浅谈中国画与中国诗歌的关系

浅谈中国画的意境

作者：许术飞

来源：《中华少年·研究青少年教育》2011年第10期

如果说西洋古典绘画是“尚法”的，注重对事物的科学再现，那么中国古典绘画则是“尚意”的，注重表现，注重抒情。所谓“尚意”就是注重对意境的表现，

所谓“意境”，查《現代汉语词典》，是指“文学艺术作品通过形象的描写表现出来的境界和情调”。中国画的意境就是画面所呈现的境界和包融的画家的主观情感。

中国画的意境突出地表现在两个方面——

一、先谈诗画合璧：

中国画在其发展过程中逐渐形成了诗、书、画、印相结合的综合艺术形式。画家在画完一幅画以后，还要在画面上题款、盖章，这件作品才算最后完成。题款的诗文内容，可长可短，可以只是一个题目、两句诗、一首诗、甚至一段长诗。题款的诗文内容同画面有深刻的联系，画家往往通过题款即景生情，抒发情怀。甚至生发开去，另拓天地，竟在画面上出现一段精粹的画论。或者是发人深省的人生哲理，使欣赏者感受到强烈的艺术魅力。苏东坡尤喜在画面上题诗，诗文书法与画面相映生辉。题款诗文，发展到明清进入极盛时代，尤其是石涛及其后的“扬州八怪”，他们的题款，纵横跌宕，妙趣横生，达到了极高的艺术境界。历代画家留下了大量的题画诗，成为中国诗歌园地的一朵奇葩。

中国文化历来讲究境界，特别是文学作品中的诗词。中国画在其发展过程中深受诗词的影响，历史上很多大诗人，大词人同时又是成就很高的画家。因此诗词的发展也极大地带动了中国画的发展。王维和苏轼就是其中的典型代表。诗词中的比兴、借物抒情、托物言志，给中国画以很大的启迪，讲含蓄、虚实、计白当黑，加强了绘画语言的表现力和表象能力，更能诱发观者的想象力。讲究诗中有画，画中有诗，从而把中国画对意境的追求提高到更高的层次。前人在品评王维的作品时称；“观摩诘之画，画中有诗；味摩诘之诗，诗中有画”。苏轼的《前赤壁赋》给人营造了一个月明星稀，江流万古的画面，让人油然而生一种荒凉，寂寞的情境，优如身临其境，耐人寻味。

国画与中国古诗词之间的关系(3)

(三).诗画相通，气韵生动

中国古典艺术的代表诗歌和绘画，都不约而同地把“意境”作为最高审美范畴。“意象”是凝聚作家主观情思的，富于审美意味和文化内涵的客观外在物象。举例来说，元代马致远《天净沙·秋思》：“枯藤老树昏鸦，小桥流水人家，古道西风瘦马。夕阳西下，断肠人在天涯。”其中“枯藤”、“老树”、“昏鸦”、“小桥”、“流水”、“人家”、“古道”、“西风”、“瘦马”就是典型的意象，这些带有作家主观情感的外在物象共同烘托出苍凉悲凄的色调，把“断肠人”的羁旅之愁表现得淋漓尽致。“意境”又称“气韵”、“性灵”，是艺术家借助艺术符号，通过不同意象聚合而成的一种新质。意境的生成基于意象但又超越意象。中国的古典艺术有“写意”的传统，特别注重意境的创造，它们都是以“意境”为轴心彼此交叉又互相渗透的实体，也正是因为有了“意境”，才把不同的艺术形态连结和沟通起来，中国的古典艺术也正是借助于“意境”这个生命范畴而相互联系、相互作用，并按照一定方式组成具有民族特性的有机统一的整体。具体到中国古典艺术的两个重要门类，诗歌和绘画，也正是以“诗意”和“画境”在取境和造境上的一致性，才得以实现诗与画的相通。诗与画本质上都是人对自然美、社会美的感受表达于笔端的产物。关于诗与绘画相通关系的讨论由来已久，晋代陆机云：“丹青之兴，比雅颂之述作，美大业之馨香。宣物莫大于言，存形莫善于画。”唐代张彦远坚持陆机的观点且云：“记传所以叙其事，不能载其容，赋颂有以咏其美，不能备其象，图画之制，所以兼之也。”二人都认为诗画异质但有共通之处。诗人兼画家的王维在《为画人谢赐表》中有言：“乃无声之箴颂，亦何贱于丹青”，将丹青之作喻为“无声之箴颂”，已注意到诗画相通。

1.中国画与诗的创作，取材来源相通

中国绘画的发展与文化的发展紧密联系。文学已堂而皇之地进入绘画，并在意境及内容上对绘画起着向导的作用。大量文人介入画坛，从事绘画，以诗题画，不仅使人品尝出诗境之美，而且体验出画境之美，交相辉映、相得益彰。题画诗起初是以诗意抒发画意，进一步发展就成为以诗境映衬、开拓画境。这样，画境中就充满了诗境，所以当时绘画追求一种“画中有诗”的意境，文人所追求的抒情性成为了当时绘画的主流，北宋中期苏轼就明确提出了“诗画本一律，天工与清新”。并称赞王维为“诗中有画，画中有诗”。因此，文学与绘画早已结下不解之缘，不可分割。那些文学与绘画兼擅的画家，都在画境中讲求诗境的营造，甚至有时仅仅根据诗的寓意所在而作画，使绘画中充溢着浓厚的文学气息。

梅品文草

《浅谈诗书画印》

严雪

【摘要】

:正我国的绘画综合了诗文、书法、印章等艺术，形成我们民族 绘画上的特殊风格。一般来说，历代有成就的大艺术家、绘画大师， 都是大学问家。诗、书、画、卬皆精，所谓“画外之功”正是如此。如 王维，是唐代大诗人，又是大画家，诗的境界非常美，画也很美，可 谓”书画同源”、”诗情画意”。

1. 书法与绘画关于”书画同源“，是说画之道在书法中，要明绘画 笔法，先研究书法。我国古代画论中对此就有叙

【关键词】

:书画同源书法绘画中国画用笔文人画诗与画张彦远历代名画记 艺术家

【正文】

一、中国画的定义和发展

国画在古代无确定名称，一般称之为丹青，主要指的是画在绢、 宣纸、帛上并加以装裱的卷轴画。汉族传统绘画形式是用毛笔醮水、 墨、彩作画于绢或纸上，这种画种被称为“中国画”，简称“国画”。 工具和材料有毛笔、墨、国画颜料、宣纸、绢等，题材可分人物、山 水、花鸟等，技法可分工笔和写意。从美术史的角度讲，1840年以 前的绘画都统称为古画。中国画在内容和艺术创作上，体现了古人对 自然、社会及与之相关联梅品文草

的政治、哲学、宗教、道德、文艺等方面的

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认识。

中国画主要分为人物、花鸟、山水这几大类。表面上，中国画是 以题材分为这几类，其实是用艺术表现一种观念和思想。所谓“画分 三科”，即概括了宇宙和人生的三个方面：人物画所表现的是人类社 会，人与人的关系;山水画所表现的是人与自然的关系，将人与自然 融为一体;花鸟画则是表现大自然的各种生命，与人和谐相处。中国 画之所以分为人物、花鸟、山水这几大类，其实是由艺术升华的哲学 思考，三者之合构成了宇宙的整体，相得益彰，是艺术之为艺术的真 谛所在。

二、 中国书法在中国画中重要的因素

我国著名书法大师启功老先生，开始时学习中国画，当他认为自 己的画可以登上大雅之堂的时候，一位德高望重的艺术家指出，在画 而上的书法落款太差，使作品的艺术效果大大打了折扣。在这方而的 “故事”很多，它形象地说明了：中国画如果有一个好的书法功底， 是中国书画艺术成功的基础。事实上，中国元代松雪道人、明代唐伯 虎、清代郑板桥等书画大师的成功之路，都是沿着书画并举的研学道 路最终大器晚成的，这就是中国书法艺术给世界带来的美的共鸣。

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－125－ 浅谈《诗经》中“赋”“比”“兴”与中国画的因意而类 □ 河北师范大学 石亚平 / 文 中国古代诗歌与中国画有着千丝万缕的联系。《诗经》六义中“赋”“比”“兴”的创作手法与中国画中常常出现的以“梅兰竹菊”为载体表达自己高尚情操的艺术作品非常相似。 因意而类 托物言志 类相法 立象以尽意 《诗经》是中国现存最古老的诗选，是劳动人民智慧的结晶。《诗经》从他的内容或性质上可分为“风”“雅”“颂”三大部分。从创作方法和表现技巧上可分为“赋”“比”“兴”三大部分。这篇文章主要从创作方法与表现技巧上与中国画作深入的对比。 何为“赋”？朱熹为“赋”下过这样一个定义：“赋”者，敷陈其事而直言之也。从这句话中我们可以看出“赋”是直接书写（即物即心）直书其事，平铺直叙的描写一件事。如：《小雅.北山》文章表面描写了周朝的一个小官员整日为王室奔走无暇顾家，而又无可奈何发出的不平的呼声。但是却揭露了当时社会苦乐不均，贵族生活安乐闲适劳苦大众与中下级的“士”阶级却一生忙忙碌碌的现状。《秦风.无衣》描述了士兵们出征前同衣同食的生活但实际上表达了将士们同仇敌忾的精神。这种平书直叙的描写类似于中国画“以形写神”的创作方式。“以形写神”由东晋顾恺之提出，顾恺之认为“神”是看不见摸不到的形而上的东西，如果艺术作品空有其形而无神的话就不是一件优秀的艺术作品。好的艺术作品要神形兼备，用形来做神的载体，以形写神。明朝后期在江浙地区盛行的“波臣派”就是以形写神的优秀代表。

《徐渭像》 《文心雕龙.比兴》曰：何谓为比？盖写物以附意，扬言以切事者也。说白了“比”就是比喻，打比方的意思。是借物抒情（心在物先）关于“比”产生的原因东汉王符在《潜天论.释难》中写道“夫譬喻也者，生于直告知不明，故假物之然否以彰之。”常恨言语浅，不如人意深。为了使我们描述的东西与自己所表达的意义相一致，逐渐就产生了比喻这种修辞手法。而且发展出了明喻.暗喻.借喻.隐喻等多种修辞方式。《诗经》中“比”的运用最多最为广泛。《卫风.硕人》“手如柔荑，肤如凝脂，领如蝤蛴，齿如瓠犀”用柔荑比喻庄姜之手，用用凝脂比喻庄姜之肤。直接运用“如”这个比喻词，这是明喻。《卫风.氓》中“桑之未落，其叶沃若。”“桑之落矣，其黄而陨。”用桑树来比喻女子的容貌，桑之未落，美貌尚存。桑之落矣，美貌不再。这是暗喻。