艺术美与设计美的区别
摘要：前文主要是讲了设计美与艺术美的定义，接着是引出二者之间的区别，其次是举例论证观点，最后是借用朱光潜《谈美》中的语句收尾。
关键词：设计美、艺术美、理性、感性、形式与功能、审美
设计是一门独立的艺术学科，它的研究内容和服务对象有别于传统的艺术门类，因此，设计美学也有别于传统的绘画和装饰，其研究内容自然也不能完全照搬生吞传统的美学理论。众所周知，设计是一门综合性极强的学科，它涉及到社会、文化、经济、市场、科技等诸多方面的因素，其审美标准也随着这诸多因素的变化而改变。
我们首先来看看设计的概念：设计是把某种计划、规划、设想和解决问题的方法，通过视觉语言传达出来的过程。可以看出，设计的核心是一种创造行为，一种解决问题的过程，其区别于兄弟艺术门类的主要特征之一便是独创性，因此我们可以这样认为：设计之美的第一要义就是“新”。设计之美的第二要义是“合理”。而设计之美的第三要义是“人性”。
我以为，设计这种特有的审美规则并不是空穴来风，它背后有着客观的依据和需求。可以说，设计之美的依托是市场规律，正是残酷的市场竞争和适者生存的法则造就了这一审美。自大工业时代拔地而起时，传统的手工艺美学一夜之间在机器的隆隆声中被涤荡得体无完肤。工业时代要求大批量、程序化、符合成本利润法则的新型产品。
那么什么是艺术美呢?
如果要用一句话来概括，那么，可以说：艺术美是形式美和内容美的完美统一。
任何文学艺术作品都有形式和内容两个必不可少的因素。形式是外在的，内容是内在的。面对一件作品，我们首先接触到的是直接呈现给感官的外在物质形式，然后领会这种物质形式所指引出来的内在意蕴。但作为艺术创造的结果，每件作品都是一定的形式和一定的内容的结合。有的作品，形式和内容结合得好，完美统一；有的作品，形式和内容结合得差，无法统一。艺术形式的创造，需要一定的物质材料，比如绘画用线条色彩，音乐用旋律音调，舞蹈用形体动作，文学用语言文字。但是，物质材料本身还不是艺术形式，只有把物质材料按照美的规律予以改造，结合为整体，使它具有表现力，物质材料才能化为艺术形式。
设计美与艺术美的区别是什么呢？
简言之艺术更感性而设计更理性。设计注重形式与功能，而艺术更多的注重审美。
最早的设计，主要面向实用方面，人们亲切的称之为‘改变生活的艺术’。学术界把它称之为设计艺术或者艺术设计，把它作为一门艺术，而艺术的核心，是设计。而现在，设计的某一部分已经脱离物品的本质作用，渐渐转向其外观，也就是装饰作用，代表作是菲利普.斯塔克的榨汁机。当他在酒吧喝酒的时候，脑海中忽然呈现出一个类似章鱼形状的榨汁机外型，连他自己都不知道这外型与这件商品的使用性有什么关系，但是其独特的外表引起了商家和顾客的兴致，人们纷纷抢购这独特的小东西，但是他们当中，没人知道自己把它买回去做什么用，其实真正的答案是，它吸引人的是它外表的艺术性，人们已经完全把他当作一件艺术品，可见，设计具有艺术气息才会具有吸引力。
如今?当代性?是在一种宏大的时代背景下，被中国公众很快熟悉的词汇，它的主要内涵是前沿和先锋的思想文化，那些大胆实验，勇于创新的反映时代精神的新艺术，越来越影响着我们今天的生活，并已经深刻地渗入到设计领域。当代艺术所关注和所要解决的问题，已经与较早的现代艺术有了很大的不同，那些表面看起来混乱、东拼西凑的艺术形式，无不是对我们这个困扰的时代的忧虑。这是当代艺术在思想和主题表达层面上的涵义。另外一个层面就是当代艺术发展到今天，设计的成分越来越多，也可以说当代艺术就是设计的艺术。就目前的我来看，是设计的发展带动了生产力的发展，而生产力使人们的物质需求得到满足，从而使人类对设计作品有了艺术和美的层面上的需求，最后的最后，人类的艺术观念
或者说是审美观，又会反过来影响这个时代设计作品。总之设计出的作品本身也是一种艺术。
有人说，设计是沟通，传达。而艺术是表现，创作。其实不然。一个设计，如果没有起表现创作的地方能算上是好设计么？倒不如白纸黑字，也能起到沟通传达的作用，记得小学的时候写板报，为什么最后要在边缘部分加上一个花边呢？现在我明白了，是为了让他更美，而术语上讲，就是让他更有艺术性。所以多领域的修养是我所赞成的，一个只学设计的人是不会成为设计师的。艺术修养是设计师以及其设计作品必不可少的东西，艺术像一个路标，给我们指清了道路，艺术像一对翅膀，让我们任意翱翔，艺术像健壮的臂膀，用于我们去改造世界。
艺术与设计是两个不同的类别。艺术美与设计美源于一处,既有相似的特征,又有较大的区别。混淆其概念或轻视任何一方都是不可取的。首先，受众是设计美的最终评判者，设计师个人的审美观必须得到受众的审美观的认同。其次，设计美的审美方式不同于艺术美的“静观”，而是审美静观与操作体验的结合，由生理快感上升为精神愉悦。再次，设计审美中应关注技术和科学的影响。艺术美与设计美虽然关系亲密,但是并不能将这两个不同的体系混为一谈。“艺术是我,设计是他”,这句话充分说明了艺术是艺术家个人对世界的看法,是艺术家个人情感的宣泄,艺术的原创性使艺术变成“我”的艺术。而设计的功能美则说明了设计是运用物质为载体的精神活动, 是个人感情的物化。其设计作品是为人的需要而设计的,设计的物质功能是区别于艺术的最重要方面。设计美不等同于艺术美,它不仅包含有艺术美的某些成分和特征,而且还涵盖着技术美等更广泛的内容。
艺术美与设计美又密不可分，作设计就是遨游在艺术的海洋。我们的艺术家通过绘画，雕塑，音乐，书法等等不同的形式，在表达他们的思想，这种表达的过程，根本上取决于不同的艺术家表达能力的造诣区别。但是我们需要同时了解，当一个艺术家相对准确的表达出他的情感他的体验时，真正考虑一件艺术作品是否有更深的价值的因素，其实已经不是作品本身，而是作品背后艺术家的情感和体验是否能够引起观者共鸣。我们真正感动的是透过作品感知到的情感。
最后借用朱光潜先生《谈美》里面的语句，美学，是一门神秘的学说。它源于生活，又高于生活。它注重的是人们品味之高雅，看重的是修身养性。美学的魅力在于对每一种事物的评价都因为人们的性格兴趣而大相径庭。
《艺术与现实的审美关系》读后感 ----以人的相貌为例 莫晓茵20140901025 个人认为“任何东西，凡是完全体现了那一种类的观念的，就显得美。”定义显得十分狭隘。这意思也就是说，“美的事物一定要包含所有在同类事物中堪称为好的东西，在同类事物中所能找到的任何好的东西，没有不包含在美的事物中的。”在人身上，这种美的典型的多样性更加显著，我们简直不能设想人类美的一切色调都凝聚在一个人身上。就如我们亚洲人现在对美的定义—肤白，眼大，小鼻子小嘴什么的。就算我们一直在吐槽谁谁谁有着以上一切特征，一副网红脸，各种撞脸，但这有何尝不是现代大众审美过分单一所造成的恶果呢？ 大家都会指出，一个人的丑陋，是由于那个人的外形难看——“长得难看”。我们知道得很清楚，畸形是疾病或意外之灾的结果，人在发育初期格外容易为灾病所毁损。假使说生活和它的显现是美，那末，很自然的，疾病和它的结果就是丑。但是一个长得难看的人也是畸形的，只是程度较轻，而“长得难看”的原因也和造成畸形的原因相同，不过是程度较轻而已。假如一个人生来就是驼背，只是程度较轻，而原因则是一样。总之，长得丑的人在某种程度上都是畸形的人。他的外形所表现的不是生活，不是良好的发育，而是发育不良，境遇不顺。现在我们从外形的一般轮廓转移到面部来吧。面容的不美或者是由于它本身，或者是由于它的表情。我们不喜欢“凶恶的”、“令人不快的”面部表情，因为凶恶是毒害我们的生活的毒药。但是面容的“丑”多半不是由于表情，而是由于轮廓的本身面部的骨骼构造不好。脆骨和筋肉在发育中多少带有畸形的烙印，这就是说，这个人的初期发育是在不顺的境遇中进行的，在这样的情形下，面部轮廓总是丑的。根本无需详加证明，在人看来，动物界的美都表现着人类关于清新刚健的生活的概念。 但是我非常认同书中的这句话--凡是出类拔萃的东西，在同类中无与伦比的东西，就是美的。”一件东西必须出类拔萃，方才称得上美。像斯温顿，一个我十分喜欢的演员，她并不是传统的美人，甚至如果我们用传统意义的审美去评价她的话，她甚至不像地球人。她是天赐凡间的非常态尤物，不仅能在主流与异类之间纵横驰骋，也能在圣殿与人间甬道上悠然踱步。她善长颠覆，因为她不计得失；她敢于创造，因为她不怕非议。她从相貌上看是与美丽无缘的，但她们那种介乎两性之间的气质，以一种神奇的刚毅之美吸引着我。她是上帝赐给人类另一种审美观，她的“凌厉”“中性”，散溢着不可抗拒的另类诱惑。面对上帝的精心雕琢，蒂尔达并不吝啬：她在《奥兰多》中裸得浑然天成，在《年轻的亚当》中脱得云淡风清。除了表演，蒂尔达·斯温顿还是文学杂志《Sembla》的长期撰稿人。而其棱角分明的线条，中性清冷的气质，更使无数时尚大师趋之若鹜。她是荷兰著名时装设计师Viktor&Rolf二人组眼中完美无缺的缪斯，是英格兰Orbital乐队MV里高贵无邪的女神。 所以，应该说，关于美的本质的新的概念——那是从和以前科学界流行的观点完全不同的、对现实世界和想象世界的关系的一般观点中得出的结论。——会达到一个也和近来流行的体系根本不同的美学体系，并且它本身和以前关于美的本质的概念根本不同。但是同时，新的概念似乎又是以前的概念的必然的进一步的发展。我们将会不断地看到流行的美学体系和我们提出的体系之间的本质的不同，为了指出它们中间的密切关系之所在，我们要说，新的观点说明了以前的体系所提出的最重要的美学事实。
设计与艺术有什么关系? 姓名:晋伟学号:2011210357 专业:环境艺术设计 刚进大学时,第一次听到老师问我们:什么是设计?什么是艺术?有什么关系?带着迷惑,一年马上就要过去了,如今,虽然我还是不能很好的回答,但是每个人总有每个人的总结与理解。以下便是我一年来对艺术与设计的一些了解与认识。 一、什么是设计？ 设计(Design）主要指设想、规划、计划、构思等，设计的含义是非常宽泛的，而且设计的定义也是众说纷纭，莫衷一是。在《朗文英汉双解词典》中，对Design有这样的解释：作为动词有设计、绘制、计划、谋划、预定的意思；作为名词有计划、设计图、图样、图案、图样设计、美术工艺品的设计、装饰图案的含义。《实用英汉词典》对英语Design一词的解释是作为动词有设计、立意和计划的含义；作为名词有计划、草图、图案、风格和心中的计划等意思。将使用与美观结合起来，赋予物品物质和精神功能的双重作用，是人类设计活动的一个基本特点。设计是人类为了实现某种特定的目的而进行的一项创造性活动，是人类得以生存和发展最基本的活动，它包含于一切人造物的形成过程之中。总之，设计就是设想、运筹、计划与预算，它是人类为实现某种特定目的而进行的创造性活动。可以说，设计时一种特殊的艺术，设计的创造过程是遵循使用化求美法则的艺术创造过程。
二、艺术是什么？ 关于艺术，希腊语作teche,拉丁语作ars,都有技能和技巧的意思。在古代，艺术不仅和美与道德有关，同时还和实用有关。中国古代以礼、乐、射、御、书、数为“六艺”，日本也将香道、茶道、歌舞、乐曲称为游艺。在西方，艺术的美学观是渐渐出现的。绘画、雕刻和建筑早期并不包括在自由学科(Liberal Arts)之中，西方古代至中世纪并没有一个缪斯专门分管他们。由于近代西方愈来愈强调艺术与美的关系，终于形成了所谓美的艺术(Fine Arts)的概念，以别于应用艺术。人类早期的设计与艺术活动是融为一体的，只是随着社会分工的愈来愈细，各行业的专业性越来越强，才使得艺术从实际的技术中分离出来，而艺术的观念也发生了变化。 三、艺术与设计的关系 记得上学期构成老师说：“艺术更感性而设计更理性。设计注重形式与功能，而艺术更多的注重审美。”这是一个艺术教育者对于设计与艺术的一个理解,当然后来也在网上看见了一些理解,便把它做如下总结。 ( 一、)古代艺术与设计之间的关系 从历史的发展过程来看，人类早期的设计与艺术活动是融为一体的、是同源的，都是造物文化的分合离散所致，因此它们之间的关系是亲密而不可置疑的，设计最初的意义是指素描、绘画，“设计”这一概念本身就是从美术与建筑实践中引申出来的，犹如西方美术史之父瓦萨里在全面讨论设计这一概念时所说：设计是三项艺术如建筑、
生活丑与艺术美的关系 俞泉 艺术系艺术设计1004班 【摘要】：正美与丑,是一种相互联系而又相对独立的现象。这种现象,是物的本质的外化,二者辩证地统一在自然界和人们的生活中。美与丑,只有当相互比较时,才显现出它们各自的实质内涵。失去一方,另一方也就不复存在。这种辩证关系不仅体现在自然界和人类生活中,还更深刻地体现在自然界和人类生活中,体现在人类的艺术活动中。文艺是人们对现实审美的最高形式,探讨和追寻美丑的辩证关系,扬美弃丑,也就成为这种最高形式的根本所在。但是具体生活中的美丑和艺术中的美丑是有区别的,二者不是一种顺承关系,而是呈现着十分复杂的状态。比如生活中丑的事物反映到艺术中,在一定的条件下,就往往淡化了丑的形态,成为具有美学意义的形象。这种现象冲破了人们单纯的表象思维,难免给人以困惑之感。。 美也有丑，它们之间所展开的各种矛盾和斗争，构成了一幅幅生动丰富，惊心动魄的画面。它给我们带来种种欢乐和烦忧同时，也为我们艺术美的创造提供了取之不尽，用之不竭的素材。 西方文艺社会学的创始人斯达尔夫人认为文学与社会生活是相互联系的，文学形象蕴含着丰富的时代社会内容，人们审美价值判断的不同取决于社会条件的差异。《红楼梦》这部小说所反映的社会历史背景是清代康熙，雍正，乾隆三朝。正是中国社会动荡，剧变的时期。一切生活的丑陋竞相在此上演。《红楼梦》中生活的丑陋不是因为物质的匮乏，权力和财富的缺失，而恰恰相反，一切的痛苦来源于餍足，即饮甘餍肥，锦衣纨绔，一切物质的富足似乎都没了意义，贵族的糜烂的生活。这是一个丑陋的社会，由这样一群人主宰的世界必然是荒唐，腐朽，败落和没人道的。正是这种社会生活环境中的丑恶，使得
1、艺术美和现实美的区别和联系： 区别：现实美带有分散性、芜杂性、易逝性；艺术美带有集中性、纯粹性、永久性。联系：现实美是艺术美的源泉基础，艺术美是现实美的集中和提高，艺术美能作用于现实美。 形式美和美的形式有什么区别？ 形式美尽管大部分是由美的形式转化而来的，但它和美的形式却有很大的差别：首先，形式美是独立的审美对象，是一种美的形态；而后者仅仅是美的一个组成部分(2分)。其次，形式美有着某种内容，是形式本身所包含的某种意味，而美的形式虽然指向某种内容，但它本身并不包含美的内容在内（2分）。再次，形式美是单就形式本身来看的，而美的形式是必须结合美的对象的内容来看的（2分）。 理解丑的美学意义？ 答：丑是美的对立面，从而能以丑衬美。它和美相互依存，相互斗争，又相互转化。没有丑，就不可能有美。其次，世界的发展有待于丑的刺激。恶和丑是刺激人们前进的一种重要动力。再次，审丑历来都是人们审美活动的一个重要方面，历来的文学艺术都有表现奇丑怪异的杰作。最后，现实生活中的丑，经过艺术家的心灵点化，转化成艺术中的美，即“花丑为美”，进而成为抨击丑的巨大的艺术力量。 美学的学科性质是什么？ 答：美学作为一门独立的学科其基本性质是一门人文学科，和其他许多人文学科有着多方面的联系。美学离不开人，和人生价值有着重要联系。美学要研究人和现实的审美关系，人和现实的审美关系的建立必定以人的审美价值的学科。 在产品设计中比较常用的形式美学规律有哪些？分别可以产生怎样的美学效果？ （1）、整齐一律（2）、对称和均衡（3）、调和和对比（4）、比例和节奏； （5）、多样统一。 艺术创作包括艺术积累、艺术构思和艺术表现三个方面。 艺术构思，是指艺术家在艺术体验和艺术发现的基础上，以特定的创造动机为引导，以各种心理活动和艺术表现方式为中介，使艺术意象得以创造和成熟的过程。它包括构思的方式及运作和意蕴的凝结。 2、人生的艺术化： 科学技术和工业文明的发展取得了巨大成就，但同时也带来了一系列的负面问题： 1.人的物质生活和精神生活失衡 2.人的内心生活失衡 3.人和自然的关系失衡 在高度自动化的环境中，流水线作业窒息了人的创造力和想象力。 人生艺术化是种意境而且是对于真、善、美理解的一定层次而艺术又分中西方化东、西方的审美角度或多或少受各地域的文化影响以儒家和道家而言是以近山亲水而论自然之美结合自身的人生观、生活观而道艺术人生对于生活的理解也是种艺术“艺术”一词一直是值得争议的一词因为文化因为生活习俗或者说是思想艺术人生在于我的理解范围入乡随俗达观自在乐山乐水叹文希义这便是艺术。 “人生艺术化”是20世纪上半叶中国现代美学、文艺思想所提出的一个美学的、文学艺术的、也是文化的命题。所谓“人生艺术化”，也就是要以美的艺术精神来濡染人格和心灵，使人的整个生命境界成就为艺术般美丽而富有意义的诗性境界。 “人生艺术化”是20世纪上半叶中国现代美学、文艺思想所提出的一个美学的、文学艺术的、也是文化的命题。所谓“人生艺术化”，也就是要以美的艺术精神来濡染人格和心灵，使人的整个生命境界成就为艺术般美丽而富有意义的诗性境界。 三四十年代，丰子恺、宗白华等也对“人生艺术化”命题的丰富发展作出了重要贡献。丰子恺提出了“真率人生”的命题，成为中国现代“人生艺术化”思想宝库的一个重要组成部分。宗白华则从意境出发对生命的自由诗境进行了生动而深刻的阐释构建，成为中国现代“人生艺术化”思想最为绚烂的华章之一。 他们所提出的“人生艺术化”的道路相对于当时的民族困境来看，不免过于高蹈，但这恰恰又是这些人文知识分子对于现实的真挚发言。而它的价值和意义在今天进一步彰显出来。 从人类的文化思想和历史实践看，对于人生的艺术化（性）追求并非只是中国现代美学和文化的专利。就
1、艺术美与现实美的区别和联系： 区别：现实美带有分散性、芜杂性、易逝性；艺术美带有集中性、纯粹性、永久性。联系：现实美是艺术美的源泉基础，艺术美是现实美的集中和提高，艺术美能作用于现实美。 形式美和美的形式有什么区别？ 形式美尽管大部分是由美的形式转化而来的，但它与美的形式却有很大的差别：首先，形式美是独立的审美对象，是一种美的形态；而后者仅仅是美的一个组成部分(2分)。其次，形式美有着某种内容，是形式本身所包含的某种意味，而美的形式虽然指向某种内容，但它本身并不包含美的内容在内（2分）。再次，形式美是单就形式本身来看的，而美的形式是必须结合美的对象的内容来看的（2分）。 理解丑的美学意义？ 答：丑是美的对立面，从而能以丑衬美。它和美相互依存，相互斗争，又相互转化。没有丑，就不可能有美。其次，世界的发展有待于丑的刺激。恶和丑是刺激人们前进的一种重要动力。再次，审丑历来都是人们审美活动的一个重要方面，历来的文学艺术都有表现奇丑怪异的杰作。最后，现实生活中的丑，经过艺术家的心灵点化，转化成艺术中的美，即“花丑为美”，进而成为抨击丑的巨大的艺术力量。 美学的学科性质是什么？ 答：美学作为一门独立的学科其基本性质是一门人文学科，与其他许多人文学科有着多方面的联系。美学离不开人，与人生价值有着重要联系。美学要研究人与现实的审美关系，人与现实的审美关系的建立必定以人的审美价值的学科。 在产品设计中比较常用的形式美学规律有哪些？分别可以产生怎样的美学效果？ （1）、整齐一律（2）、对称与均衡（3）、调和与对比（4）、比例和节奏； （5）、多样统一。 艺术创作包括艺术积累、艺术构思和艺术表现三个方面。 艺术构思，是指艺术家在艺术体验和艺术发现的基础上，以特定的创造动机为引导，以各种心理活动和艺术表现方式为中介，使艺术意象得以创造和成熟的过程。它包括构思的方式及运作和意蕴的凝结。 2、人生的艺术化： 科学技术和工业文明的发展取得了巨大成就，但同时也带来了一系列的负面问题： 1.人的物质生活与精神生活失衡 2.人的内心生活失衡 3.人与自然的关系失衡 在高度自动化的环境中，流水线作业窒息了人的创造力和想象力。 人生艺术化是种意境而且是对于真、善、美理解的一定层次而艺术又分中西方化东、西方的审美角度或多或少受各地域的文化影响以儒家与道家而言是以近山亲水而论自然之美结合自身的人生观、生活观而道艺术人生对于生活的理解也是种艺术“艺术”一词一直是值得争议的一词因为文化因为生活习俗或者说是思想艺术人生在于我的理解范围入乡随俗达观自在乐山乐水叹文希义这便是艺术。 “人生艺术化”是20世纪上半叶中国现代美学、文艺思想所提出的一个美学的、文学艺术的、也是文化的命题。所谓“人生艺术化”，也就是要以美的艺术精神来濡染人格与心灵，使人的整个生命境界成就为艺术般美丽而富有意义的诗性境界。 “人生艺术化”是20世纪上半叶中国现代美学、文艺思想所提出的一个美学的、文学艺术的、也是文化的命题。所谓“人生艺术化”，也就是要以美的艺术精神来濡染人格与心灵，使人的整个生命境界成就为艺术般美丽而富有意义的诗性境界。 三四十年代，丰子恺、宗白华等也对“人生艺术化”命题的丰富发展作出了重要贡献。丰子恺提出了“真率人生”的命题，成为中国现代“人生艺术化”思想宝库的一个重要组成部分。宗白华则从意境出发对生命的自由诗境进行了生动而深刻的阐释构建，成为中国现代“人生艺术化”思想最为绚烂的华章之一。 他们所提出的“人生艺术化”的道路相对于当时的民族困境来看，不免过于高蹈，但这恰恰又是这些人文知识分子对于现实的真挚发言。而它的价值与意义在今天进一步彰显出来。
艺术创造心得体会 4 篇 艺术创造心得体会1 《指南》的“艺术领域”中对教师提出要求：“和幼儿一起用图画、手工制品等布置环境、美化生活。” 我们的生活缺不了美的事物，对美的渴望是每个人的权力，《指南》中也说到“每个幼儿心里都有一颗美的种子。”我们应该满足孩子们，这对于教师而言是举手之劳，我也确实当任务做了。这周正好是“春天”的主题，安排了制作活动，孩子们制作迎春花、桃花、梨花和柳条，有的是个人作品，有的是两人合作。我当时只是配合师父将柳条挂起来，在我布置好教室之后，维维走来告诉我说：“老师，我们把春天搬到教室里来了，你看，花瓶里有黄色的迎春花，红色的桃花和白色的梨花，窗户上还有绿绿的柳条，真漂亮！”布置环境对我来说只是任务，而对于孩子来说却有着不可思议的内涵，我被她的一番话感动了，忍不住夸奖她：“你说得正好！”她笑得可欢了。这段小故事告诉我：教室里的环境布置能开拓孩子的思维，一定要重视教室环境。下次一定会和孩子们一起讨论如何布置教室、美化教室，让孩子们成为教室里的主人！ 《指南》中强调“成人应对幼儿的艺术表现给予充分的理解和尊重，不能为追求‘完美'而对幼儿进行千篇一律的训练，以免扼杀其想象与创造的萌芽。”我的理解是：每个孩子都有丰富的想象力，能用语言大胆地表达出来，但并不是每个孩子都能把他的心中所想绘画出来，这毕竟需要有一定的绘画基础。我们不训练孩子们的绘画技能，但也不能在没有基础的情况下让
孩子去创作，创作要以绘画基础为奠基。当然，孩子们的创作是浅层次的，不能对孩子要求过多。想要提高孩子的绘画基础，不一定要教师施加给他，我想可以让孩子选择一些自己喜欢的绘画读本，画一画自己喜欢的人物、小动物和植物。这是他自发的一种对于美的理解，孩子会有一种亲身体验： 这本书上画的东西是我喜欢的美的东西。这样，既不会出现千篇一律的作品，又让孩子有能力去创作。当然，提高孩子绘画能力的办法还有许多，每位老师都有着自己独特的方式方法。 艺术领域包括美术和音乐，我觉得边听音乐边画画是一种享受，有着1 加1 大于2 的价值。美术活动时可以播放一些与该活动相称的音乐，用音乐和美术相结合的形式，让孩子们去感受美，表现美，创造美吧！艺术创造心得体会2 在重视素质教育的当今社会，越来越多的幼儿园意识到艺术教育对开发孩子的智力、陶冶孩子的情操、激发孩子的自信、锻炼孩子的意志起着举足轻重的作用。我们也清楚地认识到艺术对一个人生理和心理的调节，受益于终身的好处。因此我们有必要尝试通过对孩子的艺术启蒙来教育孩子，发展孩子，使之健康、和谐、全面地成长。 《指南》中指出：“幼儿艺术领域的学习关键在于充分创造条件和机会，在大自然和社会文化生活中萌发幼儿对美的感受和体验，丰富其想象力和创造力，引导幼儿学会用心灵去感受和发现美，用自己的方式去表现和创造美。”由此可见，艺术的关键在于教师“充分创造条件和机会”，幼儿“感受和发现美” ，以及“表现和创造美” 。那么，教师如何创设？创
三大构成在平面设计中的应用 [摘要]随着社会经济的发展，人们的审美追求越来越高。三大构成理论以艺术设计规则和美的构成法则为基点，其在平面设计中的应用形成了二维和三维效果，给受众带来了极大的视觉冲击力，满足了人们日渐提升的审美要求。三大构成在平面设计中的应用具有十分重要的作用和意义，有关方面的研究受到了业界的广泛关注，本文对此进行了深入分析。 [关键词]平面设计；色彩构成；平面构成；立体构成 信息化时代背景下，平面设计得到了长足的发展，并在丰富人类精神文化生活方面创造了巨大价值。目前，平面设计已被广泛地应用至Ⅱ多个领域，如平面设计、室内设计等。而三大构成以其独特、多维的特点，在平面设计中担当起了多种角色，并在增强设计作品感染力、冲击力方面发挥了积极作用。新时期，三大构成在平面设计中的应用已然成为一种时尚和趋势，其发展空间巨大。因此，我们应该重视三大构成研究，并不断创新其在平面设计中的应用，以增强应用效果，使其发挥更大的经济价值和审美价值。 一、三大构成与平面设计的关系 三大构成主要包括色彩构成、平面构成以及立体构成，
并以各自特点在平面设计中发挥不同作用。其中，色彩构成通过还原自然中的色彩现象，对受众感知、心理产生刺激，满足人们的审美需求。同时，色彩构成还可以利用空间、质、量等的可变幻性，重组各要素关系，从而呈现丰富多样的效果。在日常生活中，广告彩页、产品包装等都直观形象地展示了色彩构成与平面设计之间的密切关系。我们在欣赏平面设计作品的过程中，首先会关注其色彩，只有协调的色彩构成才能够引起人们继续看下去的兴趣。因此，很多设计师都会将色彩视为主题与情感的依托应用到平面设计中：平面构成涵括了点线面三大元素，其应用增强了二维平面设计的实用性、创造性。一般意义而言，平面构成在平面设计中的应用价值最大。只有理顺点、线、面之间的构成关系，并学会灵活地运用，从视觉需求的角度进行重组，才能设计出自然、平和的平面作品。平面构成与平面设计之间的关系，多在招贴、书籍出版等形式中得至0体现；立体构成又被称作空间构成，它是以力学理论为依据，在人类视觉规律和材料基础上按照一定规则排列造型要素的技术。从本质上讲，立体构成就是在平面设计的基础上增添空间造型，其应用能够有效提升平面设计作品的立体感、视觉冲击感，为受众营造了巨大的联想空间，将设计师意图展示得更加清晰、透彻。 二、三大构成在平面设计中的应用 根据前文提到的三大构成与平面设计之间关系的分析，
自然美与艺术美的关系 自然美与艺术美的关系 自然美与艺术美的关系 在日常生活中，我们固然常说美的颜色，美的天空，美的河流，以及美的花卉，美的动物，尤其常说的是美的人。我们在这里姑且不去争辩在什么程度上可以把美的性质加到这些对象上去，以及自然美是否可以和艺术美相提并论，不过我们可以肯定的说，艺术美高于自然。因为艺术美是由心灵产生和再生的美，心灵和它的产品比自然和它的现象高多少，艺术美就比自然美高多少。从形式看，任何一个无聊的幻想，它既然是经过了人的头脑，也就比任何一个自然的产品要高些，因为这种幻想见出心灵活动和自由。如果我们只是普泛的说：心灵和它的艺术美高于自然美，这等于还没有说出什么，因为所谓“高于”还是完全不确定的说法，还是把自然美和艺术美左右并列地摆在同一观念范围里，所指的还是一种量的分别，因此，还是一种表面的分别。只有心灵才是真实的，只有心灵才涵盖一切，所以一切美只有在涉及这较高境界而且由这较高境界产生出来时才真正是美的。就这个意义来说，自然美只是属于心灵的那种美的反映，它所反映的只是一种不完全不完善的形态，而按照它的实体，这种形态原已包涵在心灵里。 黑格尔认为艺术美比自然美高，就是因为，艺术美是人的作品，是人的精神的显现，自然只有在见出生命意味时才有美可言。 有人认为，自然美高于艺术美；还有人认为，艺术美高于自然美。其实，自然美和艺术美作为人类审美活动的两个不同的领域，它们各有自己的社会价值和优势，二者不能互相代替；在人们进行审美评价时，往往将这两种美互相参照，互为标
准。从总体上来说，二者之间不存在谁高谁低的问题。就我个人而言，艺术美与自然美应该拥有同样的高度，站在同样的位置。 艺术美与自然美都存在于人们的知觉或想象这一媒介中，只不过，前者存在于通常心灵的转瞬即逝的一般表象或观念中，后者则存在于天才人物的直觉中。艺术美，是人类在劳动实践和艺术创作过程中，根据自然的形象，融合人的思想感情而加以表现的作品美。艺术，是人的作品。既然是人的作品，就必然体现了人的本质力量、人的理想和情感。而一片自然风景之所以被称为艺术伤口就因为在它那里仿佛体现了人的性格，自然人格化。自然美，并不是自己表现自己，而是要藉人的观赏而得到显现。应该说，美的事物是艺术美与自然美的结合，当我们感 受到自然界每一个美的瞬间，当无数的美景在我们眼前呈现,当你在为美着迷的同时,美也在净化和 提升着你的心灵.自然美与艺术美应该是彼此融合的。它们是有着高度的和谐统一的。 时慧2004021540经济学院金融三班
文献检索报告 班级：姓名：学号： 一、课题名称：设计美与艺术美之比较 二、检索分析： 设计:设计是把一种计划、规划、设想通过视觉的形式传达出来的活动过程。人类通过劳动改造世界，创造文明，创造物质财富和精神财富，而最基础、最主要的创造活动是造物。设计便是造物活动进行预先的计划，可以把任何造物活动的计划技术和计划过程理解为设计。设计，指设计师有目标有计划的进行技术性的创作活动。设计的任务不只是为生活和商业服务，同时也伴有艺术性的创作。艺术:艺术可以从哲学与科学来定义：“哲学”就是挑起争论的，“科学”就是能终止争论的。"艺术"就是哲学与科学的抽象实体。（英语：Art）有时被称为精致艺术或美术（英语：Fine Arts）指凭借技巧、意愿、想像力、经验等综合人为因素的融合与平衡以创作隐含美学的器物、环境、影像、动作或声音的表达模式，以指和他人分享美的或有深意的情感与意识的人类用以表达既有感知的且将个人或群体体验沉淀与展现的过程。英文art（艺术）一词源自于拉丁语ars，大义为“技巧”，现在虽保有原意，却也衍生出更广义的涵义，几乎包括了所有与人生密切相关的创造性学问。目前所谓八大艺术包括文学、绘画、音乐、舞蹈、雕塑、建筑、戏剧与电影。以学域的涵容度而言，上述八类艺术门类的知识，都足以单独成立对应的学系。其中设计、摄影、视频游戏（电子游戏）以及实验艺术等一些新兴艺术学域，也逐渐被学术界和大众接受而被列为单独的项目，许多艺术学院已经开设了相关的专业。 美学:美学产生以来的历史表明，给美学下定义而能让大家都同意是困难的，然而，美学，作为一门学科，一种理论，又必须有一个定义。从美学出现之日到今，从西方到东方，对于什么是美学，各种权威性的美学家、美学论著、美学辞典，百科全书，真可谓言人人殊。对各种不同的定义进行归纳，基本的有五：1、美学是关于美的学科；2、美学是艺术哲学；3、美学是以审美经验为中心研究美和艺术的学科；4、美学是关于对美学词汇进行语言分析的学科；5、美学是关于审美价值的学科。从美学诞生至今，关于美学的定义可谓是众说纷纭。归纳起来，主要的定义有五种：美学是关于美的科学；美学是艺术哲学；美学是以审美经验为中心研究美和艺术的科学；美学是关于对美学词汇进行语言分析的科学；美学是关于审美价值的科学。张法先生说，“美学不是要追求一个统一的定义，而是看历史上各个美学家是怎样下定义的，更为重要的，是美学是被怎样讲述的。” 三、检索词： 中文：设计艺术美学设计美学艺术设计 外文：Design Art Esthetics Design aesthetics Art design 四、资源检索 1、查找本校纸本图书馆藏目录 （1）检索途径：题名 （2）检索式：题名=设计 （3）检中数量：36条 （4）检中结果列举： ①现代设计美学章利国著河南美术出版社, 1999, 2005重印 ②全球化的美学与艺术 (斯洛文尼亚) 阿莱斯·艾尔雅维茨主编刘悦笛, 许中云译成都: 四川人民出版社, 2010
自然美社会美艺术美的关系 我们从远古时代的洞窟中所发现的岩壁画,到历代不同时期所创作出的不同类型与风格形成的画作媒体,以及到现今的广告海报与前卫的数字化视觉媒体等知悉——“艺术”本身都随着不同时代的意识形态、社会科技的演进而有所改变,并不断借着“艺术家”来诠释与展现各种不同的艺术类型、题材与媒体的创作力。 人们至今对美的定义还没有公认的定论 今天我们展开一页页的艺术发展史,从远古的石窟岩壁上所勾勒出的人类生活形状,以致到了现今人们利用电脑描绘出的图象形状,都同样就是展现出多样“视觉艺术”的风貌。 艺术家”借着其媒介的表现技法,用构图、线条、色彩、声音或文字等表现形式将自己的美学、情感与理念的内涵,通过艺术的活动来传递给具有共同经验的共鸣者。 美的普遍本质的各种具体表现形态有三种,即自然美,社会美,艺术美。 ▲自然美 自然事物的美 ▲ 社会性与自然性的统一。它的社会性就是指自然美的根源在于实践。自然性指自然的某些属性、特征,即人的感官所能辨认的或实践中肢体所能运用的那些自然原有的感性形式,它们就是形成自然美的必要条件。自然美的主要特点侧重于形式,以自然的感性形式直接唤起人的美感,它与社会功利的联系较为曲折。 大自然给人提供了无限广阔的审美领域。比如朝阳晚霞、春花秋月、长河落日、园林田野等,都就是自然美。大自然以其美景秀色,能给人以多方面的精神享受,自然美具有巨大的感染力量,。 ▲社会美 社会生活中的美 经常表现为各种积极肯定的生活形象。它包括人物、事件、场景、某些劳动过程与劳动产品等的审美形态,就是社会实践的直接体现。 社会美直接体观人们自由创造,它就是一种积极肯定的生活形象。社会美与社会发展的规律。进步的实践要求与先进的理想具有一致性,就是随时代的发展而发展的。 社会美与理想有着紧密联系。社会美直接体观了人的自由创造,而自由创造联系就是在一定思想指导下进行的。进步的思想包含着真与善。 社会美侧重于内容,这就是社会美的一个主要特征,常说的‘心就是美’,‘性格美’,‘内在美’都就是强调人的内在品质,性格美的。 ▲艺术美 艺术形象的美根据规律所创造的一种综合美 艺术美就是指各种建筑、雕塑、工艺、舞蹈、绘画、书法、文学戏剧等,它就是社会存在的集中反映,就是内容美与形式美的统一,塑美与审美的统一。它不仅显示自然与社会的美,而且表现了艺术家的心灵美。 艺术美就是生活与自然中的审美特征的能动反映,就是审美意识的集中物态化形态。艺术美作为美的高级形态来源于客观现实,但并不等于现实,它就是艺术家创造性劳动的产物。它包括两方面:艺术形象对现实的再现;艺术家对现实的情感、评价与理想的表现,就是客观与主观、再现与表现的有机统一。它的特征在于具有审美功能,能给人以在现实生活中难以获得的最为纯粹的美的愉悦与享受。
艺术美与形式美教学设计方案 授课时间：2013年12月5日第十五周星期三课型：鉴赏 课题：艺术美与形式美教学设计 一、教材内容分析 本课是人民美术出版社普通高中《美术鉴赏》第六课《漂亮是美术鉴赏的标准吗---艺术美与形式美》一节关于美术鉴赏的美术课。教学重点是对艺术美与形式美的相关知识的掌握，教学难点是运用艺术美与形式美的相关知识，对美术作品进行描述与分析。 二、教学目标（知识，技能，情感态度、价值观） 知识与技能： 本课是有关美术鉴赏基础知识至关重要的一课，在知识与技能这个方面要让学生了解： 1、什么是美术作品的艺术美和形式美。 2、美术作品的艺术美和形式美的基本原则及其在作品中的主要表现。 3、运用艺术美与形式美的相关知识，对美术作品进行分析、体验、评价。 过程与方法： 理论知识的学习和运用相关知识分析、评价美术作品有机地给合起来,侧重通过作品来讲解概念，使学生在认识和理解上有形象的依据。教学中采用教师讲授与学生讨论、探究相给合；独立思考与合作交流相给合。整体遵循从“理论→实践→理论”的模式。情感、态度与价值观：
1、通过对美术作品艺术美和形式美相关知识的学习，使学生能较准确地对美术作品进行审美鉴赏和价值判断。 2、通过运用艺术美和形式美的相关知识对作品的审美鉴赏，使学生脱离只能分辨“漂亮”与“不漂亮”的自然状态，进入更高的审美阶段，进而培养学生审美的眼睛。 教学的重点与难点 本课的重点是对艺术美与形式美的相关知识的掌握。 本课的难点是运用艺术美与形式美的相关知识，对美术作品进行描述与分析。除上述外，美术作品的艺术美和形式美之间的异同、关系及其流动与变异也是本课的难点。 四、教学策略选择与设计 教学模式： 1.专门为本节课制作的ppt课件 2.图片引入→发现探讨→深入分析→实践提高→课后拓展 3.分组合作学习 导入新课 同学们经常看画册或去美术馆、博物馆参观时，面对琳琅满目、风格各异的美术作品时可能会产生这样的疑问： ①究竟哪些是好的作品？哪些是一般的作品？ ②画的一点也不好看，为什么会这么“有名”？ ③呀！这幅画得漂亮，太像了！而又为什么没获奖呢？ ④我啥也看不懂，这是艺术吗？
三、艺术与设计的关系 康德认为美有两种，即自由美和依存美，后者含有对象的合乎目的性。对康德而言，合乎目的是一个更有优先权的美学原则，它与功能相近。设计是一种特殊的艺术，设计的创造过程是遵循实用化求美法则的艺术创造过程。这种实用化求美不是“化妆”，而是以专用的设计和语言进行创造。如工业设计常称为工业艺术(Industrial Art)，广告设计被称为广告艺术(Advertising Art),等等。设计被视为艺术活动，是艺术生产的一个方面，设计对美的不断追求决定了设计中必然的艺术含量。设计的草图或模型，本身就可能具备独立的审美价值。不可否认，很多工业设计作品的形式表现出与现代雕塑与绘画的密切联系。包豪斯时期，结构主义的抽象形式与新造型主义绘画和雕塑就存在着惊人的共同之处。康定斯基的抽象构成主义绘画与名信片的设计也就是构成主义的风格。荷兰画家蒙特里安《红黄蓝构图》就直接影响了里特维尔德的家具《红黄蓝》椅的设计，这表明艺术对设计有相当的影响，反之亦然。如果我们接受这一事实，艺术与设计截然区别便不复存在了。现代建筑是一种艺术形式，工业制成品也是艺术，至少部分是艺术。在近现代，设计与艺术之间的距离日趋缩小，新的艺术形式的出现极易诱发新的设计观念，而新的设计观念也极易成为新艺术形式产生的契机。从古至今，设计的艺术追求都在设计品中体现出来，半坡彩陶文化的人面鱼纹湓，彩陶中的小口尖底彩陶瓶，所以为尖底，是为了便于在土坑中固定使用，瓶的两耳位置适当，可用绳系住，口部也结一根绳，以利于提起时掌握重心，便于汲水和倒水，瓶上是红底黑色的螺旋纹，瓶底上绘以各种图案，使使用与美观统一于一体。1968年艾伦·琼斯设计了一张茶几，波普风格，在下面起支撑作用的是一个极为逼真的跪着的半裸女雕像，用她的脊椎托着玻璃台面，这样的造型与设计观念令正统设计师们非常吃惊，裸女是雕像，彩塑的极为逼真，极富调侃和戏谑的趣味。各种造型，既有各自的功能，又有各自的美感。 不同的设计门类体现着各自的不同的艺术特点，不同的美感。1950年代，丹麦的建筑及设计师雅各布森设计的“蚁”椅、“天鹅”椅和“蛋”椅这三大名椅，体现出来的是一种由刻板的功能主义转变成细节的精练和经推敲的整体性和雕塑感。这种设计就孕育着现代有机雕塑艺术。 考察现代设计发生和发展的历史背景，艺术的变革以一种激进的方式影响了许多设计领域，艺术的发展与设计的发展并行不悖，二者都在追求一种能够体现时代精神实质的理想形式。本世纪初，艺术的抽象形式，尤其是几何形式直接影响了设计的现代化，而设计的探索又同时影响了艺术形式，二者的合力诞生了机器美学，包豪斯典型地代表了艺术推动设计，艺术
探讨艺术美与现实美的关系 美是无处不在的，随着中西方美学思想的形成，美分为许多种类，其中艺术美与现实美是美的基本形态。黑格尔认为美学研究的对象只是艺术美，而车尔尼雪夫斯基非常强调对现实美的研究，强调艺术对现实的美学关系。由此可见，艺术美与现实美的关系，是美学的一个重要问题。 一、艺术美的概念 艺术美是指艺术作品的美，是客体美与主体美在艺术形象中的融合统一。艺术美是艺术形象的美，艺术形象虽然是艺术家创造性劳动的产物，但它本质上是社会生活在艺术家头脑中的反映，是客体美的再现。艺术美所显现的人生图画是丰富多彩的。它在不同的题材、体裁中的表现艺术形象也是不同的。 (一)艺术美是艺术的一种特性。艺术作品作为一种劳动产品但又区别于其他劳动产品。现实生活中的劳动产品首先考虑的是它的实用性，然后才考虑它的审美性。而艺术首先满足的是人们的审美需求，陶冶人们的情趣情操，给予人们精神世界的影响。 (二)艺术美来源于生活。艺术来源于客观的自然界和现实社会，也就是说艺术来源于生活，生活是艺术家进行创作的前提与基础。艺术家的创作激情与创作素材都来自于现实生活。 (三)艺术美是艺术家创造性劳动的产物。艺术美虽然来源于生活，但不等同于生活。艺术美的本质在于艺术家的自由创造，艺术家的创造性劳动是艺术美的决定因素。人们之所以从艺术作品中感受到美感，从本质上来说，是因为艺术形象中体现了艺术家的主观精神和创造才能。以我国特有的艺术书法艺术为例，书法创作没有绝对的规律性，不是简单的复制，每一幅书法作品都是融入了书法家自己特定的生活创造性劳动的产物，这种独特性就要求书法家在书法作品中必须具有随机性和创造性。例如东晋伟大的书法家王羲之，他为了练好书法，积累大量的书法资料，不管在任何地方任何时刻，都会备好纸、墨、笔、砚，每想到一个结构好的字，就会立马写在纸上。 二、现实美的概念 现实美与艺术美相对，主要包括社会美与自然美。是美的客观存在，未经过艺术加工。． (一)社会美。现实美的主要方面是社会生活的美，即社会美。日常生活中的现实美主要表现在作为一定时代、一定环境的社会先进力量，先进人物的身上。美在他们的行为中和性格中得到突出体现。社会美包括了人类客观世界中的人、事、物所呈现出来的美感，比如行为美、心灵美、语言美等。例如那些在历史上为了争取人类进步和解放而英勇战斗的生活形象。如董存瑞炸碉堡，就体现了为了革命胜利，不惜牺牲自我，大无畏、无私贡献的精神，直接表现出了人物形象的行为美。 (二)自然美。自然美是指自然事物的美，也就是客观存在于自然界的事物和现象的美。例如花草树木、山水花鸟、日月星辰等。自然美又大致分为两种现象，一种是经过劳动改造的自然景物，这种自然景物经过人为的加工改造，凝聚着人们的劳动力，如名胜古迹、自然景区、农村田野的景色，它们虽然能直接给人以美感，但同时也离不开农民的劳动。另一种情况是未经过劳动加工的原生态自然美，如大海、天空、野生动物、原始森林、戈壁沙漠等等，这些自然景物无需加工也能感受到它的魅力和美感。
【高一上学期美术教学设计7】： 第6课艺术美与形式美 教学目标： 1、知识目标：通过本课的学习，让学生了解什么是艺术美以及掌握形式美的语言元素、语言手段、语言规则等相关知识。 2、过程与方法目标：通过一些美术作品的赏析，让学生学会运用形式美的相关知识和自己的经验，描述、分析自己身边的美与艺术的美。 3、情感、态度和价值观目标：通过本课的学习，让学生体验与感受美术作品的艺术美与形式美的同时，激发学生的审美欲望，促进学生审美观的发展。 教学重点：对艺术美与形式美的相关知识的掌握。 教学难点：运用艺术美与形式美的相关知识，对美术作品进行描述与分析。 教学过程 一、直观导入 欣赏、判断 让学生欣赏“自然美、社会美”的图片及“艺术美”的作品，并判断其类别。 [提问]（1）、请指出哪几件作品是体现自然美、社会美、艺术美？并举例出生活中我们所熟悉的美。 自然美：“好雨知时节，当春乃发生，随风潜入夜，润物细无声”（杜甫）；“北风卷地百草折，胡天八月即飞雪，忽如一夜春风来，千树万树梨花开”（参岑） 社会美：社会美可分为两种形态，一是直接形态，如物质环境、物质产品、人的服饰仪表、行为举止、话语谈吐等，这类社会美是形之于外的，可以直接感知的，我们的审美活动大都体现在这一范围之内。 社会美的另一种形态是间接形态，如政治制度、经济状况、时代精神、社会治安、社会风尚等等，这类社会美并不体现在某一具体现象上，而是体现在社会生活的各个角落。因此，我们需要透过复杂的现象，经过分析思考，才能掌握其中的本质。总之，这类社会美我们无法直接欣赏，只能间接地进行体味，这无疑增加了欣赏活动的难度。 （2）、罗丹的《欧米艾尔》，我们能不能用“漂亮”、“好看”来形容这种作品的艺术美呢？ [讲述] 《欧米艾尔》既不“漂亮”，也不“好看”，但给我们以心灵和审美上的震撼。作品传递给我们一种“残缺美”或是“凄美”。 [提问] 漂亮、好看是美术鉴赏的标准吗？ [讲述] 如果我们要掌握美术鉴赏的标准，那么我们必须要了解什么是艺术美和形式美。 二、展开新课 1、什么是艺术美？它有哪些表现？ 比较、分析 （1）《开国大典》的摄影相片与油画作品比较
设计美的构成 设计美的构成是产品造型观念转化为审美实体的重要环节。本章通过对(产品)设计美构成要素的分析和构成法则的探索，来研究如何运用材料、结构、功能、形态、色彩、语意等视觉要素，创造现代科技与艺术造型相结合的产品以及相关的设计文化氛围，以提高生活质量，促进社会的文明发展，不断满足人们日益增长的审美需求。 第一节设计美的构成要素 产品的设计美是内容与形式高度统一的复合体。构成产品的材料、结构、功能等内容要素，是使设计构想变为现实产品的物质基础，也是形成产品设计美的重要媒介；而构成产品的形态、色彩、功能等形式要素，则是在满足人们对产品使用需求的基础上同时满足审美需求的重要手段，也是企业提供高附加值产品以增强市场竞争力的有效途径。下面分别就各要素在产品艺术设计中所产生的审美功能进行逐项分析。一．设计美的构成要素——材料
金属材料能吸收并辐射出金属表面的光能，给人以坚硬、富丽的质感效果，具有良好的承受塑性变形的能力，易于加工成型。 ?工程塑料质轻比强度高，特别适用于需减轻自重或强度高的机械工业产品，其特有的弹性和柔度，往往给人以亲切柔和的触觉质感。?工业陶瓷的高温抗蠕变能力强，导热性比金属小，多为较好的绝热材料。尤其是各种晶质玻璃、刻花玻璃、宝石以及建筑上用的玻璃大理石、玻璃饰面砖等，都已经广泛应用于艺术造型之中。 ?复合材料能将一些不同性能的材料组合在一起，相互取长补短，它不仅体现最新科技的材质美，而且开创了人类在材料利用上的新时代。
这是意大利设计师设计的一组镍钢咖啡茶具，利用金属材料反光效果透出冷傲的贵族气息，用加大的底部显示其稳定，用相互呼应的对比造型使产品更为生动有趣。
论艺术真实与美的关系 摘要：追求理想与审美是人与生俱来的能力，在古今中外的艺术创作中，艺术真实区别于历史真实和生活真实被广泛运用，借以更深切地塑造和表达美。因此，艺术真实的表现手法体现着人们对美的追求，同时它的确为我们带来了审美的愉悦感受，它是为审美而生的。 关键字：艺术真实审美历史真实艺术想象 弗洛伊德认为艺术想象和虚构之所以必须，是因为其补偿了现实生活难以实现和满足的欲望和理想。这种欲望和理想即是人们对美的追求，人类的艺术活动，如古代神话的创作则表现了人们心中美与理想的统一。但创作不是重演和还原，于是尊崇于艺术既要满足创造美的要求，又不能有悖于人们的现实经验的要求，对文艺创作的艺术真实衡量手段应运而生。 艺术真实是相对于生活真实或历史真实而言的。历史真实是一种已然的真实，是一种力求客观的真实，艺术真实则是一种可能状态的真实，是以有限的艺术时空创生无限可能性的天地人生境界的真实，它带有主观规定性的真实，从而更接近人本身的经验性真实，这样的特点更方便于文艺创作对理想和追求的表达。 一、艺术真实体现了人们对美的追求 古希腊神话和其中的英雄故事，甚至是天神的形象塑造都已各种文艺形式表现了出来，并且被人们接受和喜欢。天神的雕塑：强壮有力又富含文艺风采的阿波罗、活泼可爱的丘比特、断臂的维拉斯等等；还有古文化中的歌舞、头饰和耳环，这些无一不表示着人类对于美的追求是与生俱来的。人类为了生存、发展，需要劳动、游戏、宗教、武术等，同样也需要艺术，需要追求美。
生活中的人们总是丢弃自己一闪而过的思想或意念，但在读天才们所创作的作品时却总能在作品中发现自己曾经丢弃的思想，这便是艺术作品的不可取代性，“我们在一件艺术作品中认识到的东西，根本不是艺术语言所要表现的。”①艺术作品所要表达的便是人们心中长久的理想，或是一闪而过的灵感的美妙，而这种美妙恰好符合人们的先验经验，使人们产生了共鸣，这便是文艺创作的价值所在。因此在艺术创作中，艺术真实对于人们追求美的活动是必要的，就如古希腊神话中英雄、天神的形象塑造必须符合人们的心理期待，符合人们的生活经验，有经验对其的可能状态的证实，才能够被人们普遍接受和喜爱。 同时，艺术真实与生活真实或历史真实并没有明显的界限，它并不是对立，而只是重构。伽达默尔说：“美的本质恰恰并不在于仅仅是与现实性相对和对立，而在于美可以不期而至，美是一种保证。真的东西也仍然不是远不可及的，而是我们碰得到的。”②因此，艺术创作者的才华便在此得以体现，他们将生活真实积累、升华，最终得出一个普遍的典型，一个艺术的真实，借以表现人们的心里期待和对美的追求。 二、艺术真实在于给人美的感受 英国诗人济慈说：“美是一种永恒的愉快。”美国美学家桑塔耶纳说：“美是在快感的客观化中形成的，美是客观化了的快感。”因此，美的存在是需要人们感知的，是“因感知而存在”的。于是艺术真实创造了美，人们的审美体验使美存在，这是生活真实或是历史真实无法达到的效果。 而审美体验的快感的产生原因是艺术作品的原型及其所蕴含的经验使欣赏者或阅读者产生了心灵的共鸣。原型是人类共同心理情感和基本的普遍的人性的呈现，许多事实和现象证明了人类这种相通性和共同性。而文艺原型是是在长期实践的基础上逐渐形成的审美意识和心理情感的积淀，是一种心理体验的模式，也是一种关于美的模式。于是原型便是作家创造的美的载体，原型并不是真切的真实，而是一种概念，一种模式。 中国古代文论也强调，艺术真实的最高境界应是“神似”而不是形似。因为客观地展现生活不可能产生文学艺术，艺术的创造实质上是用生活材料来表达艺术家对人生的感受和思考；文学艺术是因为有了主体精神的灌注才拥有了生命的 ①雅斯贝尔斯著，鲁路译：《尼采其人其说》，社会科学文献出版社2001年版，第371页。 ②笛卡尔著，王太庆译：《谈谈方法》，商务印书馆2005年版，第372页。