下载文档原格式
高中美术鉴赏课教学现状分析高中美术鉴赏课是美术教育中非常重要的一门课程，它不仅可以帮助学生提高对美术作品的审美能力和鉴赏水平，还可以激发学生的创作潜力和艺术灵感。
目前高中美术鉴赏课教学存在一些问题，需要引起重视并进行改进。
目前一些学校的高中美术鉴赏课程设置比较单一，内容较为陈旧。
在传统的课堂教学方式下，学生主要是通过老师的讲解和展示进行学习，课程内容主要围绕一些历史上的著名绘画作品或雕塑作品展开。
这种传统的教学方式容易使学生失去兴趣，限制了他们对于当代艺术的理解和欣赏，也不利于培养学生的创新精神和审美能力。
需要对课程内容进行更新，增加一些当代艺术作品的鉴赏和解读，引导学生关注当下艺术的发展趋势和表现形式。
一些学校的高中美术鉴赏课教学缺乏实践性和体验性。
美术鉴赏不仅仅是对作品的欣赏和理解，更重要的是要通过实际操作和实践体验来深化对艺术作品的理解和感悟。
由于时间和设施的限制，现实中很多学校的美术鉴赏课教学往往只停留在理论层面，缺乏对学生实际操作和创作的引导和帮助。
教师需要更加注重课堂上的实践性教学，可以组织学生进行实地考察、素描写生、模仿绘画等活动，让学生亲身感受和体验艺术创作的乐趣，培养学生的创造力和表现能力。
有些地区的高中美术鉴赏课教学资源匮乏，师资力量不足。
美术鉴赏课的教学需要有一定的专业素养和艺术修养，但是一些学校由于条件限制，往往难以聘请到具有较高美术素养的教师来承担这个课程。
这导致一些学校的美术鉴赏课教学质量参差不齐，无法给学生提供一个良好的学习环境和资源支持。
有关部门应该加大对美术鉴赏教师的培训力度，加强对学校的教学资源支持，提高美术鉴赏课教学的整体水平。
目前一些学校的高中美术鉴赏课程缺乏与其他学科的融合。
由于美术鉴赏课往往被视为一门独立的课程存在，有些教师和学校忽视了美术鉴赏与其他学科的融合，导致学生学习这门课程时缺乏跨学科的视野和思考。
事实上，美术鉴赏课程和文学、历史、生物等学科有着密切的联系，通过与其他学科的融合，可以更好地帮助学生理解艺术作品背后的文化、历史、生态等方面的意义，使学生能够以更加全面的视角来进行艺术作品的理解和鉴赏。
高中美术鉴赏课教学现状分析随着人们审美要求的不断提高，美术教育越来越受到重视，而高中美术鉴赏课作为美术教育的重要一环，也越来越受到关注。
然而，在实际教学中，我们不难发现，高中美术鉴赏课教学存在着一定的问题和挑战，具体表现如下：一、课程设置不够合理。
目前，高中美术鉴赏课教学内容主要以欣赏名作、欣赏风格、欣赏形式等为主。
这些内容容易让学生产生审美疲劳，缺乏新意，难以引起学生的兴趣和热情，对于学生的审美能力的提升也存在一定的欠缺。
二、教材不够丰富。
美术鉴赏教材的质量直接影响着学生的学习效果。
当前，一些高中美术鉴赏教材的编写者缺乏对实际教学和学生需求的深入了解和研究，使用传统的美术鉴赏教材容易使学生感到无味、枯燥，缺乏实用性和启发性。
三、教学方式陈旧。
当前一些高中美术鉴赏教师讲课方式较为陈旧，多以讲解和分析为主，缺少多元化的教学手段和策略，影响了教学效果和学生的学习兴趣。
四、教师的教学能力不足。
高中美术鉴赏课程需要教师具有较高的美术素养和专业水平，教师的教学能力的强弱直接影响教学质量。
但是，一些高中美术鉴赏教师在教学经验和教学方法方面仍有欠缺，需要加强自身的学习和培训。
一、优化课程设置。
鉴赏教育需要以学生的实际需求为出发点，把优秀作品、学科相关的文本、适合年龄层的动画、电影等与教学融为一体进行深入讲解，使学生获得良好的美术鉴赏能力和审美情趣。
二、设计多样化的教学活动。
在教学中，可以采用多种形式的教学策略和活动，如课堂讲解与讨论、小组合作与展示、文献阅读与研究等，注重增强学生自主学习和创新思维。
三、优化教材内容。
通过开发富有特色的教材、更新与完善现有教材等方法，使教材能够更具实用性和启发性，能够引发学生的学习兴趣和主动性。
四、提高教师的教学能力。
为了提高教师的教学能力，可以加强教师学习与培训，提高教师的教学水平和素质，逐步形成教师团队，加强教师之间的交流和互动。
因此，高中美术鉴赏课教学目前存在问题，但是采取以上措施，将教学的理念、方法、手段、资源等可持续优化和创新，才能更好地提高学生的美术鉴赏素养和审美素质。
浅析图像对比分析法在高中美术鉴赏课教学中的意义图像对比分析法是一种通过对比分析不同作品的视觉图像，从中概括并分析出它们的共性和差异性的方法。
在美术鉴赏课教学中，采用图像对比分析法可以帮助学生深入理解艺术作品的价值和内涵，提高其美术鉴赏能力和审美水平。
本文主要从以下三个方面来阐述图像对比分析法在高中美术鉴赏课教学中的意义。
一、拓展学生的视野通过对比分析不同作者的作品，学生可以拓展自己的视野，了解不同艺术流派、风格和形式。
比如，可以比较不同时期的印象派作品，发现它们都强调色彩、光影和瞬间的变化，具有共性。
同时，也可以发现不同的印象派画家在色彩运用、构图和表现手法上存在明显的差异，比如莫奈和雷诺阿的作品在构图和色彩方面有所不同。
通过这些比较，学生能够系统地理解不同的艺术流派和开阔自己的审美视野。
二、提高学生的分析能力图像对比分析法是通过分析和比较不同作品的视觉形式和表现手法，来总结并分析艺术作品的共性和差异。
这种分析和比较过程中，需要学生充分运用自己的知识和经验，具有一定的主观能动性。
同时，通过不断的对比和分析，学生可以将抽象的艺术表现形式转化为具体的语言描述，提高自己的语言表达能力和思辨能力。
三、加深学生的情感体验图像对比分析法还可以帮助学生深入体验作品所传递的情感和意义。
比如，在比较两幅宏伟的山水画作品时，可以感受到作者对于大自然的敬畏和敏锐的观察力，在比较两幅肖像画作品时，可以发现不同作者所表达的情感差异，这样可以更加深入地理解作品的情感和意义，并加深自己对于艺术作品的感受和体验。
总之，图像对比分析法在高中美术鉴赏课教学中具有广泛的适用性和实践意义。
通过这种方法，能够帮助学生拓展视野、提高分析能力和加深情感体验，从而更好地理解和欣赏艺术作品，提高自己的审美水平。
美术鉴赏和美术欣赏有什么区别"美术鉴赏"和"美术欣赏"是两个相近但略有不同的词汇，它们在艺术领域中有一些区别：
1.美术鉴赏：
"美术鉴赏"更强调对艺术品的评价和分析。
鉴赏者会从艺术品的技法、构图、色彩等方面进行深入的解读和评价。
美术鉴赏通常需要一些专业知识，包括对艺术史、艺术理论等的了解，以更全面地评价艺术品的价值和意义。
鉴赏者可能会关注艺术家的创作意图、时代背景等因素，以更深层次地理解和评价作品。
2.美术欣赏：
"美术欣赏"更侧重于对艺术品的喜好、享受和感受。
欣赏者可能更注重作品给予他们的美感和情感上的冲击。
美术欣赏强调个体的主观感受，即使欣赏者并不具备专业的艺术知识，也可以通过直觉和感性的方式去体验和欣赏艺术品。
欣赏者可能更关注艺术品所传达的情感、情绪，以及作品对自己内心的触动。
虽然在一些语境中这两个词汇可能被交替使用，但总体上说，美术鉴赏更强调对艺术品的专业评价，而美术欣赏更强调对艺术品的主观体验和情感共鸣。
美术鉴赏的性质和特点分析摘要：美术鉴赏活动的开展是对美术体系内容的填充,而与美术鉴赏有关的理论知识可以被视为培养鉴赏者美术素养的基础知识。
积极对美术作品的内涵进行鉴赏与分析,是鉴赏者表现出的一种审美活动、也是他们对艺术作品价值判断以及再创造的过程,其可以被认定为人类审美消费的一种形式。
此外,美术鉴赏活动的开展能够将鉴赏主体与鉴赏客体之间的审美价值的统一性表现出来,是鉴赏者审美经验与审美再创造统一性的外在体现之一。
关键词：美术；鉴赏；性质；特点；分析所谓的美术鉴赏,可以被理解为鉴赏者在对美术作品观摩的过程中应用自身的认知能力、生活阅历、道德素质以及审美观念对作品的意境与内涵进行体会、分析、辨别、理解、认可以及想象的过程。
其作为一种特别的美术接受形式,具有娱乐、享受等多样化的性质,有助于陶冶欣赏者的性情。
本文作者结合相关美术作品,进而达到对美术鉴赏的性质与特点客观而深入分析的目标[1]。
一、分析美术鉴赏的性质由上文简要的论述我们可以得出这样的结论：美术鉴赏是一种性质特殊的美术活动,在活动的过程中鉴赏者的情趣、品位得到提升,身心得到放松与调节,同时调动了鉴赏者对艺术境界追求的积极性,此时他们也会客观的去认识以及挖掘艺术作品的价值深度。
总之,一部优秀美术作品的完成时建立在建设的基础之上的；美术鉴赏具有使心情愉快、陶冶情操以及塑造自我的功能。
此时,美术鉴赏的性质大体上是在以下几个方面体现出来：一是美术鉴赏使一种审美享受。
其携带这一性质主要是因为距离感、假定性和超越感的存在。
所谓的距离感,就是说被鉴赏的美术作品能够将人类思想的改变、文化发展的情况以及文明更替演变的过程展示出来,例如达芬奇的《最后的晚餐》这一美术作品以素描的形式将观者对事物观察的准确性表现出来,真实的将15世纪末期犹太人生存的面貌展现出来。
鉴赏者隔着时间的跨度对本部美术作品进行赏析之时,将会获得不一样的情感体会,此时现实与美术作品之间产生了距离美；所谓的假定性就对鉴赏者提出了相关的要求,充分的利用自身的想象力,将美术作品中虚设的背景、情节等勾画出来,将特定的美术语言转化为惟妙惟肖的形象图,这是非现实的,但是对鉴赏者来说是审美上的再创造；超越感就是鉴赏者对作品进行赏析的过程中思想与现实之间的跨度,不考虑个人功利以及物质实用性等因素,而专注于审美价值的方向；二是美术鉴赏可以被视为艺术再创造的一种形式。
比较式鉴赏在高中美术鉴赏课中的应用与研究——以《十七世纪的欧洲美术》一课为例【摘要】新的课程理念要求高中美术鉴赏课也要有高效的教与学，如何运用合适的教学方法，提高教学效率，就成了我们的研究目标。
本文将比较式鉴赏结合一节美术鉴赏课实例，对比较式鉴赏的特点、形式、应用、注意事项和意义，进行了探索和研究。
【关键词】美术鉴赏比较式鉴赏教学法美术鉴赏课在普通高中开设得很普遍，但是想上得高效却并不容易。
普通高中新课标要求美术教师：在高中美术鉴赏课上，不仅是知识的传授者，要引导学生主动运用感知、经验对美术作品进行感受、体验、联想、分析和判断，尽可能进入情境获得审美体验，并理解美术作品和美术现象。
所以，教师要教会学生面对不同的鉴赏内容，使用适宜的方法去鉴赏。
美术鉴赏的教学方法很多，本文主要就比较式鉴赏在课堂中的应用进行探讨。
比较式鉴赏是有目的地选取相关的美术作品放在同一环境中进行比较分析，帮助学生理解作品特点的鉴赏方法。
通常是比较作品的内容、形式、风格的差异和导致这些差异的社会因素，具体对比哪些内容，有时还要依靠感觉，所以比较式鉴赏其实是几种鉴赏方式的综合运用。
美术鉴赏课教学时，经常会遇到教学内容所涉及的流派、艺术家和作品都很多的情况。
如《十七世纪的欧洲美术》，重要的艺术流派就有巴洛克、荷兰小画派、法国古典主义，还包括绘画、雕塑、建筑等艺术形式，需要了解和认识的艺术家及代表作品就更多，面对大量的概念和各种风格，学生很难区分。
但用比较式教学法，引导学生辨别异同，识别风格上的差异就容易多了。
下面，结合比较式鉴赏在《十七世纪的欧洲美术》一课中的应用，就比较式鉴赏的特点、比较式鉴赏的形式、比较式鉴赏的应用过程、比较式鉴赏的注意事项和比较式鉴赏的意义进行探讨，希望能为美术鉴赏教学提供一些借鉴。
一、比较式鉴赏的特点比较式鉴赏在鉴赏美术作品时，呈现出不同于其他鉴赏方法的一些特点：1、可比性。
进行比较的美术作品之间既要有相同性又要有相异点，相同是比较的基础，相异是比较的结果，这样才具有可比性。
【教学设计】学习鉴赏美术作品执教老师：教学目标：知识目标：通过对鉴赏美术作品三个角度的分析，让学生在理性层面上初步了解美术鉴赏活动的基本特点。
能力目标：通过学习，能够在实践层面上初步进行美术鉴赏活动，还能通过绘画进行创造美活动。
情感价值目标：通过学习，学生能够发现艺术品和生活中的美，并能鉴赏美、创造美、传播美，拥有积极心态和美好心灵。
教学重点：让学生了解鉴赏美术作品三个角度和比较的方法等知识点。
教学难点：在实践中熟练运用三个角度和比较的方法进行美术鉴赏活动。
教学方法：讲解法、讨论法、比较法、活动法等。
教学手段：多媒体、实物展示、自主与合作活动。
教学活动一、导入：创设情景：（艺术作品图片欣赏）请同学们欣赏几幅艺术作品，思考几个小问题。
用问题的形式导入本课，我们一起来学习鉴赏美术作品。
二、讲授新课（一）学习鉴赏美术作品有三个角度1、了解作品的历史社会背景（图片展示）《步辇图》，说一说它描绘的是哪一历史事件？（师生互动）松赞干布与文成公主联姻，唐太宗李世民接见松赞干布派来的使臣禄东赞的情景。
（图片展示）请同学们回答作品历史背景：陈坚的《公元一千九百四十五年九月九日九时.南京》，相信我们中国人，永远不会忘记那段历史。
联系今天钓鱼岛实际，激发学生的爱国心，为中华民族的伟大复兴而努力学习。
了解美术家的艺术观点和生活经历（图片展示）朱耷《荷花水禽图》和《孔雀图》，了解朱耷的生活经历和艺术观点，作者为什么这样画花鸟话呢？（师生互动）。
（课堂边讲边练）分析朱耷和梵高艺术观点和生活经历的异同之处，纪念伟大的画家梵高，探讨艺术品的价值内涵。
3、体会作品的形式美感（图片展示）《初踏黄金路》（教师引导以学生为主进行鉴赏）问题：你都看到了什么？从三个方面入手：形象、色彩、构图。
得出通过体会作品的形式美感来理解作品主题内涵。
（课堂边讲边练）请同学们给作品连上合适的名字？【合作探究】：（分组讨论）鉴赏两幅作品。
运用鉴赏美术作品的三个角度，那么就让我们用鉴赏作品的三个角度，鉴赏下面的作品。
中西方绘画艺术作品比较赏析————中西方绘画作品差异比较摘要：一直以来我对美术都只停留在字面上的理解，尤其在中西方绘画艺术作品上的欣赏，经常用中方的观点去评价西方的美术作品，因此导致了不理解很多西方艺术作品的含义。
然而美术鉴赏课的开设，让我从不同的方面理解到了中西方绘画艺术作品的特点和差异之处，也让我逐渐提高感受美、理解美的能力，并且从不同的角度来赏析中西方绘画作品的不同之处。
本文从东西方文化传统、思维模式，艺术观察，色彩线条不同之处来阐述两者的艺术作品的比较赏析，已达到最终认识到中西方在差异和区别之上的共同目标。
关键词：文化传统，观念思维，色彩美术史从远古时代的绘画和雕塑，至今经过了无数春秋的发展，从而让人类看到了现在的绘画。
然而，由于东西方文化传统、思维模式等方面的不同、它导致了各自的绘画在审美观念上必然会出现差异。
一：中西方绘画传统文化比较中国文化的基本思维模式是“天人合一”。
所谓天人合人，就是认为世界是天、地、人三方面的和谐统一，人是自然的一部分。
从这一点出来，中国文化在人与自然、人与社会的关系上特别强调顺应自然，强调个人的“小我”必须融入民族的乃至宇宙的“大我”。
这种文化精神反映在绘画观念上，就是认为人与自然之间、精神与物质之间，是你中有我，我中有你的关系；认为艺术的最高层次不是站在客观之外把握它的特点与规律，而是尽可能融入到客体之内去，理解客体、体会客体，让主、客体融为一体，最终达到物我两忘的境界。
于是，中国画历来不以再现自然、悦人眼目为目的，而是重在“立意”，使作品成为画家修养、人格和情绪论的载体。
所以中国画历来偏重表现作者的感情，注重抒写主观感受，不过分强客观，画家所画常在“似与不似之间”，不受拘束。
所谓的“西方绘画”，是指区别于中国传统绘画体系的西方绘画，简称“西画”。
传统的西画注重写实，以透视和明暗方法表现物象的体积、质感和空间感，并要求请物体在一定光源照射下所呈现的色彩效果。
它与中国传统的绘画体系有着非常明显的区别。
西方文化的思维模式和哲学传统，部体上是以人与自然的对立，即天人相分的观念为基础的。
在西方，人与自然的关系，不是神临自然、宗教的权力至高无上，就是人要驾驭自然、征服自然。
这两者的观念虽然有所不同，但都是天人对立、天人相分的。
从这种观念出发，西方人文理想的最终目标就是认识自然、征服自然，从而获得人生幸福；西方的自然科学自伽利略以来的400年间，都是在走一条分析的道路，总是不断地将客观物质世界一分为二。
这种精神渗透到绘画艺术中，便体现为强调客观地表现现实对象。
西方绘画总是把科学运用到绘画中，要求画家以纯客观的方式来把握自然，即画家所画一定要与他所看见的保持一致。
以上这种哲学与审判观念上的差异，又进一步造成了东西方两种绘画在艺术上的观念思维和色彩线条使用上的不同。
二：中西方绘画里观念思维比较首先，在观念思维上：山水一直作为纯粹而且重要的精神象征存在于中国文人艺术家的生活中。
古人认为，自然山水在空间形态上丰富多彩、千变万化，在时间状态上也是无比生动千姿百态的。
从山石、树木、水泽、云草中寻找人生存在的道理，寄托心灵、情感，正是中国古代艺术家创作山水画本源的真实意图。
对于山水画创作来说，中国山水画的空间特征，更接近于一种时空的转换，画家不仅考虑的是看见了什么，更关心人自身内心的变化过程，想到什么。
用生命的状态表达对象。
由于没有象西方绘画中光影、质感、透视的约束，中国山水画更多地依靠虚实、遮挡以及不规范的大小比例关系来暗示行云、流水、山石、树木的空间，而使得对自然的表现更加肆意、主观、淋漓尽致。
所谓“ 低仰自得,心游太空,心融融于玄境,意飘飘于白云,忘情勿我之表,纵志于有无之间。
”一幅画可以从山前到山后，从山顶到山脚，一幅长卷可容下一年四季、阴晴、雨雪。
它不是特定的山，特定的水。
它有明暗、有表情、有灵性、更有生命，可以使欣赏者与之一起喜怒哀乐。
这种神奇这种中国哲学文化所独特的眼光和心灵，你是无法在西方风景绘画中看到的。
为了栩栩如生的描绘再现自然，西方绘画努力发明着种种技巧和手法来实现这一目的，尤其在以人物为题材的绘画中表现突出。
对人类自身的认识及兴趣自古希腊起由来已久。
古希腊人钟情于人体的表现，他们对于人体结构的精通、体积空间的塑造，完全在于解剖学、光学、色彩学等各门科学意识的渗透。
在健康美丽的人体艺术表现中，饱含着人类的生命力，寄托着对美好生活的强烈愿望，是人性的一种自然流露。
而这种题材在古代中国画中绝对少有。
此中反映着中西文化深层次的差异。
人体与着衣人物画从文艺复兴之时起迅猛发展，除因人文主义精神对人自身价值肯定之外，还有一个因素很重要，就是模特。
若无模特，西方人物绘画单凭记忆想象，也不会有如此高的成就。
模特儿为画家提供了实实在在的创作灵感和依据。
但光有模特还不够。
画家必须深入学习人体解剖，甚至自己动手去研究，随着西方科学的进步发展，人体透视学与人体运动解剖学进一步帮助画家创作更具生动性和挑战性的人物绘画。
对比中国古代人物绘画在既无人文科学环境的支持，又无内在观念思想的帮助下，大致我们就可以理解中国传统人物绘画中造型不准、解剖不对、不画人体的原因了。
中国人物画的主要目标和追求是“美”与“恶”的分辨，“气韵生动”是绘画所要达到的最终标准，并且形成传统，彰示后世，中国人物画的这种追求使得它和西画表现真实准确的美在造型要求上突显区别。
这里绝无对中西绘画褒贬评论之意。
而只有认识到中西绘画的各自特点及其产生的原因背景之后，我们会发现，西方绘画的物质性、再现性，相对中国传统绘画的精神性、表现性之间的巨大差异了。
现在看来，中西绘画比较欣赏有着重要的教育意义，其价值在于，一方面，使受教育者得到美术文化意识的培养。
美术的发展历程体现着一定社会历史阶段物质文明和精神文明的发展进程。
美术作为一种文化其外在形式具有物质性，而创造方式和水平又体现着审美的精神性，美术文化所包含的这些东西需要挖掘和揭示。
系统的绘画艺术欣赏教育，一定会涉及美术现象所反映的特定历史时代的物质文明和精神文明程度，而且会启发学生深入领悟美术现象的内在文化底蕴，引导了解绘画与人素质和发展的关系。
认识绘画作品所展现的境界、技能、观念永远是人素质的体现。
其二，人文精神的陶冶。
虽然绘画欣赏不同于德育课，但以德育和文化成长为中心的人文精神的教育，也是绘画艺术教育的使命之一。
古往今来，在时空长河中，得以积淀的美术作品，必然是人类优秀文化遗产的代表，通过对这些作品的欣赏、挖掘和弘扬，达到扬善、育德、益智的目的。
同时，引导学生形成正确的欣赏态度，掌握正确的方法成为一个心理结构健全的具有审美判断能力的欣赏者。
其三，绘画欣赏的再创造性。
欣赏，表面现象上看是一个直观掌握的过程，实际上一件美术作品之所以流传，除了作品本身所具备的品质以外，还有一个重要的原因就是欣赏者的主观态度。
它需要想象力、体验力和感悟力，通过对作品语言的应悟，把作品所包含的内容复显出来。
而这个过程必然渗透着欣赏者个体的人格特征、心理内涵和精神理解，这种特殊的心理活动，独特的心理感受和情感意志，甚至欣赏者所处的时代特性，都会使得美术作品本身有新的开拓补充，甚至是重构，从而使艺术形象成为活的有生命的形象。
三：绘画色彩应用色彩是视觉艺术中最感情化的因素，“直写”主体心灵，并能在瞬间吸引观者眼球，引起情感共鸣。
它不仅是物理学意义上的光学现象，还有着丰富的文化隐喻，与人类文化情感有着甚为复杂、微妙的联系，因此中西不同地域、民族的综合文化背景下的色彩语言有着极大的差异。
西方绘画色彩语言总体特点是偏重感性，突出质感，再现视觉经验的。
古希腊美术以“数”来理解世界，对形的关注超过了色，所以这时期的色彩审美是以构成世界的自然物质的原色来理解的。
古罗马则延续了这一体系。
色彩的精神内涵在中世纪的宗教生活中得到了极大的丰富，拜占庭基督教堂宣传宗教观念的镶嵌画，形象清晰，色彩鲜艳，构图富于装饰性。
探索人性、把真实感注入笔下的人物及周围环境是文艺复兴时期绘画艺术的追求目标。
佛罗伦萨和威尼斯画家则把理性科学的透视法、解剖学与感性的光色感结合起来创造画面的色彩和谐，这样就形成了西方古典绘画色彩语言的基础体系。
西方绘画要客观地再现眼前的现实世界，所以特别强调用色彩和光影明暗去塑造对象。
它所追求的，是在色彩的冷与暖、厚与薄、深与浅、淡与浓等多组关系中，营造出直观的视觉效果。
从整体上看，这种美学追求更有光学意义，更富于几何精神和理性思考。
这是西方绘画与中国画在形式上最重要的区别。
中国传统文化中认为色彩本身就是宇宙中的一个重要成员，没必要“委屈”着作为模仿、象征他物的中介。
所以画家使用色彩就不是为了去模仿或再现他物，而是整合画面诸要素，力求形成与“大宇宙”之“和”相同构的画面审美特征。
因此画面上的色彩功能就不能被视为物理意义上的光“色”，而是融于画面整体的功能意义上的“韵”。
中国水墨色彩的产生，以“六法”中“随类赋色”的绘画原则来看，水墨画家只是把纯然的五色--青、赤、黄、白、黑--作为视觉立足点，在此基础上宏观观察，透过色象之表，揉和色相之质，从而做到从“眼中之色”到“心中之色”再到“画面之色”的转变。
水墨画家面对自然景物生成的“胸中之竹”就是其个体对客观事物宏观观察，透表捉质后产生“兴感”，再与其文化背景揉和前人经典作品图式并结合其绘画功力而形成的综合意象。
以上这些特点还只是中西方艺术作品不同之处的典型几点。
中西方绘画是一门很大的学问，正因为这样，所以我们更应该努力钻研。
同时也要提高自身的审美和发现的能力，学会欣赏，感知中西方艺术的魅力与内涵。
2013年6月15日。
