西方古典音乐的历史
古典音乐分狭义古典音乐和广义的古典音乐，狭义的是指古典时期的音乐；广义的是指包括巴洛克.古典乐派.浪漫乐派.印象乐派.民族乐派等等乐派统称为
古典音乐.
古典音乐发展史，也就是一般人所通称的「西洋音乐史」。相信许多人都曾听过「巴洛克时期」、「古典乐派时期」、「浪漫乐派时期」以及「现代乐派时期」等等名词，这些都是西洋音乐史上各个时期的名称。至于每一个时期在时间上如何界定，学者们各有不同的见解，所以到目前为止，并没有一致的结论。但是综合各家的学说来看，彼此之间仍有许多的共同点，归纳这些共同点加以整理后，便可得到一套多数人可以接受的区分法。这个区分法是这样子的。
（一）古代：从音乐的源起到基督音乐的兴起为止，称之为古代。
根据历史学家的研究，世界上的文明古国，像中国、波斯、埃及、希伯莱、印度等等，都有它们自己音乐源起的传说，我们今天虽无法考证出音乐究竟是在何时由何人所创始，但可以肯定的是，至少在数千年前，人类便已有了音乐，而且是在世界上许多不同地域、不同民族间，同时朝多元化发展。
数千年前的古典音乐由于年代过于久远，加上所遗留下来的数据残缺不全、考证不易，所以今天讨论西洋音乐史，大多是从希腊时期（大约是公元前一千年）谈起。古希腊人非常热爱音乐，他们当时已经有了音高的概念，并且依据不同的音高制定了许多不同特性的调式。此外古希腊人也确立了一套有关于音阶方面的音乐理论。在乐器制作方面，希腊时期有一种叫「奥洛斯」的管乐器，还有一种称为「抱琴」的拨弦乐器。
希腊在公元前一四六年被罗马帝国征服后，因为罗马人并不珍惜希腊的音乐遗产，使得音乐逐渐失去了在社会与生活上的重要性。这种情形一直到基督教在罗马兴起，诞生了新的基督教音乐后，音乐才再度受到重视。在此之前的音乐，我们今天就统称为「古代音乐」。（二）中世纪：从基督教音乐兴起到文艺复兴之前的这一段时期，时间上大概是公元五○○年～一四五○年间。
许多历史学家过去认为，在希腊、罗马等古文明之后，中世纪是一段相当长的黑暗期，意谓着欧洲的文明在这段时间进步得非常缓慢，然而近年来的研究似乎渐渐地推翻了这种看法，至少在音乐方面，中世纪时期仍有以下几方面的发展：
1.以罗马为中心的基督教音乐，随着基督教的普及，逐渐流传到欧洲各地。到了公元六世纪末叶，在教皇葛丽果一世的主持下，由教会人士将各地的教会音乐加以整理汇编及改良，产生了著名的葛丽果圣歌。葛丽果圣歌揉合了犹太、叙利亚、希腊和罗马的音乐（它只有单音的旋律，没有和声或对位，也没有使用乐器来半奏），这种圣歌在葛丽果教皇的推动下，于公元十一、十二世纪时，到达了最鼎盛的境界。
2.除了具有宗教用途的圣歌外，一般的世俗音乐在中世纪时期也日渐发达，这种音乐兴起于骑士之间，然后再扩张到百姓社会。在当时以德国和法国两地的世俗音乐最为盛行。
3.中世纪时期另一项音乐上的重大发展便是乐谱的发明。在记谱法尚未发明以前，音乐的流传必须依赖口耳相传，然而这样子的方式，在传递的准确性上比较无法控制，而且时日一久变化更大。所以随着葛丽果圣歌推广上的需要，人们日益觉得有必要用乐谱把曲调正确地记录下来。
于是在公元九世纪时，天主教会的音乐家们便发明了「纽姆乐谱」。最早的钮姆乐谱还不能完全记下旋律，它只能表示歌词各音节大略的长度和抑扬而已。到了十世纪左右，四线谱发明以后便可记录音的高低。然后到了十二世纪又发明了表示音长短的符号，逐渐成了今天五线谱的基础。
（三）文艺复兴时期：公元一四五○年～一六○○年间的一百五十年，称为文艺复兴时期。
文艺复兴时期是欧洲近弋文明奠基的一个时期。在此之前欧洲人的思想与生活方式都是以宗教为中心，然而自文艺复兴时期以后，人们开始根据科学的观点去观察有关人类和大自然的事物，以前被看成是神秘的事物，重新被人们以理性、科学的方法志思考和研究。于是在文艺复兴时期，欧洲产生了许多伟大的人物，例如科学家哥白尼、伽利略；美术家达文西、米开兰基罗；文学家但丁、莎士比亚等人。至于在音乐方面，虽然没有产生与上述几人齐名的人物，但仍有下列几项重大的发展：
1.复音音乐的盛行：最早的葛丽果圣歌是单音音乐（所谓单音音乐是指乐曲仅有单一的旋律线或曲调，不含任何伴奏的音乐），但是到了后来，人们渐渐觉得这样子的音乐太单调了，所以就试着在原来的旋律之外，再加上其它的旋律一起唱，形成了所谓的「复音音乐」。复音音乐从公元九世纪开始发展，在文艺复兴时期达到了全盛的状态，所以也有人将文艺复兴时期称作为「复音音乐时代」。与过去的单音音乐相较，复音手法使得音乐的表现力变得更加丰富而多彩。
2.乐谱印刷术的发明：在乐谱印刷术发明之前，乐谱必须靠人工来抄写，所以乐谱在当时是相当珍贵而稀有的，这对于音乐的普及自然是非常的不利。然而自从乐谱印刷术在文艺复兴时期被发明后，一般社会百姓也都能拥有乐谱，使民间的世俗音乐藉由乐谱的流传而更加发达。世俗音乐在此时期，终于到了可与宗教音乐分庭抗体的地步。此外，印刷乐谱的问市，也使得后人对于研究前人所遗留下来的音乐，变得更加便利，这点对于音乐经验的累积与传承，也产生了重大且深远的影响。
3.器乐曲的兴起：虽然独立的器乐曲在中世纪甚至可能更早之前便已存在，但是因为在中世纪时期对音乐进展贡献最大的作曲家，多是教会方面的人士，他们自然把大部份的精神放在宗教音乐上面，在他们观念里，音乐是为神服务、是用来赞美神的，所以他们大多写不附乐器伴奏的纯声乐曲，即使偶而使用风琴伴奏，也只是重复着歌声中的曲调而已。因此，在文艺复兴时期以前，纯器乐曲大多是民间的世俗音乐。另外由于在文艺复兴时期，宗教音乐和世俗音乐成了两股同时并进的主流，再加上各式的乐器在这个时期均日渐完善，所以尽管纯器乐曲的主要发展是在十七世纪以后，但在文艺复兴时期，其实已经清楚地显示出器乐与声乐相互分离的倾向。
(四）巴洛克时期；公元一六○○年～一七五○年。
「巴洛克」(Baroque)这个字是葡萄牙文，它原来是指「不规则」或「畸形」的珍珠，将这个字加以引申的话，则具有「怪异」、「夸张」的意思。为什么这个字会被运用到音乐上呢？原来在十八世纪末期，有些西洋艺术史学者以他们对古典派的审美标准，来回顾自十七世纪以来的艺术发展，他们觉得这一百五十年来的绘画及建筑作品，给予他们的印象是古怪而且过份地庞大，所以他们就以「巴洛克」这个字来代表这段时期的艺术风格。而因为音乐也是艺术的一部份，后来就有人也把这个不太好的字眼，形容当时的音乐。
以今天的眼光来看巴洛克时期的音乐，我们会觉它得一点也不古怪，但因为「巴洛克」这个名称延用已久，似乎也没有人想为这个时期的音乐，另订更恰当的名称。
巴洛克时期，是西洋音乐史上最多彩多姿，也是最混乱复杂的时期之一。在这个时期，音乐的发展是朝着好几个方向同时并进，乐曲的形式与构造也不断地在发展和演变，所以这个时期呈现出一个现象，那就是新、旧不同风格的音乐很明显同时并存。今天回头来审视巴洛克时期的音乐发展，我们会发现，造成这种情况的原因，主要是在文艺复兴时期，复音音乐的创作手法已达到一个颠峰，进入巴洛克时期后，人们在求新求变的时代精神下，开始把文艺复兴时期已经开拓的乐曲样式逐渐加以变化，以求取更强的音乐表现力。在当时，许多新的作曲技法被拿来实验和改良，所以巴洛克时期产生了许多新的曲式，例如声乐曲有歌剧、清唱剧及神剧；器乐曲则有奏鸣曲、组曲及协奏曲等。在这些新兴的乐曲形式中特别值得一提的，是歌剧的出现，一般相信现存最古老的歌剧是于一六○○年上演于意大利的佛罗伦萨，由于歌剧是一项划时代的产品，所以「巴洛克」也就是歌剧诞生的这一年，来做为与文艺复兴时期的分界点。
除了新曲式的产生外，巴洛克时期的音乐特色还有以下几点：
1.数字低音的运用：「数字低音」这个名词经常困扰古典音乐的新鲜人，令人无法明了它所代表的意义。在巴洛克时期的曲目中我们经常可以看到××（乐器）和数字低音的奏鸣曲（或协奏曲、组曲等）这样的名称，这使得许多人都以为数字低音是一项乐器，其实数字低音并不是某一种乐器的名称，而是一种作曲手法。
要解释什么是「数字低音」，可以先想象一下时下年轻人唱歌时用吉他伴奏的情形。或许有人曾注意到，在他们唱歌的歌本上，除了旋律的简谱外，还有一些供吉他弹奏的和弦记号，这些记号的运用和巴洛克时期的「数字低音」在概念上是一样的。巴洛克时期的声乐曲或合奏曲，习惯上是由风琴、大键琴或鲁特琴等可以奏出和声的乐器，或是由大提琴和低音管等低音乐器来演奏低音声部，而作曲家通常就用数字或记号来标示这些低音的上方应该奏出什么和声。所以和文艺复兴时期相比较，巴洛克时期音乐的特色之一，就是「数字低音」的使用。讲得更清楚一点，便是音乐已从复音音乐各声部平衡的构造，转变为分成了高音的「旋律声部」和低音的「和弦声部」。
2.调性系统的产生：数字低音的应用在音乐上引起了新和声的观念，这个新的和声概念取代了以往复音音乐以对位法为基础的声部结合效果，这也就是说以和声理论为基础的大、小调音阶系统，在巴洛克时期逐渐成了音乐创作的主流。
3.器乐曲的蓬勃发展：前面我们在介绍文艺复兴时期的音乐发展时，曾经提到器乐曲的主要发展是从十七世纪开始，原因之一是和巴洛克时期歌剧和神剧等戏剧音乐的发达有关。因为歌剧和神剧的演出都必须运用到大键琴、风琴或管弦乐器，作曲家在创作歌剧与神剧时，无形中提升了对各种乐器音色以及演奏技巧的掌握，而这个难得的经验，使他们在写作器乐曲时更加得心应手；原因之二则是巴洛克时期义大刘北部克列莫纳这个地方，出现了诸如阿玛娣、瓜奈里及史特拉第瓦里等等的制琴家族，他们制造了大批优秀的各式提琴，大大地提升了弦乐器的表现力。好的乐器加上当时一些优秀的演奏人才，自然也使得作曲家乐于去谱写器乐曲。
归纳巴洛克时期的音乐成就，我们可以说，巴洛克时期是西洋音乐史上一个「承先启后」的时代，巴洛克的作曲家们继承了文艺复兴的音乐遗产，并且将它改良创新而开创出一番新的局面。有人认为，如果文艺复兴时期是西洋近代文明的蕴育期，那巴洛克时期就是近代文明第一次开花结果。我们也可以说，巴洛克时期的大音乐成就，在于它总结了西洋音乐史过去千年以来的音乐发展，并为后世开辟了一条新的道路。复音音乐在这个时期虽然仍旧为人们所采用，但主调音乐很快地便占了上风，所以巴洛克时期也是西洋音乐史上一个重要的「转
折点」，今天人们尊称为巴哈为「音乐之父」，主要原因正因为巴哈是巴洛克时期成就最高的一位作曲家！
（五）古典乐派时期：古典乐派时期是西洋音乐史上最短的一个时期，时间是从一七五○年～一八二○年。
古典音乐的发展，在巴哈时代一过去，便进入了「古典乐派时期」，所以古典乐派时期就以巴哈逝世的一七五○年那一年做为起点。此外，因为贝多芬晚期的作品显示出浪漫式的倾向，所以古典乐派就以一八二○年做为终点（贝多芬逝世于一八二七年）。不过需要说明的是，虽然巴洛克与古典时期是以一七五○年为分界点，但是古典风格的形式，不像文艺复兴至巴洛克时期，以一六○○年为分界点那么清楚，一般来说，从一七四○年～一七七○年左右是古典风格形成的一个过渡时期。
「古典乐派」这个名称，当然也是后人研究这个时期的音乐风格后才订出来的。既然用了「古典」这两个字，那么这个时期的音乐所给予人们的感觉一定是「高尚」、「典雅」的啰！一点都没错，古典乐派时期的音乐，与之前的巴洛克时期以及之后的浪漫乐派时期相比较，的确予人相当明显的差异。古典乐派的音乐通常都给聆听者一种单纯、明朗、优美、均衡的印象，这和巴洛克时期音乐华丽而且乐风复杂，以及浪漫时期音乐强调作曲家个人情感的宣泄，是很不一样的（当然并不是所有古典时期的音乐作品都不包含个人情绪，只是在程度上相较于浪漫时期是轻微多了）。造成这种情形的主要原因是古典乐派的作曲家，受到了当时文学上古典主义精神的影响，所追求的是一种乐曲形式上客观的美感，所以古典乐派的音乐大都有着统一而且规律的性格。
归纳古典乐派时期的音乐表现，该时期的音乐有以下几项特色：
1.数字低音的舍弃不用：前一节我们才提到「数字低音」的使用是巴洛克音乐的特色之一，然而巴洛克时期一结束，数字低音这个名词也跟着走入历史。到了古典时期复音音乐已经鲜少为人采用，这时几乎已是主调音乐的天下了，主调音乐的乐曲通常是由一个声部来担任主旋律，而由其它声部来担任伴奏。在古典时期，作曲家们对于和声伴奏的部份，已不再像巴洛克时期是用数字来表示，然后再由数字低音的演奏者来即兴发挥。这时期的作曲家对于曲调的和声部份皆已整写出，并且安排各种乐器来担任，以增加不同音色的变化。
2.乐句「渐强」与「渐弱」表现法的使用：今天一般人可能对于乐句渐强与渐弱的表现方式已习以为常，认为这是理所当然的事，但是这儿我们必须说明的是，这种表现方式是从古典时期才开始的。在复音音乐的时代，由于复音音乐着重的是每一个声部地位均相同，各声部必须保持均衡，所以不容易有强弱差别很大的表现。即使是巴洛克时期的主调音乐，虽然也强调独奏部与伴奏部之间力度上的强弱交替，以产生乐曲明暗的变化，但是巴洛克时期乐句强弱的对比，是以明晰的台阶式表现的，当时的人还没有将乐句塑造成「渐强」或「渐弱」的概念，所以说乐句渐强与渐弱的表现手法，是从古典时期才确立的。
3.奏鸣曲式的确立：奏鸣曲这个名词在古典时期以前即已出现，但是最初的奏鸣曲不管在形式或含义上均模糊不清，当时这个名称主要是用在器乐曲上，目的只是要与声乐曲做个区别。但是到了古典时期，奏鸣曲经由D';;史卡接第、巴哈的儿子K';;P';;E';;巴哈以及史他密兹等作曲家的努力，逐渐确立成一种乐曲形式，然后再由海登、莫扎特和贝多芬等人将之发扬光大。
为什么要特别强调奏鸣曲式确立这件事情呢？主要是因为「奏鸣曲式」为古典时期器乐曲最常采用的曲式结构。举风独奏奏鸣曲、交响曲、室内乐曲及协奏曲等等今天爱乐者最常聆赏的乐曲形态，都是依循奏鸣曲式来创作的，而且此一重要曲式也被后来的浪漫乐派所延用。
奏鸣曲式既然那么重要，那到底什么是奏鸣曲式呢？奏鸣曲式是一种由两个相对的主题，以呈示部、发展部和再现部的程序进行发展的曲式。这样子的定义虽然很简明，但是对于古典音乐的入门者而言，恐怕还是不太容易了解，在这儿我们就试着将这个定义再解释一下。所谓两个相对的主题，也就是一般乐曲解说书上常提到的第一主题和第二主题，这两个主题都是由一小段较为突出的旋律所构成，但这两段旋律在性格上是相反的，例如第一主题（在曲子中先出现的主题称为第一主题，第一主题也是乐曲形成的基础）如果是阳刚的，那么第二主题就是阴柔的，如此，两个不同性格的主题在曲子中就形成对比，增加了音乐的戏剧性。至于「呈示部」，指的便是将乐曲的两个主题呈现出来的部份。当两个主题都出现过后，乐曲就依据这两个主题做为基础来加以展开和变化，这就是发展部，发展部在奏鸣曲式的结构里面，通常所占的份量是三部人最重的。等乐曲发展到某一个程度，这时主题的原貌可能已不易辨识，聆赏者也因此无法预期乐曲往下还要如何发展。所以作曲家便安排了一个再现部，让乐曲的主题再一次的出现，并且在再现部为乐曲做一个结束。
论说文的写作一般可以分成起、承、转、合四段来写。在第一段我们通常会先叙述一下题目的主旨，这就是「起」的部份，「起」的部份我们可以将它想成是奏鸣曲式中的呈示部，也就是将曲子的主题演奏出来。将作文题目主旨叙述过后，接着便会在第二、第三段就文题加以说明、发挥，这两段就是承、转的部份，而「承」与「转」这两部份便相当于奏鸣曲式中的发展部，因为发展部就是要将乐曲的主题加以变化、推展开来。在作文最后一段，我们会将前面所作的叙述做一个总结，这就是「合」的工夫。对于奏鸣曲式的「再现部」而言，也是同样的道理，乐曲在经过发展部天马行空的开展变化后，到了曲子末了，作曲家安排乐曲的主题再次奏出，好来个前后呼应并为乐曲做个结束。因此，奏鸣曲式和作文一样，都非常符合人类的逻辑思考，而这「逻辑性」其实也正是古典乐派时期音乐的特色之一。（六）浪漫乐派时期：时间是从一八二○年～一九○○年。
笔者相信，今日一般爱乐大众所欣赏的古典音乐曲目中，浪漫乐派时期的作品一定占了最大的比例，何以见得呢？我们可以观察一下坊间音乐书籍中所介绍的「重要大作曲家」名单，其中浪漫乐派的作曲家大概总会占个六、七成。从整个西洋音乐史来看，远的中世纪及文艺复兴时期不说，即便是只从巴洛克时期到今天，将近四百年的岁月中，浪漫乐派时期仅占八十年左右，但被列入重要大作曲家名单的比例却那么高，这一个时期的人才辈出以及音乐的受欢迎便可见一斑了。
熟悉西洋艺术史的人都知道，整个十九世纪，欧洲都笼罩在一股巨大的浪漫主义思想潮流之中。浪漫主义其实就是一种与古典主义相对立的思想。前面我们曾提到，古典乐派时期的音乐着重的是形式与规则，它要表现出形式上客观的美感。浪漫主义既然与古典主义相反，那么浪漫乐派的音乐便是要打破旧有的形式与规则，这时期的作曲家认为，音乐的主要功能是要反映出他们的情感，形式只是一种表达的媒介，所以当旧形式不足以满足需求时，他们就任意的去加以变更。因此浪漫时期虽然延用了许多古典时期便已使用的音乐形式，但乐曲在内容上却更自由、更不受约束。由这样一个观念所引起的现象之一，就是长达一个小时以上的庞大交响曲和短至不到一分钟的小曲子，在这个时期都同时并存，整个音乐世界因此也变得更多采多姿了。
综合浪漫乐派时期的音乐表现，这个时期的特色有以下几点：
1.标题音乐的确立：也许有人会问：「标题音乐怎么会是到浪漫时期才确立的呢？海登的许多交响曲不是也有着像是『惊愕』、『军队』、『时钟』等等的标题，而贝多芬的『英雄』、『命运』、『田园』等交响曲则更有名了，难道这些曲子不是标题音乐吗？」，这个问题问得非常好，在这儿我们必须说明的是，并不是乐曲冠上了一个标题，它就是属于「标题音乐」。
所谓「标题音乐」，是指作曲家为了藉由音乐来描写某一个故事或者是某一种情景的气氛，于是他就应用描写式的旋律或节奏，甚至是模仿真实声音的拟音效果，来具体表示出乐曲内容的音乐。所以标题音乐除了有标题外，作曲者通常也会附上说明乐曲内容的文字，好让聆赏者可以清楚地知道作曲者的创作意图。
尽管描写性的音乐在浪漫时期以前已经出现过（例如巴洛克时期意大利作曲家韦瓦第所写的小提琴协奏曲「四季」，就是非常著名的例子），但当时这种曲子多半是偶发性的创作，数量上非常少。一般学者认为，标题音乐的概念是从浪漫乐派时期法国作曲家白辽士所写的「幻想交响曲」开始确立的，而且从那时起，「标题音乐」才渐渐成为古典音乐史上的主要角色。至于前面所提到的海登及贝多芬的交响曲附有标题的问题，其实那些标题多半是由后人所附加上去的，就算有的是由作曲者所亲提，但那些曲子创作的目的，并不是用音乐来描述事物，标题的附加顶多是用来传达乐曲的概念而已，所以并不算是真正的标题音乐。
2.交响诗的产生：运用标题音乐的概念所谱作的乐曲中，要以「交响诗」最具有代表性了。「交响诗」这种乐曲形式是由匈牙利钢琴家兼作曲家李斯特首创，它是一种不分乐章而且形式自由的管弦乐曲。交响诗既然是标题音乐的一种，它的目的自然也是在描述事物，它可以陈述一个故事、描绘一个景致，或者是表达出作曲者对于某件事物的感想。继李斯特之后，浪漫时期有许多作曲家也从事交响诗的写作，其中较著名的有史麦塔纳、圣桑、德弗乍克、雷史碧基及理查德';;;史特劳斯等人。
3.民族主义与音乐的结合：十九世纪中叶以后民族主义兴起，欧洲各民族的民族意识相继觉醒，这个潮流影响所及，欧洲各国的作曲家们纷纷往自己民族的传统素材中找寻作曲的灵感。他们有的运用民谣曲调及节奏，有的则以各民族的传说、轶事作为创作的题材。一时之间，一股有别于当时以德奥体系（主要是德、奥、法、比四国）为音乐主流、富有各民族独特色彩的音乐，如雨后春笋般在各地出现。这一批德奥体系之外，包括俄罗斯、东欧、北欧及南欧等国家的作曲家们，所谱写的音乐因为都具有民族特色，因此便形成了所谓的「国民乐派」。
由此我们可以知道，国民乐派的出现，在时间上是与浪漫乐派相重迭的，国民乐派的兴起，正如各式多彩缤纷的花朵，将浪漫乐派时期?点得更加绚烂美丽。
（七）现代乐派时期：时间是从一九○○年迄今。
时序进入廿世纪以后，西洋音乐史又经历了一次重大的革命，人们开始觉得自巴洛克时期以来作曲家所使用的大、小调音阶调性系统，以及传统的和声应用，已不再能满足他们的需求，于是便开始寻求新的和声理论，并且发展出诸如无调性、多调性等等的音乐。廿世纪这一波音乐史的新风潮，应该可以从法国作曲家德布西创造出印象主义音乐开始算起。德布西天生就具有反叛性，他的音乐在和弦的使用上相当大胆，完全不受传统和声理论的规范，他并且喜欢应用六全音音阶来作曲，可说是一位特立独行的作曲家。不过德布西所写的印象主义音乐，仍未完全打破传统的调性理论。
到了第一次世界大战以后，奥国作曲家荀白克发表了十二音列系统的新理论，并依据这个理论创造出十二音列的无调性音乐，至此传统的调性观念和大、小调音阶体系终于完全被打破了。荀白克之后，各式各样的新音乐理论相继被人提出与采用，诸如噪音主义、具象音乐、电子音乐、机遇音乐以及微分音音乐等等各种实验性色彩浓厚的音乐。一般来讲，这些新音乐都非常的不和谐，完全否定了音乐必须优美悦耳的传统观念。因此许多爱乐者认为廿世纪的音乐都是嘈杂、难听，而将之列为「拒绝往来户」。
其实在本世纪的音乐当中，仍然有一些并不那么前卫而教人难以忍受，甚至还称得上是「好听」，例如俄国作曲家史特拉汶斯基、普罗高菲夫、法国作曲家米尧、浦朗克以及瑞士作曲家奥乃格等人所谱写的新古典主义音乐，对于现代人来说并不难接受。更何况有些被归入后期浪漫乐派的作曲家如马勒、理查德';史特劳斯、西贝流士及拉赫曼尼诺夫等人，他们在跨入廿世纪以后，依然继续写作具有浪漫风格的曲子，所以爱乐的朋友千万不要因为某个曲子创作的年份是在廿世纪以后，就将它列入「拒绝往来户」，那样才不会丧失许多聆赏好曲子的机会。
综观二十年纪西洋古典音乐的发展，与前面我们所提过的各个时期比较，他们之间最大的不同之处，就在于以前各个时期的音乐作品，多半能够归纳出属于自己的时代风格，但是这一点在廿世纪的音乐中便行不通了，现代乐派的音乐，创作者在创作理念上往往是天差地别，音乐的呈现方式也是五花八门，它们之间并没有什么普遍性和共通性。所以有人就说：「廿世纪是西洋音乐史上最『混乱』的一个时期」，至于廿世纪所发展出来的许多音乐，是否有传世的价值？由于当代人看当代的事物总是很难客观，这一点恐怕就要留待后世的人来评断了
计算机092 09416403 胡丽萍 中西方音乐差异比较 音乐，无论是哪个国家的音乐，都是一门很深的艺术。从广义上来说，音乐是文化的延伸，是文化孕育出来的精华的一种结晶形式。音乐如同语言一样，具有很强的民族性，随着民族、地域的差异，存在着巨大的差异，就像不同语言之间语法、词汇的诸多差异。中西方音乐是存在着巨大的差异的，这与中西方的文化差异是分不开的。音乐是人类社会发展到一定程度的产物，是人类文明的重要组成部分。在人类文化地域性差异形成的时候，音乐的差异性也就随之产生。 首先，中西方音乐的差异，体现在乐器上的差异。西方乐器的制作材料是以金属和各种标准化了的木料为主，特别是吹奏乐器，几乎全部是用金属或金属加胶木（或各种天然硬木，如乌木、红木等）等制成。诸如管、号、笛，大部分都为金属质地，小部分是由胶木或天然硬木为体。金属又可以根据人的需要随意组合不同的合金，十分有利于标准化和规格化。与之相反，中国乐器的制作则以天然材料为主。除了在特殊场合使用的旋律编钟和非旋律性的打击乐器，如锣、铃、铛、钹等外，在实际日常音乐活动中占绝对优势的如萧、笛、笙、瑟、筝、阮、三弦、琵琶，以及二胡、板胡等拉弦乐器，都是用木、竹、皮、石等天然材料制成。天然材料的使用意味着对自然属性的尊重，而自然本身的多样化和独特性又意味着人们无法对它们作质料上的标准化、统一化工作。于是，用自然材料制成的中国乐器就特别注重音色的独特个性。再从发声原理上看，中西乐器也有着微妙但很重要的不同。西方乐器为了获得音色上的共性，除了要求制作材料标准化、统一化外还要减少材料在乐器发音中的作用，尽量不让或少让器体参与发声时的振动。西方乐器，尤其是吹奏乐器，均以空气振动为主，以器体振动为辅。这样，西方乐器在获取共性音色的道路上，又排除了以上材料差异带来的障碍。因此，乐器的不同，使得音乐的风格完全不同。 再者，中西方音乐的差异，体现在审美的差异。正如《中国音乐审美导论》中提到：“在审美追求上，中国音乐艺术以‘和’为理想，尚虚无，求空灵，讲韵味，求深邃，讲意境，求气韵生动，强调直觉与领悟，注重生命本体。这与西方音乐求深刻，强调理性与思想，把实有，意义与情感作为精神支柱的音乐审美特点形成鲜明的对比”。在我看来，当今的音乐美学史，实际上是一部中国音乐美学思想与西方音乐美学思想互相斗争、交融、互补的历史。中国传统音乐主要表达儒家的和谐，礼仪之美；道家的自然，天人合一；佛家的空灵，悟性，禅意等，相对比较主观。这和中国的绘画，书法追求神韵，重意境的审美情趣是相通的。所以多讲求和谐、幽美、深沉，旷达等。是人的内心世界在一定的自然环境下的自然流露，突出“情”和“景”的交融。如在听《梅花三弄》时，你首先能感受到的是景，然后通过此曲结构上采用循环再现的手法，重复整段主题三次，每次重复都采用泛音奏法，体现了梅花洁白，傲雪凌霜的高尚品性。西方古典音乐在西方戏剧的发展背景下，着重美学及功能性，故此比较客观。西方古典音乐以深刻严肃见长，突出主客对立，大都带有正剧或悲剧色彩，体现出来的是一种艺术精神的“壮美”。对于艺术的态度，东西方之间肯定是截然不同的。 再者，是音乐创作和音乐理念的差异：中国传统音乐，没有一套完备的作曲理论与法则，较易失传。而西方古典音乐技术层面上有理论，有规范，有大量的文字和音响文献，易于流传。中国传统音乐以线条为主，而西方古典音乐更讲究和声。就如中国的绘画和书法讲究的是线条的艺术；西方的绘画讲究的是面，立体，光影的艺术。中国传统音乐注重气息，神韵，而西方古典音乐更讲究节奏，气势。就如中国的绘画注重写意，似与不似之间；西方的绘画注重写实，表现盛大的场面。 最后，中西方音乐由于历史、文化等原因,存在着一定的区别,其主要表现在中国音乐着重于情韵,而两洋音乐注重的则是音乐本身的和谐性;中国音乐发展自然过渡,一脉相承,西方音乐发展则呈块状结构和阶段性特征;中国音乐体现为单纯的模线性织体思维,以线条为主,而西方音乐则倾向于横交叉的立体状织体思维,更讲究和声;中国音乐语言偏重心理,略于形式,极富变量,为开放性结构,而西方音乐形式严谨,结构具有封闭性特征;中国音乐尚善尚美,追求虚静空灵的意境,注重感觉,而西方音乐却讲究理性与情感的统一,追求力度与强度,乐思明晰而实在。因此，形成完全不同放的风格。 东西方的音乐有这么大的差距，根源来自中西文化上的差异。西音乐功能上的这种不同，其根源即在于中西文化上的差别。这个差别是：西方文化重外部知识的获得，中国文化重自身生命的享受；西方文化传统是以知识为本体，中国文化传统则以生命为本体。所谓以知识为本体，是指西方人将知识的获得作为自己生命的动力和目
西方古典音乐发展与赏析论文 土木建筑学院 土木工程 201001020204 董硕 浅谈对西方古典音乐的欣赏 摘要：在音乐中，有魔鬼的诱惑，有上帝的昭示，有人类的挣扎。音乐是一个宇宙，音乐中有一切。莫扎特的音乐风格优美、秀丽、典雅、热情，听后是使人能产生心旷神怡的感觉；贝多芬的音乐集中体现了他那个时代人民的痛苦和欢乐、斗争和胜利。因此贝多芬的音乐作品重视激励着人们，鼓舞着人们的气质，即使在现在也使人们感到亲切和鼓舞；肖邦的音乐风格处处透露着优雅、细腻、精致，色彩性的和声处理的很有独特性，使人陷入一种无法自拔的浪漫。 关键词：西方古典音乐大学生影响 音乐，始于词尽之处。——圣桑 音乐，是人生的艺术。——施特劳斯 音乐，是思维者的声音。——雨果 古典音乐虽然被称为高雅音乐，离我们这个时代较为遥远，但是它能流传下来，就说明它是经典的，有意义的。古典音乐常常陪伴在我们身边：世界杯开幕式演出郎朗的演奏、F1颁奖仪式的背景音乐《卡门》、北京残奥会盲人演奏的《c 小调幻想即兴曲》，甚至是《猫和老鼠》中的《匈牙利狂想曲》、根据尼采作品创作的《查拉图斯特拉如是说》也被运用于《2001太空漫游》……还有流行歌曲借用古典旋律:SHE的《不想长大》、Hayley Westminster的《never say goodbye》等等。其实古典音乐并不晦涩难懂，每个人都可以有自己对作品的看法。每个人都可以在古典音乐的领域找到属于自己的地方。 一欧洲古典音乐的发展时期 欧洲古典音乐伴随着历史阶段的发展和变革，形成了与当时社会氛围相适应的各类音乐艺术形式和各种风格流派。它的创作背景一般可分为四个时期，所包括的内容与形式广泛多样，作品与史料丰富详实。它所承载的异域的人文风情，给听者以启发、震撼、感动。了解和欣赏欧洲古典音乐会使我们当代大学生的人文艺术修养更上一层楼。 欧典古典音乐的创作背景一般可分为四个时期：第一时期——巴洛克时期，这个时期代表人物有德国巴赫也称音乐之父，亨德尔也称清唱剧大师，意大利的维瓦尔第等，这个时期的音乐风格旋律优美，柔和。第二时期——古典主义时期代表人物有海顿、莫扎特、贝多芬等，这个时期的音乐特征主题特点鲜明，有一定的冲突性。第三时期是浪漫主义和民族乐派，代表人物有得彪西、舒曼、舒伯
发展阶段 欧洲古典的创作背景一般可分为四个时期第一时期巴洛克时期 这个时期的代表人物有巴赫也称音乐之父，主要作品《十二平均律》、《托卡塔及赋格》；也称清唱剧大师，主要作品《水上音乐》、《皇家烟火》等；的维瓦尔弟（小提琴），主要作品《四季》等，这个时期的音乐风格旋律优美、柔和。 第二时期古典主义时期 代表人物，有、莫扎特、等，这三人一起被后人称为“”。这个时期的音乐特征主题鲜明、有一定的冲突性。而在这一时期贝多芬是最著名的代表。他在音乐上的成就非常之大；是古典乐派的终结者和浪漫乐派的开拓者。主要的代表著有主要作品有交响曲九部（以第三《英雄》、第五《》、第六《》、第九《》最为著名），此外还有《月光奏鸣曲》、《悲怆奏鸣曲》、歌剧《》等大量作品。 第三个时期浪漫主义和民族乐派 代表人物有德彪西、舒伯特、、柴可夫斯基、、德沃夏克等，这个时期的音乐背景比较复杂，特征主要是作曲形式多样化，有了一定改革，音乐表现有些委婉、抽象，且有号召力，有鲜明的民族风格。 第四个时期近代主义乐派 代表人物有斯特莱文斯基、格什温、等，作品特征和声配器丰富，旋律性不太强，内涵深，有的还带有风味，这个时期的作品较难理解，其方法必须多次反复欣赏，多阅读相关资料；掌握演奏者的再创作，必须要了解世界上著名的、演奏家、著名乐团的基本情况和风格，如：指挥家、伯恩思坦、、小择震尔等，著名乐团、、维也纳爱乐乐团等，他们的指挥与演奏风格。有选择性地购置录音带、CD,要选择著名唱片公司、著名指挥 家和乐团的作品，而且多了解他们再创作过程背景和个性。欣赏者自身的理解是根据自身的文化层次对音乐的理解，音乐不同于其它学科，它反映的东西是比较模糊的，也比较抽象的，因此，可以充分发挥自己的想象力，例如，在欣赏柴可夫斯基《》的场景时，可以想象一群长着翅膀如少女在宁静的湖面上翩翩起舞、若影若现，也可想象一群天鹅在湖面上轻轻地、慢慢地游荡。总之发挥自己的想象，将三元素有机联系起来，多听著名作品，感觉是美的东西就去欣赏、去思考，就会进入欧洲古典音乐欣赏最高层次。
1．文艺复兴时期的旋律有什么特点？ 以级进为主，是歌唱性的,与歌词的抑扬顿挫有关系,有时会采用"图解"方式对歌词中的某些词汇作形象模拟。 2．文艺复兴时期的音乐节奏是怎样的？ 有了可计量的节奏，但在宗教声乐作品中不强调律动感，只是在世俗音乐中拍点鲜明，律动感强。 3．文艺复兴时期的音乐采用什么调式？和声是怎样的？ 采用已经扩展为12个调式的中古调式。和声写作尚未建立功能体系,但已在终止式上表现出了和声进行中的和弦的功能性,并有意识地运用谐和与不谐和和弦来表现情绪、构成音响紧张度的变化。文艺复兴时期的音乐织体是怎样的？以4声部模仿式复调织体为标准，在16世纪5个或更多声部的复调也很常见。同时已经从现了局部的主调和声思维。 4．文艺复兴时期的音乐运用哪些音色？ 声乐仍然占有最重要地位；复调宗教作品由小型的合唱组演唱，世俗音乐由独唱或独唱者小组和小型乐器组表演。同时已有很多音乐是专为乐器创作的。 5．文艺复兴时期音乐的曲式是怎样的？ 结构较为自由而多样化，复调模仿式曲式逐渐取代了与诗歌结构紧密配合的分段性曲式。同时也有大量分节歌形式。 6．文艺复兴时期的音乐有哪些主要体裁？ 各个部分都写成了复调形式的弥撒曲。经文歌（主要是宗教内容的）。器乐舞曲。复调器乐曲，如利切卡尔。世俗歌曲如牧歌、尚松等。 在传统的西方音乐史的时期划分中，表示15、16世纪这段时期的音乐。文艺复兴运动形成了古希腊文化以后欧洲文化的第二个高峰，以面向人世和对古典文化的继承为主要特征。在音乐方面，古希腊并未传下堪资借鉴的实例。因此，文艺复兴时期的音乐艺术与其说是希腊古典风格的再生，毋宁说是新风格的创立。从显贵气派转向大众化；从宗教感情转向崇尚理性和追求人性的发展，强调直接可感的人的心境和感情的表达，与具有神秘、抽象、禁锢感情等因素的中世纪艺术风尚相对立。 文艺复兴音乐起源于14世纪意大利和法国复调音乐获得发展的“新艺术”时期，意大利F.兰迪尼和法国G. de马绍等作曲家成为文艺复兴音乐的先驱。15世纪尼德兰音乐理论家J.廷克托里斯在其《均衡》一书的序言中最早提出了音乐“复兴”的概念。16世纪这种概念得到系统的阐述。当时的意大利音乐理论家G.扎利诺根据同时代美术史家瓦沙利的观点，在批判中世纪音乐艺术的同时，将古代音乐艺术描绘为“尽善尽美的顶峰”。这时期的许多论文对古代音乐崇拜的倾向十分明显，但并未导致对古典音乐权威的盲从。对音乐与诗歌统一的古代音乐艺术的研究，为16世纪末～17世纪初歌剧的产生，提供了理性的根据。文艺复兴时期的乐器作坊(绘画) 15、16世纪工业技术的发展，给音乐艺术带来极大的变化。以威尼斯为中心，乐子刷业产生了，音乐有了更为统一的版本，更加得到广泛而迅速的传播；城市里逐渐形成了一大批业余音乐爱好者，使世俗复调音乐取得支配性的地位。随着自然科学的迅速发展和对艺术技巧的探讨，在音乐艺术实践中出现了一系列革新。主要体现在下述 5个方面：①世俗体裁得到极大发展。14 世纪意大利卡农式的猎歌，16世纪意大利戏剧性的多声部牧歌，
西方古典音乐赏析 古希腊的音乐是以诗与乐，或诗、乐、舞三位一体为主的音乐艺术，其中诗的地位在乐之上，曲调和节奏都受歌词抑扬顿挫的影响。 古希腊的乐器主要有弦乐和管乐两类，弦乐的代表是里拉琴，管乐的代表是阿夫洛斯管。 四音音列 古希腊音阶的基础是四音音阶（Tetrachord）。它自上而下排列，两端的音构成固定的四度音程，中间的音程可以变化，从而形成三种不同的四音音阶： 完整音列体系 两个四音音列便可以构成七音体系或是八度体系。构成的方法有两种：联合四音音列（前一个四音音列的最后一个音作为下一个四音音列的第一个音）和非联合四音音列（前一个四音音列的最后一个音与后一个四音音列的开头的音相隔一个全音）。 调式 四音音列可根据全音和半音的不同位置，排列成7种不同的音阶。古希腊的调式体系以古希腊的几个重要氏族部落命名，分别是多利亚、弗里几亚、利第亚、混合利第亚及其各种变体，排列方式自上而下。古希腊人认为不同的调式与不同的情感相联系，多里亚调式富有男子气质，能使人安静、坚强；弗里几亚调式狂野而具有酒神精神，能激发人的热情；利第亚调式使人柔弱；混合利第亚调式易使人悲伤 音乐社会功能学说 在古希腊人心中，音乐有一种神秘的魔力，认为音乐可以除邪防病，也是净化心灵、教化品性的重要手段，因此非常重视音乐在社会教育体系中的作用。 古希腊哲学家柏拉图、亚利士多德等人都对这一问题有过著述。 罗马音乐的重要特点之一是朝向实用化、典仪化方面发展，军乐以及仪式、游行音乐非常普及。军队中配有军乐队、乐师和歌手，以炫耀军威，鼓舞士气。音乐在古罗马统治阶级的手中，成为炫耀权势或纯粹娱乐的工具。在古罗马文化生活中，有深刻伦理道德意义的古希腊悲剧也被豪华的马戏演出或血腥的角斗士格斗场面所取代。 与古希腊音乐的另一个重要区别是音乐的职业化。职业音乐家到处巡回演出，待遇优厚，被人们奉为偶像。 格里高利圣咏的基本特征 情绪：情绪肃穆、超脱，采用无伴奏的纯人声（男声），排斥人世激情。 旋律：音调平缓，以级进、三度进行为主，是歌唱性(或吟诵性)的，和语言的抑扬顿挫有着密切的关系。节奏：自由而无固定节拍，依照歌词韵律长短抑扬而定。 织体：和希腊音乐一样，单声部音乐。 歌词：以拉丁文为歌词，歌词主要来自圣经和诗篇。 演唱方式：大致有独唱、齐唱、交替歌唱、应答歌唱四种。 较固定的音乐形式：诗篇歌调、交替圣歌、应答圣歌、赞美诗。 调式体系：教会调式。 中世纪的常用乐器有弦乐（拨弦、击弦、弓弦）和管乐两类。 英国音乐的风格特点： 1、和声方面 a、使用不省略三音的完全三和弦； b、常用相同节奏的和弦进行； c、运用协和的和声，避免强拍上的不协和音程。 2、织体方面 a、多采用和声式的织体； b、常将两个声部的旋律和节奏组合在一起，并创造出“福布尔东”的复调音乐手法。 福布尔东 从乐谱上看，是一种二声部音乐，高声部与低声部构成以平行六度为主的进行，偶尔出现八度，每个乐句总结束在八度上。 演唱时在高声部下方四度再即兴加入一个声部，该声部在谱面上往往未写明。
《西方古典音乐发展史鉴》教案 杨琼 一、教学目标 1、在教师的引导下，认真了解西方古典音乐的发展历程，结合有代表性的音乐作品或片段欣赏，学习鉴赏不同体裁、风格等音乐流派音乐 2、能紧跟教师的指导节奏进行比较欣赏，观察西方古典音乐在不同历史时期呈现的文化样式和音乐上的审美趣向 3、关注西方古典音乐的发展性特征，理解西方古典音乐多元性及其文化价值 二、教学重点和难点 教学重点：了解西方古典音乐从宗教走向现代的发展历程，形成对西方不同风格流派音乐鉴赏的关注度度 教学难点：从文化背景和音乐的表现特征角度理解不同时期音乐作品的风格形成 三、教学内容 ㈠导入 ㈡宗教音乐和世俗音乐相对概念 1、聆听《格里高利圣咏》 2、宗教音乐的主要特征 3、世俗音乐的广义概念 ㈢巴洛克音乐时期 1、巴赫介绍 2、巴洛克时期的代表音乐家 2、欣赏合唱《哈利路亚》和小提琴协奏曲《四季—春》片段 4、巴洛克时期音乐特征 ㈣古典主义音乐时期 1、古典主义时期音乐家代表人物 2、欣赏第九交响曲《合唱》片段 3、古典主义时期音乐特征 ㈤浪漫主义音乐时期（民族乐派） 1、浪漫主义音乐的特征 2、欣赏舒伯特艺术歌曲《小夜曲》 3、比较古典主义时期和浪漫主义时期的音乐特征 ㈥印象主义音乐 1、印象主义画派 2、印象主义音乐流派及代表人物 2、欣赏拉威尔的管弦乐曲《波莱罗舞曲》 ㈦二十世纪现代音乐 1、二十世纪现代音乐的种类 2、欣赏格什温的钢琴与乐队演奏的《蓝色狂想曲》 四、学习评价 1、西方古典音乐不同流派和风格的辨认 “粥”“满汉全席”“自助餐”“烛光晚餐”“火锅”…… 2、归纳西方古典音乐发展史（年轮、动画） 五、教学小结下课
爵士乐 一、爵士乐的起源爵士乐(Jazz)以其极具动感的切分节奏、个性十足的爵士音阶和不失章法的即兴演奏（或演唱）赢得了广大听众的喜爱，同时也得到了音乐领域各界人士的认可。它以布鲁斯和拉格泰姆为源头，经过整整一个世纪的发展，如今已是异彩纷呈、百花齐放。自从1917年第一张爵士唱片诞生以来,它便显示出了巨大的发展潜力。20世纪初的新奥尔良爵士乐、30 年代大乐队演奏的摇摆乐、40年代的比博普爵士、40 年代末的冷爵士、50年代的硬博普、60 年代的自由爵士、70 年代以后的摇滚爵士，而后拉丁爵士、融合爵士、爵士放克...... 一张张不同风格的爵士唱片汇成了一部爵士乐发展史。 1、爵士乐的来源--布鲁斯和拉格泰姆 布鲁斯（Blues） 布鲁斯是南北战争后，黑人民间产生的一种演唱形式...... 拉格泰姆（Ragtime） 拉格泰姆是美国流行音乐中第一次出现真正有全国影响的音乐形式。它最初 是一种钢琴音乐，盛行于19世纪90年代到第一次世界大战结束...... 2、爵士乐的发源地 新奥尔良（New Orleans） 爵士乐于19世纪末、20世纪初诞生于美国的南部城市新奥尔良...... 二、早期爵士乐（19世纪末～20世纪30年代中期） 1、新奥尔良爵士乐 一般认为，新奥尔良爵士乐出现在19世纪90年代。但是历史上的第一张爵士 唱片问世于1917年，是由"正宗迪克西兰爵士乐队"（Original Dixieland Jazz Band）在新奥尔良录制的...... 2、芝加哥爵士乐 三、摇摆乐 20世纪30年代，一种由大乐队（Big Band）演奏的带有黑人风格，并极具舞蹈性的爵士乐--摇摆乐（Swing，例7）开始在纽约发展起来...... 四、比博普 ......比博普的旋律很不连贯，有时却又连续不断地往外迸射；节奏是支离破碎的；拍子是含
论中西方古典音乐的区别与联系 摘要：中国东方文化与西方文化有显著差异，中西方人的思维方式也截然不同，故孕育出来的音乐固然有显著差异。然而，随着时代的发展，文化的交融，中西方音乐的联系又是不容忽视的。本文将从中西方古典音乐的音韵，作品目的，特点，演奏方式等等多个方面叙述东西方音乐的异同。而对中国古典音乐将作重点论述。 关键字：中国音乐，西方音乐，异同，演奏方式，乐曲特点。 1.中西方的差异 1.1音列 中国古典音乐是基于五声音阶体系的。中国音乐起源早，在上古时期，先民们就已经开始制作乐器。中国不是没有七音，从出土的文物可以知道，在商朝时期，中国已经出现了七声音阶，但是，人们的审美取向使得中国古典基本上只是用五声音阶。五声阶名宫、商、角、徵、羽（加变徵，变宫为七音）在周朝已经确立，对应于现代七音体系里分别是Do Re Mi Sol La，并且成为了中国民族音乐的基础。 对于西方古典音乐，现在所指的主要是从16世纪末开始往后到19世纪末在西方主要是欧洲流行的音乐。西方音乐在音列上是7音体系即现代通用唱名的Do Re Mi Fa Sol La Si。 中国古典音乐之所以要基于宫商角徵羽五音，也是受到中国传统文化的影响。在古书里，五音为正声，万代不易，且与五行金木水火土五行之道有密切联系，且在人体上还对应于人的五脏。同时，中国音乐强调“中和之美”，重在和谐、自然，不追求强烈，古人重视音乐的重要性，认为音乐可以陶冶人的性情，而五音是中正之音，可平衡人的身心，故五音是中国音乐最重要的特点之一。 1.2乐曲特点 1.2.1中西方音乐都经历有从独奏到合奏、由单声部到和声的发展过程，但是在中国古典音乐中，独奏的地位更高，和西方音乐相比，对和声的重视程度则低得多。 在中国，音乐往往是陶冶人的性情，修养身心的手段之一，往往采取个人独奏方式，注重的是对个人情感的表达，相对主观。古琴就是一个典例，其在中国古典音乐上有重要地位，是中国古代文人和名门闺秀修身所要掌握的个人技能琴棋书画之一。另外，而合奏则往往出现在宫廷等达官贵人的大型娱乐演出中，相对影响范围不很广。 而西方音乐从单声部发展到重奏，再发展到合奏后，和声的地位从此不可撼动。西方音乐注重的是美学及功能性，重视对他人的感染力，相对较为客观。而合奏则以其宏大的气势和丰富的乐声满足了这一需求。 因此有人形容西方音乐像一堵厚重的墙壁，上面轮廓如同旋律，砖石如同墙体。即使轮廓平直只要有和声也是墙。而中国音乐则不同，好像用线条画出的中国画，如果没有轮廓（旋律）则不成其为音乐，但和声是可有可无的。所以从未接触中国音乐的西方人听中国音乐“如同飘在空中的线”，而从未接触西方音乐的中国人则觉得西方音乐如同“混杂的噪声”。
西方古典音乐赏析 西方古典音乐赏析：贝多芬的《月光》 贝多芬的《月光》钢琴奏鸣曲写于1801年。那一年贝多芬在信 中承认他对耳疾的恐忧。他在一封信中还写道：“我现在正过着一 种稍微愉快的生活，这种改变是一个爱我，也为我所爱的可爱的， 迷人的女孩带来的……不幸的是，她不是我这个阶级的人，而且目 前我还不能结婚。 信中所说的“可爱的，迷人的女孩”就是十七岁的朱丽叶塔，她是贝多芬的钢琴学生。她可能还是贝多芬作品第十八号之一弦乐四 重奏中慢板乐章灵感的来源。 这首奏鸣曲之所以被称为“月光曲”，是由于德国诗人路德维希.莱尔什塔勃将此曲第一乐章比作“犹如在瑞士琉森湖月光闪烁的湖 面上摇荡的小舟一般”而来的。关于此曲还有一个动人的传说，当 贝多芬给一对盲人兄妹演奏钢琴时，风将蜡烛吹灭了。当时月光静 静地洒落在这个贫困的小屋里，洒在钢琴上和三个人的身上。有感 此情此景，贝多芬即兴创作了“月光”奏鸣曲。无论如何，“月光”个名称使这首奏鸣曲成为家喻户晓的名曲。 西方古典音乐赏析：《幻想奏鸣曲》 《月光》原名《升C小调钢琴奏鸣曲》，又名《幻想奏鸣曲》、《幻想朔拿大》，创作于1801年，接近于吴旺维创作的成熟期。这 部作品有三个乐章：第一乐章，那支叹息的主题融入了他的耳聋疾患，忧郁的思绪。而第二乐章表现了那种回忆的甜梦，也像憧憬未 来的蓝图。第三乐章激动的急板。而这部作品最美丽的，便是第一 乐章，让人想起月光。 这首钢琴曲之所以被称为《月光》，是由于德国诗人路德维希·莱尔斯塔勃听了以后说：“听了这首作品的第一乐章，使我想 起了瑞士的琉森湖，以及湖面上水波荡漾的皎洁月光。”以后，出
版商根据这段话，加上了《月光》的标题，关于作曲家在月光下即 兴演奏的种种传说便流行起来。其实触动贝多芬创作的不是皎洁如 水的月光，而是贝多芬与朱丽叶·圭查蒂(1784—1856)第一次恋爱 失败后的痛苦心情。 朱丽叶塔·圭查蒂是伯爵的女儿，比贝多芬小14岁，两人真诚 相爱，因门第的鸿沟，又迫使两人分手。贝多芬在遭受这一沉重打 击之后，把由封建等级制度造成的内心痛苦和强烈悲愤全部倾泻在 这首感情激切、炽热的钢琴曲中。所以，这首曲子是献给她的。 对于这个作品的解释，也许俄国艺术批评家斯塔索夫(1824—1906)的见解是比较合理的。他在回忆了听李斯特在彼得堡的演奏后，认为这首奏鸣曲是一出完整的悲剧，第一乐章是暝想的柔情和有时 充满阴暗预感的精神状态。他在听安东·鲁宾斯坦的演奏时也有类 似的印象：“……从远处、远处，好像从望不见的灵魂深处忽然升 起静穆的声音。有一些声音是忧郁的，充满了无限的愁思;另一些是 沉思的，纷至沓来的回忆，阴暗的预兆……” 绕着《月光》，有一段误传的轶事。上半世纪，一位德国音乐评论家发表文章，说贝多芬的《升C小调钢琴奏鸣曲》使他联想起 “瑞士琉森湖上水波荡漾的月光”。于是精明的出版商即以“月光曲”为标题杜撰了一个动人的“故事”：“一天晚上，贝多芬在维 也纳郊外散步，忽然听到琴声，而且是他的作品。他寻声走到一幢 旧房窗前，发现是一位盲姑娘在演奏。他进屋后才知道她非常喜欢 贝多芬的音乐。作曲家非常感动，在月色辉映下，他写下了这首月 光曲……”。 这个故事纯属虚构。其实贝多芬写作这部作品时，正值1801年，当时他的耳聋疾患日渐严重，失恋的创痛尚未平复，在痛苦的心境中，他写出了这首钢琴奏鸣曲。几乎没有一首名曲像这首奏鸣曲一样，因“月光”这一俗称而名满天下、家喻户晓。《月光》这一名 的由来众说纷纭，但最多的是源于德国诗人路德维希·雷尔施塔布(1799-1860)形容这首乐曲的第一乐章为“如在瑞士琉森湖那月光闪 耀的湖面上一只摇荡的小舟一样”。这部作品，贝多芬自己称为 “好像一首幻想曲一样的”(QuasiunaFantasia)。
浅谈中西方古典音乐的审美差异 宗白华认为：“音乐深深地表现人类心灵最深最隐秘的情调与律动。音乐对于人心的和谐、行为的节奏，极有影响。”可见，音乐是人们生活中不可或缺的存在。作为意识形态差别巨大的中西方对音乐的审美必然也有不同之处。下面我们以中西方的古典音乐为例，探讨二者对音乐的审美差异。 首先我们来看中国古典音乐的发展脉络。中国的音乐源头可追溯到远古时期。这一时期被称为舞乐时期，是五声音阶。在黄帝时期就出现了箫和笛，被用于人们的祭祀、舞乐等，这都是具有文献可考的。到了周朝，音乐已经具有系统的理论以及传统。周朝六艺中的雅乐为中国的雅乐时期奠定了基础，雅乐具有节奏缓慢、曲调简单的特点。到后来由于外部文化入侵以及战乱的原因，周代的音乐传统礼仪音乐被打断，直到汉朝建立想恢复古代礼仪时不得不把当时的民歌作为创作曲子的来源，以期能复原古代礼仪。至厅宋朝，音乐在说唱音乐、歌舞音乐以及乐器方面都有了进一步的发展，并且宋朝由前代的绝句诗发展出了长短句。元代的元杂剧，由诗转为词，词转为曲是其一大特色。杂剧基本是同现代西方歌剧的四幕剧一样的四折而组成。明代因大量的人口迁移以及资本主义萌芽，出现了南戏。清朝有皮簧、秦腔以民歌等音乐。被称为俚曲或通俗之曲的民间说唱形式已出现。从上面的发展历程来看，中国古典音乐最初是用于祭祀礼仪等庄严肃穆的场合，而后由于政治文化经济的变迁慢慢的从上到至下，从宫廷到民间，渐渐的走向了大众。 接下来我们来看西方古典音乐的发展脉络。古典音乐划分为狭义的古典音乐和广义的古典音乐。现在我们所说的便是广义的古典音乐。西方古典音乐的发展可大致分为四个时期：第一时期一一巴洛克时期，这一时期可称为欧洲音乐迅速发展的时期。许多重要的声乐、器乐以及音乐体裁如歌剧、协奏曲等都已产生。这一时期的代表人物有德国音乐之父巴赫、意大利的维瓦尔第等。第二时期一一古典主义时期，这一时期器乐已经完全独立。德国出现曼海姆乐派，首先确立了交响乐四个乐章的结构形式，为其后出现的维也纳古典乐派奠定了基础。这一时期代表人物有海顿、莫扎特、贝多芬等。第三时期一一浪漫主义和民族乐派时期，这一时期的主旋律是浪漫主义，而民族乐派又是浪漫主义中最具代表性的乐派。民族乐派的形成与东欧、北欧的民主运动空前高涨有关。代表人物有西柳贝斯、斯美塔那等。第四时期一一印象派时期，印象主义产生于欧洲十九世纪末，首先是在绘画中出现，然后才在音乐上被借用。这一时期作曲家们大胆的向浪漫主义的形式和风格提出挑战，印象派追求精致而优美的音乐语言。这一时期的代表人物有有德彪西、拉威尔等。
代表人物有斯特莱文斯基、格什温、马勒等，作品特征和声配器丰富，旋律性不太强，内涵深，有的还带有爵士风味，这个时期的作品较难理解，其方法必须多次反复欣赏，多阅读相关资料；掌握演奏者的再创作，必须要了解世界上著名的指挥家、演奏家、著名乐团的基本情况和风格，如：指挥家卡拉扬、伯恩思坦、阿巴多、小择震尔等，著名乐团、柏林爱乐乐团、维也纳爱乐乐团等，他们的指挥与演奏风格。有选择性地购置录音带、CD，要选择著名唱片公司、著名指挥家和乐团的作品，而且多了解他们再创作过程背景和个性。欣赏者自身的理解是根据自身的文化层次对音乐的理解，音乐不同于其它学科，它反映的东西是比较模糊的，也比较抽象的，因此，可以充分发挥自己的想象力，例如，在欣赏柴可夫斯基《天鹅湖》的场景时，可以想象一群长着翅膀如少女在宁静的湖面上翩翩起舞、若影若现，也可想象一群天鹅在湖面上轻轻地、慢慢地游荡。总之发挥自己的
想象，将三元素有机联系起来，多听著名作品，感觉是美的东西就去欣赏、去思考，就会进入欧洲古典音乐欣赏最高层次。 欧洲古典音乐家生平故事（一） (2010-12-23 21:40:33) 转载▼ 分类：东西方音乐 标签： 文化 巴赫（1685—1750） 请记住，三百多年来波澜壮阔的欧洲近代音乐的奠基人，他的名字叫巴赫。约翰?塞巴斯提安?巴赫（Johan Sebastian Bach）于1685 年3 月31日出生在德国图林根的爱森那赫。这是一个富有音乐传统的城市，据说城门上还镌刻着“音乐常在我们的市镇照耀”这样的铭文。巴赫的家庭是一个受人尊敬的音乐家族。他们长期生活在这一带，辈辈相传，以音乐为生，三百年间，有50 多名音乐家见于记载，及至约?塞?巴赫，已是第五代传人。父亲是小巴赫的第一任老师。7 岁起，他就在教堂附属的拉丁语学校上学，因成绩出众，深得老师喜爱。其时，他还经常参加学校的各种演出活动，以补贴学费。10 岁时，父母去世，他遂由哥哥抚养，并担负他的音乐教育。巴赫对哥哥的教学日渐不满，总向哥哥提出种种问题，哥哥常因学力不逮无法作复而恼羞成怒。哥哥藏有前辈著名大师们的作品手抄谱，巴赫很想借来一阅，但屡遭拒绝。巴赫知道乐谱的藏处，每经于此，都不忍离去，情急之中，终于想出了办法。每当夜深人静，趁家人都已入睡，他便悄悄起身取出乐谱，在淡淡的月光下偷偷抄写。半年之后，全部乐谱抄录殆尽。然而，不想就在此时，东窗事发，终于败露。哥哥于气愤之中，不顾手足之情，把巴赫辛辛苦苦半年抄录的乐谱悉数撕毁。巴赫年岁虽小，但生性顽强，为了学习，不怕任何困难。听说汉堡有位著名的管风琴大师技巧相当高超，巴赫心向往之。无奈路途遥远，身无分文，他只好携带干粮，只身徒步前往。凭草垛栖身，饮河水消渴，一路风尘坎坷，巴赫全都置之度外。一次往返180 里，归来时已是双足生满血泡。然而，能观摩大师演奏，聆听大师教诲，小巴赫每次出发之前，从不犹豫。1702 年，巴赫从学校毕业。以其优异成绩，完全可以免试深造，但生计无着，只能就业于阿恩斯塔特城教堂弹奏管风琴。供职后，为提高琴艺，他常常通宵达旦，发奋练习，每逢假日，仍徒步前往汉堡，从老师学习。在鲁贝克教堂任职的布克斯特胡德，是当时北德最杰出的作曲家和管风琴大师，巴赫对他仰慕已久，早盼着一睹大师风采。正巧巴赫获得了为期一个月的休假，他不顾往返640 多里的路程，又一次背起行囊，风餐露宿，徒步走向鲁贝克。布克斯特胡德的作品与演奏，令巴赫大为倾倒。他如饥似渴地向前辈大师讨教，竟流连忘返误了归期。巴赫返回阿恩斯塔特时，已是四个月之后。上司们素来与他有隙，
中西方音乐的区别与 联系
论中西方古典音乐的区别与联系 摘要：中国东方文化与西方文化有显著差异，中西方人的思维方式也截然不同，故孕育出来的音乐固然有显著差异。然而，随着时代的发展，文化的交融，中西方音乐的联系又是不容忽视的。本文将从中西方古典音乐的音韵，作品目的，特点，演奏方式等等多个方面叙述东西方音乐的异同。而对中国古典音乐将作重点论述。 关键字：中国音乐，西方音乐，异同，演奏方式，乐曲特点。 1.中西方的差异 1.1音列 中国古典音乐是基于五声音阶体系的。中国音乐起源早，在上古时期，先民们就已经开始制作乐器。中国不是没有七音，从出土的文物可以知道，在商朝时期，中国已经出现了七声音阶，但是，人们的审美取向使得中国古典基本上只是用五声音阶。五声阶名宫、商、角、徵、羽（加变徵，变宫为七音）在周朝已经确立，对应于现代七音体系里分别是Do Re Mi Sol La，并且成为了中国民族音乐的基础。 对于西方古典音乐，现在所指的主要是从16世纪末开始往后到19世纪末在西方主要是欧洲流行的音乐。西方音乐在音列上是7音体系即现代通用唱名的Do Re Mi Fa Sol La Si。 中国古典音乐之所以要基于宫商角徵羽五音，也是受到中国传统文化的影响。在古书里，五音为正声，万代不易，且与五行金木水火土五行之道有密切联
系，且在人体上还对应于人的五脏。同时，中国音乐强调“中和之美”，重在和谐、自然，不追求强烈，古人重视音乐的重要性，认为音乐可以陶冶人的性情，而五音是中正之音，可平衡人的身心，故五音是中国音乐最重要的特点之一。 1.2乐曲特点 1.2.1中西方音乐都经历有从独奏到合奏、由单声部到和声的发展过程，但是在中国古典音乐中，独奏的地位更高，和西方音乐相比，对和声的重视程度则低得多。 在中国，音乐往往是陶冶人的性情，修养身心的手段之一，往往采取个人独奏方式，注重的是对个人情感的表达，相对主观。古琴就是一个典例，其在中国古典音乐上有重要地位，是中国古代文人和名门闺秀修身所要掌握的个人技能琴棋书画之一。另外，而合奏则往往出现在宫廷等达官贵人的大型娱乐演出中，相对影响范围不很广。 而西方音乐从单声部发展到重奏，再发展到合奏后，和声的地位从此不可撼动。西方音乐注重的是美学及功能性，重视对他人的感染力，相对较为客观。而合奏则以其宏大的气势和丰富的乐声满足了这一需求。 因此有人形容西方音乐像一堵厚重的墙壁，上面轮廓如同旋律，砖石如同墙体。即使轮廓平直只要有和声也是墙。而中国音乐则不同，好像用线条画出的中国画，如果没有轮廓（旋律）则不成其为音乐，但和声是可有可无的。所以从未接触中国音乐的西方人听中国音乐“如同飘在空中的线”，而从未接触西方音乐的中国人则觉得西方音乐如同“混杂的噪声”。
懂得欣赏西方古典音乐也是很重要的。最容易进入古典音乐的殿堂就是官能欣赏，即满足于音乐的直觉感受，也就是说你觉得音乐旋律优美动听或者有一定的振罕力，给人以力量，振奋精神。你认为是好的声音、好的音乐不必考虑其他的内涵。如果有一套较好音响，你就更爱听，听得轻松听得舒服，时间长了你就很快进入古典音乐的殿堂。再一进步就是古典音乐情感的欣赏，也就是通过感受音乐的各要素，体验、理解音乐的情感，在欣赏过程中，对音乐的节奏、旋律和声、音色、力度、速度、调式、曲式、织体加以了解分析，节奏常被比喻为音乐的骨架，节奏是音乐中重拍弱拍的周期性，有规律的重复进行，基本的节奏所表现的音乐风格我们应该要了解，如慢三、慢四一般表现抒情、优美，圆舞（快三）表活泼，进行曲表现有力量等;旋律也称曲调，高低起伏的音乐按一定的节奏有秩序地横向组织起来，我们在欣赏音乐的过程中思想一定要跟着旋律走，基本的感觉一定要找到，如水平进行时表现的是柔和和优美、宁静、级进和跳进时就是主题推向高潮，下行一般表现激烈转为平静;和声也称和弦的运用，一般欧洲古典音乐都是多声部的音乐，如果说旋律是横向进行，和声就是纵向进行的，如此以来，音乐就丰满起来，也有了气势;音乐力度、速度等这些要素我们可以适当学习一些音乐常识得以掌握，欧洲古典音乐作品的曲式、和声、织体是十分规范严谨的，我们可以运用这些知识去体验理解，再加自兴趣进入欧洲的古典音乐情感的欣赏也是不难实现的。 欣赏欧洲古典音乐最高层次是理智的欣赏，也就是说不仅体验、理解音乐的情感，还能对音乐作品的形式、内容、民族特征、社会价值和艺术价值等作出分析和评价。要想达到这个层次，我们必须了解欣赏欧洲古典音乐的三元素，即创作背景、演奏者的再创作;欣赏者自身的理解。欧洲古典的创作背景一般可分为四个时期：第一时期巴洛克时期，这个时期的代表人物有德国巴赫也称音乐之父，亨德尔也称清唱剧大师;意大利的维瓦尔弟等，这个时期的音乐风格旋律优美、柔和。第二时期是古典主义时期代表人物有海顿、莫扎特、贝多芬等，这个时期的音乐特征主题鲜明、有一定的冲突性。第三个时期是浪费主义和民族乐派，代表人物有德彪西舒曼、舒伯特、拉威尔、柴可夫斯基、斯美塔那、德沃夏克等，这个时期的音乐背景比较复杂，作曲形式多样化，音乐表现有些委婉、抽象，且有号召力，有鲜明的民族风格。第四个时期是近代主义乐派，代表人物有斯特莱文斯基、格什温、马勒等，作品特征和声配器丰富，旋律性不太强，内涵深，有的还带有爵士风味，这个时期的作品较难理解;欣赏者自身的理解是根据自身的文化层次对音乐的理解，音乐不同于其它学科，它反映的东西是比较模糊的，也比较抽象的，因此，可以充分发挥自己的想象力，例如，在欣赏柴可夫斯基《天鹅湖》的场景时，可以想象一群长着翅膀如少女在宁静的湖面上翩翩起舞、若影若现，也可想象一群天鹅在湖面上轻轻
Classical此词和与之相关的词classic（最优秀的，经典的），classicism(古典主义、古典风格)，classicistic（古典主义的、古典风格的）等，用来指源自不同文化、品种繁多的音乐。词源是拉丁语classicus（最高阶层的公民，后来转指水平最高的作家），通过法语classique演化成英语classical和德语klassik。在最早的一种定义里（R.科特格雷夫；《英一法语言辞典》，1611年）将classique翻译为：“classical（经典的），formall（传统的），Orderlie（合乎规格），in due（整齐匀称）或 fitranke（排列适当的）；还有approved（可靠的），authenticall（被公认的），chief（主要的），Principall（首要的）。”在这里特保留其中两部分的意思并注释为：（1）形式严谨、训练有素，（2）优秀的典范；另外补充两点：（3）与古希腊或古拉丁语有关（《法兰西学院辞典》，1694），（4）与浪漫派的（romantic）相对立，后者被认为是“病态的，不合乎规则的”（歌德,十九世纪初期）。第二种解释在不同的几种释义中流行时间最长，传播范围最广。例如福克尔（Forkel）就曾在1802年按这种最普遍的释义使用“klassisch”一词来介绍J.S.巴赫主要的键盘作品（1808年译成英文时用的正是”classical”一词）。通常称颂诸如若斯坎的经文歌，帕莱斯特里纳的弥撒曲，库普兰的组曲，科雷利的协奏曲，亨德尔的清唱剧，舒伯特的艺术歌曲等作品的完美，往往同样也用这个词来形容。 文艺复兴后在意大利兴起的主调形式的新音乐，以贵族社会为背景，在德意志和奥地利各地繁荣昌盛起来。十八世纪末期在法国、意大利、德国音乐之间存在着的互相渗透的现象，曾为热衷于研究“奏鸣曲式”的奥妙和企图给“古典派风格”下一个定义的某些学者所忽视。甚至在还缺乏基本的风格上的研究的情况下，到十八世纪将要结束的时候，音乐上高度的统一趋势已遍及欧洲，这一点是显而易见的：这是一种有利于承认存在“古典”阶段，即使还不是“时期”的论据。当时那不勒斯、巴黎和柏林三地音乐的表述法，其类似点远远超过非类似点，这种形势在早五十年是不存在的，当时的评论家看到的只能是民族的差别。世界性的风格在所有的通都大邑得到了培育而产生，通过印刷和复制。极大规模地传播到西方文明世界的每个角落。创造这种不同民族共同使用的混合语（Lingu franca）无需依赖维也纳“古典派风格”；更确切地说，它的共同来源（即风格统一的真正核心）似乎应该在于意大利歌剧那种不容争议的统治一切的影响。登特（Dent）竟然到达这样的程度，他声称：“古典传统其实恰恰就是意大利传统” “古典主义”是一个相当不明确的词，它有几种不同而又相关的含义。一种不很恰当的法是将它指流行音乐以外的音乐，包括所有种类的严肃音乐，不管它是何时创作的以及为什么目的而写的。而此处我们所指的是大约1750年开始至1827年贝多芬逝世为止这一时期的音乐。 古典音乐是指十八世纪下半叶至十九世纪初，形成于维也纳的一种乐派，亦称“维也纳古典乐派”。以“交响乐之父”海顿（1732－1809）、“音乐天才”莫扎特（1756－1791）、“乐圣”贝多芬（1770－1827）为代表。其特点是：理智和情感的高度统一；深刻的思想内容与完美的艺术形式的高度统一。创作技法上，继承欧洲传统的复调与主调音乐的成就，并确立了近代鸣奏曲曲式的结构以及交响曲、协奏曲、各类室内乐的体裁和形式，对西洋音乐的发展有深远影响。 所谓“古典的”，准确地说，原是指古希腊和古罗马的“经典的古代”，那是西方文明两个伟大的时期。多少个世纪过去了，人们回顾往昔，而且企图借鉴那个时代的文化精华。在文艺复兴时期，人们已经这么做了，巴洛克初期亦然，但一直到十八世纪中叶才真正开始重新发现“古典”。特别是考古的发现，展现了一幅简朴、宏伟、宁静、有力、优雅的画面，这在新发掘出来的古希腊和南部意大利的神庙中十分典型。例如，1748年庞贝的发现，其中的遗物被画家临摹和雕刻家模制以广泛流传，理论家们研究它们构成的原则。历史学家和美学家们（其中最著名的为德国人温克尔曼）将它们称为“古典”并作为他们这一时代的典范，有
浅谈中西方古典音乐的审美差异 宗白华认为:“音乐深深地表现人类心灵最深最隐秘的情调与律动。音乐对于人心的和谐、行为的节奏,极有影响。”可见，音乐是人们生活中不可或缺的存在。作为意识形态差别巨大的中西方对音乐的审美必然也有不同之处。下面我们以中西方的古典音乐为例，探讨二者对音乐的审美差异。 首先我们来看中国古典音乐的发展脉络。中国的音乐源头可追溯到远古时期。这一时期被称为舞乐时期，是五声音阶。在黄帝时期就出现了箫和笛，被用于人们的祭祀、舞乐等，这都是具有文献可考的。到了周朝，音乐已经具有系统的理论以及传统。周朝六艺中的雅乐为中国的雅乐时期奠定了基础，雅乐具有节奏缓慢、曲调简单的特点。到后来由于外部文化入侵以及战乱的原因，周代的音乐传统礼仪音乐被打断，直到汉朝建立想恢复古代礼仪时不得不把当时的民歌作为创作曲子的来源，以期能复原古代礼仪。到了宋朝，音乐在说唱音乐、歌舞音乐以及乐器方面都有了进一步的发展，并且宋朝由前代的绝句诗发展出了长短句。元代的元杂剧，由诗转为词，词转为曲是其一大特色。杂剧基本是同现代西方歌剧的四幕剧一样的四折而组成。明代因大量的人口迁移以及资本主义萌芽，出现了南戏。清朝有皮簧、秦腔以民歌等音乐。被称为俚曲或通俗之曲的民间说唱形式已出现。从上面的发展历程来看，中国古典音乐最初是用于祭祀礼仪等庄严肃穆的场合，而后由于政治文化经济的变迁慢慢的从上到至下，从宫廷到民间，渐渐的走向了大众。 接下来我们来看西方古典音乐的发展脉络。古典音乐划分为狭义的古典音乐和广义的古典音乐。现在我们所说的便是广义的古典音乐。西方古典音乐的发展可大致分为四个时期：第一时期——巴洛克时期，这一时期可称为欧洲音乐迅速发展的时期。许多重要的声乐、器乐以及音乐体裁如歌剧、协奏曲等都已产生。这一时期的代表人物有德国音乐之父巴赫、意大利的维瓦尔第等。第二时期——古典主义时期，这一时期器乐已经完全独立。德国出现曼海姆乐派，首先确立了交响乐四个乐章的结构形式，为其后出现的维也纳古典乐派奠定了基础。这一时期代表人物有海顿、莫扎特、贝多芬等。第三时期——浪漫主义和民族乐派时期，这一时期的主旋律是浪漫主义，而民族乐派又是浪漫主义中最具代表性的乐派。民族乐派的形成与东欧、北欧的民主运动空前高涨有关。代表人物有西柳贝斯、斯美塔那等。第四时期——印象派时期，印象主义产生于欧洲十九世纪末，首先是在绘画中出现，然后才在音乐上被借用。这一时期作曲家们大胆的向浪漫主义的形式和风格提出挑战，印象派追求精致而优美的音乐语言。这一时期的代表人物有有德彪西、拉威尔等。