万方数据
万方数据
万方数据
论绘画艺术的审美特征 作者：马龙潜文章来源：山东大学文艺学研究中心 一 绘画以色彩、线条、形状作为艺术传达的媒介，在二维的平面上，感性具体地展现广阔的社会生活图影。绘画艺术一方面偏重客观，偏重对于对象的客观再现；一方面又突出了艺术家的主体表现，这两者使绘画更为个性化了。色彩、线条、形状往往既是展现个性化的客观对象的形式，又是个性化的艺术家主体表现的形式，它们都是线与面在二维空间中的展开，这与偏于客观的认识在空间中展开的本质有某种内在联系（正如声音在时间中流转与情感在时间中运动有着内在的联系一样）。相对地说来，色彩长于认识，线条长于表情，这使绘画艺术既能个性化地、具体地透视客观对象的本质与必然，又能细致复杂地展示主体的主观意象与精神情感。 绘画的艺术形象展现在二维的平面之中，这使它作为一种独特的艺术类别或形态，具有了自己的存在价值和相异于其它艺术类型的审美特征。绘画之在二维平面中建构的艺术传达手段，一方面决定了它以艺术家自身存在的主体性为基本原则，另一方面也为充分运用艺术材料（媒介）如色彩、线条、形状等等提供了更广阔的场所，因而在客观地反映对象方面有了更大的可能性。单就色彩而论，赤、橙、黄、绿、青、蓝、紫的不同，深浅浓淡的极细微的差别，便可把主体方面的情绪——情感、精神——心理状态，与外界各种各样的事物接触时心中引起的特别兴趣，情感都渲染出来。同时，绘画可以反映社会生
活的极其丰富多彩的内容，它可以容纳自然的天地造化，人工的精巧创造，也可容纳面目各异的人物，社会生活的方方面面；它不但能够描绘各色人物的容貌神态，而且能够表现人物在复杂社会环境中的内在心灵冲突和情感色彩。绘画大大扩展了客观的主体性艺术反映社会生活的能力和范围，其题材的广阔性造成了其样式的多样性，除了人物肖像画外，风景画、静物画、人物情节画等也占有不小的比重。其艺术传达手段的特殊性与多样性，也造成了其体裁的多样性，如绘画之分为油画、水彩、素描、中国画等等。浮雕、木刻可以说是从雕塑到绘画的过渡，是联系两种艺术形态的中介和桥梁。 绘画艺术可以淋漓尽致地展现人类生活中的某些细节，但此种展现并不在于单纯地摹拟人物和客观事物的外貌，它主要是通过人物的神情与活动等可视的因素，来完成对人物性格的刻划、人物内心世界的展示，同时也实现主体内在情感的传达与表现。绘画中艺术形象的建构与每一根线条、每一点色块的具体运用相联系，这使它最适于描绘生活的细节，使艺术家能够借用刻划生活中某一可视的瞬间，来概括事物发展过程中与之密切联系的前后阶段，从而使定型化了艺术形象在观赏者头脑中引导对事物发展过程的联想，激发对动态过程前因后果的丰富奇丽的想象。如莱辛所说“作品不仅仅让人看一下，还要让人考虑，让人长期地反复观赏……；让想象自由活动才是最有意义和效果的，我们愈看下去，就愈能在里面想出更多的东西来。”（L 《拉奥孔》第三章）绘画在二维平面上去再现与反映生活，不但追求视觉上的逼真性、精确性，还力图借助视觉形象的描绘，表现人类主
中国绘画以中国的水墨画为代表，中国的水墨画以写意为主旨，作画者不但要心中有画面，还要有对画面深深的感情寄托，不以生活中的实物的形象为局限。用笔是大胆，不拘于形式，不刻求光感以及画面色彩搭配，观赏者要走入画中，走入作画者的思想中，这样才能真正的欣赏它，感受它的美。中国的水墨画画面多辅以文字，作为欣赏画作的铺路石，如中国五代时期画家荆浩的《匡庐图》，画面气势磅礴，危峰重叠，四周溪峰连绵，山石之感坚实，体感厚重，体现出作者对山水无限敬仰之情，也同时能体现出作者无限的胸襟。 西方绘画作品非常繁多，但其中以宗教色彩浓重的题材为其代表，画面多凝重，色彩对比鲜明，画法笔触精细，力求完美，画面人物表情清晰明了，而且作品题材多为广为人知的宗教故事。做平力求形似，有种真实贴切的感觉。作者多追求画面的光源，以及光源在画中人物中的折现。他们善用光和色彩来体现作品，西方绘画作品也能体现画家的一些思想感情，但过于拘泥，不像中国水墨画般豪放、洒脱。如：拉斐尔的《西斯廷圣母》徐徐打开的帷幕中圣母怀抱着圣婴从云端缓缓落地，圣母端庄矜持的脸上略带忧伤，而圣婴也带着超乎儿童的神圣。画面如诗一般，艺术语言表现出一种优雅、和谐、轻快，体现了当时的人文主义理想。
那你可能会问中国就没有了细腻，西方就没有来豪放吗？我只能告诉你：“是也！非也！”。 无论是西方绘画还是中国的绘画，他们都在不断的发展，不断的变化，随着世界文化的交流，随着审美观念的拓展，西方也出现了洒脱之作，中国也不乏细腻光感的作品出现。 西方绘画作品中现代的大作中写意、奔放的作品很多，如蒙克的《呐喊》，画中天空被染成了鲜红色，灰蓝色的海湾和小镇，桥头两个僵直的人影向前走着，画中央一个有几分变形的人正在捂着耳朵呼号呐喊，像是画家自己的化身。让我们体会到了画家的紧张、恐惧和不安，甚至是绝望。 中国绘画的细腻、婉约就如同中国的绣花针，细致入微，极其考究，如中国唐代阎立本的《历代帝王图》，他以每位帝王以及侍从为一组造型，侍从体型小于帝王，同样的背景进行烘托，画面通过描绘人物的外貌特征的细微，刻画表现人物各自的性格气质心态。它是中国古代绘画史上重要的人物肖像画之一。 西方绘画与中国绘画在时间和空间的观念上是相辅相通的。有细致入微的联系，又有绝对性的不同，不论是西方还是中国，都会随着时代的变化而发展。
古典主义和浪漫主义 17世纪和18世纪前半期流行于欧洲君主专制时期的一种文艺思潮或文艺流派。它的代表人物在创作实践和文艺理论上，把古希腊罗马时代的文艺视为必须仿效的崇高典范，从中吸取题材、情节、形象和创作经验，并赋予它们新的历史内容。古典主义一词由此而得名。 法国是欧洲古典主义文艺的中心。从17世纪初起，法国诗人马莱伯等为反对一切方言与俚语，确立法国古典主义文学语言的规范做了大量工作。诗人梅莱在悲剧《索福尼斯贝》中，最早实现了意大利学者提出的三一律原则，即一个情节线索、一天时间和一个地点。这是古典主义剧作家创作的基本准则。法国文艺理论家N.布瓦洛的《诗艺》是一部具有古典主义文艺宣言性质的重要论著，概括和总结了几十年法国古典主义创作的实践，要求文艺“模仿自然”（包括人性的自然），“研究宫廷”，“认识城市”；把体裁（史诗、悲剧、喜剧等）分为界限分明的不同的等级，并对每种体裁进行严格规范；依据笛卡尔的理性主义提出理性至上的美学原则。古典主义在法国文学中的代表者有高乃依、拉辛、布瓦洛、莫里哀、拉封丹等；绘画的代表者有普桑、勒布朗、大卫等；建筑中的代表者有芒萨尔、勒诺特尔等。他们在政治上拥护王权，作品具有鲜明的政治倾向性；主张民族统一，反对民族分裂；宣扬个人利益服从国家整体利益；塑造了为崇高社会理想而服务的人物典型；他们的创作基本上为宫廷服务，对民间文学采取轻视态度。古典主义由于过分强调理性主义、普遍性和情节的集中、单一，往往忽视个性，突出类型，不少作品具有公式化、概念化的倾向。 在欧洲18世纪，古典主义思潮几乎遍及全欧。当时的所谓艺术正统是崇尚古典复兴的艺术，以古希腊罗马时期的美术风格为典范，要求进行艺术加工，从而符合一定的规范。直接导致了后来学院派的产生，它的模式化成为一个弊端。 达维特是古典主义的第一个代表。雅克·路易斯·达维特（Jacques Louis David,1748-1825）1748年达维特出身于巴黎一个中产阶级家庭，他最初的绘画老师是他的亲戚，著名的罗可可画家布歇。少年时代的达维特是沉默寡言和喜欢思考的，他不喜欢和同龄的孩子玩，使人感到他少年老成。达维特的文化水平非常有限，他的感受力也很一般。但正是由于这种缘故，他能够对别人开诚相见。同时，达维特坚忍不拔地追求着自我完善，这使他成功地获得了熟练的技艺。可是，尽管他有巨大的毅力以及接近人民，由于缺乏真正的文化，他不论在生活中或是艺术上，都未能走自己独立的道路。他以盲目的热情献身于他所接触到的思想。当达维特从皇家美术院毕业获罗马大奖后，他便赴意大利游学，深受意大利文艺复兴（古典主义）美术影响。 比柯尔夫人 当达维特从意大利游学回到巴黎后，他认真地研究了布歇(Boucher)、格瑞兹(Greuze)、维安(Vien)、孟格斯、卡拉瓦乔(Caravaggio)、普桑(Poussin)等人的绘画风格以及古代雕刻。达维特于1784年画了“比柯尔夫人”的肖像。靠这个妇人的服装和相貌，使这幅肖像画没有一点古典主义的气息。达维特得自对古典形式的研究，仅仅是强有力的结构，这种结构一方面强调了模特儿的生命力，另一方面则强调了她的粗俗；画家用了一种葡萄酒似的红色，把这种粗俗的气味渲染到淋漓尽致的程度。这幅肖像画只是证明了一个工匠而不是一个
中国传统文人画的审美选择 论文关键词:文人书画审美选择意形 论文摘要:文人画是一种综合型艺术,集文学、书法、绘画、篆刻艺术为一体,是画家文化素养多方面的集中体现。它崇尚“意似”贬斥“形似”,追求笔墨意蕴,讲究诗书画印结合,并要求画者的学养深厚方能言之有物,画面格调才能高雅。传统文人书画以不同于院体画的另一种典范意义对后世文人画的发展产生了广泛的影响对文人画及中国传统文人书画教育中的审美倾向进行正确研究和 批判的继承仍具有积极的现实意义。 传统“文人画”是中国画里的一类,也称为“士夫画”,泛指中国封建 社会时文人、士大夫们的书画。随着时代和艺术的发展,我国现代理论家、画家陈师曾指出:文人画是带有一定文人情趣,其中流露着文人思想的绘画作品。在传统绘画中,文人画强调以形传,讲究诗、书、画、印的结合,它与工匠画与院体画风格都有所区别,独树一帜。文人画是中国绘画史上一个不容忽视的艺术发展阶段,它独特的审美追求和表现风格一度成为我国后世书画教育中长期追逐的方向。 一、传统文人画的发展 文人画的发展可追溯至汉代,张衡、蔡邕皆有画名。在魏晋南北朝时期国家设立有专门的机构来培养能工巧匠,那时的一些画家就已经有了文人自娱的心态,如姚最认为“不学为人,自娱而已”,王徽的“画乃吾自画”等思想,这些 都可称是文人画的雏形。唐代诗歌盛行,其中大诗人王维以诗入画,他的艺术观念和审美情趣更加具了文人书画的特色,后人尊称王维是“文人画的鼻祖”。 南北宋时期,中国建立了制度明确的画院,用来专门的培养画家。一些具有较高文化修养的画家首次提出了一些关于文人画的看法,苏轼第一个比较全面的阐明了文人画理论,他提出的“士人画”概念使文人书画更加趋向于成熟。此后,文人画开始正式从院体画之中分离出来。文人画的鼎盛时期是在元代,由于当时社会动荡,许多的文人士大夫产生了厌世和遁世的心理,绘画成为了抒发个人 精神与情绪的自我调节手段。以黄公望、王蒙、倪瓒、吴镇为代表的四大家,又把文人画的创作推向了新的艺术高峰。他们以一种“出世”的态度去表达士大夫阶层的孤傲、清高和空虚的情感,追求和主张“逸笔草草”、“不求形似”、“聊写胸中逸气”的意象表达。至明代,文人画已上升为画坛的主导地位。画家董其昌倡作画者必须“读万卷书,行万里路”以加强修养,追求文人画的“士气”。这种思想直接影响到了清代绘画的基本格局和审美取向,朱耷、石涛、及扬州八怪
浅析初中美术对学生审美的培养 发表时间：2019-07-26T10:25:51.257Z 来源：《中国教工》2019年第7期作者：陈冰[导读] 进入21世纪，我们对人才培养的要求变得更加高了，在传统的教学模式下，家长和学生认为初中的美术可有可无，不太重视，而且也存在着学生兴趣不高的问题。在如今提倡新课标的时代背景下，学好美术对于学生无疑是很有意义的。美术作为一门艺术，它区别于传统科目，更能发展和培养学生的审美。再者，如果学生热爱美术，会有一种成就感。的确，从某种程度来说，美术不是这个时代的必修 课，但是这门选修课会为你的人生增添不少光彩和填 陈冰 广东省罗定市华石中学 摘要：进入21世纪，我们对人才培养的要求变得更加高了，在传统的教学模式下，家长和学生认为初中的美术可有可无，不太重视，而且也存在着学生兴趣不高的问题。在如今提倡新课标的时代背景下，学好美术对于学生无疑是很有意义的。美术作为一门艺术，它区别于传统科目，更能发展和培养学生的审美。再者，如果学生热爱美术，会有一种成就感。的确，从某种程度来说，美术不是这个时代的必修课，但是这门选修课会为你的人生增添不少光彩和填补更多空白。 关键词：审美初中美术兴趣 引言:提到王维，我们都不陌生，后人称他的作品为"诗中有画，画中有诗"。文学向来是与艺术相关的，所谓意境，就是我们根据诗中描绘的景色，在自己的心中构想出来的画面，就是那么寥寥几字，却打开了读者的思维。美术培养的审美有很多，假如是喜爱文学古风的同学，教他们国画再好不过了。这时，很多理科思维活跃的同学可能就不舒服了，假如我不爱文学，我还要学美术吗？答案还是要学，举一个简单的例子，说起设计，大家都不陌生，有些房屋建筑看上去是很枯燥的东西，可是你不会明白设计师就是一个理工科的具有很好审美的设计师。不是说理科思维活跃的同学就和美术这种艺术无关，因为就算是看上去很枯燥的设计稿，设计师为了能让设计稿更加美观费了不少心思。美术对于所以学生都是有益的，只要用正确的态度认真对待美术课程，学生会收获不一样的惊喜。 一、如何提高学生学习初中美术对于提升自身审美的意识 即使我们一再强调美术对于自身发展有着很好的促进作用，但是具目前很多学校的实际情况，大部分学生认为美术可能就是美术生的领域，对待初中美术课程不认真，不自信，不感兴趣;还有一些学生是自己本身喜欢画画，对美术比较感兴趣，这部分的同学积极配合老师教学工作，对于学校的美术课很有参与感;其余学生由于自己本身有着良好绘画功底的基础，同时会感到学校开展的美术课对自身提高不是很大，对待初中美术课程会有两种态度。一种是希望掌握各种绘画技能，认真学习;一种是觉得老师讲的内容不是很有难度，自己听不听都无所谓。这基本上上是目前的初中生对待初中美术课程的态度。初中生，课程上的压力的确是比较大，美术课程在升学考试中比例不大，很多家长和同学愿意把自己的时间花在语数外这些课程上，对于美术课程，可能真的不是很感兴趣，可能是抱着学校安排课课程，自己就去上的态度来上课，而不是兴趣使然。都说兴趣是最好的老师，没有兴趣又怎么能够希望学生会取得好成绩呢?诚然，有些同学在绘画方面是有天赋的，他们的作品让人赞叹不已;也有很多同学在绘画上面没有那么有天赋，但是学校开设美术课程就是让所以的同学感受美术的魅力，无论你是否有天赋。好好的体验美术的魅力，即使你不是很在行，也会受益匪浅。万事开头难，可能一开始自己的作品不是很理性，但是，只要你进步了或者是达到了自己的目标，那就会有一种成就感。作为初中生的美术老师，要把握学生对于美术课程的心理，积极给与学生鼓励，同时提高自己教学水平，用不一样的教案来吸引同学感受美术课程的魅力。在课堂上可以授予同学绘画基础，同时在完成自己教学任务的时候，可以腾出一点时间来和同学们拓展一些课外的美术知识，让同学们对美术了解更加深刻。同时，也可以将美术和其他课程联系起来，可能会达到意想不到的效果。最后，还应该在课堂中给同学们灌输美术对于提高同学审美有很大的益处。 二、丰富美术教学 美术教学方案多种多样，有很传统的模式，也有创新的模式。一般来说，很多美术课程会在教室开展，老师教学生画图。有时候学生自己都不知道自己为什么要画图，有时候对于自己画的图不是很了解。如何解决这些问题呢?笔者认为，一个很好的方法就是在开展课程之前，先介绍自己所要讲解和要求学生完成的绘画任务。教室最好是自己准备一个PPT,在讲解绘画之前，先简单介绍绘画对象以及有关作品，相信以这种方式可能会吸引同学们的注意力。同时，老师自己在设计教学方案的时候，要考虑到孩子们更倾向于哪一种绘画，同时考虑同学们的水平，选取一个比较适合的方案。比如，有些老师会考虑到教同学们素描可能难度会有一点点大，可以考虑教他们一些简单的油画。笔者认为，有时候像油画这种需要自己调色的绘画可能会更加吸引同学们，毕竟，这个阶段的孩子，动手能力强，喜欢动手，这样比较有趣。同时，如果老师还想拓展同学们关于我国传统艺术的鉴赏能力，有机会最好是让孩子们观看一些我国古代文物的纪录片，这对于提升同学们审美和拓宽同学们的见识都很有帮助。 三、在美术课堂上提高学生审美观 美术鉴赏能力是一项很宝贵的技能。我们感慨大自然有些自然景观鬼斧神工，是因为我们从内心认可它们，说不出来为什么就是觉得好看。其实审美就是这样，看上去让人觉得很舒服就是符合我们的审美，审美也不需要特别多复杂的条条框框，反正给人们第一感觉很舒服就是真理。至于如何将自己的作品达到那种水平，那就需要学生自己去琢磨，去历练，去发掘。美术老师的作用是引学生们入门，至于修行怎么样，还是要看学生个人。老师可以教会学生基本的审美要求和规则，引导学生自己去开创思维。在课堂上，老师要慢慢地培养学生们对于审美的不同看法，去激发不一样的思维。 四、结束语 在素质教育下,初中美术作为一门提高学生综合素质的重要学科,对于响应国家素质教育口号具有重要的意义。但在传统模式的限制下,无论是教师还是学生都将美术视为可有可无的学科。因此,改变初中美术教学模式,创新教学方法在此时显得尤为重要。 五、参考文献 任田华，兴趣教学法在初中美术教学中的应用，《试题与研究》，2019[05]
古典主义绘画教案 【篇一：外国古代绘画教学设计】 人类生活的真实再现—— 外国古代绘画撷英 我说课的内容是人美版高中课程标准实验教科书——美术鉴赏第10 课《人类生活的真实再现—外国古代绘画撷英》。我主要从教材分析、教法运用、学法指导和教学过程四个步骤加以阐述。 一、教材分析 （一）教学目标 ①知识目标：通过本课的教学，使学生对外国古代绘画的主要类别、发展概况、突出成就，以及不同民族绘画的主要特点有基本的了解，并领会各民族绘画形式的差异及其与审美观念的联系。 ②能力目标：通过学习能够比较、分析外国古代绘画重要作品的风格、特点及时代特征，认识到外国古代绘画的丰富多彩是世界文化 多样性的生动体现。 ③美育目标：最终使学生开阔视野、增长见识、陶冶情操、提高艺 术素养和审美感知能力。 （二）重点 通过不同民族，不同时期、不同风格的绘画作品的分析、比较，使 学生加深对外国古代绘画的了解，认识外国古代绘画的丰富性与多 样性。 （三）难点 领会古代不同民族绘画形式上的差异及其与现实生活、宗教，审美 观念的联系。 二、教学方法 教学方法是教育观念的具体体现、是实现教学目标的重要手段。我 根据“教师为主导，学生为主体”的教学原则，采用以下教学方法： 1.讲授、 2.演示、 3.讨论、 4.运用课件辅助教学 三、学法（主要培养其思维能力） 美术欣赏活动是一种个性化的情感活动。在教学生掌握美术作品欣 赏方法的同时，也应使学生的思维能力得到充分的培养和锻炼，比如： 1、描述：引导学生能用直观的语言，将作品的形式特征和自己的感受表达出来，主要目的是训练学生的视觉感知能力。当美术作品呈
现在我们眼前，首先是视觉的冲击和感受，它是在感觉、联想、想 象中形成自己的最初感受，产生对作品初步印象。通常学生在最初 接受作品时，对作品的感知是依靠自己经验与知识的认知度，要引 导学生从不同的角度对作品仔细观察，了解作品的形式语言特征， 能有浓度大胆表达与自己在联想中获得感受，从而为进一步鉴赏奠 定基础。 2、分析：在描述的基础上，通过对作品核心内容中的形式因素、组 织引导学生学会用专业的眼光，去解读作品中各类美术元素、艺术 形式美的运用和美术形象塑造的意义，通过比较来发现和领会美术 形式语言美，促进学生审美经验的提升，使学生的审美能力得到提高。 3、评价：主要评价作品所体现的文化价值以及作品和艺术家对后人 的影响，再者是以自我主观角度对作品作出评判与甄别，作出主观 判断。 四、教学过程： （一）、趣味导入 以中外绘画历史进行对比，此前已经学习过中国古代绘画有七千年 的悠久历史，但是“外国古代绘画距今有多久的历史呢？”以此吸引 学生的注意力，调动其思考的积极性。 （二）、学习新内容 1、人类最早的绘画 [课件]简要介绍人类最早的绘画——欧洲旧石器时代晚期的洞窟壁画，图示阿尔塔米拉洞窟壁画《野牛》，同时图示拉斯科洞窟壁画《野 牛 .人》，请学生讨论后分析、比较，之后教师讲解，使学生对人类 绘画的面貌有所了解。 2.古埃及绘画 多媒体课件展示《三个乐女》，提示学生观察欣赏讨论与发现古代 埃及绘画的古老法则。正面律是古埃及浮雕和绘画保持了3000年不 变的造型规范:a.人物比例大小与其身份地位高低成正比，井然有序，追求平面的排列效果；b.注重画面的叙述性，内容详尽，描绘精微;c.埃及绘画构图多采用水平线分割画面，画面布局较满，很少留有空白。《宴乐图》的构图即反映了埃及绘画构图及造型特点。 和古巴比伦的《朝贡者》对比，说明古代两河流域与尼罗河流域的 不同民族在艺术上曾有过交流。 3.在世界绘画史上占有重要地位的欧洲绘画
中国画审美特征论 发表时间：2010-10-09T14:22:07.373Z 来源：《魅力中国》2010年6月第2期供稿作者：戴剑波[导读] 由引可见，中国画的独特美，是其审美特征的重要之点，也是它的亮点与看点、核心与关键。戴剑波（黑龙江省牡丹江市书画院黑龙江牡丹江 157000）中图分类号：J222 文献标识码：A 摘要：掌握中国画的审美特征，可以从美学的高度上观照中国画的创作。为此，本文从独特美、多样美、意境美三大方面，对中国画的审美特征进行全方位、系列化、深层次的论述。 关键词：中国画独特意蕴 中国画，简称“国画”，是“具有悠久历史和优良传统的中国民族绘画。在世界美术领域中自成独特体系。”①掌握中国画的审美特征，对于中国画的创作、欣赏、教学，都具有从美学的高度上观照、指导的重要意义。为此，本文试就中国画的审美特征这一重要艺术命题，略抒拙见，以与国画人共同切磋、共同讨论。 具体来说，中国画的审美特征，主要可以从以下三个视角予以解读。 一、独特美 在美学意义上，艺术个性是最大的艺术亮点与支撑，而艺术个性就是有别与其他艺术的独特性。因此，作为中国独特的绘画形式的中国画，其审美特征首先便以独特性为其题中应有之义。 这种独特性，又表现在以下几个层面： （一）独特的艺术语言。中国画有自己独特的艺术语言。一是独特的线条。历来的中国画，都是线条画，中国画通过线条的长短、粗细、轻重、干湿、疏密、刚柔、肥瘦、缓急、曲直、畅涩等，表现不同的物象特征与情感层次。中国画专用的毛笔，具有尖、齐、圆、健等特点，可以画出不同的力度、厚度、节奏感、立体感。二是色彩。中国画讲究“随类赋彩”，其色彩并不在于单纯追求物体色彩的真实感，既不是环境色，也不是固有色，而是情感色，即带有画家主观情感的情感色。三是独特的构图。中国画把构图称作“章法”、“布局”、“经营位置”，认为这是“画之总要”。中国画的构图要求表现气势和韵律，有自己独特的规律。例如在透视法上，不采用西方油画的限定一个视点、一个视向、一个视域的焦点透视法（又称“定点透视法”），而采用多个视点、多个视向、多个视域的散点透视法（又称“动点透视法”），即把不同位置甚至不同时间的物象都有机地组织到一个画面上，使画面更加丰富多彩。例如傅抱石的《江山如此多娇》，就将北国风光与江南景色、巍巍昆仑与滔滔黄河、红日东升与瑞雪纷飞集于一体，从而形成境界开阔、气势宏伟之感。在构图上，中国画还融诗、书、画、印为一炉。 （二）独特的绘画技巧。中国画有自己独特的绘画技巧，其核心是“笔意”与“墨意”，合称“笔墨”。“笔意”指用笔的技巧，指钩、勒、皴、点等运用毛笔的不同技巧与方法；“墨意”指以墨代色，运用烘、染、泼、和等墨法，使墨色产生丰富而细微的色度变化，即所谓的“墨分五彩--墨色的焦、浓、重、淡、清等五种不同的色度。有人还将“墨分五彩”称为“墨分六彩”，即在原来五种色度的基础上，加上一个白色，起到以虚代实、“计白当黑”的艺术作用。 （三）独特的艺术风格。中国画有自己独特的艺术风格，即总体上写意化的艺术风格，不仅写意画如此，工笔画亦如此。这与西方绘画的写实化艺术风格形成了鲜明的对比。 由引可见，中国画的独特美，是其审美特征的重要之点，也是它的亮点与看点、核心与关键。 二、多样美 中国画本身即是一座丰富多彩的艺术宝库，因此多样性便成为它重要的审美特征之一，也是它的形态美的重要体现。具体而言，中国画的多样美，表现在以下几个层面： （一）绘画画科的多样美。中国画以绘画题材，划分为人物、山水、花卉、禽鸟、走兽、虫鱼、界画等画科。各画科异彩纷呈，争奇斗艳。 （二）技法形式的多样美。中国画按技法形式，划分为写意、工笔、钩勒、没骨、设色、水墨、泼墨、白描等。也各有千秋，各放异香。 （三）表现手法的多样美。中国画按表现手法的不同，划分为钩皴点染、干湿浓淡、阴阳向背、虚实疏密、留白等，也各有不同的功能与特点。 （四）画幅形式的多样美。中国画按画幅形式，划分为壁画、屏幛、册页、扇面、手卷、挂轴等等。 （五）绘画风格的多样性。中国画在总体上的写意风格的基础上，还有各种不同的艺术风格。例如文人画的高逸、典雅、书卷气的艺术风格，天津杨柳青年画的通俗、草根的民间艺术风格，就各显其长，各放其辉。 （六）画家个性的多样性。中国画还具有不同画家的不同艺术个性，例如齐白石善画虾，潘天寿善画荷，李苦蝉善画鹰，黄胄善画驴，徐悲鸿善画马。 由此可见，中国画的多样美，也是异常鲜明的。 三、意蕴美 意蕴，指事物的内容或含义，德国文学家创立的“意蕴说”，将艺术作品分为三大要素：材料、意蕴、形式。其中的“意蕴”即人在素材中所见到的意义。现在所说的“意蕴”，即指艺术作品中的底蕴、内蕴，是作品的内部意义、韵味等等。中国画以意蕴为重要的审美特征之一，讲究“气韵生动”，要求“意在笔先，画尽意在”、“形神兼备，以形写神”、“外师造化，中得心源。”意蕴是审美对象的内在生命力显现出来的具有韵律美的形态与神髓的有机统一，即“形神兼备”的集中体现。它要求以生动的形象来表现人物内在的生命意识和人文精神，在立意深邃高远的同时，又追求韵味与趣味。由此可见，中国画的意蕴美，同样是内容丰富的，这种意蕴美，也是中国画审美特征的至高境界。综上所述，可见中国画的独特美、多样性、意蕴美，集中体现出中国画的民族审美特征，这正如当代美学家彭吉象所说：“中国传统美学强调美与善的统一，注重艺术的伦理价值；西方传统美学则强调美与真的统一，更加重视艺术的认识价值。中国传统美学强调艺术的表现、抒情、言志；西方传统美学则强调艺术的再现、模仿、写实。”②
浅谈中西绘画审美与思维方式的关系 班别：07美术（2）姓名：谢韵菲学号：3207010232 选题意义： 审美理想是特定民族在特定历史阶段中所形成的审美追求的集中表现，是一定社会的物质文明生活及意识形态在审美领域中的最高结晶，而中西绘画不仅有一个形式上的区别（包括绘画形态、形式极其工具的区别），更重要的是审美视角区别。由于中西文化发展的源头、过程、结果是不同的，因而形成中西人的思维方式也是不同的甚至是相反的。那么我们切忌把西方人的观念移植过来理解中国的绘画艺术，反之，当然也切忌用中国画观念来否定西方绘画。研究中西绘画审美差异可以让我们把绘画鉴赏提高到一个崭新的阶段，把经典作品的理解提高到一个崭新的层次上。在研究中、西绘画艺术差异的选题上，不少学人投入了大量的精力乃至毕生的精力去进行深入而细致的研究。向西方介绍中国，向中国介绍西方，为全球一体化的思维格局作出了不朽贡献。他们用自己的智慧和经验从不同角度向我们介绍了西方艺术思想的构成。对我们了解外埠世界，了解西方绘画艺术的审美理念，提供了不少可以借鉴的理论依据，为我们研究自己民族的审美理念和融入西方审美思想对我们的绘画艺术未来的发展具有十分积极地意义。，作为一个艺术从事员来讲提高自我的鉴赏能力，我们必须做到“眼高手低”，这样才能不断地提高自己的手绘能力。 研究状况： 中西古代人都一“和谐”为美得最高理想。西方人主要侧重的是审美对象的外在形式属性，而中国人主要侧重的是神秘主体的心理体验方面。 中方思想家们注重发现审美对象的超验品行，并常常将真种品性欲具有宗教色彩的“神”或“上帝”联系起来。中国思想家们们注重发现审美对象的经验功能，并常常将这种功能与具有人伦色彩的道德伦理联系起来。亚里士多德从另一个角度把美是数的和谐的理论，改造成为关于具体事物典型形式的和谐说，从而把西方追求“形式和谐”的审美理想与艺术的创作实践进一步结合起来。这里所谓的“数”等形式特征，可以
中国古典绘画的审美特征 ——中国画与诗歌的融合 中国绘画是中华民族艺术的结晶，历史悠久，内涵丰富，它的形式和美感有别于世界其他绘画艺术，它是中国古代哲学、美学、文学、书法、宗教等多种文化形态所蕴育的一种特殊的艺术。从某种意义上说，大多数中国画家首先是文人，然后是画家。因此绘画与书法、诗歌有着紧密联系，它们之间互相丰富、互相渗透、融会到一起而形成的一种综合性表现艺术，可谓“诗画同源”，诗中有画、画中有诗。一是在画面的形式上诗文与画结合；另外一层含意是画境的诗意，是指画家创造的艺术形象中饱含着诗的意趣，这正是画家努力求得的境界。所以中国文人看画有读画之说，如果说笔墨为画之体貌，诗意则为画之灵魂，笔墨与诗意相融相辅而成画。 中国最早的文学成就是编纂于公元前6世纪的中国第一部诗歌总集—《诗经》。而中国诗画开始联系起来是因为刘褒为《诗经》上的《北风》、《云汉》二诗配了二幅图。到晋代的顾恺之根据曹植的《洛神赋》画了《洛神赋图》。至晋末陶潜开始创作田园山水诗，并出现一批山水画家。自此以后山水田园诗逐渐发展起来。这些诗人画家，虽然不曾有意识的将诗画结合起来，但却同时向山水田园诗画发展，使题材内容有了新的发展方向，再者，这些诗人画家的道佛思想极其浓厚，在审美最求上也大体相同。所以他们的诗画创作思想也有相似之处。到唐代时，是诗歌的辉煌时期，诗画结合也已明朗化，诗人画家或为画题诗，或为诗作画。可见诗画结合在唐代已经逐渐发展起来，而且各种形式都已具备。而宋代的诗与画的密切关系，已经相当明显了，而且也已经发展到成熟的阶段。并由于苏轼提出总结性的“诗中有画”与“画中有诗”的美学原则，成为千古定论。自此以后，诗人画家都以此为最高的审美追求和创作目的，导致诗配画和画配诗及画上题诗、自画自题，成为普遍的诗画创作的美的形式和标准。 绘画史一般把王维看成“诗中有画”与“画中有诗”的代表人物。苏轼也是一个诗画结合的积极倡导者和实践者，后人评价苏轼，说他“以诗为有声画，画为无声诗”，这也是一个非常高的评价。画上题诗题款，也可以起到画龙点睛的作用。如人们面对一幅写意山水或写意花鸟画，有时就很难看懂画家所要表达的思想感情，但通过画上的题诗题款，就比较容易把握作画者所要表达的内容。而诗的取材时非常广泛的，反映的社会内容也是极为丰富的，这也是诗的一大特点，上至天文，下至地理，应有尽有，从而全面的反映了社会生活的各个方面，所以诗完全可以称的上是一幅社会的风情画，也正是这样，促使中国画与诗紧密联系。当画家意识到一位画家可以像诗人那样乘兴之所至而记录下自己情绪状态以及这美景时，绘画就开始诗化了。诗除了可以影响画家的情绪之外，还可以用其独特的审美特色影响绘画的审美趣味，而中国画之所以情感丰富，也无疑受到了诗歌美学的启示。 苏轼在评论唐代王维的作品《蓝田烟雨图》中指出：“味摩诘之诗，诗中有画；观摩诘之画，画中有诗”。丰子恺也说“：中国诗人作诗善用绘画技法”。古希腊抒情诗人西蒙尼得斯说“：画为不语诗，诗是能言画”，所以诗与画不仅关系密切，而且相互融合，相互辉映 中国画与诗相融历来已久，二者相融，可以取长补短，增强感染力，不仅使中国画与诗异彩纷呈，同样也相互辉映。中国画与诗作为两门艺术，各有其特点，
论中国传统绘画的审美特点 摘要：中国传统绘画有着深厚的文化底蕴和独立的价值取向，承载着中国人独特的审美意识和艺术哲学。中国画线条的节奏与韵律美的特征，笔墨的骨力风韵之美以及情景交融的意境美和天人合一的和谐之美等，这些都赋予了它独特的审美价值和内在属性。 关键词：线条、笔墨、意境、和谐 中国传统绘画有着鲜明的民族属性和悠久的历史渊源，并且这一艺术形式在世界绘画史上也占有极其重要的地位，是因为它代表了东方民族特殊的艺术审美观念。绘画的一般审美特征主要表现在线条美、色彩美和构图美上，而中国传统绘画在其基础上又有独特的美学体系。这主要表现在中国画线条的节奏韵律之美、笔墨的骨力风韵之美以及情景交融的意境美和天人合一的和谐之美。这些审美特征构成了中国传统绘画的外在形式之美和内在精神之美，是中国传统绘画经久不衰的灵魂之所在。 一、线条的节奏韵律之美 线条是中国传统绘画独特的艺术语言，构筑着延续了几千年历史的中国绘画艺术。线条美是构成绘画形式美的一个重要形式，凌继尧曾说：“中国画的笔法不是静止立体的描绘，而是流动的，有节奏的线纹，借以象征宇宙生命的节奏。比较中西方绘画，可以发现这一特点。希腊的画，如庞贝古城遗址所见的壁画，远看如重的雕塑，他们强调对称、比例、平衡、整齐；而中国古代花纹图案或汉代壁画，则是飞动的线条。中国人物画也是一组流动线纹的有节奏的组合。”[1] 线是中国画造型的基础，从留存至今的新石器时代陶器上，可以明显的看出描绘几何形纹样的线。至殷周时期，人们在铜器上描绘的狩猎、交战及动植物形态等已把“线条”的应用提升到中级阶段，除了表现形之外，同时也表现了动态。继而汉代时期绘画用线表示动态的能力达到了高峰，如汉代壁画中奔驰的马及人物画等，到了晋代，顾恺之的《洛神赋图》和汉代壁画虽同为线条，但感觉已大不相同，这时的线不仅只是表述形态，同时对物象质感的表现及线本身的形式美已有所发展。至唐代线已可以成功得表现出物的质感，如唐代张萱的《虢国夫人
浅论中国画独特的审美特征 摘要：中国画的起源和发展至少有五六千年的历史了。由于中华民族文化传统同西方文化传统的差异，中国画在长期的发展过程中独辟蹊径，形成了鲜明的民族特色，可以说它在世界画坛上独树一帜，对绘画艺术有着独特的贡献和创造。我们要欣赏中国画，就必须了解中国画与西洋画不同的美学特征和艺术手法，懂得中国画独特的艺术创造和贡献 关键词：计白当黑似与不似取神 生活是一切造型艺术创作的源泉。中西方艺术创作都必须深入生活，但二者在观察和认识事物的方法上却截然不同。中国画画家是在一定的审美观点和创作思想的指导下去观察和表现生活。中国画尤其重视的是概括、明确、全面、变化以及动的神情气势。它不以简单的“形似”为满足，而是用高度提炼强化的艺术手法，表现经过画家处理加工的艺术的真实。中国画在画面上所表现的形式，不外乎点线面三者。画面上虽然三者均相互配合应用，但用以表现画面上的基本形象，还是以墨线为主体。用线能最迅速灵活地捕捉一切物体的形象，而且用线来划分物体形象和界线，最为明确和概括。又因中国画所使用的水与墨能在宣纸上形成极其丰富的枯湿浓淡之变，既极其丰富复杂，又极其单纯概括。从艺术性上来讲，中国画的用色力求单纯概括，更有自然界的真实色彩所不及处。中国画非常重视强调诗、书、画、印并用成为一个完美的艺术整体，使画面丰富而有变化，为中国画特有的形式美。简单地讲可概括为以下几方面来比较：以情观景、以理观景、以心观景。① 中国画的精髓就是不但要把事物的形神传达给观众，更重要的是画家把创作主体的思想感情也传染给观众，因此中国绘画艺术在观察事物时总是“感情用事”。用强烈的感情去感受生活，所谓“登山则情满于山，观海则意溢于海”。②这就是说观察生活时首先需要画家自己具有真挚的感情、饱满的热情，以及浓郁的兴趣，而不是作冷冰冰的无动于衷的旁观。而西画观察事物只限于对象的形、色、明、暗，它受时间、空间的限制。中国画却相反，我们的先辈创造了许许多多的观察方法：如冷暖观、动静观、面面观、前后观、上下观、表里观，以大观小、以小观大、无所不观等方法。这些观察方法都是呈散点状、移动状，没有固定的视点和视线。对对象进行多方位的观察，然后综合所看到的事物在脑海里的印象，寓情于景，达到情景交融，借景抒情的境界，这也是中国绘画所要追求的最高目的。 以理观景是中国画另一观察事物的法则，理就是画家在深入观察生活中，分析总结出来的现实生活的基本规律特征，也是事物的本质特征。要求画家在观察对象时不被一些偶然的、暂时的、个别的、局部的表面现象所迷惑，而是抓住事物基本的、普遍的、共同的、稳定的、本质的东西。中国绘画特点是画常理之常
中国画审美标准的思考 顾绍骅著 自“新文化运动和“五四”运动对传统文化进行批判以来。又经过了上世纪五十年代的民族虚无主义思潮和文化大革命的十年，中国文化的传统真的已被肢解和割裂得面目全非了。近来，“85思潮”也没有立足于本土文化，甚至是一个"全盘西化"的运动；这是民族文化的自卑所造成的；当下，由于商品大潮和外来文化的迅猛冲击，作为文化资源之一的中国传统文化的处境不能不说令人堪忧。 我曾经听过好多年轻人说过：“中国传统文化纯属骗人，西方文化才叫科学”之类的话，站在中国文化的立场，我很难过。难过于有数千年历史渊源和博大精深传统的文化到了当代竟然受到自己的民族后人的无情的妄自菲薄！中国画与中国文化的传统精神是互为表里的。傅抱石说︰“中国绘画是中国民族精神的最大表白，也是中国哲学思想最亲切的某种样式”。也就是说，我们可以根据中国画去探寻和体认中国文化的民族精神，任何艺术都是思想始终在先，技能、技术总是在后的；中国画着重在“形而上”(外形之上，精神追求)。是中国传统文化、哲学观的表现之一，追求精神上的东西；体现了中华民族传统的哲学观念和审美观，在观察、认识和表现中，也自觉地与人的社会意识和审美情趣相联系，体现了中国人借景抒情，托物言志，“天人合一”的观念。如果缺乏这些文化底蕴，中国画就沦为技法的奴隶了；艺术家与工匠的区别就在于是否有思想、有文化底蕴。顾绍骅的艺术思想提出：中国画的发展必须依照“中国方式”——集中国传统文化底
蕴（诗、书、画）为一体的观点——“诗情画意”是中国画的灵魂和中国画发展方向；同时，也是世界美术作品的发展方向！各个画种都有自己的特点，而代表中国民族文化的中国画是具有“诗、书、画”等中国民族文化特征，这是中国画的根本；其最高境界就是“诗情画意”。 中国画【辞海释义】：简称“国画”。反映中国美术传统（文化）特色的画种。具有悠久的历史和独特的审美情趣，在世界美术领域占有重要地位。------中国画强调“外师造化，中得心源”，超越形似而重在传神，以钩皴点染、枯湿浓淡、疏密繁简、计白当黑等表现手法描绘图像景物，结构布局不拘于焦点透视，讲究色、墨、空与点、线、块的变化对比。与书法、篆刻乃至诗词艺术的紧密结合，也是中国画的一大特色。 中国传统文化艺术浩如烟海，而中国画的形式和一般的绘画形式既有区别又有联系。《梦溪笔谈》中说道这样一个故事：相传唐代诗人、画家王维得到客人送的《按乐图》很兴奋，王维说这是画的《霓裳羽衣曲》第三遍的第一段，客人不信，请来乐工演奏那段舞曲，这才信服。因此说，图画只能画出一瞬间的演奏活动即“止（只）能画一声”而不是一段舞曲的演奏过程。唐代诗人徐凝在题画诗中这样写道“一水寂寥青霭合，两崖崔萃白云残；画人心到啼猿破，欲作三声出树难”诗的前两句是写画中景，后两句是诗人发出的感叹：画家挖空心思，终究画不出“三声”连续的猿啼，因为他止（只）能画一声，而凄楚动人的猿三声，是画面上表达不出的，此绘画之弊也……。然诗歌（词、赋）却能做到表现时间、空间、环境、音乐、舞蹈等，人世间的喜、怒、哀、乐及万事万物的刻画等——包罗万象；也正好弥补绘画之不足。但诗是含蓄的，不及画的直观通俗易
绘画是视觉审美的再创造，是人的思想感情充分体现的一种语言。一幅好的绘画作品中寄载着作画人的全部情感因素，而劣质的绘画作品则不能够很好的表达画者的审美情感，所以古代就有画品的说法。 那么，画品的高低则直接取决于人的审美的健全程度与审美水平。可见，审美在绘画过程中的作用之巨大。 审美感觉贯穿于绘画的全过程，可以说没有审美就没有绘画，没有审美的绘画也许就是简单的复制过程，毫无生气可言。 视觉形象永远不是对于感性材料的机械复制，而是对现实的一种创造性把握，它把握到的形象是含有丰富的想象性、创造性、敏锐性的美的形象。 培养学生的观察力，学习、尝试去“发现”美的事物，是非常重要的。我们忽视了通过感觉到的经验去理解事物的天赋。当具有一定的素描能力并了解一些基本概念后，有些人却忽视了艺术中最重要的东西――知觉，我们的眼睛正在退化为纯粹是量度和辨别的工具。结果，可以用形象来表达的观念就大大减少了，从所见的事物外观中发现意义的能力也丧失了。在那些一眼便看出其意义的事物面前，我们倒显得退钝了，他们天生具有的通过眼睛来理解艺术的能力沉睡了。 很多学习美术的人，特别是一些正准备考学的学生，虽然懂得“看”或称“观察”的重要性，但往往习惯于被动、麻木地在画面上机械地照搬静物或模特儿，全然没有想要去发现并且去表现“美”的欲望，更谈不上表达心灵和思想了，将绘画写生的过程变成了一种机械复制的活动，将艺术创造的过程等同于一个熟练工种的制作过程。这样的绘画过程是麻木的、没有情感的。在整个绘画过程中应发挥人的主观审美的作用，即绘画的情感性。 没有艺术感觉的作品，往往伴随着僵硬、死板，我们常常见到这样的作品能按照正确的步骤进行，掌握一定的技法，画面也较充分、完整，然而毫无生气，缺少生命力。 美的特点往往表现在“形式”上，如数量的比例、形线的排列、色调的和谐、黑白、构图、运动、线条的节奏等，由抽象的点、线、面、体组织成画面结构，它所形成的抽象或具象的内容与形象，表现的是艺术中具有生命力的深层内涵。正是由于艺术形式的无穷变化与它所具有的魅力，使艺术家们不断地寻找适合的艺术表现语言。在选择和运用艺术表现语言时，艺术观念与审美取向自然也体现在其中，同时现代人的品鉴标准又介入了现代的审美意识。 寻找一种适合自己的绘画语言，进行艺术探索、艺术实践是重要的。对于在这方面天赋不一、起点不同的学生来说，必须通过不断地实践，才能探索出不同的表现形式来。久而久之，这种实践将引导发挥出崭新的想法和艺术概念。在考虑新的概念、表达某种意识或思相的同时，必须需要经常注意表现方法及提高绘画的美学价值。 对于一些绘画的表现形式的需要来说，体积感、重量感是决定着画面的形式、风格、内容、情调等等一系列的重要绘画表现元素。利用光影、明暗、笔触形成的肌理与质感效果，不仅表现体积和重量，更表现了作者的审美情趣。
教学设计
古埃及壁画从形象角度来说，正面的眼睛，侧面的头部，正面的上半身与侧面的腿，即“正面律”，看重在一个二维平面中表现出一个身体最完整的样子。从画面整体角度，古埃及艺术是非常规合理的空间结构，是二维平面的，画的完整是最重要的，它表现的是观念中的事物形态。 教师展示古希腊雕塑《米洛斯的阿芙洛狄特》，并阐述相比于古埃及人，古希腊人更仔细地去模仿真人外形，并加以美化，赋予自然“理想化”。同时通过阐述《米洛斯的阿芙洛狄特》身体上下长度比为0.618:1，头身比为1:8的黄金比例，描述出古希腊时期人们是追求理想美。 驱动性问题：古希腊古埃及时期的艺术作品最大特征是什么？ 学生活动： 同时思考并回答古埃壁画《三个音乐家》人物的特点、画面整体的特点。教师引导学生从眼睛、头部、上半身、下半身等角度去分析人物，并从空间结构的角度引导学生回答古埃及艺术的特点，之后聆听教师总结。 观察古希腊雕塑《米洛斯的阿芙洛狄特》，同时思考为什么断臂的维纳斯“很美”，并结合教师的阐述理解古希腊的“理想美”。 设计意图： 通过鉴赏古埃及和古希腊的作品，理解在当时的文化下表现的是观念中的事物，并加深学生对不同文化的理解，体会文化的多样性。
向学生提问文艺复兴三杰是谁？有什么代表作？展示达芬奇、拉斐尔与米开朗基罗作品，并简要介绍代表作《蒙娜丽莎》《草地上的圣母》《西斯廷天顶画》。 重点介绍波提切利作品，从材料选择、形象特点、内容选取三个方面介绍《维纳斯的诞生》及它的独特性： 材料选择采用蛋彩画，饱和度低、颜色柔和；形象特点是为了人物的和谐牺牲了准确性；内容选取古希腊古罗马的神，体现了文艺复兴的精神。 让学生体会这种不一样的文艺复兴精神。 教师通过文艺复兴时期代表艺术家的介绍，总结出文艺复兴的核心价值，即人文主义。人类的理性比上帝的神示更重要。文艺复兴运动引发艺术家的自我意识觉醒，在绘画方面进行了突破性的探索，这些变化使得其作品呈现出惊人的真实感。文艺复兴是西方文明发展史的重要转折，开创了西方艺术全新的时代。 驱动性问题：为什么说文艺复兴时期的绘画作品是西方艺术全新时代？ 学生活动： 学生回忆文艺复兴的历史知识，并通过教师的介绍能够说出文艺复兴的发源地、“复兴”的意义及其特征。 根据教师的提问说出文艺复兴三杰，并聆听教师介绍三人的代表作。 通过教师介绍《维纳斯的诞生》，学生对于这幅画的材料选择、形象特点、