;代表人物：许茨、巴赫;古组曲古组曲由一系列的欧洲民间舞曲组成,主要包括：a.德国阿拉曼德,特征为三拍子、复调的、速度较慢;b.法国意大利库朗特,特征为三拍子、主调的、速度较快;c.西班牙萨拉班德,特征为主调的、速度较慢；d.英国基格舞曲,特征为复调的、速度较快;巴赫历史地位：a.出生于1685年,和亨德尔同年、同一地位,但从未谋面;b.处于复调音乐创作向主调音乐创作的过度时代,但倾向于复调;c.是一位器乐大师;d.是西音史古代史向近代史时期的枢纽人物,总结前人;创作领域：a.声乐;b.器乐;c.复调研究文献;创作成就：a.声乐：受难乐马太受难乐、约翰受难曲；康塔塔咖啡康塔塔、农民康塔塔；弥撒曲b小调弥撒;b.器乐曲：对古钢琴、管风琴的创作和乐队作品管风琴小曲集、平均律钢琴曲集、戈尔德堡变奏曲、勃兰登堡协奏曲;目的：1.教学；2.展示运用十二平均律可以在任何一个调上自由的转调;c.复调研究文献：音乐的奉献、赋格的艺术;d.贡献：1.创作的十二平均律钢琴曲集达到复调音乐的最高成就,被誉为钢琴家的旧约全书;2.使德国受难清唱剧体裁的作品推向一个辉煌的顶点;3.音乐的奉献、赋格的艺术是300年来复调技术之大成的总结性作品;艺术风格：a教堂风格;b.近代音乐之父;c.具有精神性,较为内在严谨;古典主义音乐风格特征自1750年巴赫去世至1821年这一时期为古典主义音乐时期称为古典主义时期,它包含了两个阶段前古典时期和维也纳古典主义时期;前古典时期也被称作后巴罗克后期,从喜歌剧的兴起和繁荣,格鲁克的音乐改革,到三大音乐风格的确立洛可可风格、华丽风格和感情风格；维也纳古典主义时期以海顿、莫扎特和贝多芬为代表的维也纳古典乐派为主体形成的器乐创作时期;音乐特征：a.以主调音乐为主;b.旋律优美动听,结构整齐对称,语言清晰;c.以调式调性为主,想成明确终止式;d.运用动机的手法,各乐章内部对比明显;e.用明确记谱法代替巴洛克时期的通奏低音写法;f0主要器乐体裁:交响曲、协奏曲、四重奏以及奏鸣曲;格鲁克和他的格局改革格鲁克是古典主义时期德国重要的音乐家、作曲家和格局改革家;他对正歌剧的发展提出了批评,反对意式正歌剧中浮华和夸张的手法,强调人物表现与内心情感,注重了器乐在歌剧中的表现力,重视序曲对歌剧的表达及合唱的作用,取得了重大的成功;代表作：奥菲欧与尤丽迪茜、阿尔采斯特、伊菲姬尼在奥利德;改革原因：对正歌剧中的弊端进行改革：a.咏叹调和宣叙调的僵化,b.观众欣赏层面的僵化;c.结构的僵化;d.运用阉人歌手;改革原则：喜剧第一、音乐第二;改革措施：a.去掉阉人歌手和通奏低音的写法;b.提升乐队、合唱以及带伴奏的宣叙调的作用;c.理论上要求歌剧序曲要暗示歌剧的剧情;d.要求音乐符合喜剧所表达的情感;内容：希腊神话,并更为严肃;喜歌剧的含义及其特征18世纪20~30年代,由于启蒙运动对正歌剧的批判,以及正歌剧中出现的弊端,欧洲各国出现了一种具有喜剧因素的新型歌剧;特征：a.内容描述人们日常活动和普通人的生活;b.用本民族的语言来表演;c.结局往往是大团圆;d.使用男低音;类型：意式喜歌剧、法国喜歌剧、德国歌唱剧和英国民谣剧;喜歌剧之争喜歌剧之争又称丑角大战;1752年佩格莱西的女仆作夫人等意大利喜剧到法国巴黎去演出,引起了“喜歌剧之争”;主要是以坚持贵族审美趣味,还是坚持以资产阶级审美趣味的争论;最后以资产阶级的获胜而告终;古典奏鸣曲奏鸣曲起源于17世纪初,与康塔塔相对而言,泛指一切器乐曲;古典奏鸣曲是古典主义时期的一种重要器乐曲体裁,以独奏奏鸣曲为主,一般为三个乐章,形成“快-慢-快”的速度对比;代表人物：C·P·E巴赫、D·斯卡拉蒂、D·阿尔贝蒂;维也纳古典时期,海顿和莫扎特也运用的是三个乐章的形式,而贝多芬有时将三个乐章改称为四个乐章,从而更类似于交响曲的结构形式;交响乐来源：17世纪初意式歌剧中的序曲,“快-慢-快”形式;发展：a.曼海姆乐派奠定了古典交响曲的结构形式为四个乐章,快板;b.柏林乐派奠定了交响曲的体裁范式;c.海顿确立了古典交响曲的结构形式为四个乐章,第一乐章为快板奏鸣曲式;第二乐章为慢板变奏曲式或奏鸣曲式,第三乐章为快板小步舞曲,第四乐章为快板奏鸣曲式或回旋奏鸣曲式;d.贝多芬将这一题材发展并完善;浪漫主义时期：a.交响乐具有文学性和标题性;b.乐章数目不一;c.乐队编制庞大;d.具有民族风格;三大乐派曼海姆乐派是指18世纪以约翰·斯塔米茨为代表在德国南部的曼海姆地区形成的音乐流派;创作风格：a.以主调音乐形式进行创作;b.用表情记号即：渐强、减弱、突强等来烘托音乐气氛;c.乐队编制较为完善;d.奠定了交响乐的结构范式;柏林乐派是指18世纪下半叶,以C·P·E巴赫为代表在德国柏林形成的音乐流派;创作风格：a.风格保守,用复调进行创作;b.运用激情风格来扩大音乐的表现力;c.奠定了古典奏鸣曲的结构,使呈示部的两个主题真正分开,扩大呈示部;维也纳古典乐派只是18世纪末到19世纪初,以海顿、莫扎特和贝多芬为代表在德国维也纳地区形成的音乐流派;特征：a.受启蒙运用影响,以讴歌人的精神和表现自然界的美为主;b.采用主调音乐创作手法,应用清晰的和声、对称的结构、简练的语言以及深刻的内容;c.对交响乐、室内乐、奏鸣曲和协奏曲等体裁进行创作并使之完善;d.具有强烈的感染力和音乐表现力,对后世的作曲家和音乐创作都有很大的影响;浪漫主义音乐特征浪漫主义是指19世纪前后一百多年的西方音乐历史,即浪漫主义作为主导潮流支配和指导着大多数作曲家的时期;音乐特征：a.以表达作曲家的个人情感为主;b.在传统的基础上建立新的基石;c.这是的作曲家已经不将音乐作为谋生的手段,更多的是作为心理和感情的需要;d.弘扬民族精神,民族乐派崛起;e.音乐与其他姊妹艺术相结合出现了标题音乐以及新题材,如：交响诗、音乐会序曲等;f.注重管弦乐队丰富的表现力;艺术歌曲的含义及特征含义：18世纪~19世纪初欧洲盛行的一种抒情歌曲,用诗词作歌词,选曲考究,注重表现人物的情感及内心变化,曲调表现力极强,注重钢琴伴奏;特征：a.选用文学性较强的诗歌作歌词;b.词曲结合十分均称平衡,旋律创作与歌词间搭配自然平衡;c.钢琴伴奏占有重要地位,称为艺术歌曲的血肉而存在;d.注重二度创作及音乐表演;舒伯特历史地位：早期浪漫主义时期奥地利作曲家,在作品中体现出维也纳古典传统与新时期思潮之间的紧密联系;被誉为“歌曲之王”;创作领域：艺术歌曲、钢琴作品、交响乐和室内乐;创作成就：艺术歌曲：致春天、致春天、野玫瑰等;钢琴作品：音乐瞬间等;交响乐和室内乐：第四交响曲、未完成交响曲鳟鱼五重奏等;艺术特征：a.民间、风俗性的歌唱,舞蹈成为了创作的源泉;b.调式和声上的色彩性变化来刻画人物形象、烘托气氛;舒曼历史地位：浪漫主义繁荣时期德国作曲家、钢琴家、音乐评论家;创作思想和实践始终强调音乐感情表现的目的和意义;对德国以及欧洲浪漫主义及民族乐派的音乐家有着深刻的影响;创作领域：钢琴作品、声乐作品、音乐评论;创作成就：钢琴作品：蝴蝶、狂欢节等;声乐作品：妇女的爱情与生活、月夜等;音乐评论：利用新音乐报来阐述自己对音乐和音乐家的观点和主张,创造“大卫同盟”这个虚构组织及成员,并贯穿于所有文章中,他的评论和创作同样充满浪漫气息的幻想;艺术特征：a.精心选用着名诗人的诗歌作歌词,选词相当考究;b.侧重描写人物的内心情感,不仅表达情绪还描写内心细致的变化;c.钢琴伴奏占有重要地位,与歌唱一起承担音乐所表现的情绪及内容;d.用朗诵调式的旋律或钢伴中插入朗诵性旋律的因素;门德尔松历史地位：浪漫主义繁荣时期德国作曲家,他的作品和音乐社会活动对德国音乐的发展起了十分重要的作用;被誉为浪漫主义杰出的“抒情风景画大师”创办德国第一所音乐学院“莱比锡音乐学院”;创作领域：交响曲、标题性序曲、无词歌和其他器乐作品;创作成就：交响曲：意大利交响曲、苏格兰交响曲等;标题性序曲：仲夏夜之梦序曲等;无词歌和其他器乐作品：春之歌、猎歌；清唱剧圣保罗、伊利亚等;艺术特征：作品以精美、优雅、华丽,具有古典艺术的丰厚修养,尊重传统,遵循严谨的古典标准,用音乐抒发自己对自然界、文学、、历史和宗教等各种人生体验;钢琴套曲浪漫主义时期钢琴体裁,是以一个主要主题贯穿于个小曲之间,小曲与小曲之间有一定的联系,与文学联系密切,用标题来说明各小曲的内容;代表人物及作品：舒曼狂欢节、圣桑动物狂欢节、穆索尔斯基图画展览会;无词歌18世纪由门德尔松首创的钢琴特性小品体裁,是浪漫主义时期重要的音乐题材,其表现了门德尔松的喜怒哀乐,对人、对事、对自然的看法;其结构简单,乐思单一,市一中旋律加伴奏的写法;代表作：致春天、威尼斯船歌;韦伯历史地位：19世纪德国作曲家,是欧洲浪漫主义歌剧的先行者,代表作自由射手标志着德国浪漫主义歌剧的诞生;创作领域：主要以歌剧为主,涉及合唱、交响曲、协奏曲、室内乐、钢琴等;创作成就：歌剧自由射手、奥伯龙等;钢琴曲腰舞;艺术特征：a用说话来代替宣叙调,应用民歌素材;b.将序曲真正的达到预示歌剧的情节、内容;c.吸收德国歌唱剧的创作传统;d.运用主导动机的手法,即用以象征某一人物情感、情绪、场景,并将这一人物或情绪与所象征的曲调相互连用的音乐片段;瓦格纳及他的乐剧改革瓦格纳是在欧洲音乐史上十分响亮的名字,他的乐剧创作与文论着作中的思想和观念,不仅影响了西方音乐发展的进程,成为西方音乐史研究的重要文献,也是整个艺术界和哲学领域所关注分析的对象;代表作：特里斯坦与伊索尔德、尼伯龙根的指环等;特征：a.运用无终旋律、整体艺术主导动机的手法来创作歌剧,并将用这种手法所创作的歌剧称为乐剧;b.确立了管弦乐队中三管或四管编制;c.将乐队完全脱离为人声伴奏的地位,成为格局中重要的组成部分;d.运用半音和声化,即模糊调性来创作,创立特里斯坦和弦;乐剧理论：这一想法源自贝多芬,主要运用具有乐队思维的歌剧,表现哲理性的内容,用套曲结构整体艺术,“无终旋律”即将声乐作为乐队中的因素来使用;历史地位：瓦格纳的乐剧集中了19世纪音乐艺术的最高成就,不但传承了以往歌剧的传统,而且又大胆的创造开辟了通向后来发展的道路;他的整体艺术、主导动机、无终旋律、半音和声都预示了西方音乐后来的发展;轻歌剧：指具有讽刺性,喜剧性,诙谐幽默,体裁短小的歌剧;代表人物作品：奥劳巴赫地狱中的奥菲欧等;抒情歌剧：多以文学着作为内容,规模小,风格介于大歌剧与轻歌剧之间;主要表现用真挚朴实的音乐语言创作;代表人物作品：古诺浮士德等;罗西尼浪漫主义时期意大利歌剧作曲家,以创作喜歌剧而名垂青史,其喜歌剧既有反映贫民生活的内容,又有对贵族浮华百态的描绘,内容生动、明快,人物的刻划个性鲜明,戏剧情节十分紧凑,还有完全恰到好处的管弦乐配器;特征：1.宣叙调、咏叹调区分不大;2.应用不断反复的手法达到渐强的目的,被称之为“罗西尼渐强”;3.将歌剧的分曲分为场;代表作：塞维利亚的理发师、威廉·退尔;肖邦与李斯特相同点：a.两位都是钢琴创作大师;b.两位即是钢琴演奏家又是作曲家;c.发扬民族精神;d.18世纪新音乐的代表,主要表现在技法和音色方面的使用;不同点：肖邦：创作纯钢琴化的音乐,发挥钢琴的最大优点,用半音和声化的织体,将旋律隐藏于织体之中,并具有装饰性,节奏表现自由,采用松散性的三部曲式较多;创作体裁：玛祖卡、布洛涅兹、圆舞曲、夜曲、练习曲等;李斯特：他首创了标题交响乐体裁—交响诗;文学性标题性表现较为明显,创作钢琴乐队化的音乐,注重乐队织体及钢琴的力度范围,用动机集合的方式来写作织体,以乐队为主;具有民间性,节奏应用较为整齐,在段落与段落连接处较为自由,多用松散性的二部曲式;创作体裁：匈牙利狂想曲;交响诗19世纪李斯特首创,主要以古典作品和历史传奇为内容,是一种单乐章的,带标题的管弦乐曲;代表人物及作品：李斯特哈姆雷特、普罗米修斯等;音乐会序曲19世纪由门德尔松首创,序曲原指戏剧的前奏,后发展为一种独立的,音乐会性质的,带标题的单乐章的管弦乐曲体裁;代表人物及作品：门德尔松仲夏夜之梦序曲等;民族乐派含义：19世纪30年代~20世纪初,在欧洲除德国、法国和意大利之外,出现了一批立志于发展本民族的音乐的作曲家,他们分别在各自的创作中采用本民族的体裁和民族形式,反映了民族的风情和精神;人们就称他们为民族主义乐派,称他们的音乐为民族主义音乐;原因：受民族文学的影响；厌恶德国、法国和意大利音乐；民族精神的崛起;代表人物及作品：俄国格林卡伊凡·苏萨宁、卡玛林斯卡亚等;特征：扎根于本民族民间音乐的土壤；吸取城市音乐文化的养分；借鉴西欧古典乐派和浪漫乐派的音乐成果;印象主义乐派含义：19世纪末20世纪初受法国文学和绘画的影响下而形成的音乐流派;主要是突破了古典的和声、曲式、调性等方面的传统,注重有机生命在瞬间的印象;代表人物及作品：德彪西牧神午后、拉威尔波莱罗舞曲、马勒千人交响曲等;风格特征：用简短的主题、色彩斑斓的和声、丰富的织体、细腻的配器,通过描绘自然劲舞、生活风俗和神话意境的标题小品,突出主观的瞬间感受和直觉印象,音乐具有朦胧、飘逸、幽静的气氛;表现主义音乐含义：是指第一次世界大战前夕在德奥兴起的一个现代流派;常常与印象主义相对而言,善于抓住人的内心灵魂深处的触觉和情绪;原因：对社会的一种危机感,对艺术和社会既有形式和传统的一种反抗,表达了对社会专横统治、矛盾加剧、动荡不安的强烈抗议;代表人物及作品：勋伯格升华之夜、贝尔格沃采克等;特征：无调性,旋律进行零碎、急剧跳动,极端的力度变化,尖锐不和谐的和弦、不对称的节拍,不清晰的结构;表现紧张、恐惧、绝望的内容,缺乏美感;序列音乐二十世纪五六十年代,在作曲方法上按照固定顺序进行安排的一种音乐;十二音乐是序列。

中西方音乐的发展历程与审美价值差异摘要：音乐它不仅仅是们艺术，它可以超越国界，超越种族，是人类的共同语言。

虽然中西方音乐都收到各自地域、人文，宗教的各方面影响发展成各自独有的模样，但却有着各自不同的魅力。

近些年来，随着经济的发展，中西方文化交流的趋势逐步提升，同时带来的差异也使得两种不同的音乐风格产生了不同的交融与碰撞。

关键词：中西方音乐差异交融碰撞一、中国民族音乐与西方音乐的发展剖析在各个时期历史文化的背景下，中国民族音乐与西方音乐在萌芽和进化的历程中都存在很大的差别，汇聚了各式各样的音乐文化与风格，给世界音乐文化带来了充足的养份，给人类音乐文化的进步带来了重要的贡献1.中国民族音乐的发展剖析在中国五千多年的文化背景下，音乐也跟随历史的脚步发展而来。

由于中国历朝历代的统治者对于音乐的需求很高，同时还会培养很多专门负责宫廷中歌舞工作的人，在活动节日等重要事件的时候，能为宫廷高官表演，为皇帝服务是日常的主要事项，为他们提供娱乐。

中国音乐的发展历程可以分为九个时期。

从社会变更，人类文明的进步来说，古代乐器出现的趋势，直接推动了音乐的产生，人类社会的进步进一步促进了音乐的发展和完善。

第一：远古时期，烧制陶埙，挖制骨哨的出现，先民对于音乐已经有了初步的认识以及审美能力。

第二：夏、商时期，奴隶制社会下音乐形式发生了改变，从氏族变为奴隶主占有的形式。

第三：西周、东周时期，是奴隶制社会由盛到衰的时期，完备的礼乐制度在西周时期建立而成，更加注重对于民歌的收集，注重对风俗的记录，从而保留下来了大量的民歌，我国第一部诗歌总集《诗经》中大雅小雅的出现，也正是证明了两种不同风格，不同地区南北文化的呼应。

第四：秦、汉时期，也正是“乐府"出现的时期，风格从”一人唱，三人和“ 的形式上发展为有丝竹器乐伴奏的曲子，并且曲目结构呈“艳--趋--乱”。

虽然在音乐实践方面这种理论没有多大意义，但体现出了富含精微性的律学思维。

一、填空题1.18世纪中期，佩格莱西的作品（女仆作夫人）在巴黎上演，引发了音乐史上著名的“喜歌剧之争”，由此，改革意大利正歌剧的呼声日趋强烈。

2.室内乐中最经典的体裁是弦乐四重奏，它由（第一小提琴，第二小提琴，中提琴和大提琴）四件弦乐器组成。

3.18世纪的德国出现了三个重要的音乐流派，分别是（曼海姆）乐派，代表作曲家是约翰·斯塔米茨；（柏林）乐派，代表作曲家是K.P.E.巴赫；以及维也纳古典乐派，三位代表作曲家是（贝多芬，莫扎特，海顿）。

4.18世纪典型的古典交响曲通常分（四个）乐章，协奏曲分（三个）乐章。

5.被人们尊称为“交响乐之父”的（海顿），共创作了（108）部交响曲，其做突出的两部清唱剧是（《创世纪》，《四级》）。

6.莫扎特对音乐的最大贡献体现在歌剧领域，他主张“诗必须服从音乐”，创作了一部部世人为之震撼的作品。

他的（《魔笛》）为德国歌唱剧的发展奠定了坚实的基础，（费加罗的婚礼）成为喜歌剧史上具有里程碑意义的作品。

7.协奏曲是莫扎特在歌剧以外成就最突出的领域，他确立了18世纪古典协奏曲第一乐章中（双呈示部和华彩部）的形式，问近代协奏曲的发展做出了重要贡献。

8.韦伯的歌剧（魔弹射手）标志着德国民族歌剧，浪漫主义歌剧的诞生。

9.乐剧是德国音乐家(瓦格纳)首创的歌剧体裁，代表作有（尼伯龙根的指环，莱茵的黄金，女武神）等，在作品中他倡导（整体艺术，无终旋律，主导动机）等手法。

10.浪漫主义时期的代表法国喜歌剧最高成就的是作曲家（比才）和他的作品（卡门）。

11.浪漫主义才初期意大利歌剧的三个代表是（罗西尼，唐尼采蒂，贝里尼），威尔第是意大利浪漫主义歌剧的集大成者，而（普契尼）的歌剧在艺术性和思想性上以真是主义歌剧为基础，他的优秀歌剧作品有（绣花女，托斯卡）等。

12.“艺术歌曲之王”（舒伯特）创作了600多首艺术歌曲，两部声乐套曲（美丽的磨坊女，冬之旅）。

此外，他还创作了九部交响曲，其中（第九交响曲）只有两个乐章。

简述西方音乐美学史的发展脉络一、古希腊时期：决定音乐美学的基础在古希腊时期，音乐被广泛运用于宗教、娱乐和教育等领域，因此产生了对音乐的审美思考。

古希腊哲学家毕达哥拉斯认为音乐与数学之间存在一种奇妙的关联，并提出了“音乐数论”的理论。

他认为音乐既是可感知的声音，也是一种可计算的数学结构。

另一位哲学家柏拉图回应了毕达哥拉斯的理论，进一步强调了音乐对于灵魂的影响力。

他认为音乐是一种有力的教育工具，能够培养人们的品格和道德。

二、中世纪：宗教音乐的主导地位在中世纪，宗教音乐占据了主导地位。

教會希望通过音乐来引导人们进入宗教仪式的氛围。

这一时期的音乐被认为具有神圣性和崇高性，注重舍弃个体情感，追求音乐的普适性和纯粹性。

所以，音乐被视为一种被神所创造的纯粹的声音艺术。

三、文艺复兴时期：对人类的重视文艺复兴时期，人们开始对人类的自我意识和个体情感的重视。

作曲家开始将音乐与诗歌和戏剧相结合，创造出更具情感表达的音乐作品。

音乐美学逐渐从宗教转向人文。

该时期的音乐理论家们开始探讨音乐的表现力、情感表达和审美标准等问题。

著名的音乐理论家卡米洛·辛多（Giovanni Camillo Maffei）提出了“音乐化的形象”的概念。

他认为音乐不仅可以模仿自然界的声音，还可以表达人类的情感和思想。

四、巴洛克时期：音乐和理性的辩论巴洛克时期是音乐美学发展的一个重要时期，其中以德国音乐理论家约翰·马提亚斯·罗特（Johann Mattheson）和约翰·亨利克·布脱纳（Johann Heinrich Buttstett）最具代表性。

罗特强调音乐的理性和审美价值，认为音乐美是可以通过逻辑和数学方法来测定的。

而布脱纳则认为音乐是一种可以表达人类内心情感的语言，主张音乐应该具有情感表达和感染力。

五、古典时期：形式与风格的完美统一古典时期的音乐美学以奥古斯特·埃贡（August Wilhelm Ambros）和荷塞茨基（Adolf Bernhard Marx）为代表，他们关注音乐作品的结构、形式和风格。

西方音乐的审美追求西方音乐是世界上最古老、最深厚的音乐体系之一，它拥有着悠久的历史和丰富的多样性。

从古典音乐到流行音乐，西方音乐一直在不断地演变和发展。

背后隐藏着西方音乐的审美追求，这种追求贯穿于音乐的创作、演奏和欣赏的全过程，深深地影响着西方音乐的发展方向和风格特点。

西方音乐对于音乐创作的审美追求体现在作曲家对于乐曲结构和和声的追求上。

古典音乐作曲家如巴赫、莫扎特、贝多芬等在他们的作品中追求对称、清晰和谐调的和声结构，他们追求音乐的完美和纯粹，将音乐创作提升到了一种艺术的境界。

而在20世纪，莱特和斯特拉文斯基则提出了新的音乐审美观，他们试图打破传统的和声规则和结构，追求更加复杂和变化多端的音乐形式，这种审美趋势影响了20世纪音乐的整体方向。

西方音乐在音乐创作的过程中，一直强调对和声、结构和形式的追求，这成为了西方音乐的独特之处之一。

西方音乐在音乐演奏和表演的过程中也体现出了对于音乐的审美追求。

古典音乐作为西方音乐的重要组成部分，要求演奏者在演奏时要严格遵循乐谱上的指示，精准地表达作曲家的创意和意图。

演奏者需要通过对音乐的深度理解和技术的熟练掌握，才能够达到音乐作品最完美的表达。

而在流行音乐方面，演唱者和乐手们注重表演的个性与魅力，他们会在演出中加入一些即兴或变化的动作，以求音乐表演更加生动和有趣。

这种追求音乐表演的审美特点，使得西方音乐在表演过程中充满了活力和活泼的特质。

西方音乐在音乐欣赏的过程中也具有自己独特的审美追求。

古典音乐常常要求听众在欣赏音乐时要静心聆听，全神贯注地沉浸在音乐的世界里，以感受音乐作品所传达的情感和内涵。

而在流行音乐方面，听众更加注重音乐的节奏感和吸引力，他们倾向于通过音乐来表达自己情感，因此流行音乐的影响力更大，也更受大众欢迎。

不论是古典音乐还是流行音乐，西方音乐的欣赏过程中都要求听众具有一定的音乐品味和鉴赏能力，以便更好地理解和欣赏音乐作品的艺术价值。

高中一年级音乐教案西方音乐史概述一、引言西方音乐史是音乐教育中非常重要的一部分内容。

了解西方音乐史可以帮助学生更好地了解音乐的发展脉络，提高音乐鉴赏能力。

本教案将概述西方音乐史的主要时期和代表性作曲家，为学生打下音乐历史的基础。

二、古希腊罗马时期古希腊罗马时期是西方音乐史的起源。

古希腊和罗马人对音乐的研究和发展起到了重要的推动作用。

古希腊的音乐主要是合唱和器乐，而罗马则更加注重音乐的宫廷艺术性和娱乐性。

三、中世纪音乐中世纪音乐是指公元5世纪至公元15世纪的音乐发展时期。

这个时期的音乐主要是教会音乐，宗教赋予了音乐非常重要的地位。

著名的中世纪音乐包括格里高利圣咏、祈祷赞歌等。

这些音乐风格简单，以宗教性质为主。

四、文艺复兴时期音乐文艺复兴时期是西方音乐史上一个重要的时期。

在这个时期，音乐开始与人文主义运动相结合。

作曲家们开始尝试创作各种声乐作品，如宗教合唱、歌剧、马德里哲理剧等。

著名的文艺复兴时期作曲家有帕勒斯特里纳、蒙台威奇等。

五、巴洛克时期音乐巴洛克时期是西方音乐史上的一个重要时期，这个时期的音乐以庄重和华丽为特点。

巴洛克音乐注重音乐和故事的结合，强调曲式和对位法的运用。

著名的巴洛克时期作曲家有巴赫、亨德尔等。

六、古典时期音乐古典时期是西方音乐史上的又一个重要时期。

这个时期的音乐更加注重对称与平衡的构思，节奏更加统一。

古典时期作曲家们创作的音乐通常具有旋律优美、曲式清晰的特点。

著名的古典时期作曲家有莫扎特、贝多芬等。

七、浪漫时期音乐浪漫时期音乐在古典时期基础上进一步发展，注重情感表达和音乐故事的叙述。

这个时期的音乐更加富于创造力和个性化，使用的乐器也更加多样化。

著名的浪漫时期作曲家有肖邦、舒伯特等。

八、现代音乐现代音乐是指20世纪初至今的音乐发展阶段。

现代音乐以多样性和实验性为特点，包括了各种流派和风格，如爵士乐、摇滚乐、电子音乐等。

著名的现代音乐作曲家有斯特拉文斯基、科布郎等。

九、总结通过对西方音乐史的概述，我们可以了解到音乐发展的脉络和不同时期的特点。

简述西方音乐美学史的发展脉络本文从网络收集而来，上传到平台为了帮到更多的人，如果您需要使用本文档，请点击下载按钮下载本文档（有偿下载），另外祝您生活愉快，工作顺利，万事如意！研究西方音乐美学应站在西方哲学、美学思想体系上，与西方各个历史时期的宗教、政治及各种人文科学的思想体系结合起来研究。

同时，西方大量存留的艺术家、艺术流派作品更有助于我们对同时期音乐思想史的研究。

因为西方自古希腊以后，其音乐美学思想体系基本上是建立在音乐实践基础上的。

公元前6世纪的哲学家、数学家毕达哥拉斯用数来测量琴弦的长度，发现弦长的比例越简单，发出来的声音就越和谐。

通过音的和谐来自于数的比例这一主张，来探讨音乐美的本质。

和谐是来自于宇宙规律，音乐作为天体中的规律，对人的内心具有“净化”的所用。

古希腊客观唯心主义哲学代表柏拉图也将“和谐”理论推广发挥，在他的美学思想中，音乐的美都源于道德和心灵，这也进一步延续了毕达哥拉斯的“净化”观，提出“音乐美育”。

音乐对青少年性格形成起着积极作用。

亚里士多德也在音乐美学的研究领域肯定了音乐的社会功能和教育作用，认为音乐作用于情感，所以可以达到“音乐美育”的作用。

在社会意识形态方面，音乐具有重要的调节功用。

古希腊的哲学家与美学家认为，美是形式，倾向于把形式作为美与艺术的本质。

在毕达哥拉斯学派看来，艺术产生于数及其和谐，而这和谐就关涉形式的问题。

柏拉图把形式分为内形式与外形式，这里的内形式指艺术观念形态的形式，它规定艺术的本源和本质；而外形式则指摹仿自然万物的外形，它是艺术的存在状态的规定。

在古希腊，关于美与艺术的观念背后，诸神与理论理性成为思想的规定性。

到了古罗马时期，实用、功利之风盛行，总体而言，在美学思想上缺乏独到的成就，虽然在某些方面也有一些进步。

中世纪教会教父用音乐来宣扬教义，影响人的情感，同时又禁止世俗人民自由表现情感的音乐，因此，这时期对音乐美的认识是建立在神权基础之上的。

在音乐的实践方面，经常可以发现宗教神权与世俗音乐的对立。

初三音乐教案西方古典音乐的鉴赏与欣赏初三音乐教案—西方古典音乐的鉴赏与欣赏引言：音乐是人类的一种艺术形式，也是一种文化的表达方式。

西方古典音乐作为世界上最重要的音乐形式之一，具有悠久的历史和丰富的内涵。

在初三音乐教学中，通过引导学生进行西方古典音乐的鉴赏与欣赏，不仅可以开拓学生的音乐视野，培养学生的音乐素养，还可以提升学生的审美能力和文化修养。

本文将针对西方古典音乐的鉴赏与欣赏在初三音乐教学中的应用进行探讨。

一、西方古典音乐的历史背景与特点西方古典音乐起源于欧洲，时期跨度长达几个世纪，包括巴洛克、古典、浪漫等不同的时期。

这些时期的音乐作品在音乐形式、风格和表达方式上略有不同，但都体现了西方古典音乐的独特之处。

西方古典音乐作品通常使用乐谱来记录，具有明确的旋律、和声和节奏，注重对情感的表达和音乐结构的建立。

二、西方古典音乐的代表作品欣赏1. 巴赫的《小步舞曲》巴赫是巴洛克时期最著名的作曲家之一，他的《小步舞曲》体现了典型的巴洛克风格。

这首曲子在急促的小步舞曲节奏中，展示了巴洛克音乐的复杂和谐。

学生可以通过欣赏和分析这首曲子，了解巴洛克音乐的特点和特色。

2. 莫扎特的《安魂曲》莫扎特是古典时期最重要的作曲家之一，他的《安魂曲》是古典音乐中的经典之作。

这部作品以深情的旋律和动人的和声展现了莫扎特独特的音乐风格和情感表达能力。

学生可以通过欣赏莫扎特的《安魂曲》，领略古典音乐的魅力和内涵。

3. 贝多芬的《第九交响曲》贝多芬是浪漫时期最杰出的作曲家之一，他的《第九交响曲》被誉为西方古典音乐的巅峰之作。

这部交响曲以其庄严崇高的乐章和震撼人心的合唱段落而著名。

学生通过欣赏这部名作，可以感受到贝多芬音乐的激情和情感的表达。

三、西方古典音乐的鉴赏方法与技巧1. 了解作曲家和作品的背景在进行西方古典音乐的鉴赏与欣赏时，了解作曲家和作品的背景是很重要的。

学生可以通过了解作曲家的生平和作品的创作背景，更全面地理解并欣赏作品的内涵和风格。

西方音乐的审美追求西方音乐的审美追求可以从多个方面来进行探讨，包括音乐的构成要素、音乐的表现形式、音乐的历史演变等。

西方音乐的审美追求是一个复杂而多样的话题，下面将从不同的角度对其进行分析和探讨。

西方音乐的审美追求可以从音乐的构成要素来进行分析。

音乐的构成要素包括旋律、和声、节奏、动态、音色等。

在西方音乐中，旋律是音乐的灵魂，是最主要的音乐构成要素之一。

审美追求中，旋律需要具有优美、流畅、易记、富有表现力等特点。

和声是西方音乐中非常重要的构成要素之一，审美追求中，和声需要具有协调、和谐、丰富、多变等特点。

西方音乐对和声的要求非常高，追求丰富多彩的和声变化，以展现音乐的层次和丰富性。

在节奏方面，西方音乐注重节奏的准确和明晰，在审美追求中，追求节奏的多样性和灵活性。

西方音乐还注重动态和音色的变化，审美追求中，需要根据音乐的情感表达和表现效果，恰到好处地运用动态和音色的变化。

西方音乐的审美追求从音乐的构成要素来看，主要追求旋律的优美和流畅、和声的丰富和多变、节奏的准确和灵活、动态和音色的恰到好处。

西方音乐的审美追求还可以从音乐的表现形式来进行分析。

西方音乐具有多种不同的表现形式，包括交响乐、歌剧、室内乐、协奏曲等。

在审美追求中，不同的音乐表现形式有着不同的审美追求。

在交响乐中，西方音乐追求音乐的宏伟和雄壮，音乐需要具有大规模的管弦乐配置，音乐需要具有丰富的变化和表现力。

在歌剧中，西方音乐追求音乐和剧情的融合，追求音乐和歌词的完美结合，以展现音乐的戏剧性和感染力。

在室内乐和协奏曲中，西方音乐追求器乐演奏的多样性和精湛技艺，追求音乐表现形式的精致和高雅。

西方音乐的审美追求在音乐的表现形式上体现为对音乐特点和情感表达的多样追求。

西方音乐的审美追求是一个复杂而多样的话题。

它可以从音乐的构成要素、音乐的表现形式、音乐的历史演变等多个方面来进行分析和探讨。

在不同的音乐表现形式和不同的历史时期，西方音乐的审美追求都有着不同的特点和发展趋势。

西方音乐的审美追求西方音乐的审美追求是一个十分广泛的话题，因为西方音乐历史悠久，发展至今已经有数千年的时间，不同的时代与地域之间也产生了很大的差异。

但是，总体而言，西方音乐的审美追求可以归纳为以下几个方面。

第一，音乐的表达力与意义。

西方音乐倾向于通过音乐形式来表达某种情感、思想或者意义，音乐不仅是一种娱乐形式，更是一种传达情感和思想的艺术表现形式。

从巴赫的宗教音乐到贝多芬的交响曲，再到现代的流行音乐，西方音乐一直致力于通过音乐来表达对现实生活的思考和感悟。

第二，音乐的构成与技巧。

西方音乐注重音乐技巧与创作理论的发展，艺术家们在创作过程中不断地探索和创新。

比如，在古典音乐时期，音乐家们专注于探索和发展和声、节奏和旋律等方面的技巧，而在现代音乐领域中，则更注重于声音效果、采样和混音等技术。

第三，音乐的美学价值。

西方音乐注重音乐的美学价值，不同的音乐流派和风格都有独特的美感体验，其中又以古典音乐最为典型。

古典音乐以其悠久的历史和精湛的技巧为人们所熟知，作品中呈现出的音乐结构、和声、旋律等元素，都是经过高度艺术处理和精进技术的表现。

现代音乐则注重音乐节奏、音效和情感表达，吸引了大量年轻的听众。

第四，音乐的文化包容性。

西方音乐在文化交流过程中具有极强的包容性，吸收了众多不同地域、文化和民族的音乐元素，并且通过融合创作出新的风格和流派。

比如，拉丁音乐、爵士乐、摇滚乐、流行音乐等都是吸收了不同地域和文化的音乐元素而创造的音乐形式。

总之，西方音乐的审美追求除了表达力和意义以外，还注重音乐构成和技巧、美学价值以及文化包容性。

这些共同点与差别构成了西方音乐的丰富多彩和不可思议的魅力，也极大地推动了西方音乐的发展和创新。

西方音乐的审美追求音乐是人类文化中的重要组成部分，它以其独特的魅力和表现形式成为世界各国人民生活中不可或缺的一部分。

在西方文化中，音乐具有独特的审美追求，这种追求在不同的历史时期和不同的音乐风格中得到了充分展现。

西方音乐的审美追求包含了对音乐作品的创造力、表现力、情感和技巧等多方面的要求，这些追求塑造了西方音乐的独特魅力和影响力。

西方音乐的审美追求体现在对音乐作品创作的要求上。

在西方音乐传统中，创作是音乐家们最为重视的部分。

他们追求创新和独特性，希望通过音乐作品表达出自己的思想和情感。

在不同的音乐时期，西方音乐家们通过不同的创作手法和风格，创作出了许多经典的音乐作品，例如巴洛克音乐时期的巴赫、古典音乐时期的贝多芬、浪漫音乐时期的肖邦等，他们的作品都代表着当时的音乐审美追求，成为了西方音乐史上的重要篇章。

西方音乐的审美追求还体现在对音乐表现力的要求上。

音乐是一种语言，通过音乐家们的表演，音乐作品得以生动地展现出来。

在西方音乐传统中，对音乐表现的要求十分严格，音乐家们追求完美的表演技巧和情感的传达，希望能够将作品中的每一个细节都表现得淋漓尽致。

西方古典音乐中的乐器演奏和声乐表演都十分重视技术和情感的结合，音乐家们通过不断的练习和探索，使得他们在音乐表现方面取得了卓越的成就。

西方音乐的审美追求还体现在对音乐情感的要求上。

音乐是一种情感的表达方式，西方音乐家们追求能够通过音乐作品表达出自己的内心世界，触动听众的情感。

在西方音乐中，情感的表达是音乐作品的一大特色，不论是悲伤、喜悦、愤怒还是温柔，西方音乐家们都希望通过音乐作品传达出这些情感，使得听众能够身临其境地感受到音乐所带来的情感冲击。

西方音乐作品往往具有较为丰富和深刻的情感，能够带给听众强烈的心灵震撼。

【古希腊、罗马时期的音乐特点】1、单声音乐织体2、音乐、诗歌、舞蹈紧密结合3、记谱采用字母谱（只有音高，无节奏音乐概念）4、产生了最初的音乐理论5、出现了简单的乐器【古希腊音乐起源】古希腊的音乐作品虽然没有直接流传下来，但是它的音乐文化精神却深深的影响着西方音乐的历史，音乐与古希腊人的社会生活密不可分【古希腊音乐体裁】音乐、文字、舞蹈是结合在一起的，荷马史诗《伊利亚特》和《奥德赛》是弹唱诗人在漫游途中吟唱的【古希腊乐器】1、最早的弦乐器：里拉琴2、最早的管乐器：阿芙洛斯管【古希腊理论】哲学家毕达哥拉斯、柏拉图、亚里斯多德他们的论述涉及音乐的社会道德及审美作用【悲剧】是一种包括戏剧、诗歌、音乐、舞蹈的综合艺术【古希腊记谱】古希腊用希腊字母记谱，单音音乐【各个时期】1、荷马时期：前12世纪~前8世纪2、古典时期（音乐最为盛行）：前5世纪~前4世纪3、希腊化时期：前4世纪~前1世纪【古罗马最大的特点】军乐【格里高利圣咏】由罗马教皇格里高利在位时期收集并整理的单音音乐，曲调朴素，唱词为拉丁文圣经，采用教会调式，是欧洲音乐史上最早有详细记录的音乐作品【奥尔加农的形式】1、平行奥尔加农2、平行奥尔加农的变体3、自由的或反向的奥尔加农4、花唱式奥尔加农5、狄斯康特【经文歌】13世纪后期盛行的一种无伴奏合唱复调音乐，它是在二声部的克劳苏拉的基础上发展而来的，原本二声部克劳苏拉的上方声部没有歌词，后来有人将其填上了歌词。

这种上方声部有歌词的克劳苏拉就是经文歌。

在13世纪，最典型的经文歌是三声部的，且有“复歌词”的现象出现；即圣咏旋律声部的拉丁歌词与上方两个声部的法语歌词混在一起，通常情况下，两种歌词表达的内容也不一样【游吟诗人的音乐风格】游吟诗人的歌曲大多是单声的，即兴弹唱时常加上伴奏，南方歌词分句不明确，旋律优美细腻，节奏比较复杂自由，而北方歌曲则比较朴实直率，与民歌接近，旋律轮廓分明规整【宗教音乐与世俗音乐的区别】1、在表演场所方面：宗教音乐是在教堂和宗教活动中运用的，除此之外运用的音乐则是世俗音乐2、在声乐演唱方面：宗教音乐为复调的圣咏，采用拉丁文歌词，而世俗音乐多是单声音乐，用方言演唱，即形成分居多3、在调式运用方面：宗教音乐采用教会调式，而世俗音乐较多使用伊奥尼亚和爱奥尼亚调式4、在乐器方面：宗教音乐开始只是无伴奏的单纯音乐13世纪后管风琴成为教堂的伴奏乐器，但禁用其他一切乐器；世俗音乐则使用了民间流行的一切乐器，包括了弦乐、弹拨乐和管乐器等【兰迪尼式中止】T—S—D—D7—Ⅵ六级—T【新艺术时期的音乐特点】1、节奏有了新发展，较以前自由2、旋律更加丰富、流畅，并有了一定个性3、复调手法更加复杂、多样化，有了终止式雏形【文艺复兴时期的四个乐派】1、勃良第乐派：代表作曲家杜费、班舒瓦2、弗兰德斯乐派：代表作曲家奥克冈、若斯坎、拉索3、罗马乐派：代表作曲家帕勒斯特里那4、威尼斯乐派：代表作曲家维拉尔特、A·加布里埃利、G·加布里埃利（叔侄俩创作了双重合唱）【双重合唱】由威尼斯乐派的加布里埃利叔侄首创，两组合唱，8到12声部，两架管风琴或乐队，音箱宏大，场面堂皇，富于表现力【牧歌】源于意大利，根据短小诗句改编，无伴奏合唱，多为爱情题材，富有诗意（1530年）【香颂】又称尚颂、歌谣曲，16世纪在法国广泛使用，表现生活场景，手法自由生动，带有一定的造型性【羽管键琴】羽管键琴，拨奏弦鸣乐器。

简述西方音乐美学史的发展脉络【摘要】西方音乐美学史是音乐发展历程中不可或缺的一部分，通过对古希腊时期、中世纪、文艺复兴时期、巴洛克时期、古典主义时期、浪漫主义时期以及20世纪以后的音乐美学的探讨，我们可以看到西方音乐美学在不同历史时期的变迁与演进。

古希腊时期注重音乐与哲学的结合，中世纪强调音乐的宗教性质，文艺复兴时期注重音乐与文学艺术的融合，巴洛克时期强调情感表达，古典主义时期强调理性与规则，浪漫主义时期则追求个性与情感的表现。

而20世纪以后的音乐美学更加注重实验与创新。

通过对西方音乐美学史的研究，我们可以更好地了解音乐的发展脉络，同时也能够从中获得一些启示和对音乐艺术的新思考。

【关键词】西方音乐美学史、发展脉络、引言、古希腊时期、中世纪、文艺复兴时期、巴洛克时期、古典主义时期、浪漫主义时期、20世纪以后、影响、启示。

1. 引言1.1 西方音乐美学史的重要性西方音乐美学史是对西方音乐发展和演变过程中的美学思想和价值观进行系统整理和总结的历史。

西方音乐美学史的重要性体现在以下几个方面：西方音乐美学史可以帮助我们了解音乐在西方文化中的地位和作用。

通过对西方音乐美学史的研究，我们可以看到音乐是如何在不同历史时期扮演着不同角色的，从古希腊的音乐与哲学结合，到巴洛克时期的音乐作为宗教和政治工具，再到浪漫主义时期的音乐成为情感表达和个人创作的重要手段，每个时期的音乐美学都反映了当时社会文化的特点和价值取向。

西方音乐美学史可以帮助我们理解音乐美学思想的发展和演变。

通过对古希腊时期的音乐美学、中世纪的音乐美学、文艺复兴时期的音乐美学等不同时期的美学思想进行比较和分析，我们可以看到音乐美学是如何随着时代的变迁而不断发展和演进的，同时也可以发现不同音乐美学思想之间的联系和影响。

西方音乐美学史可以启发我们对音乐的审美和创作。

通过对西方音乐美学史中各种不同的美学观念和理论进行研究和思考，我们可以汲取其中的营养和灵感，从而丰富和深化自己对音乐的理解和表达。

西方音乐史年表第一节——古代希腊和罗马音乐古希腊音乐时期代表人物音乐风格特色代表作品优秀贡献（音乐思想）古希腊毕达哥拉斯音乐能够最好的说明提出“友善论”西方第一个以理论方式（古希腊哲学家和数学宇宙现象。

来说明和讲解音乐现象家，古希腊音乐理论的奠的人基人）都认为音乐拥有伦理柏拉图认为应该禁止某柏拉图道德的性质，音乐可《理想国》些音乐的使用，要使用（古希腊哲学家）以影响人的性格、行《法律篇》合适的音乐来进行美育为和思想，不一样的调式会让人产生不一样的感情反响；都认为音亚里士多德认为音乐可亚里士多德乐拥有教化作用，进以用来娱乐，音乐是对人（古希腊哲学家）而必然了音乐的社会《政治学》的感情的模拟。

作用。

1、《友善的要素》的核心内容是四音音列，有关调阿拉斯多赛诺斯最早提出“四音音列”《友善的要素》式、音阶等理论都成立在四音音列基础之上。

2、提出两套完满系统：大完满音列系统和小完整音列系统。

总结1、古希腊音乐是孕育西方音乐的源泉。

2、古希腊音乐是单声部音乐，有自然音种类以及自然音与各种变化音（半音或小于半音）混杂的旋律风格，音乐同舞蹈、诗歌亲近结合，歌唱时能够有乐器伴奏，用字母记谱，歌词经常是当时一些重要的诗篇。

3、西方音乐的主体是在“友善论”的影响下发展的。

第二节——中世纪音乐（公元 5 世纪西罗马消亡到 14、 15 世纪）第一阶段格里高利圣咏基本特色：用于：音乐风格：（ 5— 10 世1、单声部、无伴奏的1、日课1、音节式纪）纯人声音乐。

2、弥撒2、音团式2、表达经文的一种歌3、圣咏式曲。

4、花唱式3、无节拍、即兴式4、以自然音阶为基础5、音乐旋律风格肃穆、朴实。

表情超脱沉稳。

第二阶段复调音乐在圣咏旋律的上方或孔杜克图斯的多声部复调音乐的产生（ 11— 13 世下方依靠一条平行四《赞美至贞的圣对于西方音乐历史拥有纪）度或五度的旋律与它母》、经文歌《有划时代的意义：它促成了作对应。

些人忌妒 - 爱情声部协和的对位准则的伤害人心 - 慈悲确立，推进了节奏和记谱经》理论的发展，唤起了理性的作曲意识。

第1篇摘要：本文旨在通过对西方音乐史的深入研究，探讨从古典主义到现代主义时期，西方音乐在文化背景、审美观念、音乐形式等方面的变迁。

通过对各个时期的音乐作品、音乐家及其理论著作的分析，揭示西方音乐发展的内在逻辑和文化动力，以期为我国音乐教育者和研究者提供有益的借鉴。

一、引言西方音乐史是研究西方音乐发展历程的重要学科，它涵盖了从古希腊时期到现代音乐的各个阶段。

从古典主义到现代主义，西方音乐经历了从形式到内容、从宗教到世俗、从单一到多元的巨大变革。

本文将从以下几个方面对这一课题进行探讨：二、古典主义时期（约1600-1750年）1. 文化背景：文艺复兴时期人文主义的兴起，对音乐产生了深远的影响。

音乐从宗教的束缚中解放出来，开始关注人的情感和审美需求。

2. 审美观念：古典主义音乐强调平衡、对称和秩序，追求形式上的和谐与统一。

3. 音乐形式：巴洛克音乐和古典音乐是这一时期的代表。

巴洛克音乐以复调为主，强调旋律与和声的对比；古典音乐则以主调为主，注重旋律的流畅性和和声的清晰度。

4. 音乐家与作品：巴赫、亨德尔、海顿、莫扎特等音乐家的作品代表了古典主义音乐的巅峰。

三、浪漫主义时期（约1750-1900年）1. 文化背景：启蒙运动、工业革命和民族主义思潮的兴起，对音乐产生了深远的影响。

2. 审美观念：浪漫主义音乐强调情感的表达，追求个性化和自由化。

3. 音乐形式：交响曲、协奏曲、室内乐、歌剧等体裁得到充分发展。

4. 音乐家与作品：贝多芬、舒伯特、门德尔松、肖邦、李斯特、瓦格纳、勃拉姆斯等音乐家的作品代表了浪漫主义音乐的辉煌。

四、现代主义时期（约1900年至今）1. 文化背景：两次世界大战、现代科技革命和全球化进程，对音乐产生了巨大影响。

2. 审美观念：现代主义音乐追求创新和多样性，突破传统音乐形式和技巧的束缚。

3. 音乐形式：十二音技术、序列音乐、电子音乐、爵士乐、摇滚乐等新兴音乐形式层出不穷。

4. 音乐家与作品：斯特拉文斯基、肖恩伯格、韦伯恩、贝尔格、巴托克、普朗克等音乐家的作品代表了现代主义音乐的探索。

1、J.S巴赫巴洛克时期德国作曲家在欧洲音乐史中具有十分重要的地位，被称为“现代音乐之父”，他使复调音乐风格达到了最高度的成熟性和繁荣，同时为新的主调和声风格准备了先决条件。

巴赫的作品：宗教作品：《马太受难乐》、《b小调弥撒》《约翰受难乐》古钢琴作品：《创意曲》、《平均律钢琴曲集》、《法国组曲》、《英国组曲》《德国组曲》《帕蒂塔》《无伴奏小提琴奏鸣曲和帕蒂塔》管弦乐曲：《勃兰登堡协奏曲》复调方面《戈登堡变奏曲》《音乐的奉献》《赋格的艺术》其中《平均律钢琴曲集》被誉为“钢琴家的《旧约全书》”艺术成就：1、《平均律钢琴曲集》有力的证明的平均律的优越性，开辟了欧洲音乐的新天地。

2、把复调音乐提高到前所未有的高度，表现在《音乐的奉献》《赋格的艺术》。

3、是钢琴协奏曲的奠基者，为解放手指作了重要贡献。

艺术特点：他的旋律更加器乐化、个性鲜明而精练。

他将丰富的和声、调性的转换，融于赋格曲这类复杂的高级的复调形式之中。

他的和声表现得充实而富于变化，常常用半音进行，节奏在音乐中的地位突出。

高度的复调思维与新颖生动的主惆手法升_用的成就，使巴赫成为音乐史上一个继往开来的关键人物。

3、舒伯特舒伯特。

奥地利作曲家，早期浪漫主义潮流的代表，被誉为舒伯特被誉为“艺术歌曲之王”代表作：声乐《魔王》、《野玫瑰》、《鳟鱼》、《圣母颂》、《小夜曲》、《摇篮曲》声乐套曲《东之旅》、《天鹅之歌》钢琴曲《即兴曲》、《音乐瞬间》、《流浪幻想者之歌》室内乐《鳟鱼钢琴五重奏》、《d小调弦乐四重奏》交响曲《第八（未完成）交响曲》、《第九（伟大）交响曲》艺术特点：艺术歌曲一般选用著名诗人的诗歌为词。

尊重语言的重音和音调，根据诗歌的形式和内涵来创造旋律。

旋律与诗歌之间达到一种均衡关系。

他总是使音乐的形式与诗歌的结构相称。

大多数歌曲都采用分节歌形式，和声用大小调交替。

钢琴伴奏起到提示场景，传达诗歌意境的作用。

钢琴伴奏还起到把歌曲的各个部分组合起来，达到音乐完整统一的作用。