大学音乐鉴赏选修课论文 巴赫
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音乐欣赏:巴赫的《G小调无伴奏小提琴奏鸣曲》解读引言音乐是人类文明的重要组成部分,它能够穿越时空,触动人们内心的深处。
巴赫(Johann Sebastian Bach)被誉为音乐史上最伟大的作曲家之一,他留下了许多经典的作品。
其中,《G小调无伴奏小提琴奏鸣曲》被誉为他创作的巅峰之作。
本文将对这首曲子进行解读,探索其中的音乐精髓和情感表达。
1. 巴赫简介1.1 伟大的音乐家巴赫是德国巴洛克时期的作曲家和键盘演奏家,他在音乐史上具有重要地位。
他的音乐作品深受后世音乐家的推崇,对整个音乐发展产生了深远影响。
1.2 巴赫的作品巴赫的作品涵盖了各种音乐形式,包括教堂音乐、室内乐、管弦乐、键盘乐等。
他的作品风格独特,充满复杂的对位法和丰富的情感表达。
2. 《G小调无伴奏小提琴奏鸣曲》简介2.1 曲子背景《G小调无伴奏小提琴奏鸣曲》是巴赫为小提琴而谱写的一部奏鸣曲,也是他写给无伴奏乐器的最著名作品之一。
它包含了三个乐章:Adagio、Fuga和Siciliana。
2.2 曲子特点这首曲子以巴赫典型的对位法为特色,小提琴独奏充满着复杂的音乐线索和旋律。
巴赫在无伴奏小提琴曲中展现了他对音乐结构和技巧的独到理解和运用。
3. 第一乐章:Adagio3.1 深情表达第一乐章以Adagio的速度开始,给人一种慢慢流淌的感觉。
这一乐章展示了巴赫深情表达的能力,音符间的跳跃与变化展示了他对情感的深刻理解。
3.2 音乐线索的穿插在Adagio中,巴赫巧妙地运用了对位法和音乐线索的穿插。
这些音乐线索以巴赫惯用的方式相互呼应和转换,展示了他对音乐结构的独特见解。
4. 第二乐章:Fuga4.1 对位法的展示Fuga是对位法的代表作之一,巴赫在这一乐章中充分展示了他对对位法的理解与运用。
小提琴独奏与自己的回响相互呼应,创造出一种有力而富有张力的音乐效果。
4.2 音乐的层次感Fuga中的音乐线索层层叠加,给人一种复杂而有层次感的旋律。
巴赫的音乐构思精妙,他通过对位法的运用展示了音乐的多样性与丰富性。
大学音乐鉴赏论文范文2000字左右音乐鉴赏的本意为对音乐作品的鉴别和欣赏,或者是认真地欣赏与回味音乐作品。
大学中都会有音乐鉴赏这门选修课,学完这门课程,都需要写一篇论文。
下面是店铺,让小编我来帮你们找几篇2000字的音乐论文,希望能对你有帮助!大学音乐鉴赏论文2000字篇一浪漫派的音乐领域在整体上,“浪漫主义”一词在音乐领域是用以形容一段从大约1820年代至1918年为止的时期。
当时的“浪漫”所代表的内涵与现代的定义并不相同,在1880年乐评家E。
T。
A。
霍夫曼将莫札特、海顿、和贝多芬列为三大“浪漫作曲家”,而路易·史伯尔(Louis Spohr)也曾以“好的浪漫风格”来形容贝多芬第五交响曲里的其中一个段落。
严格来说莫札特是古典时期的作曲家,而贝多芬则被视为是浪漫主义的开端。
到了20世纪初期,由于主流音乐风格的大变,19世纪时期的音乐开始被人冠上“浪漫时期音乐”的称呼了,后来的音乐史学上也都采取了这种区分法。
现代对于浪漫主义音乐的研究重点包括了构成其音乐的元素—例如对于民间音乐的大量使用,这也直接反映了当时浪漫民族主义的潮流。
浪漫主义音乐的一些成分早在18世纪音乐里便已出现,狂飙突进运动中展现出的强烈精神和情绪成为了哥德小说的先驱,而法国大革命时期也出现了一些带有血腥而激情风格的歌剧,浪漫主义音乐便是在这时期开始显现出其独特的风格。
洛伦佐·达·彭特替莫札特撰写的歌剧剧本,搭配上莫札特谱出的独特音乐,呈现出了一股带有个人和自由特质的新音乐风格。
浪漫音乐的世代将贝多芬视为是他们理想中的伟大作曲家—他撕碎并重谱了英雄交响曲,以抗议拿破仑皇帝的权威。
在贝多芬的费德里奥中,他竖立了“救人质歌剧”这样的典型歌剧剧本,这也是法国大革命时期一种音乐文化的表现,以赞扬那些在维也纳会议年间期盼自由的所有激进文化人士。
在当时的音乐文化中,浪漫音乐走上了开放的大众路线,主要依靠敏感的中产阶级观众支持,而非宫廷内部的人士赞助。
大学音乐鉴赏论文800字音乐是一种美妙的东西,那么大学里面的音乐鉴赏课是否能给你们的生活带来乐趣呢?下面是!让小编我来帮助你整理几篇相关的大学音乐鉴赏800字论文,希望能对你有帮助!大学音乐鉴赏800字论文篇一音乐是生活不可缺少的一部分,学会欣赏音乐便走出了欣赏美的关键一部分。
因此学习欣赏音乐是一门很重的课程!在这门课程的学习中学到很多东西。
一. 对中国古典音乐的认识在这课程的学习过程中在一定程度上了解了中国的古典音乐,体味到了中国古典音乐的美。
笛声的清脆,箫声的深沉,琵琶的铮铮之音,这些我们都从中感受到了华夏之音的美妙,体味到古典的魅力所在。
中国的古典音乐是以五音--宫商角徵羽为基础的,中国古代的音乐大家创作了中国独特的音乐形式如今在民间十分流行的是唢呐这种乐器,无论民间的喜事还是丧事唢呐都是一种不可或缺的乐器之一。
唢呐作为我国传统的乐器我国的音乐大家创作了优秀曲子如《百鸟朝凤》堪称经典。
在这门课的学习中感受最多的就是对我国传统文化的了解,增强了民族的自豪感与自信心,有提升了对祖国的爱。
二. 对西方音乐的认识《命运交响曲》堪称经典,历史上表现命运的音乐很多唯独只有贝多芬用选取了敲门声来表现命运,一声声短促而有力的敲门声显示出生命力的旺盛和与命运抗争到底的决心。
“命运”这一主题在贝多芬的演绎下有了另一种境地,成为了历史上无人挑战的经典。
同时在这门课的学习中还有欣赏了幽默曲、圆舞曲等,其中印象深刻的是对幽默曲的欣赏,不但一定程度上了解了这个时代的音乐更是在这些艺术家的身上学到了追求理想的不放弃精神和为实现目标不断奋斗的高尚品格。
三,传统音乐与现代音乐中国是有着悠久历史的国度,其音乐的发展历史更是一部丰满的史诗。
在当今的乐坛最受年轻人欢迎的是Rap音乐,其中周杰伦便是一位现代音乐的代表人,但是即使在人们看来如此现代的音乐人,在他的音乐里我们依旧可以看到传统的音乐元素,如在《菊花台》,这首曲子的结尾用的便是我国云南的传统乐器葫芦丝。
大学中外音乐鉴赏总结范文(必备16篇)大学中外音乐鉴赏总结范文第1篇一个学期的音乐欣赏课即将结束,在此感谢老师的专业知识的传授,使我从简单的“听歌”这样的肤浅理解,到懂得欣赏音乐元素的基本欣赏方法的概念的转变。
开始学习这门课程就感觉到音乐的魅力,或许真的是这样:我们不一定都要成为音乐家,但是懂得欣赏音乐就是我们对音乐最直接的热爱的表现形式。
通过一个学期的学习,我们通过聆听这种方式,阅读并分析有关音乐的背景和材料,从而得到了审美的愉悦。
当初选这门课完全是由于学校要求必须选择一门鉴赏课,我由于写字很丑,其他的课又不是很喜欢,就选了音乐鉴赏。
更由于这学期专业课太多,所能选择的机会不多,就选择了周二下午的这节课。
我以为的音乐鉴赏就是老师给我们放放歌,只是需要带个耳朵即可。
并且自己由于五音不全,又不是很喜欢唱歌,完全是修个学分就好。
但是当我上课时我就觉得不是自己所想的这样。
老师应该是对音乐是非常的喜欢,所以对我们的要求很严格。
所欣赏的也不是什么流行音乐,而是古典的音乐会。
这的确让我认识很多。
通过一学期的学习我认识到音乐的世界是一种虚拟中的征服,它用不同的方式征服着不同种类的人的心情。
再普通的人,不管他的知识层面如何,不管他的地域文化所带来的差异如何,他都具有一样与生俱来的能力,那就是音乐鉴赏的能力。
音乐对于喜欢他的人来说只限于欣赏的品位和能力。
对他的了解并不仅仅限于听上,要从各方全面了解。
具有良好的音乐鉴赏能力对情感的培养和素养的提升都有很大的帮助,所谓“阳春白雪和下里巴人”不是轻而易举就能分辨出来的。
虽然音乐欣赏课是在每个周二的下午,但仅有的几次课上我学会了如何去欣赏乐曲。
过去听歌曲的时候,往往需要反反复复的听好几遍才能品味出其中的精华,而且听完了之后印象不深刻。
现在,学会了用节奏、结构去解析音乐,能融入到音乐优美的意境中去,真正的去欣赏。
这样,音乐给我的印象非常深刻,对音乐的了解也更进了一层。
每次上课的时候,一听起优美的音乐感觉时间都过的很快,不知不觉一个半小时就过去了,意犹未尽。
对巴赫作品《G弦上的咏叹调》的赏析与体会约翰·塞巴斯蒂安·巴赫(Johann Sebastian Bach,1685-1750)是十八世纪上半叶欧洲最伟大、最有影响力的作曲家,他是巴洛克音乐时期的重要代表人物。
巴赫的音乐是彻底的德国风格的音乐,他一生没有离开过自己的祖国,因此他的作品最能反映当时德国社会和人民生活的风貌与特点。
他的作品巴赫技巧高超,作品内容深刻,风格庄重而严谨,纯洁而虔诚.在此,就以巴赫《G弦上的咏叹调》为例,浅谈我对巴赫以及这首名曲的赏析与体会。
《G弦上的咏叹调》是古典音乐史上一首脍炙人口的通俗名曲。
选自巴赫《第三号管弦乐组曲》的第二乐章主题,充满诗意的旋律美,旋律始终洋溢着忧伤的美丽。
原曲创作于一七二七年至一七三六年之间,1817年,德国著名小提琴家威廉密(August Wilhelmj,1845-1908)将这段主题改编为钢琴伴奏的小提琴独奏曲,由于主奏小提琴必须在G弦(小提琴四根弦中最粗的一根弦)上演奏全部旋律,增强了乐曲浓郁深沉的情调,故名《G弦上的咏叹调》。
巴赫的原曲没有表情与速度记号,编曲者则指定“甚慢,极有表情”。
类似低音弦的拨奏伴奏下,小提琴奏出悠长而庄重的旋律。
《G弦上的咏叹调》最最动人之处在于它的纯净的、诗意的、神圣般的旋律与曲调。
乐曲开头徐徐奏出的旋律极简单,跟随音乐呼之欲出的却是整个的宇宙。
乐曲可分为两个段落。
从第一段开始速度级缓,由充满感情色彩的四指长音带出,意境悠远抒情,旋律庄重悠长,逐渐长音渐强,抒发了沉思冥想的心绪,又像在轻声咏唱.旋律起伏平缓,如行去流水一般,大、中、小提琴共同营造了一种悲天悯人的神曲一般的意境和氛围,经反复后进入第二段。
第二段是在第一段的基础上发展而来,没有像一般二部曲式那样在速度与性格上与第一段形成鲜明对比,而保持了原来的意境,但感情起伏较大,不断向上推,高潮与平缓交替出现,使乐曲在曲调上委婉动听.高音旋律的小提琴在G弦上如歌的诉唱,旋律逐层上推至高音,乐曲进入高潮,像空气中不停流转的风,又像海上起伏的浪,但远比那美丽动人.这段旋律在古钢琴和弦乐组的伴奏下由第一小提琴奏出.第一小提琴像是一位伤感的女高音,咏叹出一支缠绵悱恻的旋律。
[关于音乐方面的文章]音乐方面文章6篇(1) [音乐方面文章]“音乐之父”巴赫简介,巴赫小时候的故事巴赫,德国作曲家、演奏家,欧洲巴洛克时期的代表人物。
集文艺复兴音乐发展之大成,承前启后,以丰厚的音乐创作被誉为欧洲古典音乐的鼻祖,以深远的历史影响被许多人尊称为“音乐之父”。
他一生创作的五百多部作品中,绝大部分以宗教题材反映觉醒的平民精神和虔诚质朴的宗教情感。
他的作品涉猎到了当时的所有音乐体裁。
巴赫作品的伟大不仅体现在他奠定了交响乐发展的形式基础,高度发展了和声手段,把复调思维和对位技法推向了完美的高峰,巴赫音乐长久的生命力是根植于德国现实生活的民族风格。
巴赫家族在19世纪近三百年中出现过52位音乐家,是音乐史上罕见的“音乐世家”。
“风琴演奏家”的问世1685年的春天,在德国图林根省的爱森纳哈市,诞生了一位被世人尊称为“音乐之父”的伟人,他就是巴赫。
巴赫出生在一个音乐世家,他的爸爸是家乡教会的小提琴手,而他的家人及亲戚所从事的工作,或多或少都跟音乐有关系。
所以,巴赫从小自然就有许多机会受到音乐方面的熏陶。
巴赫的爸爸非常疼爱巴赫,他每天回家后总会抱起被搁在摇篮里的小可爱——巴赫,逗着他玩,逗着他笑,尽情地享受着当爸爸的乐趣。
有一天,爸爸看见巴赫的手里紧紧地抓着一个东西,他担心不懂事的巴赫会把那个东西放进嘴里,于是就拨动巴赫的小手,取下那个东西。
就在这个时候,他突然发现巴赫的手指比一般的婴儿长得长,而且秀气灵巧,他咧嘴笑了一笑,然后得意地告诉妻子说:“你瞧,咱们儿子的手指长得多好哇!如果用心栽培,他将来一定是个了不得的风琴演奏家。
”说完,巴赫的爸爸就站在原地静静地想了一会儿,他在想:“趁早让巴赫接触音乐,或许这孩子就会越早懂音乐。
”他一边想一边将巴赫放回摇篮,然后就顺手拉起小提琴来了。
说也奇怪,在巴赫幼小的心灵里,对音乐的感应似乎特别敏锐。
当他听见小提琴的优美旋律时,身体竟然会随着琴音的节奏摇摆起来,小嘴巴还会咿咿呀呀地哼着,好像他也懂音乐似的陶醉得不得了呢!借一地月光相陪9岁那年,巴赫的父母亲就相继离开人间了。
文化探索130摘要:巴赫作为西方近代音乐之父以及音乐史上最重要的作曲家之一,他的音乐从传统中来,又超越了传统,其中《英国组曲》作为其最有代表性的组曲,具有极高的艺术价值。
本篇通过分析《英国组曲》的创作背景,风格,结构及其弹奏方法,从各个方面来赏析这首经典之作。
关键词: 巴赫;《英国组曲》;巴洛克一、组曲组曲是一种最古老的器乐套曲形式,源于对比性舞曲的组合,是由几个具有相对独立性的乐章,在统一艺术形式下,排列组合而成的器乐套曲。
组曲最早出现于1557年,但其结构形式长期变化不定。
萨克逊作曲家J.J.弗罗贝格尔的组曲曲集出版于1693年,它的舞曲排列的次序,被认为是古典组曲的模范。
之后,巴赫的同时代作曲家以阿拉曼德、库朗特和萨拉班德为主体,巴赫又加上了基格,从而形成了四种节拍和速度都不相同但调性统一的舞蹈组曲形式。
组曲中的各乐章相对独立。
古曲最大的特点在于它的舞曲性质,所以又具有强烈的世俗性。
古组曲中各舞曲都有自己的名称,但是调性是统一的,在速度和风格方面也有很大的对比,速度一般按照慢-快-慢-快来进行。
二、《英国组曲》的创作背景1707年,巴赫接受了管风琴师一职。
去到那里的不久之后,他就迁居到了魏玛,因为米尔豪森是虔敬主义者的地盘,他们敌视音乐,这对热爱音乐的巴赫来说是万万不能忍受的。
因此这一时期的作品显示出巴赫工作的繁忙,所以这一时期他也创作了大量的管风琴曲,《英国组曲》就写于此时。
《英国组曲》是《英国组曲》《法国组曲》和《帕蒂塔》三套组曲中最具有代表性,也是创作时间最早的作品,是17世纪的键盘名作。
关于它的命名,则有很多种说法。
首先因为它沿袭了英国用前奏曲开始的模式,而且它第一组曲的调性和亨德尔的A 大调组曲相同,更由于这部组曲的前奏曲主题和柏塞尔等一些英国作曲家的主题相似。
另一种说法是它受英国人所托而作,将此曲献给了英国贵族。
而其实,巴赫对于这套组曲的真正命名是“带有前奏曲的组曲”。
三、作品剖析《英国组曲》共有六号,延续了古组曲的风格,又更加强调了其音乐性。
巴赫音乐风格浅谈巴赫(Johann Sebastian Bach)是十八世纪德国最伟大的音乐家之一,被誉为“音乐之父”,他的音乐风格影响了之后几个世纪的音乐发展,成为了古典音乐的里程碑。
巴赫的音乐风格深受当时的巴洛克艺术思想影响,但他的作品却具有非凡的个性和独特的风格。
本文将对巴赫的音乐风格进行浅谈,揭示巴赫音乐的特点和魅力所在。
巴赫的音乐风格具有丰富多彩的表现形式。
他的作品包括教会音乐、室内乐以及键盘音乐等多种类型,其中教会音乐是巴赫的代表作之一。
他的教会音乐作品以《马太受难曲》、《约翰受难曲》、《圣约翰康塔塔》等著名作品闻名于世。
这些作品富含宗教文化内涵,音乐旋律优美、情感深沉,体现了巴赫对信仰的虔诚和音乐的完美追求。
而在室内乐方面,巴赫创作了大量的无伴奏小提琴、大提琴、钢琴等器乐作品,其中最著名的要属《无伴奏小提琴组曲》以及《钢琴组曲》。
这些作品表现了巴赫对器乐声音的巧妙运用,以及对乐器特色的深刻理解。
巴赫的键盘音乐作品也是他的代表作之一,他在键盘音乐方面的创作包括《赋格曲》、《英国组曲》、《法国组曲》等,这些作品以其复杂的音乐结构、丰富的表情以及悠扬的旋律而著称于世。
巴赫的音乐风格具有严谨的对位法和复调技巧。
巴赫是音乐史上最伟大的对位法大师之一,他的所有作品几乎都以对位法为主,其音乐中复杂的和声织体和密集的声部穿插是巴赫音乐的一个显著特点。
对位法是一种音乐的技法,即不同声部的音乐线索在音乐中互相交叉、穿插,以至于所有声部都是独立的,却又是完全统一的。
这种写作技巧对当时音乐发展产生了深远的影响,同时也成为了巴赫音乐的一大特色。
复调技巧是巴赫音乐另一个显著的特点,他的音乐中常常出现复杂而华丽的和声进行,这种和声进行不仅体现了巴赫对音乐形式的丰富理解,更展现了他在音乐表现力上的高超造诣。
巴赫的音乐风格具有宗教情怀和精神内涵。
巴赫深受基督教宗教思想的影响,在他的音乐作品中常常表现出对上帝的敬畏和对信仰的虔诚,尤其是在教会音乐作品中,巴赫通过音乐的表达和形式将宗教信仰与音乐完美融合,使得作品不仅在音乐上具有高度的完美主义,更具有宗教意义和精神内涵。
89音乐鉴赏约翰·塞巴斯蒂安·巴赫(Johann Sebastian Bach)是巴洛克时期德国的音乐大师。
一生写过许多优秀的作品。
“Bach”在德文里是指小溪的意思,但当贝多芬听到巴赫的作品之后,不禁感叹道:“他不是小溪,是大海”。
十二平均律(Well—Tempered clavier),被誉为旧约圣经。
所谓的“平均律”是把八度分为十二个相等的半音,按十二半音调编排(C大调—c小调——升C大调——升c小调......)。
平均律有上下两集,而这首BWV846就是在《十二平均律》第一集当中的第一首。
这首作品通常是复调教学中常常会用到的作品,易于学生掌握。
一、BWV846前奏曲前奏曲最早被作为引子使用,常被当做是弹奏作品前热身而演奏的一小段。
后来逐渐发展成为了一种艺术形式。
巴赫的这首BWV846前奏曲便是这样一个“热身”的作品。
这首前奏曲具有分散和弦风格,在《十二平均律》这部作品中还有一些前奏曲也是在分解和弦片段的基础上进行创作的,例如前奏曲3、前奏曲5、前奏曲15、前奏曲21。
从力度上来说,巴赫并没有给《十二平均律》写上任何的力度记号,用什么力度弹奏是一个问题。
在BWV846前奏曲当中开始的4小节的和声是T——SII2——D56——T的进行,力度的处理可根据和声的走向做出来。
巴赫的作品中渐强渐弱是存在的,但那只是扮演了以种次要的角色。
通常巴赫的力度是要做Terruced(阶梯性的)大小声,在弹奏时,要把握巴洛克音乐传统的要求,弹奏出符合巴洛克的音乐风格。
且力度变化要在新的色彩开始的第一个音上就要做出来。
变换力度强弱的最高技巧是要求手指的完全独立,以及有能力在无论是多少速度、有多少声部 ,音与音之间也可以清晰无误地改变音量。
力度的区别必须做到与音乐结构同样的无误而精确。
句法构成了巴赫作品演奏的骨架,同时也是核心,越是理解句法与结构之间的关系,越是能够演奏得贴近巴赫。
作品的对位性、音型性、旋律性、和声性以及节奏性都会影响到句法的划分。
巴赫《小提琴无伴奏奏鸣曲及组曲》赏析一、巴赫简介约翰·塞巴斯蒂安·巴赫的音乐诞生在巴洛克的大时代背景中。
他的作品主要是在教堂和宫廷中创作的:1708-1717年,巴赫在魏玛担任宫廷管风琴师和室内乐演奏家。
这一时期,他对管风琴做出了巨大贡献,并钻研了意大利的弦乐音乐。
1717-1723年,巴赫在科腾宫廷任职,创作了大量器乐及室内乐作品,成为他新风格的形成期。
此时期的作品有:《布兰登堡协奏曲》、《六首无伴奏小提琴奏鸣曲与组曲》、《平均率钢琴曲集》等。
1723-1750年,巴赫在莱比锡托马斯教堂任职,创作了大量宗教及世俗康塔塔、三部宗教清唱剧、弥撒曲、经文歌、受难曲,如《狩猎康塔塔》、《圣诞清唱剧》、《b小调弥撒曲》、《马太受难曲》等。
在巴赫生命的最后几年,他潜心完成了《音乐的奉献》和《赋格的艺术》,为音乐的进步与发展做出了巨大贡献。
巴赫是代表巴洛克音乐高峰的最著名的作曲家,由于他一生杰出的创作活动和对音乐艺术发展所做出的巨大贡献。
在世界音乐史上,巴赫素有“音乐之父”的美称。
巴赫全面地继承吸取了前辈和同辈大师的创作技巧,融会贯通地加以发展和创新,他的作品几乎涉及到当时的所有音乐体裁,内容严肃深刻,技术完美创新,形式丰富多样,将复调创作推向了顶峰。
对此.贝多芬曾评价“巴赫是大海”。
二、《小提琴无伴奏奏鸣曲及组曲》在巴赫众多的作品中有一部作品,对小提琴艺术有着不可估量的贡献,那就是被称为“小提琴圣经”的《小提琴无伴奏奏鸣曲及组曲》,巴赫在其中融人了丰富的和声与对位法,使小提琴这一旋律性乐器在独立、没有其它乐器伴奏的情况下演奏出不可思议的多声部复调音乐。
小提琴的音响功能得到了最大限度的挖掘,呈现出宏大富丽的音响和无穷的艺术魅力。
这也全面地完善和提升了小提琴的演奏技术。
同时巴赫独特的音乐风格与深刻的音乐思想内涵在这部作品中所揭示的美学诉求与哲理思辨,使其具有重大的训练价值和深远的研究意义。
《卡农》音乐鉴赏《卡农》是德国作曲家约翰·塞巴斯蒂安·巴赫所创作的一首管弦乐曲,作品以其优美的旋律、复杂的和声和精密的结构而广受欢迎。
它的创作年代大约在18世纪初,至今已有数百年的历史,然而,它依然是一首受人喜爱的经典之作。
这首曲子的名字“卡农”源自意大利语中的“canone”,意为“规律、法则”,这个词也可以翻译为“连续不断的声响”。
曲子的构成就是基于这一概念,通过交替运用两个声部的旋律,不断地呈现出连续不断的音乐旋律,呈现出一种听觉上的连贯性。
曲子的起始部分就是这样,首先是一个简单而美丽的主旋律,然后是一个跟随着主旋律并重复其内容的副旋律。
这两个旋律在不同的时间和位置上出现,彼此穿插,形成了一种复杂而优美的和声。
整个曲子由这两个旋律不断重复、交替,呈现出一种循环、逐渐加强的效果。
除了这两个声部的交替,曲子还运用了许多其他的音乐手法。
其中最突出的是对旋律的反复和变奏。
在曲子的不同部分中,旋律被重复使用,有时会以不同的节奏、音高、乐器等形式出现。
这些反复和变奏使得整个曲子呈现出一种复杂而有层次的结构,同时也增强了其表现力和魅力。
另外,曲子还有一个非常特殊的部分,就是在曲子的最后一段,出现了一个非常长的“卡农回旋曲”。
这段回旋曲中,旋律的反复和变奏非常频繁,使得整个曲子呈现出一种全新的音乐风格和特征。
这段回旋曲的出现,不仅增强了整个曲子的表现力和感染力,也使得曲子具有了更为深远的意义和价值。
此外,《卡农》也是一首非常具有历史意义的曲子。
它作为巴洛克音乐时期的代表作品之一,展现了那个时期音乐的高度发展和成熟。
同时,这首曲子也被广泛地应用于现代音乐中,不仅有很多人对其进行了各种样式和版本的改编,而且还被许多歌手和乐队用作演出的伴奏。
总之,《卡农》是一首极富表现力和魅力的音乐作品,它展现了巴赫高超的音乐构造和表现力,同时也展现了他对于和声和旋律的独特见解和处理。
曲子中的音乐手法和技巧不仅让人耳目一新,也让人不断地想要重复聆听。
音乐鉴赏一、音乐基本要素及其表现音乐的基本要素指:构成音乐的各种元素,这些元素中包括了音的长与短,音的高与低,音的强弱和音色。
例如:节奏,曲调,和声,以及音色,力度,速度、调式等。
音乐的最基本要素是节奏和旋律。
1、节奏:音乐的节奏是指音乐运动中音的长短和强弱。
节拍是音乐中的重拍和弱拍周期性地、有规律地重复进行。
我国传统音乐称节拍为“板眼”,“板”相当于强拍;“眼”相当于次强拍(中眼)或弱拍。
2、旋律(曲调):曲调的进行方向是变幻无穷的,基本的进行方向有三种:“水平进行”、“上行”和“下行”。
曲调的常见进行方式有:“同音反复”、“级进”和“跳进”。
依音阶的相邻音进行称为级进,三度的跳进称小跳,四度和四度以上的跳进称大跳。
3、和声:包括“和弦”及“和声进行”。
和弦通常是由三个或三个以上的乐音按一定的法则纵向重叠而形成的音响组合。
和弦的横向组织就是和声进行。
和声有明显的浓、淡、厚、薄的色彩作用;还有构成分句、分乐段和终止乐曲的作用。
4、音色:音色有人声音色和乐器音色之分。
在人声音色中又可分童声、女声、男声等。
乐器音色的区别更是多种多样。
在音乐中,有时只用单一音色,有时又使用混合音色。
5、力度:音乐中音的强弱程度。
6、速度:音乐进行的快慢。
7、、调式:音乐中使用的音按一定的关系连接起来,这些音以一个音为中心(主音)构成一个体系。
如大调式、小调式、我国的五声调式等。
调式中的各音,从主音开始自低到高排列起来即构成音阶。
二、欧洲音乐发展的历史脉络从古希腊时期音乐开始—中世纪时期音乐—文艺复兴时期的音乐—巴洛克音乐—古典主义音乐—浪漫主义音乐—20世纪现代音乐1、巴洛克音乐该时期的音乐特点是节奏强烈、跳跃,采用多旋律、复音音乐的复调法,比较强调曲子的起伏,看中力度、速度的变化。
乐器曲发展迅速,尤其是弦乐方面的发展,弦乐的音色更能体现出巴洛克的特色。
代表人物:巴赫的无伴奏弦乐作品中的小提琴奏鸣曲,结构严谨、情感内在,富于哲理性和逻辑性;维瓦尔第的小提琴协奏曲《四季》;亨德尔的清唱剧《弥赛亚》曲风雄伟、崇高。
[word格式] 浅析巴赫钢琴复调作品《十二平均律》浅析巴赫钢琴复调作品《十二平均律》豳文一n乌浅析巴赫钢琴复调作品《十二平均律》1三尚斌(河南省漯河市职业技术学院音乐系,河南漯河462000)【摘要】巴赫的创作以复调手法为主,尤其是他的《十二平均律》则被认为是一部充分体现巴赫的音乐风格,音乐形象的大百科全书,是钢琴演奏者必修的内容,【关键间】巴赫;复调;《十二平均律》伟大的作曲家约翰?塞巴斯蒂安?巴赫(JohannSebastianBach)是成功地把两欧不同民族的音乐风格浑然溶为一体的开山大师.他葶集意大利,法国和德国传统音乐中的精华,曲尽其妙,珠联璧合,天衣无缝.巴赫自己在一生中并未享有盛名,而且在死后五十年中就已被世人遗忘.但是在近来一个半世纪巾他的名气却在不断地增长,今天一般认为他是超乎时空的最伟大的两三位作曲家之一,而且有些人认为他是其中最伟大的作曲家.巴赫《十二平均律》是键盘技巧发展的历史中最伟大的教学法方面的作品.它不仅是键盘演奏训练方面,又同时是曲式及作曲技术方面的丰富宝藏.由于创作和键盘训练方面不可以分割,风格和技巧的融合,巴赫的键盘音乐表现既是主观的又是理性的.巴赫的音乐足为演奏者而写,又是对演奏者说话,因此其风格特点是沉思的,哲理的.巴赫的音乐想象是异常丰富的,但占主导的并不是戏剧性的特点.在巴赫音乐中情感表现最强大的段落,其表现手段仍然主要是思索的,只是强化到了前所未有的高度.而钢琴演奏本身所具备的复调技术,在教学中把复调音乐的学习和演奏,视为特别的课题之一,除了艺术的再现巴赫复调音乐这一独特而完全的形式所表达的境界和内涵以外,更重要的是通过对这类作品的研究和学习,才能较好地掌握旋律线条的弹奏方法, 声部的模仿和交替,声音层次的对比和变化,各声部在发展中的纵横交错,平衡与协调,以及复调听觉的建立,良好的多声部习惯等复调音乐的弹奏和理解的方法.钢琴演奏技术的提高有赖于培养学生手指的灵活性与独立性.而弹奏复调作品,则对这一点的要求更为必要.如手指对各声部层次对比的控制力,旋律线条走向的把握,乐句起和收的处理,两手间的相互协调配合等.但是最重要的一点是在除了手指能力之外,演奏者要能清楚地听见Fj己弹奏的是什么,也就是作品进行中的各个声部在自己手下能否清晰的展示出来.巴赫作品风格的掌握是弹好巴赫作品的关键,而要想更好地演奏《十二平均律》,具体就要从以下几个方面来注意:一一,声部平均律属于复调作品,即多声部音乐作品.我们要通过这些曲目的训练使手指控制声部和耳朵辨别声部的能力得到提高.在演奏中,要强调保持声部层次的清晰,主题声部要尤为突出,而其他各声部要让位于主题声部,手指要做适当的控制.但是,在控制巾,每一个声部又应当是清楚,完整的.要做到这一点,就是必须将每一层旋律部抽出来单独学习,使头脑对各声部都保持条理清楚,再用清醒的头脑去指挥手指的弹奏动作.?,节奏巴赫作品以节奏严谨平稳而着称.由于作品属于巴洛克时期音乐范畴,所以不能允许有类似浪漫派演奏手法常用的自由地,时慢时快地节奏.巴赫作品从开始到结,都应处在一个基本节奏之中.三,触键演奏巴赫作品所需的触键,音色和力度与表现巴赫风格是紧密相关的.为了表现巴赫音乐的哲理性,严肃,雄伟, 具有内在力量的巴洛克时代的气质和风格,要求触键结实, 有力,音色厚实.钢琴的触键方法有许多不同,但在弹奏平均律时,触键应和巴赫作品的风格相一致.一般来说,在快速乐曲中,用非连奏法或手指断奏来模仿击弦卉钢琴上清脆效果比较合适.这里要特别提到非连音这种巴赫钢琴作品最常用的触键方法.这种触键法与模仿占钢琴的特性不无关系,这是指富有弹性,颗粒性的弹奏方法,手指问并不断开,但每个音都有一个”音头”,以得音与音之间非常清晰.它与连奏相比就拟小提琴的分弓与连弓的区别,但又能必须区别于洛可可式珠滴玉盘般纤细,小巧玲珑的音色,巴赫的nonlegato是结实,透亮的.而在缓慢的抒情歌唱性乐曲中,则要把力量由肩部传送到指尖,手腕平稳,音与音的连接要均匀,贴键出声,保持音色的圆润饱满,这样才能获得古朴典雅的音响效果.四,力度变化总的来说,巴赫作品的力度变化幅度较小,基本趋与平稳.但是这并不排除某些段落里强弱力度的变化.巴赫作品的力度应按照乐曲的内容,结构来改变.无论如何,轻响截然分明的格式决不能套用到所有的前奏赋格上去.巴赫作品的力度变化由于受到其时代风格的限制,不宜像近现代作品的力度可以做从pppp~ljffff的变化幅度,以至支渠它的庄重的风格和内涵.巴赫在乐谱上很少写力度标记,但并不意昧着巴赫的作品缺乏力度变化,实际其作品的旋律线,复调声部的进行都要求力度层次层层分明,再加上巴赫丰富的和声,使他的作品音响层次立体感非常强,完全应该做出各种细微层次的力度变化.如赋格可以从开始,逐渐发展成结尾雄伟的气势,表现了巴赫深刻的洞察力和坚强的意志.巴赫作品的力度变化是内在的,大篇幅的强弱的起伏不宜过密和零碎.当然做出一强一弱的对比来模仿古钢琴的特点是巴赫作品中常见的.例:《平均律钢琴曲集》第一卷第l4首赋格最后4个小节.五,速度它是决定风格最重要的因素之一.在弹奏平均律中速度应当和当时的乐器(如:击弦古钢琴等等)相吻合,与当时的时代相吻合.十八世纪属于节奏较缓慢的时代,如果在钢琴上这套f}}『目弹的很快,显然是不合适的.所以平均律的弹奏应当是相对较缓慢的.六,装饰音这是修饰音乐的装饰品.巴赫的装饰音种类繁多,有回音,逆回音,颤音,下波音,上波音等等,他们各有自己特殊的弹法.另一方面,因为适合于击弦古钢琴轻巧,柔和音色的装饰音,并不一定适合现代钢琴上较厚实的声音,所以,巴赫的装饰音不要弹的太急,太强,太断和太华丽.七,线条这是巴赫作品巾又一极为重要的特点.在弹奏巴赫的复调作品前,我们应该对线条在脑中有一个初步的设计,使其自然而流动.当然巴洛克时期的音乐线条起伏不能像浪漫主义音乐中的线条起伏那么大,但它一定是存在的.正确的使用渐快与渐慢往往会给人一种舒服的感觉,但滥用则会另人厌烦.试想,如果每一首前奏曲和赋格在结束时我们都去做渐慢,也太呆板了,我认为,一首歌唱性的,宽广流畅的赋格曲比一首欢快的轻巧的赋格曲更适于在结尾处做渐慢. 八,踏板踏板的使用在巴赫的作品巾要非常谨慎.古钢琴没有踏板,声音的延续远比不上有延续音踏板的现代钢琴.一般来说,巴赫的作品中很少用踏板,所以有不少人都认为踏板在巴赫的作品中似乎是不重要的,但事实上是极为重要而且极难把握的,由于踏板没用好而导致演奏失败的例子随处可见.在巴赫的作品中,踏板用的多了,会使声音含糊不清,用少了又会使声音干涩无味,这两个极端都有损于巴赫的风格.我认识踏板的运用应当根据乐曲的不同来决定.着名前(下转89页下)全盘否定中国传统文化是错误的廖楠(中州大学,河南郑州450007)【摘要】本文分析了历史上出现的全盘否定中国传统文化观点的错误之处. 【关键词】中国;传统文化;否定“五四”以来以胡适为代表的全盘西化论者认为,中西文化差异的实质就是中国传统文化是古代的落后文化,而西方文化是现代的先进文化,因此中国社会欲求其出路,不能不实行”全盘西化”,胡适在《介绍我自己的思想》中说:“我们必须承认我们自己百事不如人,不但物质机械不如人,不但政治制度不如人,并且道德不如人,知识不如人,文学不如人,音乐不如人,艺术不如人,身体不如人.”又说:”不要怕丧失我们自己的民族文化,……无论什么文化,凡可以使我们起死回生,返老还童的,都可以充分采用,都应该充分收受.”因此要现代化,只能全盘西化.至于要研究中国传统文化,那也是整理归档而已.为此,胡适提出了整理国故的口号.”五四”时期胡适一派的这一思想,深深地影响着此后的西化论者.1986年,有学者在《文汇报》发表《中国传统文化与现代化要求十大冲突》一文,列举中国传统文化中的宗法观念与现代民主思想的冲突,贵贱等级原则与现代平等原则的冲突,中庸思想与现代竞争原则的冲突,如此等等.在港台,更有不少西化的知识分子, 认为中国传统文化和现代化是矛盾的.诚然,”五四”以来否定中国传统文化的知识分子,虽然他们的主观动机也是想使中国迅速进入现代化国家,说他们是”洋奴”是没有道理的.因为他们也未尝不爱国.但是在理论上,他们至少犯了两个错误.其一,是把中国传统文化等同于封建文化.中国传统文化固然是产生和形成于封建社会,带有不少对今天来说是糟粕的东西,比如君为臣纲,父为子纲,夫为妻纲之类.但是产生和形成于封建时代的文化并不等于是封建文化,即使是封建地主阶级的思想家,文化人,他们的思想,除了反映封建地主阶级的意志和要求的一面外,还有反映我们整个民族的利益和要求的一面.比如,当我们的民族遭受外来侵略时,他们所表达的那种不屈服于强敌,忠于民族和”天下兴亡,匹夫有责”的思想,就绝不能说只是封建地主阶级的. 而不属于我们整个民族的.在阶级社会里,既有阶级的对立,各个阶级有各个阶级的不同思想,但不同的阶级又是生活在同一社会共同体中,又有着共同的利益.因此,中国传统文化并不等同于封建地主阶级的文化.其二,是他们把现代化完全等同于”西化”.固然,西方国家走在现代化的前列,或者说他们在历史进程中,率先进入了现代化.但是世界上各个民族国家或地区的现代化的模式并不相同,因为它们现代化所依据的社会背景和文化背景各不相同,德国有德国的现代化模式,美国有美国的现代化模式,俄罗斯有俄罗斯的现代化模式,亚洲四小龙有亚洲四小龙的现代化模式.以新教伦理为主导的西方国家能进入文艺争鸣豳现代化,以儒家文化为主导的亚洲四小龙亦能进入现代化. 把现代化等同于西化,这就抹杀了各个国家现代化所凭借的不同社会背景,否认了现代化只是自己民族,国家的现代化,而不是别的民族,国家的现代化.其实,否定中国传统文化的根本起因在于我们国家的贫穷落后.中国在明代中期以前,无论在经济,科技,文化方面都走在世界各国的前列.像郑和从永乐三年(1405年)开始的七下西洋,在当时的世界是绝无仅有的壮举.但是l5世纪以后,中国却落后了.此时英国已进人工业革命时期,而中国却依然以农业立国.速至鸦片战争前夕,和欧洲先进国家相比,中国无论在经济,科技,军事,文化方面,都落后了整整一个时代.八国联军侵略北京时,他们用的是洋枪洋炮,而义和团用以抵抗的,依然是大刀长矛,外加道教的符口.民国以后,中国和西方国家的差距拉得更大.毛泽东指出: “解放前五十多年闻,全国除东-It,#l-,钢生产一直只有几万吨;加上东北,全国的最高年产量也不过是几十万吨.在一九四九年,全国钢产量只有十几万吨.……旧中国几乎没有机器制造业,更没有汽车制造业和飞机制造业.”这种情况,在当时先进的知识分子看来,原因是中国古老的儒学和文化造成了社会的滞后.”五四”时期,他们提出了打倒孔家店的口号,这在当时虽起到振聋发聩的解放思想的作用, 但认为是中国传统文化阻碍了中国社会的发展,未能从社会的经济,政治制度上探讨中国贫穷落后的原因,依然是一种文化决定论的思想.应该看到的是,中国在近代以后的落伍,决不是什么传统文化的罪过.在世界率先进入现代化的国家里,美国由于开国晚,固然谈不上有多少传统,但英国,俄罗斯亦是有很深的文化历史传统的国家,而他们在进入现代化的时候,并没有反传统.东亚四小龙是有很深的儒家文化传统的,但儒家文化并没有阻碍这些地区或国家的现代化.相反,在国际学术界,倒有不少人认为是儒家文化促成了他们的现代化, 以至把他们称为”儒家资本主义”,以区别于欧美型的资本主义.可见,根本不是什么传统文化阻碍了中国的现代化, 而是贫穷落后的国情使人误解了中国的传统文化.当前,随着中国综合国力的H渐提高和人民生活水平的改善,重视传统文化也就势所不免.从历史的维度看,没有一个经济上处于强势的国家是蔑视自己国家文化传统的.中国白改革开放以后,由于经济的发展和国力的提高,弘扬传统文化已成为从中央到地方的共识,就是一个很好的说明. 在这种情况下,如果我们不能解放思想,依然把中国传统文化和国家的现代化加以对立,那我们就要犯历史性的错误. 苏联钢琴家涅高兹就认为:”弹奏巴赫音乐时应该运用踏板,但要用得恰当,小心,极其节约,当然有很多地方是不适宜用踏板的.但是,如果在我们现在钢琴上弹奏巴赫的作品而完全不用踏板,那么比起羽管键琴来,钢琴在声音方面多么贫乏啊!”所以,根据不同的情况,我们在弹奏中遇到手难以连接或慢乐曲中需要延长的地方等,是可以使用踏板的,但我们要用耳朵仔细的倾听,然后小心的进行.使踏板的使用不能至于影响声部原来的进行,更不能使音重叠起来,造成和弦效果,横的线条变成了竖的关系.例:《平均律钢琴曲集》第一卷第l7首赋格7,lO/b节.本文仅是从巴赫的《十二平均律》出发,通过从声部,速度,节奏,力度变化等诸多方面分析作品对巴赫的键盘复涮音乐风格进行了一次初探,巴赫的《十二平均律》以及他的其它钢琴复调作品都是如此的博大精深,要真正的弄懂并准确把握这些巨作,是要花大量心血与时间去做认真学习的,从中,我们也可以窥见巴赫这座巍峨冰山的一角.可是巴赫音乐的更多的精髓,更多的伟大不朽之处,还需要我们孜孜不倦的去探询和研究.【参考文献】【1】斯特凡诺?卡图齐.巴赫和巴洛克音乐【MI.杭州:浙江人民出版社.2(103l21赵晓生钢琴演奏之道【M】长沙湖南教育出版社,1981(上接88页)墨。
巴赫钢琴复调音乐之探究———以十二平均律为例孟玫西北民族大学音乐学院【摘要】巴赫的复调音乐朴实、自然、含蓄、幽静,简洁的音乐将人类内心喜怒哀乐的情感体现得淋漓尽致。
简单的又是最美的,看似简单的音符,却是很难把握的,要弹奏好巴赫的复调作品,我们首先要有一颗纯真的心灵,同时与技术相结合,才能更好的表现巴赫音乐。
【关键词】十二平均律触键声部装饰音约翰·塞巴斯蒂安·巴赫是巴洛克时期著名的作曲家、音乐家。
巴赫被世人誉为“音乐之父”欧洲音乐艺术发展史上做出了巨大的贡献。
对后世音乐有着深远的影响。
尤其是在键盘音乐的发展领域尤为突出。
巴洛克时期的音乐形式是以宫庭为中心,在宗教音乐范畴中慢慢发展起来,以教会为中心的合唱音乐与管风琴音乐蓬勃发展。
《十二平均律钢琴曲集》是巴赫众多的作品之一,分为两卷。
手风琴家马克威斯特提倡平均律定音法,推广调性使用范围。
巴赫为了使这一理论在实践中真正得到推广,创作了《平均律曲集》,从艺术创造上证实了平均律理论的优越性,他的赋格曲标志着调性功能思维的高度发展,整个曲集标志着大小调体系的完全成熟。
从结构上来说,第一、二卷是差不多的,但从第二卷起,巴赫开始了他的抽象思维性写作,因而表现出形象因素的衰退,这也就是第二卷不如第一卷普及的原因。
在第一卷中,思维不是那么片面、单调、孤立,而是具有情感和思想的统一的特点。
从这方面说,这是第一卷的伟大和成功之处。
另外,巴赫还解放了大姆指,为钢琴的创作技巧和演奏技巧作出了巨大的贡献。
声部:(含线条、指法)巴赫的《平均律》属于复调音乐,复调音乐的特征就是多声部音乐,弹好多声部作品是钢琴演奏的重点,弹奏多声部乐曲最重要的就是要保持层次清晰,各声部有独立完整的声部线条,这是弹奏多声部作品的基本要求。
在多声部弹奏中,主题声部尤为突出。
应给人以明显的感觉,而其他声部则要让位于主题声部,进行适当的控制,但也要做到各声部的平衡,已达到声部清晰、层次分明,从而更好的表现多声部音乐的特征。
巴赫音乐作品赏析来源:作者:发布时间:2008-11-06《d小调管风琴托卡塔与赋格》(管风琴曲)首语言华丽,气魄宏伟,充满悲剧性的《d小调管风琴托卡塔与赋格》是巴赫世俗性管风琴曲的代表作品之一.如标题所示,它包括托卡他和赋格两个部分.托卡他是一种节奏紧凑,快速触键的富于技巧性的键盘器乐曲,始于十六世纪的意大利.A 加布里埃利的托卡他只是和弦与音阶的交错进行,以梅鲁洛为代表的托卡他,则由自由即兴的段落和赋格段互相交替而成.巴赫等人的托卡他继承了梅鲁洛的传统,处理成自由发挥的段落和复调段落相交替的多段结构.此曲一开始就以灵活的键音与厚重的琴管发出一种圣喻般的庄严和悲剧性的吁问,极富戏剧性.由此而展开的悲壮的音流,给人以辽阔空灵的感觉.接着便是三段相对完整的音乐,前两段是主题的自由变奏,第三段是音乐素材的整体综合与发展.这三段音乐情绪一段比一段高涨,到了托卡他的尾声达到最高潮.乐曲的第二大部分一赋格曲是极富特色的,在这里几乎看不到巴赫赋格曲所特有的旋律线严谨,复杂的交织,代之以对主题材料的多样化的自由展开,使赋格曲代有这一形式少有的即兴风格.显然,巴赫这样处理是为了使赋格曲能与托卡他有机地交融在一起.仔细聆听就会发现,赋格曲的主题也是从前面的托卡他中引伸而来的:{ewc MVIMAGE,MVIMAGE, !14800310_0071.bmp}在尾声中,托卡他与赋格曲这两部分的内在联系得到进一步的巩固,并且,使音乐的材料得到进一步的总结和概括.全曲在由辉煌的走句,浑厚的音响所营造的悲壮的气氛中结束.在《d小调管风琴托卡塔与赋格》中,巴赫使宗教世界的耶稣受难与现实中人的痛苦得到悲壮地统一,让救赎的牺牲精神与对幸福的孜孜希求水乳交融,在那建筑式的音响群落里,你能感到一种具有历史厚度的悲壮的热情,敏锐的呼吸和圣洁的冥想.《平均律钢琴曲集》(古钢琴曲)《平均律钢琴曲集》,是巴赫古钢琴音乐中的最高杰作,在整个音乐史也具有举足轻重的地位,被誉为音乐上的"旧约全书".巴赫的《平均律钢琴曲集》,每卷由二十四曲组成,两卷共四十八首作品,这部作品不仅是十二平均律首次被这样完整地运用,预示了键盘乐器的远大前程,在当时古钢琴不够完善的情况下,奠定了现代钢琴的技术,而且就其音乐本身来说,也有根高的艺术价值,至今仍被视为古典音乐的典范.《平均律钢琴曲集》是为键盘弦乐器(Clarier)写的,他所说的Clarier常被误解为克拉维科德,实则泛指键盘弦乐器,包括克拉维科德与哈普西科德,第一本巴赫传记作者福克尔认为巴赫喜欢克拉维科德,因而他的《平均律钢琴曲集》,《创意曲》,《英国组曲》等都是为克拉维科德写的,但巴赫在遗嘱中提到的家藏乐器中有六架哈普西科德族乐器,却没有一架克拉维科德,可见福克尔的说法是值得推敲的.曲集的第一卷和第二卷都是按同一体系安排的,即C大调前奏曲与赋格,c小调前奏曲与赋格,#C大调前奏曲与赋格,#c小调前奏曲与赋格……依次类推,按半音的顺序遍及全部大小调.按纯律调音的古钢琴只能弹少数几个调,调性一多,音就不准了,所以超过三,四个调号的调性几乎不用,平均律在巴赫之前就为人所知,但从未付诸实践,巴赫特意要求古钢琴按平均律调音,即将八度分成十二个音程相等的半音,这样就能弹出所有的大小调,并可以自由地转调,而转调又是将主题材料加以戏剧性展开的最重要的因素之一.曲集的每一首都包括一个前奏曲和一个赋格曲,所以,《平均律钢琴曲集》也有叫作《四十八首前奏曲与赋格》的.赋格艺术对一般作曲家来说,是一个难以逾越的障碍,然而在天才的巴赫手中,却可以写成最富于情感最深刻动人的作品.他的赋格主题既有抒情性的,悲剧性的也有风俗性的,英雄性的,它们是当时德国人民精神面貌的反映,也是巴赫个人内心世界的写照.巴赫在赋格的创作中,将这一体裁发展到前所未有的高度,他充分发挥写作上的自由度,只严格遵循呈示部的原则,而在展开部或插部则灵活地施展他的变化技能,他运用主题的技艺性处理(倒影,逆行,扩大,紧缩)作为贯穿前后的线索,而在富于对比的答题和对题上进行丰富多彩的变化,并加进新的因素,使全曲达到高度的对比统一.巴赫在赋格创作上又一超越前人的地方,是他的赋格体现了严密的逻辑性和均衡的结构感,这是因为在赋格大厦的底部有坚实的和声基础,和声在巴赫乐思的发展上和结构布局上起着巨大的作用,因此,巴赫的赋格至今仍被视为复调与和声相结合的最高典范.从宏观上品味这两卷作品性格上的差异,我们甚至能够感受到巴赫生活上的沧桑与变迁:第一卷创作于1722年,巴赫37岁,那几年在克滕的宫廷里任职,受命创作了许多非宗教音乐,前此不久的1720年,巴赫的第一个妻子去世,翌年他与小17岁的安娜马格达莲娜结了婚,写第一卷时,巴赫必定还沉溺于新婚的喜悦之中.第一卷里的巴赫很有生活情趣,其音乐使人亲近,容易引起共鸣,每一首都那么鲜明而有特点,听来引人入胜.第二卷里表现的是另一个样子的巴赫,事隔十六年后,他已经逐渐走向老年,早就离开了克滕,在莱比锡古老而又阴沉的托马斯教堂任职,埋头创作了无数宗教音乐清唱剧,第二卷里的巴赫衰老且略带悲凉.第二卷也不像第一卷那样一气呵成,而是断断续续地写了约四年之久.仅仅把每一卷第一首中的前奏曲拿出来比较,我们就能感受到这种差异.上卷的第一首是用C大调写成.它的前奏曲,也可以说是整部钢琴曲集的序曲,使用的手法极其简练,分解和弦构成的优美音型贯穿全曲,像流水一般地流淌着.这里展示的是一个清凉,纯美,圣洁的世界.后来,19世纪法国作曲家古诺(1818—1893)以此为基础,给它配上一个庄重而又深邃的旋律,这就是著名的歌曲《圣母颂》,而此《前奏曲》就成为《圣母颂》天衣无缝,相得益彰的伴奏.另外,《圣母颂》也以一首著名的广泛流传的小提琴小品行世.{ewc MVIMAGE,MVIMAGE, !14800310_0075_1.bmp}第二卷第一首的前奏曲,也是用C大调写成,情绪上却与上卷的那一首有天壤之别,音乐从持续主音上的连续十六分音符间隔三十二分音符开始,庄重,深沉,具有管风琴的效果,我们可以想见巴赫正在庄严肃穆的托马斯教堂里演奏管风琴.{ewc MVIMAGE,MVIMAGE, !14800310_0075_2.bmp}其实,在以严谨,理性著称的巴赫《平均律钢琴曲集》面前,任何文学性的阐述都是苍白幼稚的,但是透过这两个性格迥异前奏曲,我们至少可以看到巴赫情绪上的变化,因为,任何艺术作品必定是烙上时代的印记的.我们再来看其它两首作品.上卷的第三首有可能占一个世界之最,它是用#C大调写成的,这可能是世界上最早用#C大调写成的作品.前面已经述及,在巴赫之前,按纯律调音的古钢琴只能弹少数几个调,调性一多,音就不准了,所以超过三,四个调号的调性几乎不用,何况包括所有升号的#C大调!这个#C大调"黑键"前奏曲,用3/8拍子写成,前半部分只用了两种节奏型:一是连续十六分音符,一是四分音符与八分音符的长短结合,由两只手交替着演奏,在对比的基础上流动不息,充满着灿烂的光辉.而赋格曲则具有加伏特舞曲的风格,活泼且富有青春气息.{ewc MVIMAGE,MVIMAGE, !14800310_0076_1.bmp}下卷的第四首,用#c小调写成.前奏曲是9/8拍子,这是一首感情至深的三重唱,精致且富有表情的装饰音,巧妙处理的主题,深刻的表现力,使之成为第二卷中最杰出的作品之一.三声部的赋格曲类似吉格舞曲的风格,流动,轻快与内省的前奏曲形成对比.从第二十七小节开始,出现半音阶式的对位旋律,表情丰富.《创意曲》(古钢琴曲)巴赫的键盘乐器作品中,最重要的是两卷平均律,如今已经成为钢琴学生的必修课,而他的二部和三部创意曲可以看作是弹奏平均律的准备,是非常好的钢琴教程,事实上巴赫也是把创意曲作为教材和练习曲来看的,创意曲中的一部分原是为他的爱子威尔海姆弗里德曼巴赫作练习而写的.巴赫在前言中写道:"这一正确的指导将为键盘乐器(Clavires)的爱好者,特别是那些乐意学习的人指明了清楚的方向,不仅可以干净利落地弹奏二声部乐曲,同时可以获得一些很好的创意,并弹得出色,多半情况下甚至可以达到一种如歌的弹奏风格.此外还能获得对乐曲布局的强烈感受."简单他说,创意(Invention)就是创造乐意,从此曲集的前言中也可以看出,巴赫认为学弹钢琴的目的并不仅仅是学会弹琴,而且也是一种学习作曲的入门途径.创意曲的创作时代比平均律钢琴曲集要早,与后者不同的是,巴赫在十五首二部创意曲与十五首三部创意曲中没有完全使用二十四个大,小调,省去了#C,#F,bA,B大调和#c,#f,ba,be,bb小调这九个升降记号比较多的调性,这或许是当时键盘乐器调律未能达到完全的平均律,调号的增多会导致音准问题的原因.所有的二部创意曲都不难理解,还非常生动,可能是因为巴赫是为儿子写的,注意到必须浅显一点,比如,F大调第八首,象军号嘹亮,最能引起孩子们注意.这十五部二部创意曲,大部分是三段式的结构,第一段结束在属调或关系小调上,与第二段有明显的分割,第三段是第一段再现,结束在主调上.在巴赫的这些浅易简练的创意曲中,我们仍然可以感受到作曲家的组织性与即兴性,思维性与情感性,严密性与自由性之间的高度统一,以及,音乐严谨而不枯涩,抒发而不涣散的品格.比如,用C小调写的第二首二部创意曲.巴赫在C小调上往往显示出超乎寻常的灵感.在巴赫的心中,C小调是庄严与忧郁混合的调性.C小调二部创意曲是一首卡农(Canon).全曲的结构如下:{ewc MVIMAGE,MVIMAGE, !14800310_0079_1.bmp}从这个结构图我们可以看出它有点像十四行诗品的韵脚或者DNA双螺旋体相互缠绕的形状,在这里,两个声部无所谓谁比谁更重要,而是一个向前行走着的人与他相随的影子:虽然先后有别而实质无异,貌分而实合,是同一个乐思的错位.在乐曲的最后,两个声部终于合为一体,而且颠鸾倒凤般地上下交错了一番,更显示了巴赫不想将两个声部分出主次的本意.此曲以极为特殊的方式表现出高度的平衡与对称,其复对位技术之高超令人惊叹!至于巴赫能用极小的素材构成宏大的音乐大厦,C大调第一首二部创意曲则给我们提供了一个精彩的例子:{ewc MVIMAGE,MVIMAGE, !14800310_0079_2.bmp}这是乐曲一开始的部分,核心材料就是第一小节的两种因素:一是弱起的连续十六分音符(例中标为主题),一是平均的八分音符进行(例中标为对题).此曲就是建立在它们的基础上,几乎没再运用其它材料,从这一点,我们可以看出巴赫创作手法的简约与精练.相对于简易朴素的二部创意曲来讲,三部创意曲则比较复杂深奥.例如,第二首c小调三部创意曲.虽然c小调三部创意曲与c小调二部创意曲相比,显示出截然不同的性格,但都体现出超人的智慧.这首三部创意曲像是一首伤感的抒情诗.全曲除了一开始的两小节外,每一个细节都是由下面三种材料构成:a,包括两种因素,一是分解和弦上行与极富特色的八度下行,二是减七度上行与跳进下行的小调音阶.b,在第五小节高声部出现的顿,连相间的下行跳进动机.C,连续的十六分音符的音阶式进行.与其它一些创意曲不同的是,在此曲中,这三种材料有主次之分:a的第一个因素为主要动机,具备"主旋律"性格,为全曲定下基调;b很有特点,但处于补充地位;c是上述二者的背景以及转折时的连接.因为这三个材料性格迥异,因而在三个声部上构成鲜明的"高架立交桥",音响丰满,变化多端效果极佳.《d小调半音阶幻想曲与赋格曲》(吉钢琴曲)在巴赫时代,使用"幻想曲"一词,是指想象的自由飞翔,在这样的一首作品里,作曲家将幻想曲与赋格曲结合在一起,在最自由的形式和最严格的形式之间,激起戏剧性的对比.最初,幻想曲是和管风琴与羽管键琴这两种在音乐史上起了非常重要作用的即兴演奏艺术联系在一起的,因此,巴赫的幻想曲,能使我们获得到一些巴罗克时期有关即兴演奏风格的感受,巴赫在世时,就曾以他所特有的即兴风格使所有的听众感到惊奇,这种风格中含有奇异,突然的情绪变化,意味深长的抒情,令人眼花缭乱的演奏技巧和丰富的,真正已罗克式的创造.巴赫本人就是一位出色的演奏大师,对探索键盘上的所有技巧很有兴趣.而作为一个伟大的艺术家,他在运用这些技巧时,仅仅把它们当作表现思想和情感的手段.作于1720年的《d小调半音阶幻想曲与赋格曲》,是同类体裁中最优秀的一首,它建立在一连串由音阶和小琶音组成的辉煌的,气势宏伟的音流上,音流与庄重缓慢的密集和弦,对位织体交替出现,乐曲所表现的自由即兴性与悲壮的朗诵语调,充分表现了巴赫管风琴音乐对古钢琴音乐的影响.它由情绪迥异的幻想曲和赋格曲两部分组成,但又以同样的调性和半音音阶统一起来.幻想曲属于即兴性质的乐曲,比前奏曲更加自由,在此曲中,其份量超过了第二部分的赋格曲,预示了音乐会演奏用的戏剧性幻想曲这种新的钢琴体裁的出现.在创新精神上和在内容深刻上,他甚至可以与贝多芬的《热情》钢琴奏鸣曲相比.我们知道,在巴罗克时期,无论是和声中还是旋律中的半音进行,都意味着情感的加强,幻想曲的一开始就以大量的半音进行,形成了充满戏剧性的气氛:{ewc MVIMAGE,MVIMAGE, !14800310_0082.bmp}仅从谱面的外观,我们就可以想见这首幻想曲的即兴风格以及演奏它所需要的精湛技巧:快速的音阶,琶音和颤音奔腾而来,在键盘上自由地左右运动;倾泻而出的三十二分音符,使人产生幻觉,仿佛演奏者是在幻想的驱动下自由地弹奏.接下来,音乐以上例为基础生成出各式各样的变体,高涨的情绪一直保持.幻想曲的第二段落则在内容上和表现手段上与第一段落形成对比,但仍然保持着戏剧性的音调,大胆的转调使音乐回旋周转,在幻想曲的尾声中,音乐流露出无限的悲凉.两个段落对比形象的并置,不仅加强了幻想曲的戏剧性,并且使它的篇幅扩大到巴赫之前所没有的高度.在巴赫时代,像《d小调半音阶幻想曲与赋格曲》这样热情奔放,气宇轩昂,规模宏大,音响丰富,极富戏剧性的音乐是罕见的.当时的音乐审美观念,正如音乐评论家维克曼所主张的"美感应缓慢感知,像曙光预示黎明的到来;情感应像露珠一样掉落,而不能像大海一样倾注.这里不需要天马行空的飞行,而需要智神星的移动."以这样的审美标准,怎么可能理解巴赫的音乐呢而事实上,巴赫音乐中炽热的情感,"受难式"的悲剧性音调,正表达了他对黑暗时代的抗争.与情绪强烈的幻想曲相比,赋格曲部分则严格,简练,克制.但从音高材料来讲,它们仍密切相连,赋格曲悠长,优美如歌的主题的开始乐句,也是几乎以半音进行为基础的.整个赋格部分充满沉思冥想的情绪.{ewc MVIMAGE,MVIMAGE, !14800310_0084_1.bmp}巴赫赋格曲的主题往往短小精练,而这个主题是分外的长,它必然导致整体结构的扩大,而结构的庞大也是与长大的幻想曲部分相适应的.赋格结束以后,全曲出现了富于表情的朗诵调乐节,好像是幻想曲的回声,将整个乐曲有机地统一在一起.《英国组曲》(古钢琴曲)在分析巴赫的《英国组曲》之前,应该对组曲这一音乐体裁有所了解.组曲是几个具有相对独立性的乐章,在统一的艺术构思下,排列,组合而成的器乐曲.它从形成,定型到进一步发展,经历了一个漫长的过程.组曲是最古老的器乐套曲形式,源于对比性舞曲组合.早在14世纪,舞会里即盛行"快-慢-快"的对比性舞曲组合.16世纪初,琉特琴演奏家仿此以一首庄严的二拍子舞曲与一首轻快的三拍子舞曲联合成套.组曲作为音乐体裁的名称,最早见于1557年,但其结构形式长期变化不定,其典型形式是由键盘作曲家J J 弗罗贝尔格定型的.17世纪中叶流行的组曲形式常由阿勒芒德-库朗特-萨拉班德三种舞曲构成,后来加入吉格舞曲,有时置于库朗特前,有时置于库朗特后.古典组曲(巴赫时代)是按阿勒芒德-库朗特-萨拉班德-吉格的次序排列构成的,有时冠有前奏曲和插入其它舞曲.每一乐章都是用相同的调性,都是以二段式写成,每段各自反复演奏一次.这个时候,这些舞曲已经失去了舞曲本来的意味,而是被高度程式化了,它已不能为舞蹈伴奏,而成为一种规范性的乐曲.巴赫去世以后,随着奏鸣曲,交响曲以及协奏曲的兴起,组曲渐趋衰微.19世纪后半叶,组曲再次兴起,称为现代组曲.巴赫在克滕时期创作了一系列古钢琴组曲,其中著名的有《法国组曲》六首,《英国组曲》六首.这些作品都是世俗性作品.巴赫广泛吸取同时代作曲家的组曲模式,创造性地处理这种体裁,不仅像17世纪中叶以来组曲那样在节奏,节拍,进行上求得对此,而且将不同感情内容的乐曲并置形成内在的对比,形象的对比,将组曲这一体裁提高到当时的一个新的境界.《英国组曲》这个标题并不是巴赫自己命名的,而是在十八世纪末,被他人称为的.事实上,《英国组曲》与"英国"还是有一定的关联的.比如,巴赫依照英国样式,将前奏曲列于组曲之首.另外,在他儿子的抄本里记载着《英国组曲》是受英国人之托而作的.与《法国组曲》相比,《英国组曲》的规模较大,表情更为丰富.巴赫的《第二英国组曲》华丽并且具有女性般温柔与优美,它包括前奏曲与五个舞曲共六个部分:前奏曲大致可分为三个段落,非常巧妙地处理两个主题,中间的发展段落使用这两个主题的材料,并将二者有机地融合在一起.阿勒芒德是起源于德国的一种慢速的二拍子舞曲,到了巴赫时代,实际舞蹈已经不存在,而成为一种程式化的舞曲,中等速度,4/4拍子,具有短小的弱拍.巴赫的这首阿勒芒德轻妙,稳定又不失流动,从弱拍的第四个十六分音符开始,并继以连续不断的十六分音符进行,这些都是阿勒芒德舞曲的典型特征,只是在此曲中节奏上已经失去了原来舞曲的特性.库朗特的原意为"流动",这是一种法国舞曲,后来传入意大利,据此而产生的音乐有两种,一为法国式的,一为意大利式的,主要区别在于前者是单三拍子和复二拍子混合在一起使用,后者使用单三拍子.在这里,巴赫采用的是后者,在保持原舞曲轻快流动的三拍子的基础上,使用丰富的装饰音,将主题以对位的方式推进.萨拉班德舞曲的特征是采用徐缓的三拍子,表情庄重,旋律往往为分节奏,巴赫的这首乐曲包含两个主题几乎完全相同的萨拉班德舞曲,在演奏时经常选用其中一个.布列舞曲原来是17世纪的法国民间舞曲,一般为快速的2/2或2/4拍子,从小节最后一个四分音符开始.这里也包括两个布列舞曲,布列Ⅰ由两个声部构成,小调,表情哀愁;布列Ⅱ由三个声部构成,具有丰富的和声.此舞曲按布列Ⅰ→布列Ⅱ→布列Ⅰ的顺序演奏.吉格舞曲原来是16世纪在英国流行的一种舞曲,3/8或6/8,9/8,3/4,6/4,12/8等拍子,有时也有四拍子或八拍子,常用模仿复调手法展开,第二段的主题常为第一段的主题的反行.巴赫的这首吉格就是用这种手法展开的,以A-A-B-B-A-B的顺序演奏.。
东南大学音乐肩上·论文 西方现带音乐之父 巴赫
东南大学信息科学与工程学院 04014535 耿浩轩 约翰·塞巴斯蒂安·巴赫(德语:Johann Sebastian Bach,1685.3.21-1750.7.28),巴洛克时期的德国作曲家,杰出的管风琴、小提琴、大键琴演奏家。巴赫被普遍认为是音乐史上最重要的作曲家之一,并被尊称为“西方‘现代音乐’之父”,也是西方文化史上最重要的人物之一。在2005年德国电视二台票选最伟大的德国人活动中,他排名第六,次于第五伟大的西德总理维利·勃兰特。 巴赫出生于德国中部图林根州小城艾森纳赫的一个音乐世家,在有生之年是一位著名的宫廷乐长,在德国莱比锡圣多马教堂度过了最后27年的时间。 巴赫把西欧不同民族的音乐风格融为一体。他集意大利、法国和德国传统音乐中的精华,曲尽其妙,珠联璧合,天衣无缝。 巴赫自己在一生中并未享有盛名,而且在死后五十年中就已被世人遗忘。但是在近一个半世纪中他的名气却在不断地增长,一般认为他是超乎时空的最伟大的两三位作曲家之一,而且有些人认为他是其中最伟大的作曲家。 巴赫于1685年3月21日出生在德国中部杜林根森林的爱森纳赫。 虽然这只是一个小城镇,可它的市民却酷爱音乐。据说该市古代的城门上竟刻着“音乐常在我们的市镇中照耀”的字样。并且中世纪的吟歌者经常手执竖琴,在这里吟唱诗歌并举行歌唱比赛。瓦格纳曾据此写了著名歌剧《唐·豪塞》。而十六世纪的宗教改革家马丁路德,也在此将《圣经》译成德语。巴赫家族是地地道道的音乐世家,他的家庭早在他来世前许多年就已经在音乐界赫赫有名了。 他父亲是一位优秀的小提琴手,祖父的兄弟中有两位是具有天赋的作曲家,叔伯兄弟姐妹中有几位是颇受尊敬的音乐家。对于具有极高音乐天赋的小巴赫来说,在这样的家庭成长原是十分幸运的,然而命运之神却偏要找些麻烦:他9岁丧母,10岁丧父,只得靠大哥继续抚养。尽管家里存放着大量音乐资料,可专横的兄长就是不允许他翻阅学习,无论他怎样苦苦恳求也无济于事。巴赫只得趁哥哥离家外出与深夜熟睡之际,在月光下偷偷地把心爱的曲谱一笔一划地抄下来,历时长达半年之久,因而大大损坏了他的视力。他的晚年在双目失明中痛苦地度过,直至去世。 巴赫15岁时,终于只身离家,走上了独立生活的道路。他靠美妙的歌喉与出色的古钢琴、小提琴、管风琴的演奏技艺,被吕奈堡圣·米歇尔教堂附设的唱诗班录取,同时进入神学校学习。这里的图书馆藏有丰富的古典音乐作品,巴赫一头钻进去,像块巨大的海绵,全力汲取、融合着欧洲各种流派的艺术成就,开阔了自己的音乐视野。为了练琴,他常常彻夜不眠,通宵达旦。每逢假日,他都要步行数十里去汉堡聆听名家的演奏。[1] 1702年他从圣·米歇尔毕业,翌年在一家室内乐队当一名小提琴手。在随后的二十年中,他干过许多行当。巴赫在一生中主要是以一位卓越的风琴家而闻名,虽然他还是一位作曲家、教师以及乐队指挥。1723年,巴赫三十八岁时,开始在莱比锡的圣·托马斯教堂任歌咏班领唱,他在余生的二十七年中一直担任此角。[1]
一、魏玛时代(1708-1717) 巴赫演奏了其清唱剧《上帝是我的国王,BWV71》,同年辞职去接受一个报酬更为丰厚的职位:任魏玛公爵威廉.恩斯特的宫廷管弦乐师;1714年成为乐长。在威玛巴赫创作了大部分管风琴作品,也首次发现了维瓦尔第的音乐,开始了协奏曲的创作。1717年接受柯登的安哈尔特利奥波德亲王的乐正职位;但其辞职被威廉.恩斯特所阻挠,在免除其义务之前甚至还把其关押在狱中。[1]
二、克滕时代(1717-1723) 在克滕的日子是巴赫一生中的黄金时代。此间他创作了被誉为“键盘乐的旧约圣 经”的《平均律钢琴曲集》第一卷和在管弦乐发展史上堪称里程碑的《勃兰登堡协奏曲》等大量出色的世俗和宗教音乐;同时巴赫还在柯滕宫廷任职,柯滕宫的镜厅非常华丽,这里还供有巴赫像。 1723年,巴赫的主人克滕亲王对音乐的兴趣似乎淡漠了,于是他辞去了宫廷中的职务,来到莱比锡出任圣托马斯教堂学校的乐监(音乐指导),在那里他度过了一生中余下的27年时间。 此后,克滕镇因为巴赫的音乐而充满活力:其合唱团自1908年起就沿用巴赫的名字、1935年创立的“巴赫音乐节”、1967年为纪念巴赫在这里供职250周年轮番举办了“巴赫音乐节”及“巴赫音乐比赛”,并将此作为传统延续至今,而当时的组织者也就此成立下来,即为今天的“克滕巴赫社团”。1983年克滕历史博物馆专门开放了“巴赫纪念馆”。
三、莱比锡时代(1723-1750) 莱比锡时期是巴赫一生中最长的一个时期,也是创作最多的时期。此时的巴赫无论演奏技巧还是作曲水平都已到了炉火纯青的地步。他在莱比锡谱写的杰作,有感人至深的《b小调弥撒》和《马太受难曲》,《平均律钢琴曲集》第二卷和体现他高深作曲造诣的《赋格的艺术》等。1747年,这位无冕音乐之王去波茨坦旅行时被另一位国王—普鲁士国王腓特烈召见,并进行了即兴演奏。在座的观众无不为之折服。第二年,巴赫把这次演奏的主题加以发展,写成了另一部总结他作曲和演奏艺术的作品—《音乐的奉献》。 在莱比锡,巴赫作为圣托马斯男声合唱团的指挥度过了27年,由于他长期用眼过度,巴赫视力减退,晚年患白内障失明了,但他仍用口授的方式坚持创作。在逝世的前几天,他还在口授一首众赞歌《走向主的神坛》。乐曲每一个音符都表达出老人生前最后的虔诚祈祷,最后在第二十六小节处戛然而止,成了大师的绝笔之作。 1750年7月28日夜,巴赫的一生画上了最后一个休止符,安然的走向了他心中的神坛。三天后,约翰·塞巴斯蒂安·巴赫在莱比锡圣约翰教堂墓地下葬。
四、巴赫的创作 1、主题风格 巴赫的作品深沉、悲壮、广阔、内在,充满了18世纪上半叶德国现实生活的气息。他笃信宗教,是个路德教徒。他希望他的乐曲为教会服务,他的大多数作品都是宗教音乐。他的音乐体现了生活在18世纪德国普通市民的思想。他深受着生沼给他带来的痛苦,有丰富而深刻的生活感受,然虽他消极、屈服,但也还没存看到改变生活的途径。他觉得一个人必须有坚强的意志、崇高的信念、自我牺牲的精神。达就是巴赫在他的艺术中所反映的主要内容。他的作品从不同角度、用不同的形象反映了十八世纪德国市民之间的这种人文主义的思想。 他是最后一位伟大的宗教艺术家,他认为音乐是“赞颂上帝的和谐声音”,赞颂上帝是人类生活的中心内容。他的音乐最初就是从被称作赞美诗的路德圣咏而产生的。通过旋律可以看出作曲家结合了当时流行的通俗之声。在音乐形式上他无意创新,而是把现有的形式推上顶峰。 巴赫的作品含有一定的哲学伦理的意义,但他的表现形式却不是抽象的、教条的。相反,在他的作品中,哲学伦理思想是和抒情、写景密团结合的‘,他虽然不像亨德尔那样大量运用造型手法,但是为了烘托一定的内心情绪,巴赫也不避免借助于自然景物的描绘(如风吹、河流)。巴赫的音乐内容的舰极性决定了他的音乐风格的版活性和综合性。巴赫的声乐风格和器乐风格之间没有截然的区别,他创造了声乐器乐综合的新风格。
2、声乐作品 他谱写了许多充满戏剧性因素的大型声乐作品,其中《马太受难曲》、《b小调弥撒》是最有影响的作品。在这些作品中,巴赫作为一个虔诚的新教教徒,通过宗教音乐形式(受难曲、弥撒、经文歌、康塔塔等),抒发了对人类灾难、痛苦的怜悯、同情以及对和平与幸福未来的渴望。巴赫的声乐作品中以康塔塔最为丰富多采。巴赫的康塔塔一方面继承了接近歌剧的世俗“康路塔”的传统,另一方面继承了接近复调合唱的宗教康塔塔的传统,创造出一种声乐器乐综合的新型的康塔塔。它无论在内容上和风格上都比旧的康塔塔要深刻、丰富多了。 巴赫的康塔塔也有世俗与宗教之分。他的世俗康塔塔大半是为官场应酬的需要而写的,歌词大半是一些惜古希腊神话小人物来对贵族歌功颂德的无聊词句。但巴赫常常超越出歌词酌范围之外,或抓住个别不主要的字句,借题发挥,写成一首生动有趣的音乐作品,例如《农民康塔塔》。这首康塔塔由两个农民用撒克逊地方方言互相唱答,带着很浓厚的民间谈话的风趣。巴赫的宗教康塔塔是他长期经常写作的体裁,数量很多,几乎占他全部音乐作品的半效。这些曲子的内容深刻而丰富,表现方法亦非常多样,而且不断演变。最初巴赫以合唱式的康塔塔开始,后来他把康塔塔的范围扩大了,写了一些室内性的独唱康塔路也写了各种不同形式康塔塔,纯粹合唱的康塔塔反而写得少。巴赫在他的宗教康塔塔中所用的形式也很多民他的宣叙调、咏叹调、重唱、合唱都有他自己独创的特点。康塔塔是器乐和声乐综合的体氯器乐部分不是伴奏器乐部分用小合奏、大合奏或其他不同的乐器组织。 和康塔塔一样,巴赫的受难乐也是器乐声乐的综合体裁;巴赫根据表现不同阶段的心理状态的需免自由运用了声乐和器乐酌各种不同的形式。巴赫利用弥撒的形式发展音乐概括的思维,创造了丰富的音乐形象,表达丁深刻酌思想感情。在这一点上他和亨德尔相似,他们都远远摆脱了当时歌剧艺术的局限性,但他们又返回了宗教音乐。这虽然是具体历史条件所造成的必然结果,这种矛盾在巴赫的弥撒曲中表现得尤为严重。
3、器乐作品 巴赫的器乐以钢琴音乐为最重要。他的钢琴作品比起前人的以及他的同代人的作品来,在内容、体裁和风格上都要丰富得多。巴赫在创作钢琴音乐的过程中,借鉴各方面的经验来丰富钢琴音乐的内容、体裁和风格;例如他从风琴音乐中吸取了它的即兴性和悲壮气概,他又把来源于风琴古乐的复调形式在钢琴的特点的基础上加以发展。他吸取了法国钢琴家的经验,写丁舞曲组成的组曲;学习了意大利小提琴音乐风格和多·斯卡拉蒂的钢琴音乐风格,这种影响在他的变奏曲和《c小调幻想EQ》中最为显著。 巴赫的舞曲源自日常生活和历史传统,他的音乐从来没有脱离德国的音乐传统。《平均律钢琴曲集》是巴赫在“纯音乐”领域留下的重要遗产之一。作为一部具有德意志精神的作品,《平均律钢琴曲集》体现出了那种严谨的德国式思维。另外,巴赫的《法国组曲》、《英国组曲》和六首《勃兰登堡协奏曲》等乐队作品,也都表达了作曲家对和平和美好生活的祈求与渴望。这些作品在德意志民族人民的内心深处激起了强烈的共鸣。