中西方美术史必考重点

西方美术

波提切利《维纳斯的诞生》

达芬奇《最后的晚餐》

米开朗琪罗《哀悼基督》

拉斐尔《雅典学派》

伦勃朗《夜巡》

委拉斯贵支《教皇英诺森十世》

戈雅《1808年5月3日的枪杀》

德拉克洛瓦《自由引导着人民》

马奈《草地上的午餐》

莫纳《睡莲》

凡高《星夜》《收割的麦田》

马蒂斯《舞蹈》《生活的欢乐》

康定斯基《第21号即兴作业》

毕加索《阿维农的少女》

达利《记忆的永恒》

《拉奥孔》

在这些作品中，气氛的营造，动态的组织，情感的表达以及物象的构成都是前所未有的繁复，剧烈，然而雕刻家却凭借高超的技艺，在粗犷奔放与端庄高贵中取得了和谐。

《米洛岛的阿芙罗蒂德》

她充满了清新气息和动人的风采，用“崇高”一词来表述其美丽可能比“柔媚”更为恰当。雕像在出土时虽然双臂已经损失，但是她宁静与端庄的神情及丰腴，优美的体态，予人典雅和纯洁之感，使人们对“崇高”和“永恒”这些概念获得了形象及真切的感受。

三种柱式：多立克式柱身的走向是下粗上细，但并非严格的直线，而是有着稍微外凸的弧形，从而形成某种张力和弹力。

爱奥尼式柱身比多立克柱式修长，凹槽数量更多，有柱基，柱头为两对涡卷纹饰，在视觉上比较优雅秀美。

科林斯式希腊化时期非常流行。典型的科林斯柱头用毛茛叶形装饰，比起爱奥尼式柱来，造型更加纤巧华丽。

《蒙娜丽莎》

这位披薄纱，穿深色衣服，双手搭在椅子扶手上的女性，其谜一样的微笑吸引了几个世纪的人们。《蒙娜丽莎》这件尺幅不大的作品整个沉浸在深褐色的调子里，色调虽然单纯了，细节却更为丰富，加上背景的山川，河流，意境更其深远。

拉斐尔被认为是文艺复兴绘画的集大成者，他一生中绘制了大量圣母子题材的作品。拉斐尔将现实中许多美丽女性的特点集中表现在圣母身上，从而确立了当时最为理想的圣母像典型。他的圣母形象温婉，甜美，像人间女子一样可亲可近，其母性的博爱与温柔像阳光一样弥散在画面上，抚慰着信徒或俗世中人们卑琐的心灵。

《雅典学派》是拉斐尔为梵蒂冈宫教皇的签字大厅绘制的四幅大型壁画中的一幅，代表着哲学这一主题。《雅典学派》的背景是一座有着巨型拱顶的宏伟大厅，两旁的壁龛里矗立着代表学术与智慧的雅典娜和阿波罗的神像。最中心的两位人物分别是手指向天的拍拉图和手掌向下的亚里士多德，他们好像在争论问题，或者在阐述他们不同的哲学思想来源，他们的周围簇拥着听众。《雅典学派》中，拉斐尔匠心独运地把50多个人物安排在台阶上下，形成穿插错落的构图；深长的拱廊延伸了画面的景深，使场景更其壮阔，明朗。以明确的视觉艺术语言揭示了人类对精神价值追求的恒久意义。

新古典艺术的美在于“高贵的单纯和伟大的静穆”

新古典主义画家反对洛可可的陈腐画风，渴望通过重现古希腊罗马的简洁和庄重，来传达有关正义，荣誉和爱国主义等道德观念。他们重视历史的精确性，试图在古典题材中重现当时的情景，甚至追求细节的真实。

①大卫力图使作品中的人物都有着雕塑般的造型，有许多动态甚至直接取之于古代雕塑作品。

②主题明确，人物形象鲜明是大卫画作的特征；

③作品中的人物即算面临痛苦和折磨，仍然要表现出无敌的，坚韧的情操；

④肉体受苦，仍然要保持高贵和平静的外貌。

《马拉之死》

画作在用色上十分单纯，人物形象非常突出。人物的崇高感和古典美得到和谐的统一。

德拉克罗瓦坚持色彩在绘画中的重要作用。与新古典主义画家那描摹得很精细的轮廓截然不同，他的笔触粗放，旋动，明暗对比强烈，色彩的运用十分响亮。

1．罗丹善于捕捉人类形体中从内部向外部涌动的生命力，他使人在连续活动中的一个个瞬间的动态变化凝固成雕塑，充满戏剧性的张力。

2．对人体的不同结构，生命的律动，各种可能的姿态和动态，罗但都了然于心，而在塑造人体时应用的雕塑语言既随心所欲又不失规范。

3．他不喜欢外表光滑的形体，常常在物象的表面留下一些未加雕凿的部位，类似油画中的“笔触”，使形象更加有力，整体感更强和具有象征的意义。

印象派

1.印象派画家在绘画中孜孜以求的是表达眼前的真实，是对真实物象色彩，光感的追求。

2.抛弃了学院派高高在上的古典，历史题材，而把视觉投向那些平凡和人们熟悉的事物。

3.在于其绘画语言的技巧层面上，印象派画家对“固有色”观念的颠覆和对物象坚实轮廓

的漠视。

“达达”是一个国际性的知识阶层的思潮，包括文学和造型艺术领域。暗合了这一运动的玩世，胡闹和反艺术的本质。

建立在虚无主义基础上，嘲讽一切艺术传统的达达很快成为了国际思潮。其最杰出的人物是生活在纽约的法国人杜尚。

中国美术史

“春蚕吐丝”这种线条，古代常常特别用来指东晋时一个大画家----顾恺之的作品

“吴带当风”是一般人称吴道子画的线条

“春蚕吐丝”表现比较均匀，缓慢的节奏；可是，“吴带当风”似乎具有狂风暴雨的速度，其实很大。

一般来说，王维是中国“文人画”的鼻祖。“文人画”就是读书人画的画。这种画，不用太多颜色，不像宫廷画那么艳丽。他们用的主要是墨，所以画面看起来很淡雅。“文人画”后来被宋朝苏东坡等人加以发扬光大。苏东坡说王维“画中有诗，诗中有画”。也就是说：因为王维本身是诗人，读过很多书，所以他的画富有诗意，境界很高。

把诗写在画上，叫做“题画诗”。这种“题画诗”是宋朝人的发明。中国人因此创作了世界上唯一把诗和画结合在一起的形式。

南宋有一位叫梁凯的画家，画了一张非常有趣的“仙人”。这个“仙人”是很随意地用泼墨在纸上画的，不用工整的线条，所以一般人就叫他《泼墨仙人》。

这种画在宋朝以后慢慢流行起来，叫做“写意画”。另外一种很仔细工整的画，就叫做“工笔画”了。

文人画被文人提倡之后，中国的绘画发生了两个明显的变化

1.原来的人物画消失了，画家变成以画山水，兰竹为主。

2.色彩浓艳的画也消失了，代之而起的是水墨画。

从宋朝以后，中国绘画的主流是“文人画”。

元四大家：吴镇，黄公望，倪瓒，王蒙

张择端的《清明上河图》是宋代描写城市居民生活最有名的一张画。

达达主义的含义，杜尚的“反艺术”最尖端的两个举动是什么，其意义是什么？

一是在1917年把一个厕所中所用的小便池命名为《泉》送给纽约的独立艺术家协会第一回展（未被接受展出）

二是于1919年，在达芬奇的《蒙娜丽莎》印刷品上，用铅笔给主人公加上口须和山羊胡子，并题上L.H.O.O.P。

他的这些把“现成品”或“添加现成品”当做艺术品的行为不仅是对传统艺术观念的颠覆，更以其机智的反讽对诸如“自由意志原则”，“艺术的本质”等问题提出了质疑和挑战。