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这篇关于⼉童⼩提琴知识：⼩提琴的⾳调问题解析，是特地为⼤家整理的，希望对⼤家有所帮助！有关⼩提琴的调，可以从许多⽅⾯谈，因为侧重⾯太多，只是不知从哪⽅⾯谈起更好，就⼀直没有总结，⽐如1怎样从调号和旋律读出，作品的调性。
2⼩提琴⼀般练习的⼩调与钢琴⼩调的不同。
3研究调性，对演奏作品所起的重要作⽤。
4⾳阶练习中调及调性性的运⽤。
5应当⼗分重视⼩调⾳节的练习。
6 ⼩提琴⾳节练习作品的深度分析。
7有关⾳节练习中多调号及⼩调⾳节练习的指法问题。
8关于⼤调与⼩调的问题。
9有关⾸调与固定调的应⽤。
等等，这些问题侧重不同。
怎样放在⼀个主题⾥，既不凌乱，⼜较为详尽，互相关联。
1；调号与调性； ⼀个调号，⽆论它⼏个升降号，我们仅从他的标注中是读不出是什么调的。
因为同样的调号有关系⼤⼩调的区别，在⼩调中⼜有⾃然⼩调，旋律⼩调和声⼩调等许多的不同。
即就是不讲其它的只说⾃然⼤调和旋律⼩调，24个调。
我们记起来也是较⿇烦的。
我们应当有⼀个简单的理解，有⼀个不⽤去死记硬背⼀眼就能看出他是什么调的⽅法。
我的⽅法是。
升号的最后⼀个升⾳是⼤调的7(XI）即主⾳在他的上⽅。
上⽅⾳是什么⾳名，他就是什么⼤调。
降号最后⼀个降⾳是⼤调的4（fa)即向下推算四个⾳就是此⼤调的主⾳，下⽅第四个⾳的⾳名就是此⼤调的⾳名。
2；判断是否是关系⼩调 再看四⾳(即主⾳的上⽅第四⾳）如三⾳与四⾳构成⼤⼆度。
他就具备了关系⼩调的特点，⽆疑，它⼀定是以此主⾳下⽅三⾳为主⾳的关系⼩调，主⾳下⽅的三⾳的⾳名是什么，他就是什么⼩调，如果主⾳的上⽅第四⾳与三⾳构成⼩⼆度。
它就是此主⾳的⼤调。
3；判定好⼤⼩调的名⾳ 这⾥要注意判定好⼤⼩调的名⾳后，再在调号中看它是不是变化⾳，如升降了，它就同样读为升什么调。
或将什么调。
⼩提琴中的⼩调，⼀般为旋律⼩调。
钢琴中的⼩调⼀般是和声⼩调。
4；三种⼩调 （旋律⼩调；和声⼩调；⾃然⼩调）讲到这⾥；引出了三个⼩调。
有必要阐述⼀下它们。
析林耀基的耳朵一提琴教育大师，中央音乐学院教授林耀基，已做我们西安音乐学院管弦系特聘教授多年，为学院培养的几个尖子学生已经成为我们系的骨干。
其中林老师的一名弟子还获得了全国音乐“金钟奖”的三等奖，填补了西安音乐学院在这方面的空白，实现了西安音乐学院小提琴专业参加全国大赛获奖零的突破。
林耀基教授除了个别辅导我们系的学生外，还率他的弟子举行音乐会和公开大师课。
为了进一步研究林耀基小提琴教学的宝贵经验，我们西安音乐学院还专门成立了林耀基小提琴艺术中心。
我是管弦系的专业教师，同时又是系主任，所以林耀基教授每次来西安音乐学院，我都不失时机地观摩他的教学，并向他请教相关问题，几年下来，有了一些心得，现在拿出来以征求同行的批评指正。
二林耀基的小提琴教学，已有多人研究，如杨宝智论林耀基的三篇文章（发表在《中央音乐学院学报》上），张帆论林耀基的文章（发表在《人民音乐》上），赵世民评述林耀基的文章（发表在《中国文艺家》上）等等，这些文章有的从音乐的角度，有的从哲学的角度，有的从小提琴启蒙教育的角度，多侧面剖析了林耀基的小提琴教学，对我很有启发。
今天，我在此基础上，专门谈谈林耀基的耳朵。
三其实，对于专业音乐教师的技能无非是两条：一条是出，一条是入。
出就是表达，用最恰当的言语或其他方式对学生传达指令；入就是判断，用最敏锐的耳朵听学生的琴声。
很显然，入是出的基础，没有准确的判断，表达多是无效，甚至是有害的。
判断依靠什么呢？有人说是大脑，是理性。
可我认识一个同行，有着几十年的教学经验，大脑非常好使，但就是近几年，他的耳朵老化了，重听，判断常常失误，学生的琴声明明已经很亮了，他还要学生加力，造成了学生太吃力压弦，琴声太死。
他不得不离开他心爱的教学工作，因为他失去了对声音的判断，尽管他有一个异常灵敏的大脑。
可见，对于小提琴教授，判断依靠的是耳朵，或者说听力是判断的先决条件，正如同一个烹饪大师，舌头是他判断的物质基础，一个画家，眼睛是他判断的生理前提。
小提琴琴弦应该怎么选择为一件乐器选择最适当的琴弦时应该把演奏者听到的乐器声音、当前使用的琴弦类型和品牌、演奏者期望的声音联合起来考虑。
那么如何挑选小提琴的琴弦呢?下面是小编为你整理的小提琴琴弦的选择，希望对大家有帮助!小提琴琴弦的选择Thomastic –Spirocore. 发音明亮而锐利。
在需要大量明亮声音的大提琴演奏者中非常流行。
卷绕钨丝的大提琴G和C弦具有高度张力和很大的声音。
银的G和C弦的声音少一些尖锐程度。
Spirocore 的贝司弦在主要玩拨奏的音乐家中最流行。
Thomastik – Ropecore. 黑暗而温暖的声调——建议推荐给Zeta 电小提琴。
它们在一些乐器上发出比较暗哑的声音。
Pirastro – Chromcor. 明亮的琴弦，对于廉价的学生乐器，尤其是小于正常尺寸的乐器来说最为出色。
·Pirastro – Chromcor Plus. 大提琴的A和D，以及中提琴的A常被选用。
这些弦具有比常规Chromcor更有内涵的声音。
Pirastro – Permanent. 常被选用的仅有中提琴和大提琴的A弦。
高质量的弦，具有温暖的声音。
尤其是与羊肠弦配套特别好。
D'Addario – Helicore. 这些弦有温暖的声音。
对于钢芯弦很不寻常。
大提琴和小提琴演奏者尤其喜欢它的G和C弦。
玩电子提琴的小提琴手也喜欢这些弦。
虽然刚推出不久，Helicore Orchestra的贝司弦颇受好评。
D'Addario不久前宣告了Helicore贝司弦的推出，它们具有混合用途，同样可以用于拨奏和独奏。
拨奏是指不用弓，仅仅弹拨。
独奏版本是把管弦乐队用弦设计成可以达到独奏调音。
Jargar 这些弦流行不过几十年，现在有了许多选择Jarger A弦的大提琴演奏者。
另外，用银卷绕的G和C线可以发出更明亮、辉煌的声音。
与其他全金属弦相比，Jarger有温暖的声音。
Larsen. 这些价格很好的弦被推出仅数年，却因为它们纯粹、清楚的声音在大提琴演奏者中变得流行了。
小提琴的这些部位你都了解吗？小提琴已经诞生了数百年，被各类音乐家们用来演绎不同风格的音乐。
相信想学习这个乐器的人都是被舞台上小提琴手优雅的表演和小提琴演奏出的宛转悠扬而深入人心的旋律深深吸引，那么想要入门学习小提琴之前，不妨先来了解一下小提琴的复杂构造吧。
就像开车需要掌握方向盘、刹车和油门以及其他各个功能部件一样，可以说小提琴的各个部分也都是有独立的用处的，你需要熟知这四根弦、琴头和指板的用途。
小提琴最主要的部分其实非常好记，小提琴的琴头（固定琴弦的部分）、琴颈（琴弦沿其延伸的部分）、琴体（共鸣箱），就跟人体的命名一样。
其他的细节部分可能对于大家比较陌生，下面就为大家一一介绍。
卷头卷头是小提琴琴颈上方的一个装饰性部件，通常由手工雕刻成弯曲的设计，形状像一个卷轴。
琴头和弦轴琴头是插入弦轴的位置，这是在顶部固定琴弦的地方。
琴弦的末端插入弦轴的圆孔中，然后将其缠绕以上紧琴弦，弦轴也是调整弦的音高的部件。
弦枕琴头往下靠近指板突起的地方就是琴枕，琴枕四个凹槽对应固定四根弦的位置，并把琴弦相对于指板抬高。
小提琴有四根琴弦，分别为G、D、A、E四个调，根据音调的高低由不同的材料制成，例如铝、钢和金以及羊肠，现代也用尼龙线来制作。
指板指板是一块粘在小提琴琴颈上的木条。
小提琴演奏时，演奏者会通过在不同位置按下指板上的琴弦来改变音高。
共鸣箱共鸣箱位于琴桥下方，支撑小提琴内部的压力。
琴桥和共鸣箱直接相连;，当琴弦振动时，带动琴桥和琴身以及共鸣箱的震动从而发出更大的声音。
音孔音孔位于小提琴面板的中间，也被称为“F孔”，因为形状像英文手写的“f”。
琴弦发出的声音在琴体内部振动回荡后，声波通过F孔引出琴体。
改变音孔的形状和长度也会影响小提琴发出的声音。
琴桥琴桥在小提琴的下半部分支撑着琴弦，琴桥的位置至关重要，因为它直接关系到小提琴产生的声音质量。
琴弦的张力将琴桥固定在适当的位置。
当琴弦振动时，琴桥也跟着振动。
小提琴的琴桥有不同的曲率角，较小的角度可以更轻松地同时演奏两个或三个琴弦。
小提琴升降音规律（super棒）最好对着电子琴或钢琴
通过键盘半音关系来对照小提琴上的半音关系
你首先的知道最基本的C大调（无任何升降号）1 2 3 4 5 6 7 1（高音do)
中 3 和4 是半音关系 7和1（高音do)是半音关系升和降都是一般指升或降半个音的关系
（复杂的曲子中还有重升重降是全音关系了··）例如：
升3就是4
升7 就是1（高音do)
降4是3
降1（高音do)是7
在小提琴指法上就是
升哪个音就向比它高的一个音靠近
降哪个音就向比它低的一个音靠近
例如：
降2 的时候就让2的那个手指靠近1的手指
升2 的时候就让2的那个手指靠近3的手指
（呵呵·~~~明白了吗？）
（如果还不明白最好有个老师手把手指导）
一般在谱前的升降号表示是这样规定的：
（降一个音对应两个调即大调和小调
共同降的音都是一样的只不过小调还用临时的升降号）一个降号————降7
两个降号————降7，3
三个降号————降7，3，6
四个降号————降7，3，6，2
五个降号————降7，3，6，2，5
六个降号————降7，3，6，2，5，1
一个升号————升4
两个升号————升4，1
三个升号————升4，1，5
四个升号————升4，1，5，2
五个升号————升4，1，5，2，6
六个升号————升4，1，5，2，6，3 希望对你有帮助····^_^
追问：
Briaty Ri$ha... 2009-10-17
评论。
小提琴基本知识与基本乐理小提琴(Violin)，高音区弓弦乐器，由古代弦乐器长期在欧洲演变而成，到十八世纪，形状基本固定。
小提琴在管弦乐队中是用得最多的一种乐器。
其演奏手法很丰富，表现力很强。
它主要擅长演奏歌唱性的旋律，是乐队中主要的旋律乐器，对于快速的乐句、音阶及琶音进行均能胜任自如，作为和声衬托也很有表现力。
在独奏时，它色彩变化多样，炫技性能得到充分发挥，那美妙动听的琴声诱发过艺术家们多少天才的想象，带给人们多少非凡的艺术享受。
所以，人们称它为乐器之“皇后”。
小提琴装有四根琴弦，弦与弦之间的音程关系为纯五度，用高音谱表记谱，音高是固定的：一般地说，第一弦的音色明朗的、清越的；第二弦的音色是柔和的、优雅的；第三弦的音色是如歌的并稍有紧张感；第四弦的音色是深沉的、宽厚的。
定弦注意事项：1 小提琴的定弦为五度固定定弦。
初学者校音时，可用校音器来校对每根空弦，熟练掌握之后，只校对准A弦，然后分别校对A、D 两弦，再是A、E两弦，用双音进行调音，反复校对直至四根弦校准为止。
2 校音时，若弦轴太紧拧不动时，可涂上少许铅笔芯或干肥皂；若太松打滑，可涂上少许松香末或粉笔末。
小提琴的音域比较宽广，从g 到a4四个八度。
乐队常用音域是从g到a3（即从第一把位到第七把位）。
小提琴有四根弦，所以在总音域中的许多音可以在几根弦上同时存在，但是不同弦上的同一音高的音，其音质、音色就不完全相同。
在四根弦上,E弦上的高音（高把位）用得最多，其次是A、G弦，而D弦上的高音用得较少。
这是因为弦音低其高音部分发音较闷并且紧张，所以较少使用，但G弦上的高音由于紧张有力（它是最外的一根弦可以拉出较强的力度）在情绪激动时，用G弦和G弦上较高的音（高把位）来演奏是能收到较好的效果。
五线谱五线谱是由五条距离相等的平行线组成，线的名称是由下往上依次称为第一线、第二线、第三线、第四线、第五线，线中间的空白部位称为“间”，间的名称也是由下往上依次称为第一间、第二间、第三间、第四间。
专注：心无旁骛，万事可破
小提琴协奏曲
小提琴协奏曲是音乐体裁的一种。
协奏曲在十六世纪指西班牙的一种有乐器伴奏的声乐曲。
十七世纪后半期起，指一件或几件独奏乐器与管弦乐队竞奏的器乐套曲。
巴罗克时期形成的由几件独奏乐器组成一组与乐队竞奏者称为大协奏曲。
古典乐派时期形成的由小提琴、钢琴、大提琴等一件乐器与乐队竞奏的控协奏曲称“独奏协奏曲”。
可有单乐章奏鸣曲式如《小提琴协奏曲梁山伯与祝英台》，亦可有多乐章的古典四大小提琴协奏曲。
十大小提琴协奏曲：
柴科夫斯基，D大调小提琴协奏曲；
门德尔松，e小调小提琴协奏曲；
贝多芬，D大调小提琴协奏曲；
勃拉姆斯，D大调小提琴协奏曲；
圣桑《b小调第三小提琴协奏曲》；
帕格尼尼《D大调第一小提琴协奏曲》；
布鲁赫《g小调第一小提琴协奏曲》；
维尼亚夫斯基《d小调第二小提琴协奏曲》；
西贝柳斯《d小调小提琴协奏曲》；
拉罗《西班牙小提琴与乐队交响曲；
1 / 1。
小提琴入门知识点一、概述小提琴是一种弦乐器，常用于独奏、室内乐和管弦乐队中。
它有四根弦，分别是G弦、D弦、A弦和E弦，从低音到高音排列。
小提琴的发音通过琴弓拉弦产生，琴弓由马尾毛制成，通过琴杆和弓毛之间的摩擦来发声。
小提琴是一种美妙的乐器，学习小提琴不仅能培养音乐素养，还能提高集中注意力和协调能力。
二、琴身与琴弓1. 琴身：小提琴的琴身由面板、背板和侧板组成。
面板和背板一般采用优质的云杉木或枫木制成，侧板则由榉木制成。
琴身制作精良，对于音色的产生有着重要的影响。
2. 琴弓：小提琴的琴弓是由木材和马尾毛制成。
木材部分称为琴杆，马尾毛则紧绷在琴杆上。
琴弓在演奏时需要沾取琴脂，以增加摩擦力，使琴弦发出更加清晰的声音。
三、琴弦与调音1. 琴弦：小提琴有四根弦，分别是G弦、D弦、A弦和E弦。
这四根弦分别对应着低音到高音的音阶。
一般来说，琴弦的材质有钢弦和肠弦两种，钢弦音色明亮，肠弦音色柔和。
2. 调音：小提琴需要经常进行调音，以确保音准。
常用的调音工具有调音器和琴柱。
调音器通过感应琴弦的振动频率来判断音准，琴柱则通过调整琴弦的紧绷程度来达到音准。
四、演奏姿势与演奏技巧1. 拿弓姿势：拿弓姿势是小提琴演奏的基础，正确的拿弓姿势能够提高演奏效果。
拿弓时要保持手指轻松自然，手腕稍微向下弯曲，手肘保持放松，同时要保持手指与琴弓之间的适当接触。
2. 左手姿势：左手在演奏中负责按弦产生不同的音高。
正确的左手姿势要求手指弯曲，按弦时要用指腹而不是指尖来按压琴弦，同时要保持手腕和手肘放松。
3. 拨弦技巧：拨弦是小提琴演奏中的基本技巧之一。
拨弦时要保持手腕柔软，手指要有力而不是用力过猛。
拨弦时要注意琴弓与琴弦的角度，以及琴弓在琴弦上的位置，以获得不同的音色效果。
五、乐谱与乐理知识1. 乐谱：学习小提琴需要掌握乐谱的阅读和演奏技巧。
乐谱是用音符、节拍符号和其他乐理符号来表示音乐的符号系统。
通过学习乐谱，可以理解音乐的结构和表达方式。
常用小提琴乐理知识小提琴是一种优美而富有表现力的乐器，要想演奏好小提琴，掌握一定的乐理知识是必不可少的。
以下是一些常用的小提琴乐理知识，希望能对小提琴爱好者有所帮助。
一、音符与节拍音符是音乐中表示音的长短和高低的符号。
在小提琴演奏中，常见的音符有全音符、二分音符、四分音符、八分音符、十六分音符等。
全音符是一个空心的椭圆，持续四拍；二分音符是一个空心的符头加一个符干，持续两拍；四分音符是一个实心的符头加一个符干，持续一拍；八分音符是在四分音符的基础上加上一条符尾，持续半拍；十六分音符则有两条符尾，持续四分之一拍。
节拍是衡量音符时长的单位，常见的节拍有 2/4 拍、3/4 拍、4/4 拍等。
2/4 拍表示以四分音符为一拍，每小节有两拍；3/4 拍表示以四分音符为一拍，每小节有三拍；4/4 拍表示以四分音符为一拍，每小节有四拍。
了解节拍对于掌握乐曲的节奏和韵律非常重要。
二、音高与调式音高是指声音的高低，在小提琴上通过按弦的位置来改变音高。
小提琴的四根弦从粗到细分别是 G 弦、D 弦、A 弦和 E 弦，对应的空弦音分别是 G、D、A 和 E。
通过在弦上不同的位置按弦，可以演奏出不同的音高。
调式是音乐中以一个音为中心，按照一定的音程关系组织起来的一组音。
常见的调式有大调式和小调式。
大调式通常给人明亮、欢快的感觉，小调式则给人忧伤、暗淡的感觉。
例如，C 大调是以 C 音为主音的大调式，a 小调是以 A 音为主音的小调式。
三、音阶音阶是按照一定的音高顺序排列起来的一组音。
在小提琴演奏中，常用的音阶有自然大调音阶、自然小调音阶、和声大调音阶、和声小调音阶等。
自然大调音阶是最基本的音阶，其音程关系为“全全半全全全半”，例如 C 自然大调音阶为 C、D、E、F、G、A、B。
自然小调音阶的音程关系为“全半全全半全全”，如 a 自然小调音阶为 A、B、C、D、E、F、G。
四、和声和声是指两个或两个以上不同的音同时发声所产生的音响效果。
小提琴十大关系经过多年的实践，林耀基对小提琴演奏艺术总结出外在的四对矛盾，内在的六大关系，统称为"小提琴演奏的十大关系"外在的四对矛盾是：一、人体与乐器林耀基认为小提琴演奏家和歌唱家相比，有一个先天的遗憾，歌唱家的声带长在人的身上，小提琴家的乐器是身外之物。
要想使小提琴的声音接近歌唱，就必须将琴和人体紧密地结合在一起。
他经常幽默地批评那些持琴过于松懈的学生"琴和脖子中间可以飞过一只麻雀"。
他主张持琴要尽量贴近脖子，使琴变成人体的一部分。
弓子好像歌唱家的气，也要成为人体的一部分，五个手指巧妙地和弓子相结合，使弓子变成右臂的延伸。
正确的姿势，是演奏者良好的基础。
二、琴弓与琴弦用弓毛摩擦琴弦，使琴发出声音，是小提琴演奏的第一步。
在弓毛作用于琴弦的过程中充满了矛盾。
压力大小、弓速快慢以及接触点和角度等，都是直接影响发音的重要因素。
林耀基精辟地提出运弓要"一直、二平、三稳"。
"直、平、稳"便于解决各种弓弦矛盾，发出"匀、准、美"的声音。
三、左手与右手（左臂与右臂）小提琴演奏者和钢琴演奏者相比，也有一大遗憾：钢琴演奏者的两个手臂的姿势是一致的；而小提琴演奏者的两个手臂的姿势却截然不同，左右手经常出现互相干扰和"分家"的情形，这是小提琴（包括所有弦乐器）演奏者身上出现的最突出的矛盾。
林耀基简明地提出"动作要分家，演奏不分家"。
关于这一点，他曾有详细的解释："两手的动作和感觉虽然不同，但我们的音乐表现必须是一致的，也就是说左右两手的动作必须统一在共同的音符上。
这就要求双手彼此相通，保持默契。
经过体察，我们发现把弓放在弦上，左右手两极就通过弓与弦接通了。
弦乐器演奏的外形很像一个能伸缩的大环，琴身被人夹住，好像固定这个大环的梁。
这个大环由人体、琴身、弓子三个部分组成，所以有三个连接点：左手持琴按弦点、右手握弓子和弓弦接触点。
如果在演奏时能使这三点有机地结合在一起，彼此气息相通，我们就可以自由自在地‘歌唱’。
" 教授还有一个神话般的口诀："三点相通声音通，点点相连显神通，三点合成一颗珠，串起珠子闹天宫。
" 讲的就是三个点互相联结的重要性。
四、部位与整体在小提琴演奏中，人体（主要是双臂）每个部位的动作是不同的，但又联合为一整体。
既要分清部位、各守岗位，更要紧密配合。
对于左手，林耀基有这样一个口诀："指根发力到指尖，手指关节不发蔫，指头轮休存耐力，手指独立实又坚。
"对右手也有一个口诀："肩肘腕指环扣环，整体动作不零散，上臂下臂联合动，大刀阔斧声音宽。
"都具体明确地阐明了部位与整体的关系。
小提琴内在的六大关系是：一、用力与放松很多人在演奏时从心理到身体都常常出现"紧张"状态。
多年来"放松"的课题贯穿在小提琴教学之中。
但对"放松"这一概念的理解却不尽一。
林耀基认为"放松就是去掉多余的力"。
演奏小提琴是一种运动，运动就需要力。
持琴、握弓、左右手的演奏都需要一定的力。
重要的是在演奏的不同情况下，用什么样的力，用多少力。
用力是否适当，是"放松"和"紧张"的分界线。
比如运弓，弓子和右臂的自身都有一定的重量，在演奏时"弓放弦上，手放弓上"所产生的力量"1+1=2"。
充分运用这两个自然重量，演奏就会省力，省力就是放松。
相反，如果用了多余的力把弓子过紧地抓起，这个多余的力就会把弓子的重力抵消，两者的力量不是相加而是相减："1-1=0"，这样演奏就会费力，就会出现"紧张"状态。
由于杠杆的原理，弓子在运行时随着部位的变化，作用于弦的重力也在不断地变化，要想奏出均匀的声音，就需要手指手臂的调节，增减变换所用的力量。
如果我们用的是最低限和最必要的力，这个力的绝对值再大也不能叫做"紧张"。
林耀基经常对学生说："我们所说的放松不是睡觉时的绝对放松。
"而要在"运动中寻求放松"。
"放松"的原则不仅体现在运弓上，它要体现在整个演奏大环之中，它要贯穿演奏的全过程。
二、动与静事物的运动是绝对的，但在绝对运动之中存在着相对静止，没有相对的静止，也就无所谓运动，两者互相依存，相辅相成。
小提琴演奏中也存在着"静"的因素，抓住"静"的因素十分重要。
比如左手手指按住琴弦以后就要安静下来，否则音准将遭到破坏。
保留指更要安静，不能受其他手指运动的牵连。
对右手运弓，林耀基提出的"手动弓静"，弓子运动要"一直二平三稳"，都是强调了静。
有时也要强调"动"，在演奏慢弓长音时，就要强调弓子的流动性。
在表达音乐时更要把握动与静的统一，演奏快速流动的音群，要用冷静的头脑和安静的耳朵树立"静"的支柱；演奏慢速乐段、极慢乐章，要多体会它内在的动力。
汹涌的波涛下面有静静的海底，平静的河面下面有奔腾着的暗流，"动中有静，静中有动"。
三、变化与稳定音乐是流动的建筑。
由于不同音符的无限组合和人的感情的多彩，这一建筑也是变幻无穷。
面对这千变万化，往往使人的演奏越变越乱，陷入迷茫。
针对这一状况，林耀基提出在"变化中求得稳定"。
节奏是音乐的轴心。
节奏的均匀和准确、拍律的稳定（特殊处理除外），要像心脏跳动一样，不能出现"心率不齐"。
林耀基经常提醒学生要有"松弛感觉、坚定的节奏"。
音高的准确，发音的优美等，都是这一建筑的"标准件"，不管旋律如何进行，音符如何跳动，力度、音色、感情色调如何变化，这些"标准件" 是不容破坏的稳定因素。
对那些单调而缺乏音乐表现力的演奏者，应该让他们注意音乐的变化。
变化与稳定同样是相辅相成的，"变化中有稳定，稳定中有变化"。
四、空间与时间音乐是时间的艺术。
遗憾的是，乐器占有一定的空间。
小提琴四条弦之间、手指与琴弦之间、同一弦上音与音之间都有一定的距离，弓子的运行又有上下两个方向。
所以在演奏中需要平凡地换指、换把、换弦和换弓，使小提琴演奏产生了空间障碍，正所谓"换字易冒尖，问题在空间"。
这个空间障碍往往影响音符时值的准确，破坏了时间的艺术。
为了克服空间障碍，解决四换难题，林耀基提出减少空间，争取时间。
他告诉演奏者们，左右手在演奏中要走近道，不绕多余的路。
比如换弦时，弓子的换弦扇面要尽量缩小角度，右手的垂直运动要尽量缩短路线，左手手指不要抬得过高，在能满足力量需要的前提下，抬的越低越好。
减少空间，争取时间，不仅能保证音符时值的准确，更重要的是它能扩充每个音符发音的时间，增强乐器的共鸣而产生巨大的空间震动。
还有助于减少多余动作，使演奏更加省力，更加放松。
五、感情与理智丰富的感情是优秀艺术家的必要条件，一个内心没有感情、没有热情和激情的演奏者的演奏，是，没有感染力、不会打动听众的。
但是感情过分激动，缺乏必要的理智，演奏便会失去控制、音不准节奏不匀、音质不准音色不美，使想表现的东西无法表现，自己也在受罪。
林耀基主张小提琴演奏者要有冷静的头脑、火热的心，还认为只有用理智才能合理分配感情，才能达到音乐的充分表现和自我的充分享受。
六、共性与个性一把琴、一根弓和人体双手构成一个演奏环，通过环的运动演奏出乐曲，并力求完美地表现乐曲的内容和自我的情感。
所有好的演奏者都是如此，这是他们的共性。
由于人的手和臂大小、长短、粗细的不同，人的生活经历、思想感情、心理气质及美学观点的不同，在演奏的姿态和情调上不可能一成不变。
演奏技巧是这样，比如左手拇指的位置是高点好呢还是低点好，是应该靠前点还是靠后点，对于这个多年争论不休的问题，林耀基认为拇指可以很松动，演奏者怎么舒服怎么拉，他不主张拇指有固定的位置。
事实上，许多演奏家差别很大，柯冈把拇指放在琴颈下面，舍林格确使虎口与琴颈之间几乎没有空隙。
但他们都使较弱的小指处于有利地位，使四个手指得到平衡的发展。
其他的环节也是这样，在不违背基本原则的前提下，允许选择适合自己生理特点的姿态。
再者，由于演奏者听觉习惯与爱好的不同，音准的观念和音律的选择也是有所变化的。
舒伯特圣母颂开头的小二度，三个一流演奏家的演奏是三个样子，听众都可以接受，都感到美。
林耀基要求学生当以旋律为主的时候，照顾旋律，偏向五度相生律一点，以和弦为主的时候，就要照顾和声，偏向纯律一点，如果与钢琴同度或八度进行，就要用十二均律，和钢琴取得一致。
他自己称之为综合平衡律。
不管如何选择和变化，都要使人的听觉乐于接受、得到美的享受。
共性即寓以个性之中。
在艺术上更是这样，个性在音乐表达中极为重要。
演奏者不仅是乐曲的解析者，还是乐曲的再创造者。
每个大师对乐曲的处理都有独到之处。
单纯模仿别人、没有创造和个性的演奏是没有艺术价值的。
林耀基在教学中特别善于引导学生发挥自己的特长、树立自己的风格。
他经常告诫学生，任何艺术家的方法、音乐表现和艺术思想，都不是绝对真理，绝不能生吞活剥地照搬。
应该吸取的只能是其内在规律性的、带普遍性的东西。
他的教学以培养学生的科学性、艺术性和创造性为目的，已突破了传统的以传授知识技能为中心的框框，进入了现代的以学生主动创造性学习为中心的轨道。
在上述十大关系中，包含了技术、艺术和思想各个领域。
林耀基要求学生在练习和演奏中要不断地进行调整，以求得它们的平衡。
他教导学生：演奏规律经常找，用心思考不能少，不断总结找规律，科学指导练琴好。
