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论常书鸿油画作品中古典主义艺术精神的领悟常书鸿是中国当代著名的油画家，他的作品在艺术领域中、在国内外都得到了广泛的认可和赞誉，其艺术水平和创作能力在业内位列前茅。
他的油画作品以古典主义艺术风格为主，从中可以看到一种深厚的文化底蕴和艺术精神。
本文将探讨常书鸿油画作品中古典主义艺术精神的领悟。
首先，常书鸿的油画作品具有非常强烈的古典主义气息。
古典主义强调的是人的理性、秩序、规范等因素，这些因素在常书鸿的作品中得到了明显的体现。
他在作品中运用了古典主义的创作手法，比如说光影和构图等方面的处理，光影的处理能够将人物形象层次感提高，更好地体现其内心世界和情感状态。
而构图方面，则是通过对画面元素的安排，达到视觉效果最大化的目的，人物的姿态、肢体的协调性以及对比度的处理，让画面更加丰富，更加动人。
其次，常书鸿的油画作品中也表现出了古典主义文化的内涵。
在他的作品中，经常可以看到古代神话传说、古典文学作品等元素的融入。
例如，他的《狄俄尼索斯与阿里安娜》、《伯罗奔尼撒战争》等作品，都基于古代的历史和神话文化进行了创作，不仅展现了古典主义时期的历史和文化，更体现了艺术家对于古代文化价值的认同和尊重。
最后，常书鸿的油画作品中还表现出古典主义艺术精神的顽强生命力。
古典主义艺术更关注的是精神内涵，尤其是对于人性的探讨和表现。
常书鸿的作品同样也在追求这种精神内涵，他通过人物的神情、行为特点等方面的表现，力图展现人性的多样性和复杂性，给观众留下深刻的印象。
他的《苏三起解》、《牛郎织女》等作品，都是通过对于人性的呈现，探讨和表现人和爱、家庭、社会等方面的内涵，体现了古典主义艺术精神的顽强生命力。
综上所述，常书鸿油画作品中的古典主义艺术精神，是一种文化底蕴、创作手法、内涵表达和精神追求的综合体现。
对于油画创作爱好者来说，学习常书鸿的作品，领悟古典主义艺术精神，将有助于提高自己的艺术造诣，更好地诠释作品的深意和内涵，也能够开阔自己的艺术视野，拓展艺术思维的广度和深度。
论油画《拾穗者》所反映的社会生活及对中国现实主义创作的影响油画《拾穗者》是中国现实主义艺术的经典代表作品之一，它以生动的艺术形象，真实地展现了农村劳动者的生活场景，深刻地反映了中国农村社会生活的现实面貌，对中国现实主义创作产生了深远的影响。
油画《拾穗者》通过绘画的方式将农村劳动者的生活场景栩栩如生地呈现在观众眼前。
画面中，一位农村妇女挽着一捆稻谷，她的身形略显瘦削，但面部表情却充满了毅力和坚定。
她穿着朴素的衣物，头戴斗笠，脚踏泥土，一双粗糙的手在收割稻谷。
画面中的色彩明亮，线条简洁而有力，让人对于农村劳动者的辛勤劳作有了更加直观的感受。
这幅作品不仅仅是一幅普通的风景画，更是通过艺术手法对农村生活进行的真实而生动的描绘。
油画《拾穗者》所反映的是中国农村社会生活的真实状态。
在过去的时代，中国农村是农业主导的社会形态，农民是整个社会的主要生产力量。
他们辛勤劳作，勤劳朴实，是中国社会中最基础的劳动者。
受到种种历史原因和社会制度的影响，农村长期处于贫困落后的状态，农民生活困苦，劳动条件艰苦，劳动收益少。
其中的不公平和不合理引起了艺术家的关注和思考，他们通过艺术作品来记录和反映农民的生活现状，为他们发声，呼吁社会关注农村的发展和农民的生活。
《拾穗者》这幅作品所反映的不仅仅是农村劳动者的生活现状，更是对中国现实主义创作产生了深远的影响。
中国现实主义创作兴起于上世纪二三十年代，当时中国正处于动荡不安的局面，社会问题突出，人民生活困苦，国家前途命运堪忧。
中国现实主义艺术家通过自己的作品，力求真实地反映社会生活，关注人民的生活，关注社会问题，关注国家的前途，努力创作出富有人民性、现实性和时代性的作品。
而《拾穗者》这幅作品正是具有这些特点的杰出代表之一。
中国现实主义创作追求真实性，具有强烈的社会责任感。
它关注人民的疾苦，呼唤社会的公平正义。
《拾穗者》以农村劳动者为题材，真实地描绘了农村的生活现状，其作品的真实性和现实性都体现了中国现实主义的艺术追求。
浅析写实风格油画在国内的发展作者：郑小刚来源：《艺术评鉴》2020年第05期摘要：写实风格油画现在西方已衰落，然其影响力连绵不绝。
西学东渐，油画引入中国两百年左右，写实风格油画作为一种最主要的油画形式，为国内专业人士及广大老百姓所接受与喜爱，转化成一种情结，挥之不去，历久弥新。
关键词：油画写实风格多元化中图分类号：J205 文獻标识码：A 文章编号：1008-3359（2020）05-0050-02写实风格油画主指传承古希腊传统艺术观念而在文艺复兴时期发展起来的艺术形式，注重形体、比例、结构、透视、明暗，相对规范、严谨。
一、写实风格油画在国内的发展状况写实绘画起源于西方，有着悠久的历史。
写实风格的油画进入中国并得以发展主要是在20世纪。
代表人物是以徐悲鸿为代表的法国学院派写实绘画。
（一）写实风格油画在中国油画艺术中起主导地位19世纪以来，西方工业文明逐渐发展，照相技术的发明，使写实风格油画失去魅力。
人们的艺术追求更加多元化，从印象派及后印象派等开始，各种风格、主义层出不穷。
明末清初，写实风格油画由来华的意大利传教士罗明坚、利玛窦、郎世宁等传入国内，再到20世纪初中国留学生回国传授油画艺术，写实风格油画在中国得到了初步发展。
随着新中国的成立，留学法国的徐悲鸿先生任中央美术学院院长，他所倡导的写实风格油画在中国占据主导地位，加之留学前苏联的油画艺术家的加入，油画写实艺术风格得到了进一步发展。
各大美术学院油画系（专业）成立了不同风格的工作室，但以写实油画风格为主。
20世纪80年代始，尽管油画艺术风格已越来越多样化，可写实油画能深入描绘物象，再现较真实的物象特征，是那种最能体现著名画家吴冠中所说的群众满意，专家点头的形式之一——通俗易懂、雅俗共赏，符合广大人民的审美口味和心理诉求。
写实风格油画在中国也找到了展示自我的平台。
在每次的一些大型油画展中，尤其是全国美展中，写实主义油画一直占着很大比重。
当然在油画获奖作品中，写实风格油画作品也占多半江山，这在不同程度上也起了引导作用。
油画人物写生心得美术学国画2班刘先阳081014107中国的写实油画无疑具有开阔的前景，我们有一支正在生长的广大的写实画家队伍，以国别而论这支队伍是当代世界上人气最旺的，有正在提高现代文化水平的广大受众，也有社会各方面的重视，包括市场需要在内。
尽管在西方发达国家代表的艺术世界里，写实比较地仍在式微，但中国自有自己的文化国情，我们毋须追随人家而进退，应该采取的是自主的态度。
现在油画学会提出了自觉构建中国油画学派的口号，而按照中国的实际继续推进写实油画的自主创造发展，这条路本身就是体现中国学派的一个部分和一种特色。
为了推进写实油画的自主创造发展，我们需要作多方面的努力。
一我们对绘画方式的体系掌握得尚不到位，需要继续下功夫深入研究。
“不到位”是几代以来积累形成的。
我们的根子浅，前辈作过他们移植的努力，但毕竟势小力薄，又显然有他们在当时领会的局限。
一代一代学下来，难免有“二传手”以下劲儿不足的现象。
50年代以前学的写实被看作“土油画”，以后学“苏派”确实显著地把外光色彩水平普遍提高了一步，但搞不好就像水粉画或FUJI胶卷拍的彩照那种倾向，逐渐全面深入了解油画色彩的奥妙还是这20年的事。
在素描造型上，所谓“法国派”（暂用此名称），以徐先生为代表，搞不好容易空，又较缺少大幅复杂空间关系的处理能力。
后来“学苏派”，所谓“契斯恰柯夫”以后的画法，确实有把空间形体的结构原则与生活中的感性真实结合起来的可能，但我们在实践中又大多流于繁琐死板之病。
“文革”中训练了很多美术宣传能手，“文革”后经过补课进修，很多人成了高手和当今骨干。
这近20年来学校日增，写实仍然是各地院校专业训练的基础，以至从学前训练起就如此，但青年学生到高年级和出校门就纷纷不满足于这个，于是到处靠年轻教师引导搞各种个人性经验的改造、变体、试验，各行其是，倒也热闹，但是对画法的领会普遍不到位，经不起推敲。
其中当然大有成绩，可是好赖混杂不分。
其中见效多的是摹绘彩色照片的本事和按个性发挥变异风格，颇是喜人，但成不了可靠的长远技巧基础。
论油画《拾穗者》所反映的社会生活及对中国现实主义创作的影响1. 引言1.1 介绍油画《拾穗者》油画《拾穗者》是中国现实主义艺术的代表作品之一，由著名画家许农创作于1974年。
这幅作品描绘了一位农民在田间劳作的场景，表现了劳动者艰辛劳动的形象。
作品采用了明亮的色彩和粗犷的线条，展现了农民朴实、勤劳的品质。
画中农民的面部表情刻画了坚毅、坚韧和不畏艰辛的精神，给人一种力量和鼓舞。
油画《拾穗者》通过具体的场景和细致的描绘，展现了中国农民的实际生活，为中国现实主义创作开创了新的思路。
这幅作品以其真实的表现方式成为中国现实主义美术的典范之一，影响了后世的艺术创作和审美观念。
油画《拾穗者》的出现使观众更多地关注到社会底层人民的生存状态，引起了人们对劳动者命运和社会现实的反思。
通过《拾穗者》，观众可以感受到农民劳动的辛苦和农村生活的朴素，从而产生对劳动价值和社会正义的尊重和关注。
1.2 引出中国现实主义创作的背景中国现实主义在20世纪初兴起，是一种从社会现实中汲取素材、关注人民生活、反映社会问题的艺术创作风格。
在当时的社会背景下，中国正经历着战乱频繁、社会动荡不安的局面，人民生活贫困艰辛，社会问题丛生。
这种背景下，中国现实主义创作者们深入基层，走进农村和城市的底层群众，关注普通人的生存状况，体现人民的伟大精神和真实生活面貌。
中国现实主义创作者们通过自己的作品，真实地反映社会现实，批判社会不公，呼唤社会正义，引发了社会各界的广泛关注和深刻反思。
他们以强烈的社会责任感和艺术追求，为中国现代艺术的发展开辟了新的道路，探索了一条具有中国特色的现实主义创作之路。
这些作品无疑给当代艺术带来了深刻的启示和影响，激励着后人继续关注社会现实，探索艺术与社会的关系，为艺术创作注入更多积极向上的力量。
2. 正文2.1 油画《拾穗者》所反映的社会生活油画《拾穗者》所反映的社会生活是中国农村生活的真实写照。
作品中描绘了一位农民弯腰在田间地头拾割麦穗的场景，整个画面充满了勤劳、朴实和自给自足的氛围。
写实艺术论文范文3篇写实油画艺术论文一、写实油画中的素描流派（一）古典主义素描提到素描就不能不说古典主义素描。
古典主义绘画在题材上追求内容丰富，精神崇高，形式庄重，努力使作品产生一种古代的静穆而严峻的美，强调精确的素描技术和柔妙的明暗色调。
这种作品主要是以文艺复兴和18、19世纪的法国素描作品为主。
意大利文艺复兴时期的三杰达芬奇、米开朗基罗、拉斐尔成为了古典主义素描的杰出代表。
达芬奇主张绘画要“忠实于自然，倾向于自然中的对象”，他的素描造型结构严谨，线条刚柔相济，善于利用疏密程度不同的斜线，讲究明暗与线的融合，表现光线的微妙变化，体现出理性与感性的统一，表现了人文主义的精神气质。
拉斐尔的画以“秀美”著称，画中的人物清秀，场景祥和。
米开朗基罗的素描在造型上注重力量、饱满和激情，并富有强烈的动感，他的线条雄壮有力，形体结构鲜明，其作品是写实主义与浪漫主义相结合的产物。
他画的人物以“健美”著称。
古典主义素描画派对写实油画艺术创作做出了卓越的贡献，极大地推动了素描艺术的发展。
（二）浪漫主义素描浪漫主义素描在素描领域也占有重要的地位，这个艺术流派起源于19世纪初法国资产阶级民主革命时期，他们摆脱了当时学院派和古典主义的羁绊，他们的创作题材取自现实生活，用夸张的手法来塑造形象。
浪漫主义素描和当时的资产阶级民主革命所宣扬的肯定人的精神价值、解放人的个性、尊重民众的人权等思想不谋而合。
可以说浪漫主义素描是资产阶级民主革命的一种产物，这种产物也极大地推动了资产阶级民主革命的进行。
浪漫主义在绘画上主张作品必须具有个性、特征和情感。
浪漫主义的绘画家中杰出的代表籍里柯一生都追求以现实为题材，热情浪漫地来体现新的主题思想。
他的作品《梅杜萨之筏》深刻体现出了一种浪漫主义的精神和色彩。
浪漫主义另外一个杰出的代表是德拉克洛瓦，德拉克洛瓦对素描艺术形式的发展做出了非常重要的贡献，他探索出的激烈运动的线条和笔法成为了素描艺术重要的表现手段和方法（三）现实主义素描现实主义素描伴随着法国1848年革命产生的现实派的出现而产生。
写意与写实——浅谈中国油画中的艺术表现写意与写实的探求成了中国人艺术审美和艺术鉴赏的显著特征。
中国传统绘画造型上要运用“意象造型”。
在中国油画创作中也产生很多写意和写实的表现手法。
本文通过对写实油画和写意油画的介绍,浅析的它们在中国油画中的结合与发展。
标签：写意油画写实油画抄艺术表现写意与写实手法是中国古典艺术的重要范畴,是中国人艺术审美和艺术鉴赏的显著特征。
20世纪初,在科学注意浪潮的冲击下,国人迷恋西方写实绘画。
最早创造中西融合的画家就是享誉二三十年代中国画坛的陶冷越教授,他把油画厚图与传统绘画技法结合,把西洋画的写实与中国画的写意结合起来,成为“中国式”油画的重要原因。
可以说,西方重写实的再现型艺术是科学的,而中国重写意的表现性艺术才真正是艺术的。
一、写实油画在中国油画中的艺术表现油画中重要的一部分就是写实油画,写实油画在欧洲油画发展史上占有主要的地位,也是欧洲油画中主要的表达形式,中国现实主义油画起源于欧洲,当时给中国油画带来巨大冲击和影响的算是俄罗斯现实主义思想潮流,在中国当时特殊的历史背景里,现实主义美术受到了很大的重视并得到广泛的发展。
时代变迁中国油画在经历了“新具象”,“新写实主义”到如今已形成多元化的形态,中国人对油画的审美停留在一定的阶段,在这样的环境下写意油画就不是所以人都能欣赏的,大部分人对于写实的油画才能接受的,才能符合大众的审美需求,可见写实油画有着比较广阔的空间,也越来越多的受到大众人的喜爱。
其中也出现了不少比较优秀的画家,在9届10届美展中金奖的作品全部都是写实的作品。
如冷军的《五角星》忻东旺的《早点》这也说明了写实油画在油画中的地位与价值。
写实艺术不只是要再现客观事物,而是要把现实的批评态度把主管的精神融入其中。
精神品格是写实主义的精髓,任何艺术都离不开自己民族文化的精神铺垫,我们在吸纳了外来艺术形式的过程中也出现了本族文明特种的作品,中国写实注意油画经过一代又一代画家的艰辛探求,写实油画已经取得了令人瞩目的成就,发展到现在已经不仅仅是一个流派了,更是一种艺术主张一种艺术精神。
论常书鸿油画作品中古典主义艺术精神的领悟
常书鸿是中国著名的油画家，他的作品深受古典主义艺术精神的影响。
古典主义艺术
强调对理性和秩序的追求，对古希腊罗马艺术的模仿和学习，以及对人体以及自然的完美
表现。
常书鸿在他的作品中融入了这些古典主义的艺术精神，通过对光影、人体结构和表
情的精细处理展示了他对古典主义艺术的领悟。
常书鸿在他的作品中对光影的处理体现了古典主义艺术精神。
古典主义艺术强调光影
的运用，通过对明暗的对比和阴影的塑造来表现物体的形态和立体感。
在常书鸿的作品中，我们可以看到他巧妙地使用光影来营造出画面的深度和立体感。
他通过对不同光源的处理
以及阴影的细腻表现，使得作品中的人物和物体显得栩栩如生，给人以强烈的视觉冲击
力。
常书鸿在他的作品中对人体结构的准确描绘也体现出古典主义艺术精神。
古典主义艺
术强调人体的完美和对比，对人体的比例和结构有着严格的要求。
在常书鸿的作品中，他
对人体的描绘非常精确，每个部位都经过仔细的观察和研究。
他通过细致入微的线条和明
暗的对比来表现人体的比例和结构，使得作品中的人物显得具有力量感和自然美。
常书鸿在他的作品中对人物表情的捕捉也展现了古典主义艺术精神。
古典主义艺术追
求对人物内在情感的表现，通过面部表情和姿态来传递情感。
常书鸿通过对人物面部表情
的刻画，能够准确地表达出人物的内心世界和情感状态。
他善于捕捉人物瞬间的表情细节，通过细腻入微的笔触来表现人物的喜怒哀乐，使得观者能够感受到人物背后的情感和故
事。
浅析中国现实主义油画的艺术特征及精神内涵中国现实主义油画是中国美术史上的一个重要流派，其产生于20世纪50年代，是中国绘画发展中的一个重要阶段。
在中国当代美术史上，现实主义油画是一种富有表现力和感染力的艺术形式，它既代表了当时社会的风貌，也体现了艺术家对中国社会现实的关注和思考。
本文将从艺术特征和精神内涵两个方面来浅析中国现实主义油画的特点和意义。
一、艺术特征1. 真实性现实主义油画强调对客观现实的真实再现，画家们具有对生活的敏感性和观察力，他们在作品中所描绘的主题和场景往往是真实、贴近生活的，通过对细节的描绘和对形象的塑造，使得作品具有强烈的真实感和代入感。
在这方面，现实主义油画与写实主义有着类似的特点，都强调对客观现实的还原和表达。
2. 批判性中国现实主义油画在表现现实生活的也不乏对社会现象的批判和反思。
画家们通过《农村题材》《城市题材》等作品，对中国当时社会的农村与城市的困境和问题进行了深刻的剖析，受到了广泛的关注和认可。
这种批判性的创作，使得现实主义油画不仅具有审美价值，更具有社会价值和思想性。
3. 人文关怀中国现实主义油画作品中往往包含着对人文关怀的情感和态度，画家们通过对画面中人物的塑造和情感的抒发，表达了对人类命运和生活的关怀。
他们用艺术的语言传递出人性的温暖与哀怜，使得作品更具情感共鸣和内在力量，这也是中国现实主义油画的一大艺术特征。
二、精神内涵1. 社会现实的关注中国现实主义油画的精神内涵之一是对社会现实的关注。
在中国20世纪50年代至80年代，社会发生了巨大的变革和动荡，中国现实主义油画在这一历史背景下产生并发展。
画家们关注农村与城市的困境、人民生活的艰辛、社会的变革与问题，使得他们的作品充满了社会关怀和历史印记。
他们通过艺术的方式呈现出当时社会的真实面貌，激发了人们对社会现实的关注和思考。
2. 人民生活的表达中国现实主义油画的另一个精神内涵是对人民生活的表达。
画家们通过对人物、风景、事物等的描绘，展现了人民的普遍生活，使得作品具有了广泛的社会性和群众性。
论油画写实艺术的精神忻东旺写实首先作为艺术的一种视觉形式是欧洲传统艺术的重要部分，写实的精神理念则构成欧洲整个艺术发展过程中的生命依据。
在人类还没有意识到有艺术的时候，我不知道写实的最初感动是否来源于对自然的摹仿。
由于人类在生存现实中对来自自然的不测使他们十分恐惧，尽管人类依靠群体来维持较强大的生存力量，但面对威猛的野兽他们依然感到怯力。
如果我们并不认为拉斯科原始洞穴壁画中那栩栩如生的动物是为了满足人类模仿自然的视觉审美需要或者是对虚拟现实迷恋的话，那无疑就是他们为了征服这些动物实施的巫术，他们在岩洞壁上摹仿野牛和驯鹿等动物的形象并画了它们中箭、受伤，是祈盼在现实捕猎中获胜。
为了使他们自己相信这一切会真的发生，有时他们还画上了熟悉的小河，水中还应该有鱼……极其朴素的精神理念使他们欣慰，并尝试创造更多生命中需要的。
自乔托以来欧洲大量的宗教绘画并不是每件作品都动人心弦，之所以有些作品能够出类拔萃，伟大之处在于这些画家从心灵深处倾注于他们用绘画所表现的那一信仰。
无论是安吉利柯还是弗朗西斯柯，他们对绘画的关注是因为希望通过最深刻的绘画形式传达他们灵魂中的追求。
这一特点同样适应于理解古代埃及艺术，他们为死者画像或雕刻并无意识作为艺术品来保存，而是为了寄托死者灵魂的不灭，并以此慰藉世人的心灵。
由此试想人类历史上哪一次被后人视为艺术的惊天动地的伟大工程是以艺术为目的的？如果说是，那么朴素的心理向往和至上的精神关注则是艺术的天性。
艺术的天性是在没有发明艺术一词之前就存在了，富有灵性的人们会以毕生的精力和极限的创造追溯这一理想，即使是痛苦的。
无论是埃及的金字塔还是中国的石窟艺术，都是创造者们的精神意志与天地共造化。
欧洲油画在其自身完整的发展过程中，人们经历了从神到人这一精神理念的转变，极大地丰盈了油画艺术的表现手段：在西班牙托来多古城桑托托梅大教堂里，安·柯列科的作品那坚实的造型结构和闪烁的明暗与整个教堂建筑装饰是惊人的和谐，使人不得不确信那迷离的真实。
他的画同教堂一起仿佛折射着宇宙的光辉，使朝拜者的精神被彻底征服。
教堂建筑对绘画的影响其空间结构意识成为欧洲油画的表现本能。
这种空间结构并不仅基于科学物理和视觉经验之上，更是沉淀于他们的心理意念之中，精神渗透着他们的每一寸空间。
那高耸的教堂尖顶肯定暗示着与上帝的沟通。
每一时代伟大的艺术家无不受到生活的启迪，创造出无数生动的作品。
然而精神的关注和投入始终是艺术家的灵犀所在。
任何一位伟大艺术家的造就都有同时代大批芸芸众生相形，如17世纪的荷兰绝不乏拥有和伦勃朗一样技艺的画家，但大都拘于荷兰小画派的情境之中，具有神性的却很少。
伦勃朗的精神情怀缔造了不朽的艺术，他超越了同时代的人，也超越了民族。
如果说我们从提香、丢勒、鲁本斯、伦勃朗的作品中感受到鲜活生命的话，那么，凡高的画则是用他的每一根神经编织而成。
可以说绘画从它产生的时刻就有强烈的精神目的，并且随着这一目的范围的不断扩展，使得油画技艺和表现手段循序向前推进。
“师法自然”是人类一切艺术完善的源泉，到过欧洲的人都会感受到欧洲人画出那样的油画不足为奇，无论从色彩到技法，一切都能从生活中感受到。
其自然环境和精神理念决定了欧洲油画的风貌，比如他们对立体的意识是与身俱来的；首先欧洲人长得就很立体，如果我们东方人和他们站在一起，你会强烈地感受到东方之所以产生平面的艺术也绝对是天地造化。
再看白种人的肤色我们就会非常自然地理解欧洲油画传统技法中的透明釉染是多么自然地产生，我想中国画的工笔重彩为了使平面的造型平而不板、平而不呆所产生的“三矾九染”之法可谓同工异曲。
人类对艺术最本质的感觉是一致的，甚至不受文化的局限，这就是人对不同文化背景下的艺术产生共鸣的原因。
当我们看到欧洲古代甚至一些现代绘画作品的时候，常常会有一种特别的亲切感，你会惊奇地发现那些画和我国古代绘画有某种惊人的相似之处。
这种亲近感受是人类朴素的精神情感，秦兵马俑之所以栩栩如生是因为那每一尊陶胎都寄托着一个英勇的灵魂。
追求精神目标是一切艺术的使命，特别是在今天这样一个全新视觉感受的时代，写实艺术必须牢牢守住精神这根底线，否则将失去文化意义。
在我们长期坚持一种教学模式的美术教育中，“模特”一词在很多人特别是学生的心目中泛起的感受，莫过于为练习基本功，诸如比例、结构、形体、色彩等等，一系列绘画常识的实验对照物。
因此，对诸多绘画常识已熟练掌握的人，不屑多看模特几眼，便可倒背如流地作画。
对于这些人来说，他们眼前的大活人无异于有颜色的石膏像。
且不必说画石膏像还应有更多的精神关注，就这种无视个体生命价值，无视人在现实中的生存状态，无视社会文化在人精神中的渗透等等，使写实艺术只拘泥于绘画技巧或只是对于所谓基本功的演练。
如果写实艺术走到这一步算是到了真正的穷途末路了。
殊不知最好的技巧是由于抓住了自然的精神本质才激发出来的，最好的技巧是让人感觉不到技巧。
我们都会为丢勒的一幅《野兔》印象深刻，使我们感受到画中的兔子除了兔子毛骨等生命特征之外，似乎没有别的，根本让你意识不到画兔子的线和塑造体积的明暗转折，但这一切都化作兔子的生命特征融入其中，而目前影响我们写实艺术向前发展的最大障碍便是“概念”。
靠概念、靠常识画画是多年来我们美术教育中积淀下的后遗症。
当我们看中国古代肖像画时，虽然那时他们并不懂比例，也不懂结构，更不懂明暗转折，但那种真切感令人怦然心动，它使你绝对相信人世间肯定有这样一个人活过，仿佛你还认识的。
相反我们画着自己身边的人物，却是如此陌生，反有隔世之感。
这是为什么呢？就是因为缺少生命关注的概念所致追求精神目标是一切艺术的使命，特别是在今天这样一个全新视觉感受的时代，写实艺术必须牢牢守住精神这根底线，否则将失去文化意义。
在我们长期坚持一种教学模式的美术教育中，“模特”一词在很多人特别是学生的心目中泛起的感受，莫过于为练习基本功，诸如比例、结构、形体、色彩等等，一系列绘画常识的实验对照物。
因此，对诸多绘画常识已熟练掌握的人，不屑多看模特几眼，便可倒背如流地作画。
对于这些人来说，他们眼前的大活人无异于有颜色的石膏像。
且不必说画石膏像还应有更多的精神关注，就这种无视个体生命价值，无视人在现实中的生存状态，无视社会文化在人精神中的渗透等等，使写实艺术只拘泥于绘画技巧或只是对于所谓基本功的演练。
如果写实艺术走到这一步算是到了真正的穷途末路了。
殊不知最好的技巧是由于抓住了自然的精神本质才激发出来的，最好的技巧是让人感觉不到技巧。
我们都会为丢勒的一幅《野兔》印象深刻，使我们感受到画中的兔子除了兔子毛骨等生命特征之外，似乎没有别的，根本让你意识不到画兔子的线和塑造体积的明暗转折，但这一切都化作兔子的生命特征融入其中，而目前影响我们写实艺术向前发展的最大障碍便是“概念”。
靠概念、靠常识画画是多年来我们美术教育中积淀下的后遗症。
当我们看中国古代肖像画时，虽然那时他们并不懂比例，也不懂结构，更不懂明暗转折，但那种真切感令人怦然心动，它使你绝对相信人世间肯定有这样一个人活过，仿佛你还认识的。
相反我们画着自己身边的人物，却是如此陌生，反有隔世之感。
这是为什么呢？就是因为缺少生命关注的概念所致。
对自然、对生命、对精神，中国传统艺术的表达从未有过障碍，然而因为中国文化精神越来越避世消极，艺术得不到正面的张扬。
以至于文人画中吟韵玩味、曲高和寡的审美情结，越来越不能满足社会的真切现实。
20世纪初民族面临危难，国家急需改制，西方列强轮机的轰鸣声和枪炮声，使中国的门户被彻底打开，原来供文人雅士们欣赏和玩味的绘画艺术已无法适应痛切的民族情怀，引进西学是所有有识之士的呼声，这便迎来了中国油画的机缘。
但是经过五六十年代国内政治运动的迭起，油画为了适应政治的需要犹如盘中的水仙藉浮而生，人民的精神情感被沦为政治说教的奴仆，油画的本源并没有融入人民的真实生活，虽有一定特色但终未见血性，可以说我们是在浮光掠影中游离了几十年。
改革开放再一次激起中国油画的情缘，但缘自何缘，使多少人迷茫又困惑。
曾几何时，我们的油画成了水中浮萍，什么风吹来都会跟着跑一阵。
当人们实在厌倦了漂流时便静下心来想给自己立块碑，于是乎打造风格、确立江山，形成中国油画前所未有的多元景象。
但当粉墨登场之时却感到我们的表情并不很自然，我们只有拖着沉重的僵躯，举步维艰。
有些时候一旦人们对某种有情感和精神参与的人类行为视作艺术，并加以大肆研究的时候，艺术本身却正在悄悄消失。
话说出来虽有失偏颇，但事实上历史中的学院主义却正是如此当学院主义忘情地研究艺术的形式以及一切自然规律的时候，往往忽略的也正是为什么研究形式及自然规律的目的，长此以往触动心灵的东西渐渐消失，变艺术的目的成为一种单纯的手艺，或者说暂时根本就不需考虑目的，只要练就硬工夫，艺术便悄然而至。
这样积累在人脑海里只是规律的知识，当需艺术出击的时候只有刀枪棍棒全无精神意志的驾驭，虽存犹亡。
虽然体态完整却已灵魂出窍，这绝非耸人听闻之言，我认为这也在很大程度上存在于我们的美术教育中。
虽然不能以此来评价我们今天的美术学院，但我们不可否认这种情形的存在。
当然概念之劣作并不都是学院造就，历史上任何时期都可能产生。
对于基础和功力的理解，除了画家对知识和技巧之外，更为重要的是一个人的敏锐感受力以及良好的思维素质。
感受力是一种理解和认识，它的价值在于把客观现实中的第一自然转化为艺术作品中的第二自然，第二自然中包含着画家的学养、思想与技术的发挥，表现出画家的世界观与审美的智慧。
感受力的形成来源于一个人的生存经验、知识结构和文化判断以及天分。
生存经验和知识结构是作为艺术家必须的积累和储备，它决定着一个人对生活、对生命、对人类情感的把握和理解。
生存经验任何人都有，但是能升华为一种文化思维素质是艺术家不可或缺的。
一个人的生存经验和知识结构决定着对客观第一自然的探索与感触，那么文化判断则是对来自第一自然的信息进行价值分析，并做出有意义的选择。
至于一个人的天分是在这一过程中反应的敏锐度和深度。
天分是一种客观，它是悟性、是潜能，好比照相机的镜头，其品质的优劣在于成像的精锐程度。
我们最常用的口头语是“感觉”，它是对潜伏在客观事物表象之下的东西的发觉。
“觉”是觉察、顿悟；感觉是一个思维过程，而感受力则是一种思维能量。
综观中国油画，无论是前些年的风格样式潮，还是近期时兴的飘逸挥洒风，并没有触及到中国社会的深层，缺少与艺术的情缘，有隔靴搔痒之憾。
如果说我们对没有油画传统而备感失意，那么我认为缺少对生活的激情和对社会的文化判断才是致命的，而精神的苍白终将导致艺术灵性的枯竭。
很多艺术家前辈们为中国油画的精神崛起做出过卓越的贡献，时代赋予了我们全新的挑战，我想我们只要用心贴近自然、贴近生活、关切生活、关切生命，中国油画艺术未来的辉煌旧已经开始构建，我们应有更深层的认识，传统中的知识都备作我们解读生命和接触精神的药方，但如果你还感到力不从心时，那必须启动你智勇的想象，如果有冲动，你完全不必顾及油画中的儒雅；如果有真情，完全不必在意语言是否流畅。
